Le duo Jillian Tamaki / Mariko Tamaki (qui sont cousines dans leur vie) s'est fait connaître au fil de plusieurs collaborations en bande dessinée, dont This One Summer - Cet été là en VF, primé aux Eisner Awards, et qui a même eu droit à une adaptation (libre) en film par chez nous. Plus de dix ans après leur dernier graphic novel ensemble, les Tamaki se sont retrouvées autour de l'album Roaming, sorti en début d'année chez Rue de Sèvres sous l'intitulé New York, New York. Jillian Tamaki elle-même est venue depuis le Canada jusqu'en France pour défendre fièrement cet ouvrage au cours du Festival International de la Bande Dessinée (FIBD) d'Angoulême. C'est dans les couloirs de l'hôtel Mercure que nous l'avons retrouvée pour cette longue interview pour aborder son processus artistique, ses envies de narration et le travail qu'elle fait avec Mariko Tamaki sur New York, New York.
Pour celles et ceux qui n'ont pas peur de l'anglais, l'interview est également à découvrir au format podcast via First Print. Nous remercions Antoine Boudet qui s'est chargé de la retranscription VF de la discussion.
C'est vraiment un plaisir de vous avoir parmi nous, Jillian. Merci de nous consacrer un peu de votre temps.
C'est un plaisir. Merci de m'accueillir.
Pour ceux qui ne savent pas qui vous êtes, je commence toujours par la question la plus basique qui soit : pourriez-vous vous présenter un peu ? Qui êtes-vous ?
Bien sûr, c'est une grande question. Je m'appelle Jillian. J'habite à Toronto, au Canada. Je suis originaire de Calgary, dans la province d'Alberta. Je fais beaucoup de choses. Je suis indépendante depuis longtemps, mais vous savez... la bande dessinée, l'illustration... j'enseigne. Je fais une tonne d'illustrations différentes. Je travaille souvent avec ma cousine Mariko Tamaki, qui fait aussi beaucoup de super-héros.
Pouvez-vous nous parler un peu de votre histoire personnelle avec l'art ? Qu'est-ce qui vous a poussé à faire de l'illustration ?
J'étais l'un de ces enfants dont tout le monde disait qu'il deviendrait artiste parce que je dessinais tout le temps. Et puis, vous savez, je ne crois pas vraiment... Je crois au talent probablement un peu, mais pas tant que ça. Je pense que vous avez une petite aptitude et que les gens vous félicitent. Et quand vous êtes très jeune, cela signifie beaucoup, donc vous continuez à le faire et soudain, vous développez des compétences. J'étais un de ces enfants et je n'aimais pas tellement ça. Je me disais : « D'accord, mais ne me dites pas ce que je vais devenir, ne me dites pas ce que je dois faire de ma vie. » Du coup, même si j'aimais le dessin et que j'en faisais beaucoup, je voulais être vétérinaire ou faire quelque chose d'autre, explorer toutes ces autres voies. Parce que je n'aimais vraiment pas qu'on me dise que j'allais devenir artiste, alors...
Parce que c'était trop de pression pour vous ?
Non, c'est juste que personne n'aime que les gens leur disent qui il est, je pense. J'ai donc fait des mathématiques et des sciences au lycée, mais je n'étais pas très douée pour cela. Mais finalement, c'est comme ça, c'est ton talent. C'est ce en quoi vous êtes le plus fort. Je crois donc qu'il faut suivre ses points forts et les occasions qui se présentent. J'ai finalement fait un petit passage dans une école des beaux-arts et je me suis dit « ce n'est pas pour moi, je ne suis pas une artiste, je veux faire quelque chose de plus applicable et de plus pragmatique », quelque chose d'un peu plus intelligent sur le plan financier parce que mon père est comptable. Il n'y a pas d'artistes dans ma famille. Je n'avais pas de modèle pour devenir un artiste professionnel. J'ai donc fait une école de design en pensant que je deviendrais graphiste et que j'aurais un emploi normal avec un salaire. Mais le programme que j'ai suivi à l'Alberta College of Art and Design comportait beaucoup de cours d'illustration. Et j'étais bien meilleure dans ce domaine. Encore une fois, je me suis dit : « Zut, il faut que je suive ce que je sais faire. »
Et donc, à contrecœur, j'ai suivi cette voie. J'ai travaillé dans les jeux vidéo juste après l'école parce que, encore une fois, j'étais si timide à l'idée de devenir une dessinatrice professionnelle. Je me disais : « Bon, c'est un travail, c'est artistique et je travaille dans un domaine créatif, mais j'ai un vrai travail. » Puis j'ai fini par travailler au noir après les heures de travail, et j'ai eu suffisamment de clients pour devenir illustratrice indépendant. Puis j'ai commencé à faire des bandes dessinées à mon compte, et maintenant je consacre une grande partie de mon temps à faire des bandes dessinées et des livres. Tout s'est donc fait très progressivement. C'est une longue réponse à votre courte question.
Oui, c'est justement ce qui me plaît... Ça ne me dérange absolument pas. C'est un podcast, donc c'est mieux que si vous dites juste « Oui, j'aime les livres et j'aime dessiner. Merci beaucoup. C'était Jillian. Bye ! »
*rires* Exactement. C'est tellement drôle car j'enseigne aussi beaucoup et je pense que c'est très utile, quand on parle aux étudiants, de dire : « Je ne savais rien. Je ne savais pas que j'allais faire ça quand j'étais adolescente. En fait, j'ai vraiment résisté à l'idée de devenir artiste parce que cela ne me semblait pas très intelligent, pas viable. » J'étais du genre « je dois être responsable et je veux gagner de l'argent. » Ce n'est pas comme si j'avais dit que « j'en avais rien à faire de l'argent. Je veux juste être un artiste. » Non, non, non. Ce qui m'importe, c'est de pouvoir vivre et de faire tout ce que je veux. Il y a donc eu plein de très, très petites étapes pour devenir une artiste à plein temps.
Avez-vous eu un penchant pour les bandes dessinées quand vous étiez jeune ?
J'aimais lire les bandes dessinées comme le font beaucoup d'enfants en Amérique du Nord, en les lisant dans le journal. Il y avait des pages de bandes dessinées à la fin du journal, et je les lisais tous les jours. Nous avions les bandes dessinées Archie, que l'on pouvait acheter à l'épicerie et qui se trouvaient à hauteur d'enfant, à la caisse, lorsque l'on faisait ses courses. Alors je...
