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C'est l'un des plus grands artistes de la bande dessinée américaine, même s'il se refusera à le reconnaître. Michael Gaydos était présent sur le vieux continent ce printemps, à l'occasion de l'édition 2025 du festival FACTS qui se tenait comme d'habitude à Gand, en Belgique. Une convention qu'on ne pourra que vous recommander tant elle permet une certaine accessibilité des artistes auprès des lecteurs et lectrices. Mais aussi parce que les mêmes artistes prennent le temps de répondre à nos questions lorsqu'on vient les voir.

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Nous sommes donc ravi de vous proposer cet entretien en compagnie de Michael Gaydos, où nous revenons - nous sommes obligés, c'est la première fois qu'on lui parle - sur sa co-création de Jessica Jones, son travail avec Bendis (notamment Pearl) mais aussi de façon plus générale de création en comics indé (en évoquant aussi le Beneath qui doit bientôt arriver au format physique). Une discussion que vous pouvez également retrouver à l'audio (et en anglais) en podcast via First Print si vous préférez ce format.

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Nous remercions chaleureusement Clément Boitrelle qui s'est occupé de la traduction et retranscription de l'interview. Remerciements également à Stefan van de Walle, Peter Vermaele et Rémi Lach.

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Merci beaucoup Michael Gaydos de votre présence, bienvenue ! Ma première question sera au sujet de Jessica Jones, mais juste avant, comme il s’agit de votre première venue dans notre podcast, pourriez-vous vous présenter brièvement ?

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Eh bien je dirais que j’ai toujours voulu être dessinateur de comics. Je m’estime très heureux aujourd’hui d’avoir pu réaliser mon rêve ! J’ai quasiment travaillé avec toutes les maisons d’éditions possibles ! Et cela fait trente-cinq ans que je fais ce métier ! J’ai la chance de pouvoir gagner ma vie en faisant ce que j’adore.

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J’ai lu dans une interview que vous rêviez de cette carrière dès l’âge de cinq ans ! Pourquoi au juste ?

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Je suis tout simplement tombé amoureux des comics ! Que ce soient les costumes, le dessin. Je suis né en 1966, la même année que la diffusion de la série télévisée Batman. J’ai donc grandi en la regardant. J’ai toujours eu une affinité avec le personnage de Batman. J’étais également beaucoup attiré par ce que l’on pourrait appeler les premiers animés telles que Speedracer, Gatchaman aussi connu sous le titre La Bataille des Planètes. J’aimais beaucoup la Justice League également. Mais j’avais un oncle qui était collectionneur de comics et qui m’avait offert certains de ses numéros. Il dessinait un petit peu également. Il me dessinait des super-héros. Mes amis aimaient également cet univers, nous dessinions ensemble nos propres récits de super-héros. C’est comme ça que tout a commencé. A cette époque j’aimais beaucoup John Byrne et je rêvais de devenir le nouveau John Byrne ! J’aimais beaucoup aussi le travail de Frank Miller. Arrivé à l’université, je ne m’y connaissais pas vraiment en beaux-arts. Aussi, quand j’ai commencé à les étudier, cela m’a vraiment fasciné ! Ma façon d’appréhender le dessin et l’art en général a complètement changé. Je ne voulais plus forcément travailler dans les super-héros. C’est également à la même époque que les univers des beaux-arts et de l’illustration commencèrent à se mélanger. Je pense par exemple à des artistes comme [Bill] Sienkiewicz, Kent Williams, George Pratt et Jon Muth qui réalisèrent des albums. Ces derniers étaient très influencés par les beaux-arts. Les travaux de Matt Mahurin et Brad Holland étaient également très influents. C’était donc la jonction parfaite pour moi entre ces deux univers. C’est vraiment ce qui m’a motivé à continuer dans cette direction.

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Vous rêvez dorénavant de devenir le nouveau Sienkiewicz ?

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Exactement !

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A-t-il été difficile à l’époque de se faire une place dans cette industrie ?

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J’avais la chance de connaître des personnes dans le milieu. Un ami de fac connaissait le duo Kevin Eastman et Peter Laird, les créateurs des Tortues Ninjas. Il a fini par être embauché chez eux et a déménagé à Northampton. Pour mon projet de fin d’études, j’ai décidé de réaliser un comic-book d’environ vingt pages, tout en couleurs. J’ai eu l’occasion de le montrer à Kevin Eastman qui venait tout juste de fonder Tundra Publishing. Il a beaucoup aimé mon travail et était partant pour l’éditer. Et donc mon tout premier album de publié s’intitulait Scorched Earth, je crois bien d’ailleurs qu’il s’agissait du tout premier comics publié par Tundra ! C’est donc comme ça que tout a commencé. Mes débuts n’ont donc pas été trop difficiles, ce n’est qu’après la faillite de Tundra où il a fallu que je me débrouille pour trouver du travail à droite à gauche. J’ai d’ailleurs réalisé quelques albums des Tortues Ninjas. J’ai également travaillé chez Caliber, où beaucoup d’artistes et d’auteurs ont fait leurs premières armes. J’ai donc ensuite gravi les échelons. Il se trouve que Brian M. Bendis est allé à la même université que moi mais pas dans la même promotion. Je ne crois pas que nous nous fréquentions à la fac. Nous n’avons fait connaissance que durant nos passages respectifs chez Caliber. Nous avons réalisé deux petites histoires ensemble. Puis il m’a proposé de travailler sur Alias.