Corrigez-moi si je me trompe, mais il me semble que le « Archie dans les épiceries » remonte à très longtemps, dans les années 50, 60, mais vous n'êtes pas si âgée que ça.
Oui, mais ils les réimpriment tout le temps.
Ah oui, c'est vrai. Et ils le font toujours dans les magasins ?
Et ils renouvellent les illustrations. Il y a des bandes dessinées des années 50, puis des années 70, des années 2000 et des années 60, toutes mélangées. En fait, c'était très intéressant d'avoir ce recueil et d'avoir toute cette gamme de styles graphiques de tous ces artistes sur plusieurs décennies. J'ai vraiment commencé à être capable de distinguer les uns des autres. « J'aime Dan DeCarlo, j'aime ces styles et je n'aime pas vraiment ces styles. » J'ai l'impression d'avoir appris à dessiner en essayant de copier les bandes dessinées Archie. C'était quand j'étais enfant. Et puis j'ai arrêté de lire des comics parce que je pense que j'ai vieilli. Aujourd'hui, il y a une tonne de bandes dessinées, et c'est peut-être le cas en Europe, au Japon et ailleurs, mais il n'y avait pas vraiment d'industrie de la bande dessinée pour les gamins aux États-Unis, dans les années 80 et 90, n'est-ce pas ? Je n'ai donc pas lu de bandes dessinées pendant longtemps. Puis, lorsque j'étais à l'université, des amis m'ont fait découvrir les frères Hanuka, Daniel Clowes, Adrian Tomine et toutes les bandes dessinées indépendantes qui ont vu le jour dans les années 2000 et à la fin des années 90. C'est à ce moment-là que j'ai recommencé à lire des bandes dessinées et que je me suis dit « ohh ça, ça semble être quelque chose que je pourrais faire, je pourrais essayer. » Ça me plaisait beaucoup, mais je sentais aussi qu'il y avait une opportunité de faire des choses qui me plaisaient en tant que femme, parce que c'était surtout des hommes, à part Julie Doucet, que je rencontrais personnellement à ce moment-là.
Et surtout que vous n'étiez peut-être pas intéressée par les bandes dessinées grand public et les trucs de super-héros ? Mais je voulais aussi savoir parce que vous vivez au Canada et je suppose qu'il n'y a pas beaucoup de différences en termes d'accessibilité aux bandes dessinées avec les USA. Vous avez également des comicshops, le marché direct (système particulier de distribution des comics en Amerique du Nord depuis les années 80, ndlr), et vous pouvez trouver tout ce que vous voulez ici ?
Oui, je n'ai jamais été intéressé par les bandes dessinées grand public. Au Canada, il n'y a souvent pas de magasins de bandes dessinées indépendants, surtout là où j'allais à l'école, à Calgary. Elles étaient toutes regroupées. Il y avait des magasins qui vendaient beaucoup de bandes dessinées grand public et qui proposaient également une sélection de romans graphiques indépendants. Et je pense que c'est relativement récent d'avoir une librairie qui vend uniquement des romans graphiques. Mais même la grande librairie de Toronto, qui est la pierre angulaire des vendeurs de BD, The Beguiling, vend encore beaucoup de BD grand public, même si elle est connue pour être une librairie de BD indépendante.
OK, et donc à quel moment avez-vous décidé que vous, oui, vous alliez être une artiste de bande dessinée ou de roman graphique ? Je ne sais pas comment vous préférez le dire.
Ohh oui, je me considère comme une artiste de bandes dessinées. Je ne me sens pas vraiment mal à l'aise avec ce terme. C'est tellement drôle parce que je travaille parfois pour des magazines ou des journaux, et ils m'appellent pour du « roman graphique ». Ils appellent ça « un petit roman graphique » pour un truc d'une page. Je leur réponds « c'est bien d'appeler ça une bande dessinée. » *rires* La première bande dessinée que j'ai réalisée remonte à l'époque où je travaillais dans une société de jeux vidéo. J'avais 23 ans et je vivais seule pour la première fois. Je vivais dans une nouvelle ville, j'expérimentais beaucoup de choses nouvelles en tant qu'adulte pour la première fois et je cherchais à savoir comment vivre dans ce nouvel endroit, à Edmonton, Alberta.
Pour la première fois, j'ai eu envie de faire quelque chose à propos d'une expérience que je vivais, d'essayer de la comprendre et de la partager avec d'autres personnes. Et comment faire ? Je n'ai pas... C'est ce que je trouve merveilleux dans la bande dessinée : elle est très accessible. Vous n'avez pas besoin d'une tonne d'argent, vous n'avez pas besoin d'une tonne d'outils. Et je me suis dit : « Je sais dessiner, je ne sais pas vraiment écrire, mais je peux faire une BD sans mots ! » C'est donc la première bande dessinée que j'ai réalisée. C'était une mini-bande dessinée que j'ai imprimée moi-même et j'ai fait le tour de tous les magasins de bandes dessinées de la ville où je vivais. Et je l'ai envoyée par la poste à toutes les personnes que je connaissais. Je veux dire que je l'ai envoyée à Drawn & Quarterly, avec qui je publie maintenant, je l'ai simplement envoyée et je crois que j'en ai vendu un peu en ligne.
A-t-il été difficile de définir votre style de dessin ? Vous avez mentionné Daniel Clowes ou Adrian Tomine... Peut-être que Scott McCloud a également été l'une de vos influences ou non ?
Scott McCloud était définitivement l'une de ces personnes qui... Quand je suis devenu plus sérieuse, je me suis dit : « Je veux commencer à apprendre à faire des bandes dessinées. »J'ai lu une tonne de bandes dessinées et c'est évidemment une des personne qui a influencé ma façon de penser la bande dessinée, mais je ne sais pas si il a influencé mon propre dessin. Le style est une question très intéressante, car je ne pense pas avoir un style très fixe. Je pense que l'on peut toujours voir une filiation dans tout ce que je fais. J'espère que c'est le cas, mais en ce qui concerne certaines des qualités les plus superficielles de la création de marques et du graphisme, je pense que j'essaie de changer un peu de style. Mais je crois et j'espère que quelqu'un pourra voir les points communs ou les éléments fondamentaux de mon travail qui permettent de relier toutes ces techniques et approches différentes.
Parce que les styles de This One Summer et de Roaming sont un peu différents. Avec quoi travaillez-vous ? Êtes-vous une artiste traditionnelle ? Vous travaillez de manière numérique ?
Ces livres, Cet Été-là et Skim - notre premier livre avec Mariko - ont été réalisés de manière traditionnelle au pinceau et Roaming - ou New York, New York en France - a été réalisé de manière entièrement numérique, en partie parce que... je m'ennuyais avec le pinceau. J'ai fait beaucoup de travaux professionnels au pinceau. J'ai réalisé ces deux livres au pinceau et les gens adorent le pinceau parce que c'est très romantique. C'est très expressif, c'est magnifique. Mais j'en avais un peu marre parce que j'avais fait tellement de travail avec cette technique et j'étais arrivée à ce point merveilleux où c'est de l'encre, mais c'est presque comme un crayon pour moi, vous savez, parce que vous êtes tellement à l'aise avec. Mais à un moment donné, on a envie de relever un nouveau défi, n'est-ce pas ? Dans ce cas, le défi était la couleur, alors que les deux autres livres ne l'étaient pas. Je voulais donc faire quelque chose en couleur et le numérique s'est imposé. J'adore le style ligne claire d'Hergé, vous savez. Non pas que ce livre soit strictement en ligne claire, mais il s'en inspire un peu, je pense, et j'ai déjà fait des livres en plume d'oie et d'autres choses de ce genre.
Je n'ai pas lu toute votre bibliographie, car tout n'est pas accessible en France, mais vous ne faites que des romans graphiques, vous ne faites pas de bandes dessinées en série. Et je suppose que c'est aussi un choix, peut-être même parce que vous préférez la longueur d'un roman graphique ? Ou peut-être est-ce simplement une question d'audience entre les bandes dessinées et les romans graphiques aux États-Unis et au Canada ?
Oui, en Amérique du Nord, les bandes dessinées en série ont pratiquement disparu en termes d'impression. Même quand j'ai commencé, il y avait de petites séries comme Optic Nerve, vous savez, les séries d'Adrian Tomine. C'est vraiment dommage, car je pense que les bandes dessinées en série sont plus intéressantes d'un point de vue économique. C'est une lourde tâche que de dire à quelqu'un, surtout s'il sort d'une école d'art, qu'il doit maintenant aller faire un roman graphique géant de 300 ou 200 pages. Ce n'est pas vraiment... c'est une très grosse proposition. C'est vraiment difficile à faire, même en tant que professionnel. Je pense donc que les débutants se sentent obligés de présenter un roman graphique au lieu de se lancer dans la création d'une série. J'ai réalisé des travaux en série, en particulier la bande dessinée en ligne que j'ai réalisée de 2010 à 2015 - elle s'appelle Super Mutant Magic Academy, c'est un livre maintenant - mais elle est restée en ligne. Elle n'a pas vraiment été imprimée et j'ai eu l'impression que les bandes dessinées imprimées en série n'étaient pas viables. Malheureusement, en Amérique du Nord, c'est plutôt en ligne que ça se passe.
Et ce n'est pas quelque chose que vous voudriez faire ?
J'adorerais, mais je ne sais pas non plus... Il faudrait que je sois payé pour le faire d'une manière ou d'une autre, et je ne sais pas qui est prêt à payer pour ça.
Alors quoi, vous êtes une artiste et vous ne faites pas de la BD gratuitement ?
Je suis toujours une fille de comptable ! *rires* Je... C'est drôle que vous disiez ça parce que je parle beaucoup aux étudiants et l'argent est un sujet constant dont je parle parce que je ne pense pas que cela serve à qui que ce soit, surtout quand tu parles aux étudiants, de ne pas en tenir compte. Nous ne travaillons pas dans le vide, nous travaillons dans des industries et les industries sont très dépendantes de l'économie en général et de toutes ces choses, de la production et des coûts des matériaux et tout le reste. Je pense que c'est une chose à laquelle je réfléchis beaucoup.
Et je ne pourrais pas imaginer ne pas en tenir compte dans les projets que j'accepte et dans le type de livres... Je me disais que j'ai fait cette BD sur le web lorsque Tumblr était populaire, vous savez, dans les années 2010, et cela a totalement influencé la taille de ces pages. C'était cette plateforme. Et maintenant, cette plateforme n'existe plus. Et je ne sais pas s'il existe une plateforme d'édition de bandes dessinées en ligne sur laquelle je publierais parce qu'Instagram n'est pas le meilleur pour les séries de bandes dessinées. Elles doivent toutes avoir la même taille, les planches, donc la forme des bandes dessinées est tellement influencée par les plateformes sur lesquelles nous publions et l'économie dans laquelle nous faisons notre travail...
Mais vous pourriez simplement ouvrir un site web et poster les pages ou faire un Substack.
C'est vrai. Ou Patreon. Ce que beaucoup de gens font, oui. C'est certainement une possibilité à l’avenir.
Diriez-vous que les changements qui s'opèrent actuellement dans l'industrie de la bande dessinée sont positifs ou pensez-vous que vous auriez peut-être plus de mal à vous en sortir si vous le vouliez ?
Oh oui, pour le genre d'artiste que je suis, j'ai eu beaucoup de chance de grandir à l'époque où les bandes dessinées indépendantes étaient en vogue. Il y a eu la vague des années 2000 et quelques unes des années 90 de cette première vague dont je parlais, comme Daniel Clowes, Seth et Chester Brown. L'édition traditionnelle s'intéressait de plus en plus à la bande dessinée indépendante et en même temps, il y avait tant de festivals et tant d'énergie autour de la bande dessinée DIY et de la bande dessinée indépendante. Internet commençait à se développer, vous savez. La communauté était donc très présente en ligne et il y avait beaucoup d'énergie à l'époque. Par exemple, j'ai rencontré Raina Telgemeier, de Smile et de tous ces trucs. Nous allions ensemble à des concours et maintenant, regardez-la, elle est au sommet du monde ! Et elle faisait vraiment partie de cette équipe, tout était mélangé. Il n'y avait pas autant de divisions entre « Ohh vous faites des BD pour les enfants » et « Vous faites des BD pour les adultes ! »
Pour les jeunes adultes maintenant...