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Vous vous rendez compte que votre travail sur Jessica Jones remonte déjà à presque 25 ans ?!

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Cela commence à faire long ! C’est assez difficile à croire !

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Quels sont vos souvenirs de la création du personnage de Jessica Jones ?

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Eh bien à l’époque je m’étais inspiré de ma femme, mon ex-femme aujourd’hui, pour concevoir le personnage. Jessica devait être très expressive, c’est pour cela que j’ai procédé ainsi. Je me suis dit que les lecteurs s’attacheraient à elle. Comme ma femme et moi nous connaissions depuis un bon moment, je connaissais toutes ses mimiques, ses regards… Tout ce qui pourrait me servir en tant que dessinateur pour pouvoir représenter toutes ses émotions.

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Vous dessiniez donc son visage de mémoire ?

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Non, j’utilisais des photos en guise de références. Cette méthode a plutôt bien fonctionné. Les lecteurs étaient en mesure de reconnaître des expressions qu’ils avaient par exemple vues chez leurs amis : l’agacement, l’angoisse, l’ivresse !

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Après ces deux décennies, quel est votre regard sur le personnage de Jessica Jones aujourd’hui ? Elle a débuté comme simple personnage de comics pour terminer star d’une série télé.

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J’ai du mal à m’en rendre compte ! D’autant qu’à l’époque, la série Alias n’a pas très bien marché. Le succès n’est venu que plusieurs années après. Nous étions cela dit très satisfait de notre travail : vingt-huit numéros c’est quand même quelque chose !

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Sans compter la série The Pulse.

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Tout à fait. Quand les lecteurs ont commencé à s’y intéresser et en parler, nous étions très surpris avec Brian. C’était très enthousiasmant ! Puis quand la série télé est sortie…

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Vous ne jouiez plus dans la même cour ?

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Exactement. On ne s’y attendait vraiment pas.

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J’imagine que cela a dû être très excitant pour vous de voir un de vos personnages porté à l’écran.

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Tout à fait.

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Estimez-vous-qu’en tant que créateur, on a suffisamment mis en lumière votre travail ? Est-ce que le plus grand public était conscient que derrière le personnage, il y avait un artiste ?

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Je pense oui. Nos noms sont cités au générique. La série Alias a visiblement servi de base principale pour l’adaptation. Je me souviens reconnaître le couloir qui mène au bureau de Jessica dans les deux premiers épisodes, c’était littéralement une retranscription à l’écran de mon dessin. Mais cela passait aussi par des petits détails : on retrouve le même tableau d’Egon Schiele que Jessica a dans sa chambre dans la série. Evidemment ils n’ont pas tout adapté à la page près, mais juste ce qu’il fallait pour retrouver la même ambiance que dans l’album.

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En préparant cet entretien, je me suis demandé s’il fallait vraiment mentionner Jessica Jones. Vous êtes à l’origine d’autres créations originales, avez-vous ressenti le besoin de vous distancier de cette héroïne pour ne pas être réduit au rôle de co-créateur de Jessica Jones ?

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Oh non pas du tout, j’en suis très fier ! Quand je me revois petit garçon, à dessiner et aimer profondément les comics, je n’aurais jamais imaginé devenir une fois adulte le co-créateur d’un personnage que beaucoup de personnes apprécient.

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J’aimerais aborder un autre titre avec vous : Pearl. Pouvez-vous nous parler des origines de cette série ? Il s’agit d’un des premiers projets de l’univers Jinxworld de Brian M. Bendis quand il est passé chez DC.

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Brian voulait créer en collaboration différents projets et m’a demandé si j’avais des idées à lui proposer. J’ai donc réfléchi à ce que je voulais dessiner. J’aime beaucoup la culture japonaise et les tatouages. J’ai donc imaginé cette histoire au sujet d’une japonaise albinos qui serait tatoueuse. Etant donné l’état de sa peau, elle réalise ses tatouages sans encre. Aussi, quand elle s’énerve ou ressent une vive émotion, ses tatouages se remplissent de sang et deviennent visibles. J’ai eu cette idée grâce à mon fils aîné. Il est né avec quelques tâches de naissance que nous n’avions pas remarquées à l’époque. Ce n’est que lorsqu’il devenait agacé ou surexcité qu’elles devenaient visibles car elles se remplissaient de sang ! Elles disparaissaient ensuite une fois calmé. Cette idée m’a beaucoup intrigué. Ensuite je n’ai eu qu’à mentionner la présence de Yakuzas pour convaincre Brian ! [rires] Il s’est ensuite occupé d’imaginer tout l’univers autour de ces éléments.

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Pour les tatouages de certains personnages, je crois me souvenir que vous aviez les conseils d’un vrai tatoueur ?