Oui, tout était mélangé dans cette scène 2000-10 de la bande dessinée indépendante en Amérique du Nord et j'ai l'impression que maintenant, c'est un peu moins informel, c'est plus professionnalisé.
C'est plus comme un marché.
Oui, et les gens y entrent. Les gens y arrivent avec des aspirations plus professionnelles, alors que j'ai l'impression que la plupart du temps, ce qui se passait dans les années 2000, ce n'était pas des hobbies, c'était très, très sérieux, mais c'était juste, je ne sais pas, c'était juste une attitude différente. Et je ne blâme pas les gens qui arrivent parce que les temps changent, n'est-ce pas ? Mais j'ai eu beaucoup de chance d'arriver au moment où je suis arrivé. Et j'avais un quelque chose qui était ce genre de livres dessinés de cette manière, mais qui parlait de jeunes femmes, et c'est tout. Je pense que cela a comblé un vide et que les gens étaient très enthousiastes, et c'est pourquoi j'ai eu certaines des opportunités que j'ai eues.
Comment choisissez-vous les projets sur lesquels vous travaillez ? Je veux dire, en particulier avec ceux que vous faites avec Mariko ?
Oui. Dans ce cas, nous avons commencé à travailler ensemble de manière très organique. Je dirais que beaucoup d'équipes de BD sont constituées par la rédaction ou l'éditeur, n'est-ce pas ? Ils achètent un scénario, sélectionnent un artiste qui leur semble convenir et les associent. C'est un peu comme un livre d'images traditionnel, ce que j'ai déjà fait. J'ai fait des illustrations pour le scénario de quelqu'un d'autre que je n'ai jamais rencontré. Mais oui, mais ce sont des livres d'images. C'est très typique des bandes dessinées. Je n'ai jamais fait cela. J'ai commencé à travailler avec ma cousine très tôt dans mon parcours de dessinateur de BD, vers le milieu des années 2000.
Vous saviez qu'elle écrivait en solo et qu'elle était... ?
Oui, elle commençait comme écrivaine, scénariste, actrice, artiste de performance, etc. Et elle a... Elle est tombée sur une opportunité à travers l'art de la performance féministe indie bricolée. Ses cercles étaient en train de kickstarter leur propre - pas littéralement, pas avec la plateforme Kickstarter - ils étaient en train de lancer leur propre petit projet de petits fascicules de bandes dessinées, une courte série. Un ami lui a dit : « Hé, tu veux faire une de ces bandes dessinées ? J'associe des gens qui n'ont jamais écrit de BD à des gens qui n'ont jamais dessiné de BD, et je suis juste… »
"Qu'est-ce qui pourrait mal tourner ?"
C'est vraiment cool ! Ouais. C'était tellement libre ! « Voyons ce qui va se passer » et cette attitude me manque un peu, n'est-ce pas ? J'ai reçu de l'argent du gouvernement canadien, et vous pouviez avoir 1000 dollars pour faire ce truc. Ma cousine a donc entendu parler de cette opportunité. « Ma cousine Jillian vient d'être diplômée d'une école d'art. Elle veut peut-être faire cette bande dessinée de 24 pages avec moi. » Et j'ai dit oui, parce que je commençais à faire des bandes dessinées par moi-même, donc c'était notre première petite ébauche de bande dessinée et ça a fini par être la chose que nous pouvions emmener et ensuite nous l'avons vendue pour faire un roman graphique plus important.
Donc oui, encore une fois, cela semble tellement magique rétrospectivement de se dire « Mettons tous ces gens qui n'ont jamais fait de bande dessinée ensemble et voyons ce qui se passe. » Mais c'est ce qu'il faut, je pense, pour amener de nouvelles personnes, n'est-ce pas ? Et c'était une façon merveilleuse de commencer parce que ce n'était pas un roman graphique de 400 pages, c'était juste une petite chose de 24 pages qui avait un tirage très limité et ce n'était pas... C'était très peu stressant. Je pense qu'il y a une telle valeur dans les projets à faible enjeu pour lesquels vous n'êtes pas payé, mais vous apprenez et vous vous faites les dents. Il y a une vraie valeur à cela.
De Cet Été-là à New York New York, les histoires que vous écrivez s'inscrivent dans notre monde contemporain. On pourrait dire qu'il s'agit de tranches de vie. Vous ne mettez pas d'éléments fantastiques ou de science-fiction. Est-ce quelque chose que vous préférez faire ? Vous préférez parler des gens dans la vraie vie ?
Oui, et j'ai toujours été comme ça. Même quand j'étais enfant, je n'ai jamais vraiment aimé la fantasy. Je n'aimais pas la science-fiction, ce qui est amusant parce que ma mère est une énorme geek. C'est une super fan de Star Trek, Star Wars, de tout ce qui touche à la science-fiction. Quand nous étions enfants, elle nous montrait Dark Crystal et Labyrinth. C'est une vraie intello. Mais moi-même, je pense que j'ai toujours été très attirée par la réalité. C'est toujours comme si la réalité était exacerbée. Mais oui, je trouve très satisfaisant de reproduire le monde réel en miniature. Et surtout New York, New York, c'est un lieu tellement spécifique pour moi le New York de 2009. C'est un lieu et une époque si spécifiques. J'aime ce défi qui consiste à essayer de réduire le monde, vous savez ? Je trouve cela amusant. Par exemple, les coupes de cheveux des gens en 2009, à la fois longues et hérissées, et le fait de les reproduire sur des personnages pour un livre, c'est tout simplement hilarant pour moi. Mais entre ces deux livres, Cet Été-là et Roaming/New York New York... Le défi que je me suis lancé pour Cet Été-là était d'être assez traditionnel, assez direct, de ne pas avoir d'éléments surréalistes et de rester assez fidèle à la structure de l'œuvre. Vous savez, je ne voulais pas avoir beaucoup d'astuces formelles. Je ne veux pas parler d'inventivité, mais je voulais que le livre reste très, très simple, de manière à ce qu'il colle très étroitement à la réalité. Mais avec cet autre livre, Roaming, j'ai voulu briser cela parce qu'il s'agit de femmes, de jeunes gens, dans le vaste monde, vous savez, et ils sont comme de petites personnes minuscules qui sont ballottées dans cet univers, n'est-ce pas ? Il y a donc beaucoup plus d'espièglerie et d'expérimentation dans la mise en page et aussi dans l’imagerie...
Moins de cases...
Oui, oui. Il y a plus de surréalisme dans Roaming pour accentuer leur état émotionnel et leur état de conscience. Quand ils planent, ils flottent dans l'univers, quand ils ressentent de l'amour, ils volent avec des papillons, tout ça. Il y a donc un élément surréaliste que j'essayais d'utiliser pour renforcer l'émotion de cette histoire.
Je crois avoir lu que c'était une idée de vous à l'origine, que vous vouliez faire un nouveau roman graphique avec Mariko. Je suppose qu'il s'agit d'une sorte d'histoire autobiographique ou non ?
Non, ce n'est pas autobiographique... Les livres que nous faisons sont autobiographiques et s'inspirent de situations réelles. Par exemple, Cet Été-là, ma cousine a écrit ce scénario. Elle passait l'été dans un chalet similaire, pendant quelques semaines chaque année. Mais les similitudes s'arrêtent là. Dans mon cas, pour New York, New York, j'étais allée à New York pour la première fois en tant qu'étudiante lors de ma première année d'université, avec une amie que je connaissais - je n'étais pas sa meilleure amie, je ne l'avais pas rencontrée, c'était une correspondante - et elle a amené une autre amie que je n'avais jamais rencontrée auparavant... mais tout le reste est complètement fictif. C'est comme si le tout premier noyau était une sorte de vérité dans la situation. Mais tout ce qui se passe ensuite est fictif. En fait, c'est très inspiré par le temps que j'ai passé à New York, où j'ai vécu pendant dix ans. J'ai donc essayé de comprendre ma relation avec cet endroit en tant qu'ancienne New-Yorkaise.
Qu'est-ce que New York a de si spécial pour vous ?
L’énergie, la tension et les gens. Les New-Yorkais me manquent tous les jours. Je suis retournée à Toronto, j'adore Toronto, mais il y a quelque chose chez les Torontois qui fait que les New-Yorkais me manquent. Il y a un peu de décalage là-dedans. Un peu. Il fait froid. Ils sont très polis, mais ils ne sont pas chaleureux, vous savez, alors que j'ai l'impression qu'un New-Yorkais... Ils sont très clairs avec vous. Si vous vous mettez dans le mauvais sens dans la rue, ils vont vous le dire, ils vont vous crier « Dégagez, vous bloquez le passage ! » Mais ils vous diront aussi « J'adore ton manteau ! » Ils sont plus ouverts de cette façon. Et ça me manque vraiment. On peut entamer une conversation - c'est peut-être le cas des Américains en général - avec n'importe qui, n'importe où. Et ça me manque vraiment, vraiment. Il y a donc cela. Et puis, c'était génial d'être artiste là-bas, parce qu'on était entouré de toutes ces œuvres d'art extraordinaires - c'est probablement la même chose qu'à Paris, n'est-ce pas ? - Vous avez le meilleur du meilleur que vous puissiez observer.
Mais en plus de cela, chaque personne à New York - pas chaque personne, mais beaucoup d'artistes à New York - est une personnalité de type A, la personne la plus motivée de sa ville ou de son pays, et elle vient à New York. Vous avez donc une ville composée de personnes très motivées et très ambitieuses. Et cette énergie vous propulse vers le haut, vous savez, parce qu'ils vous mettent au défi et cette compétitivité accélère vraiment votre croissance. Vous vous poussez les uns les autres et vous pouvez vraiment améliorer très rapidement et considérablement vos compétences dans un environnement comme celui-là. Cette énergie et cette compétitivité m'ont été très utiles pendant un certain temps. À un moment donné, je pense que cela a cessé de m'être utile. Mais il est étonnant de constater que la tension et ce type d'énergie peuvent vraiment transformer un artiste.
Et je suppose que vous n'avez pas eu à faire de recherches parce que vous avez vécu là pendant 10 ans, vous n'avez eu qu'à choisir les meilleurs endroits que vous vouliez dessiner et...
Ohh, j’ai fait une tonne de recherches.
Ah oui ?
Oui, une grande partie de ma mémoire était... Par exemple, ils vont à Uniqlo, et Uniqlo était nouveau à l'époque et les gens perdaient la tête. C'est ce que je voulais. C'était très fidèle à cette époque à New York, comme les années précédentes. « Un Uniqlo ici ? Oh mon Dieu ! »
Vous l'avez déjà mentionné, mais 2009 a été une année vraiment spéciale pour vous ou pour New York ?
C'est juste que c'est le New York que je connais. J'y ai emménagé en 2005 et j'en suis parti en 2015. C'est donc en plein milieu du New York dont je me souviens. Parce que les villes changent, n'est-ce pas ? Ce New York-là n'existe plus. Les villes se refont chaque jour, chaque année. Mais pour en revenir à la recherche, je voulais aller prendre des photos comme je l'ai fait pour chaque livre, mais le COVID est arrivé, ils ont fermé la frontière entre le Canada et les États-Unis, donc je n'ai pas pu y aller et prendre des photos de référence. Mais en même temps, comme je viens de le dire, la ville a tellement changé. Ce n'est plus vraiment la même ville qu'en 2009. Il a donc fallu faire beaucoup de recherches pour obtenir les détails exacts en allant sur Internet et sur Flickr. Je ne sais pas si vous vous souvenez de cette plateforme, mais...
Je n'ai même pas eu le temps de l'utiliser. Elle avait déjà disparu.
Oui, exactement. C'était déjà fini. Mais c'était une plateforme. Encore une fois, nous évoquions les plates-formes et la façon dont elles vivent et meurent. C'était très populaire à l'époque. Tous les touristes qui se rendaient à New York téléchargeaient toutes leurs photos sur Flickr et YouTube, et c'est incroyable ce que les gens ont mis en ligne. Par exemple, il y a une scène dans le magasin phare de M&M's à Times Square qui est un bâtiment fou qui ressemble à un M&M's. Les gens ont pris des vidéos de 20 minutes se baladant dans le magasin et montrant tout ce qu'il y avait à l'intérieur. Et on se dit : « À qui est destinée cette vidéo ? » Mais en fait : c'était pour moi ! *rires* 12 ans plus tard ! Dieu merci, quelqu'un a pris ces vidéos folles de l'aéroport de Newark, des photos des sièges et d'autres choses. Et je me dis « Dieu merci, ils l'ont fait parce que j'ai pu faire ce livre. » Je ne peux pas me contenter de faire... Il faut que les détails soient corrects. On ne peut pas simplement mettre un siège dans l'aéroport. C'est l'aéroport de Newark en 2009. J'avais besoin d'un modèle de siège spécifique, qui existait déjà, et je devais donc trouver à quoi il ressemblait. S'agissait-il d'une rangée de sièges ? Y avait-il un siège derrière ? Pour tous ces détails, je ne peux pas faire semblant, il faut que ce soit parfaitement exact, sinon ça va me rendre fou. Il y a donc eu beaucoup de recherches, oui.
Je me suis trompé.
*rires* Non, c'est juste que... C'est tellement drôle parce que c'est censé être complètement invisible, pourtant. Vous n'êtes pas censé remarquer ce genre de choses, n'est-ce pas ? C'est fait pour être ressenti comme tel. Vous voyez ce que je veux dire ? Quand vous faites toutes ces recherches, vous vous dites « personne ne va s'intéresser à ça » mais moi je m'y intéresse et je pense aussi que ça donne une impression de réel d'une manière très subliminale.
Est-il difficile de faire un bon chara-design ? Il y a le dessin, l'apparence, mais aussi, je suppose, la relation entre l'apparence et le comportement.
C'est une excellente question.
Oui, j'en ai une. Les dix autres avant étaient minables, mais celle-ci...
*rires* Non, elles sont toutes géniales, et celle-ci l'est encore plus ! *rires*
En fait, je n'aime pas beaucoup la conception de personnages. Je l'aborde de manière plus pragmatique, comme s'ils devaient avoir l'air vraiment différents parce que parfois vous allez les dessiner de très loin et vous devez être capable de les différencier. Il est donc très utile que l'un d'entre eux soit petit, l'autre grand, l'autre plus grand, l'un d'entre eux ait les cheveux courts, l'autre les cheveux longs, et qu'ils aient des cheveux de couleurs différentes. C'est un peu comme ça qu'on peut les distinguer. Bien sûr, je pense que l'aspect secondaire - et c'est toujours le cas, qu'il s'agisse de la disposition des panneaux, des vêtements ou de quoi que ce soit d'autre - doit mettre en valeur leur personnalité.
Par exemple, dans Roaming, le personnage de Fiona est très exubérant, très bruyant et très soucieux de son individualité. Elle devait donc porter des vêtements différents tous les jours, ainsi que de nombreux bijoux, et elle n'est pas du genre à porter les mêmes bijoux tous les jours. Elle devait porter des bijoux différents chaque jour, ce qui, je pense, était très fidèle à son personnage, et elle devait porter des chaussures différentes chaque jour, et ses cheveux devaient être différents chaque jour. Et c'est très fidèle à la personnalité de ce personnage. Cependant, ma vie aurait été beaucoup plus facile en tant qu'artiste si elle avait pu porter la même chose tous les jours. Et je n'aurais pas eu à me demander de quel côté se trouve sa pince à cheveux. Sa bague est à l'annulaire gauche. J'ai dû demander à quelqu'un chez l'éditeur de parcourir tout le livre pour s'assurer que ses boucles d'oreilles étaient dans la bonne oreille, que ses bagues étaient sur le bon doigt, etc. La continuité était donc très difficile, mais c'était ce qui était approprié pour ce personnage, oui.
Et je suppose que vous avez aussi choisi d'avoir trois personnages parce que la dynamique d'un groupe est plus intéressante du point de vue de l'histoire ?
Oh, oui. Je suppose que c'est une sorte de triangle amoureux, d'une certaine manière. Mais vous avez raison. Il y a des voyages... On peut être ami avec quelqu'un, mais c'est tout à fait différent de voyager avec quelqu'un. Il y a des amis avec lesquels on n'est pas fait pour voyager. Alors oui, je pense que les trois ont créé une belle attraction, comme une sorte de poussée et de traction. Vous savez, quand vous voyagez avec des gens, j'ai l'impression que si vous voyagez dans un petit groupe comme celui-là, chacun a ses points forts. Certaines personnes sont très douées pour trouver de la bonne nourriture ou du bon café. D'autres sont très organisés, ce sont eux qui réservent les billets et qui s'assurent que vous arrivez à l'heure au train. Ce sont elles qui savent comment utiliser le métro. Ou alors, ce sont eux qui ont trouvé comment regarder une vidéo sur YouTube pour savoir comment utiliser un taxi ou autre chose. Il y a donc ces personnes et d'autres qui sont spontanées et qui peuvent vous emporter et vous pousser à faire quelque chose qui sort un peu des sentiers battus, et c'est le moment le plus magique. Dans un groupe comme celui-là, tout le monde a sa force. Et puis tout le monde a aussi ses mauvais côtés, comme lorsqu'ils deviennent vraiment méchants quand ils ont faim. « Oh oh, quelqu'un a faim, il faut qu'on aille chercher un croissant parce qu'elle va perdre la tête. » Et puis quelqu'un est trop timide ou trop téméraire. C'est ce qui fait la beauté d'un groupe de trois personnes : on peut explorer toutes leurs forces et leurs faiblesses, ce qu'elles apportent au groupe et comment elles s'opposent, etc.
J'ai vraiment l'impression que le but de New York, New York était aussi de parler de la façon dont on grandit, de grandir en général, parce qu'à la fin, ils ne se sont pas vus depuis longtemps et ils découvrent tout au long du week-end qu'ils ont peut-être changé. Est-ce quelque chose d'important pour vous, parce que vous avez peut-être vécu une expérience similaire avec un ami ou... ?
Vous ne pensez pas que le changement est la chose la plus horrible au monde ? *rires*
Oui, mais parce que vous semblez... J'ai la nostalgie d'une amitié que j'ai eue il y a 10 ans, alors la scène dans le parc quand ils...
Je sais... C'est comme... Je pense que l'amitié... Vous changez et votre ami change - ce qui arrive souvent dans l'enfance, mais en fait j'apprends que cela continue à l'âge adulte - c'est tellement mélancolique pour moi et c'est si triste et difficile. C'est donc le fil conducteur de tous nos livres avec Mariko : Skim, Cet Été-là et ce livre, où vous avez les premiers indices que vous vous éloignez l'une de l'autre, mais vous êtes un peu dans le déni de ce qui est en train de se passer réellement parce que même si vous changez nécessairement, c'est très douloureux. Et c'est la dynamique entre les deux vieux amis, Zoe et Danny. Zoe est en train de changer en tant qu'être humain et Danny ne veut pas la laisser partir, mais cela n'annule pas leur ancienne relation et amitié. Mais c'est juste la vie. Mais c'est tellement douloureux et il n'y a jamais vraiment de conclusion à tirer. C'est juste que nous essayons de capturer cette douleur exquise de grandir et de changer. Vous ne vous réveillez jamais un jour et vous êtes comme une nouvelle personne. C'est toujours une période de transition et tout le monde autour de vous est confus et se demande ce qui se passe. Il faut s'en détacher, parfois il faut même le rejeter, parce que c'est ce qui doit se passer. Mais cela ne rend pas les choses moins douloureuses.
Parce que même dans le livre, vous avez une conclusion ouverte, toutes les intrigues ne sont pas résolues, vous les laissez simplement partir. Est-ce difficile de ne pas avoir une fin directe ?
J'adore ça parce que je ne sais pas ce qui va se passer. J'ai des pressentiments, mais je ne sais pas non plus ce qui va arriver à ces personnages. Et je pense que c'est très canadien en fait. Certains de nos meilleurs écrivains sont des femmes, des auteurs de nouvelles. Alice Monroe est l'une de mes écrivaines préférées et l'une de nos écrivaines les plus aimées. Ce qu'elle fait, c'est qu'elle est le maître des histoires courtes. Elle prend un incident dans la vie de quelqu'un ou une brève période de la vie de quelqu'un, et dans cette brève période, elle donne des indices sur ce qui a amené ce personnage là et sur la vie que cette personne a eue avant et pourquoi elle se trouve dans la situation où elle est maintenant. Et de la même manière, pas comme un épilogue, mais elle laissera tomber des choses qui feront allusion à la vie après cette histoire. C'est tissé dans l'histoire. Ce n'est pas comme si c'était ajouté au début et à la fin. C'est comme si c'était tissé dans l'histoire elle-même. Je pense que j'ai été très influencée par ce style très organique qui consiste à faire allusion à ce qui se passe avant et à ce qui se passe après. C'est donc une grande influence pour moi, mais je ne sais pas non plus ce qui leur arrive.
Vous ne ferez probablement pas de suite à New York, New York.
Oui, c'est comme si je n'arrivais pas à penser à une... Je ne sais pas. La seule chose que je pourrais imaginer reprendre, c'est Super Mutant Magic Academy, où ils seraient tous adultes et travailleraient dans des cafés ou quelque chose comme ça.
Est-ce qu'il est difficile de créer une atmosphère pour chaque scène ? Parce qu'il y a des moments très difficiles, surtout quand à la fin Fiona traverse quelque chose de très éprouvant. Comment faites-vous ressentir la tension d'une situation ?
C'est une excellente question.
La deuxième, je m'améliore *rires*
*rires* Il y a beaucoup de façons différentes, n'est-ce pas ? Une grande partie de ma narration passe par le langage corporel...
C'était ma prochaine question, justement !
C'est une partie du travail, mais je le réserve pour la prochaine question. Ce qui m'a sauté aux yeux lorsque vous m'avez posé la question, c'est : certaines mises en page et leurs rythmes. Vous pouvez accélérer le temps, vous pouvez le comprimer et vous pouvez l'allonger grâce à ce rythme, grâce aux cases, et à leur taille, vous savez... On peut donc faire traîner le temps, le comprimer, accélérer l'action et agrandir les cases. On peut obtenir une sorte d'explosion en faisant une page à fond perdu où l'on réunit toutes les cases. Mon premier réflexe est de parler de la mise en page. Par exemple, elles se disputent avec un chauffeur de taxi qui est un jeune homme de leur âge, mais qui a une vie totalement différente qui mène à ce moment : il travaille. Et elles le maltraitent un peu, vous voyez ? Je ne vais pas dire ce qui se passe, mais il est vraiment en colère contre elles. Ce n'est pas un simple prestataire de services. Alors que dans ces villes, les touristes traitent parfois les locaux comme des domestiques et le moment se brise. C'est une vraie personne et il est vraiment en colère contre elles. Il y a donc une grande case de son visage et j'ai pris le temps de vraiment assombrir son visage, plus que n'importe quel autre personnage, même les personnages principaux du livre. Il a donc une grande case et son visage est très travaillé, plus que celui de tous les autres personnages, pour qu'il devienne une vraie personne, ce qui, je l'espère, augmentera l'intensité. En fait, je pense que c'est davantage par le biais de certains choix formels que l'on peut augmenter l'intensité d'une scène.
Ma question suivante portait donc sur le langage corporel, que je l'ai beaucoup apprécié. Il y a tellement de choses qui se passent avec un simple coup d'œil ou avec le mouvement des mains, et vous avez vraiment pris le temps, sur différentes pages, de montrer des corps qui interagissent, sans dialogue. Je voulais savoir quelle était l'importance du langage corporel en termes de conception narrative.
Enormément. Je pense que j'ai eu un peu de chance dans ma scolarité car, encore une fois, le programme que j'ai suivi était tellement démodé que nous avons fait une tonne de projets sur l'anatomie de notre squelette. Nous devions apprendre les schémas musculaires, nous faisions une tonne de dessins académiques. Nous avions des séances de trois heures de dessin d'après nature, des séances de peinture d'après nature... On s'inspirait beaucoup du corps et on étudiait la mécanique corporelle. J'ai toujours été attirée par cela, mais je pense que je suis tombée par inadvertance sur un programme qui encourageait cela. L'expression corporelle est donc un élément essentiel de ma narration personnelle, car je pense qu'elle est très puissante, n'est-ce pas ? Je le dis tout le temps, mais si votre ami ou votre partenaire entre dans une pièce, vous pouvez dire en une fraction de seconde si quelque chose ne va pas chez lui. Vous vous dites « Qu'est-ce qui ne va pas ? Tu vas bien ? » Juste à la façon dont ils se tiennent, leurs petites expressions ou les petits mouvements de leur visage, vous pouvez savoir si quelque chose ne va pas ou si quelque chose va bien. J'essaie donc de m'en inspirer et de raconter l'histoire à travers ces personnages. Et il n'est pas nécessaire que ce soit évident. Cela peut être vraiment, vraiment discret. Il faut donc faire confiance au lecteur pour qu'il s'en rende compte.
Vous avez mentionné précédemment que vous aviez réalisé New York, New York en numérique parce que vous vouliez utiliser des couleurs. Mais vous n'utilisez pas une palette de couleurs très variée, vous vous contentez d'une ambiance de couleurs, plutôt...
Oui, c'est vrai.
Quels ont été vos choix lorsque vous avez décidé d'utiliser des couleurs ? Pas beaucoup, pas trop...
La vérité, c'est que je n'aime pas vraiment travailler en couleur.
Vous m'avez donc menti. Super !
*rires*
Je voulais faire un livre en couleur parce que je pense que... C'est une réflexion un peu cynique sur l'argent. Je pense qu'il y a maintenant une attente... Ce n'était pas le cas lorsque j'ai commencé, où les bandes dessinées en noir et blanc étaient mieux acceptées. Maintenant, je pense que les romans graphiques sont très colorés, en particulier pour les jeunes adultes, et qu'il y a une attente de couleur d'une certaine manière. Je voulais donc faire un livre en couleur et c'est un autre défi. Mais j'adore le noir et blanc. Je pense que les possibilités de l'art en noir et blanc sont presque infinies. Je voulais que ce soit en couleur, que la couleur soit complémentaire, mais je voulais quand même que tout soit intégré dans un travail pictural en noir et blanc. Les couleurs sont donc quelque peu atténuées, elles n'ont pas une grande signification en elles-mêmes. Avec Cet Été-là, il y avait - du moins dans l'édition américaine - une sorte de bleu pourpre qui évoquait un sentiment de mélancolie et de nostalgie. Personnellement, je ne pense pas que ces couleurs aient une grande signification, c'est pourquoi je les ai plutôt choisies comme des couleurs de travail. Mais elles étaient là pour s'asseoir un peu en arrière et laisser le noir briller, oui.
Dans New York, New York, il y a aussi un peu de nudité et d'amour lesbien. Et j'ai lu que Cet Été-là figurait parfois sur la liste des livres interdits pour ce genre de thèmes. Alors, où se situe votre retenue dans la représentation de ce genre de relation amoureuse ? Parce que visiblement interdire des livres étaient toujours d'actualité aux États-Unis et en Amérique du Nord.
Cet Été-là a été beaucoup, beaucoup banni. Ce qui craint. Je pense que c'est vraiment horrible. Et donc une partie de « This One Summer »… *en français* « Cet Été-là »…
Pourriez-vous le répéter ?
*en français* « Cet Été-là »...?
Oui oui très bien.
*rires* Ok, parfait, j'ai eu peur !
Nan j'ai juste été surpris.
J'ai fait trois ans de français en immersion. Au Canada, on apprend un peu de français, mais c'est du français québécois et je suis nulle. Quoi qu'il en soit, il a remporté de grands prix pour les jeunes lecteurs et c'est de là que viennent la plupart des livres interdits, des livres d'images et des livres pour les jeunes lecteurs, parce que c'est comme si nous voulions…
Protéger.
Comme si nous ne pouvions pas les laisser savoir qu'il y a des choses angoissantes dans la vie. Ce livre, nous avons intentionnellement précisé qu'il ne s'agissait pas d'un livre pour jeunes adultes, que c'était un livre pour adultes. Je crois qu'il existe maintenant un autre terme, celui de « nouvel adulte ». Ce n'est pas du Young Adult, c'est New Adult. Nous devons toujours inventer de nouvelles choses, de nouvelles catégories…
C’est juste du marketing.
Complètement, à 100 %. C'est juste des catégories, n'est-ce pas ? Pour des bibliothèques et des librairies, qui sont des parties importantes de l'écosystème du livre, ces catégories sont utiles d'une certaine manière, je suppose. Mais nous l'avons fait intentionnellement. Ce sont des adultes, ce sont des jeunes, mais elles ont 19 ans, ce sont des adultes qui font des choses d’adultes. C'était donc un choix de pouvoir montrer cela, et de ne pas essayer de viser un public de jeunes adultes.
Vous n'aviez donc pas de suivi éditorial pour ce genre de scène ou en général ? Est-ce que vous avez un référent qui peut vous dire « tu peux faire ceci ou tu devrais faire cela » ?
En fait, non. Nous avons été très, très chanceux parce que je ne pense pas être une personne très sombre. Ce n'est pas comme si je refoulais beaucoup de choses ou que j'aimais écrire des meurtres, mais que je ne pouvais pas le faire parce que ce n'est pas vendeur. Ce n'est pas du tout ça. En réalité, je pense que beaucoup de jeunes et d'adolescents plus âgés aimeraient probablement New York, New York, mais nous n'allons pas nous adresser techniquement à eux. Et c'est un peu un soulagement de ne pas avoir à s'inquiéter de cet examen minutieux parce que c'est aussi pour les adultes. Je n'ai donc pas l'impression que cela change quoi que ce soit à mon approche. Je le répète, c'est juste que cela convenait à l'histoire.
Et que pouvez-vous nous dire à propos de votre avenir ?
Le futur... OK. Comme je l'ai dit, ce livre, presque 440 pages ou quelque chose comme ça...
C'est vraiment énorme.
Il a été entièrement réalisé en numérique. C'est donc beaucoup de temps passé devant l'ordinateur ou sur l'iPad. J'ai en quelque sorte oscillé entre Photoshop et Procreate pour celui-ci. Je suis donc beaucoup en numérique depuis des années. Et maintenant, en réaction, je veux faire quelque chose de très artisanal et d'analogique. Par ailleurs, c'est une autre planète, mais je fais beaucoup de textiles, comme du quilt, de la broderie et de l'applique, et je le fais davantage dans le cadre de ma carrière d'illustratrice. J'ai brodé des couvertures de livres et d'autres choses de ce genre, mais je veux essayer d'intégrer des histoires narratives dans le tissu, le textile, la couture et d'autres choses de ce genre. J'y travaille donc.
Merci encore pour votre temps, Jillian, c'était vraiment un plaisir de discuter avec vous. Merci.