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C’est exact, je lui ai demandé de dessiner les designs des tatouages. Je lui expliquais ce que je souhaitais et il réfléchissait à un motif comme si j’allais vraiment me le faire tatouer. Je lui disais par exemple : « Imagine une femme, qui fait partie du clan de la Grue. Elle doit avoir un tatouage qui fait référence au foyer, avec une grue. Ses tatouages doivent lui courir tout le long des bras jusqu’à son dos etc. »

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Avez-vous également utilisé des références photographiques pour le personnage de Pearl ?

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Tout à fait. J’ai trouvé un modèle que j’utilisais comme référence pour dessiner Pearl.

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Est-ce un procédé que vous utilisez tout le temps ?

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Oui car pour moi, l’aspect expressif dans un album est très important. C’est comme si vous réalisiez un film sur le papier. Je n’utilise pas toujours ces références précisément, mais elles me servent de point de départ auquel j’apporte des modifications au niveau des mouvements par exemple.

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Entre les deux premiers volumes de Pearl et le troisième, il y a eu beaucoup de changements dans le paysage éditorial. A-t-il été compliqué de jongler entre les maisons d’éditions durant cette série ?

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Pas vraiment non. Je ne pense pas que les difficultés seraient venues d’un quelconque changement de rédaction : nous avions notre histoire en tête, il a simplement fallu la faire dans deux endroits différents.

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Je pensais par exemple au planning entre chaque numéro, si les droits étaient encore chez l’ancienne maison…

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Non, tout s’est plutôt bien passé. D’ailleurs Dark Horse a republié les deux premiers volumes. Pour être honnête, je préférais le papier qu’ils utilisaient ! [rires]

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Ce qui est plutôt bien car Dark Horse peut être connu pour produire des albums de moins bonne qualité.

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C’était un vrai plus car cela permettait de mieux mettre en avant le travail sur les couleurs et correspondait davantage à mes choix artistiques.

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J’ai pu voir les dessins originaux pour Pearl. Quand on les compare aux dessins terminés, on se rend compte qu’il y a eu beaucoup de changements. Utilisez-vous des outils numériques pour travailler ?

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C’est le cas oui.

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Selon vous quelle est la proportion dans votre travail entre le traditionnel et le numérique ?

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Les planches originales ont été réalisées à la main. Elles ont ensuite été scannées, pour que je puisse les coloriser sur ordinateur. Au fil de la série, et ce pour des raisons de temps, j’ai réussi à reproduire sur Photoshop mes différents outils traditionnels pour qu’au final, je puisse travailler exclusivement sur ordinateur et tablette graphique vers la fin de la série.

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Vous êtes donc passé au tout numérique ? Vous ne réalisez plus de travaux à la main ?

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En ce qui concerne Pearl, j’ai travaillé avec les deux formats. En revanche pour Beneath, j’ai exclusivement travaillé via le numérique.

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Est-ce que cela a été difficile de passer du dessin traditionnel au numérique ?

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Pas vraiment non. Je réalise également des illustrations pour des jeux de rôle, ce qui me permet d’expérimenter des styles différents. Aussi, je me suis inspiré d’une de ces approches pour Beneath. Pour ce type de projet, je scanne bien souvent un dessin fait à la main pour le coloriser sur ordinateur. Encore une fois, j’ai réussi via Photoshop à paramétrer différents outils qui réussissent à imiter mon style traditionnel sur ordinateur. Mes dessins numériques ressemblent ainsi à mes travaux plus traditionnels. Une fois à l’aise avec ce procédé, une fois que le logiciel parvenait à vraiment bien reproduire mon style, cela m’a permis de gagner en rapidité.

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L’inconvénient c’est que vous n’avez plus de planches originales !

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C’est vrai, mais vous savez j’ai déjà des tonnes de dossiers remplis de planches originales chez moi ! Ce sera l’héritage de mes enfants mais je ne sais pas s’ils sauront quoi en faire…

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Beneath est un projet que vous avez réalisé avec Steven S. DeKnight. Comment vous-êtes-vous rencontrés ?

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Nous sommes rentrés en contact via une éditrice chez Comixology qui m’a approché. Je ne travaillais sur aucun projet à l’époque et n’avais jamais réalisé un comics d’horreur. J’ai donc sauté sur l’opportunité de travailler avec Steven. Je le connaissais de nom avec son travail sur quelques épisodes de la série Daredevil. Je crois qu’il s’agissait pour lui de sa première incursion dans le monde des comics. L’intrigue de Beneath m’a tout de suite intrigué, d’autant que le récit est centré sur les personnages, ce que j’apprécie beaucoup. Vous devez travailler les interactions entre les personnages, leurs expressions… Tout ce que j’aime faire ! J’ai donc immédiatement sauté sur l’occasion.

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Vous évoquiez dans une récente interview le design de la créature. Vous n’aviez jamais réalisé de comics horrifique avant celui-ci.

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C’est bien ça.

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A-t-il été difficile de trouver le design du monstre ? Comment le rendre effrayant sur le papier ?

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Steven m’a donné plusieurs pistes très intéressantes pour m’aider à trouver le design du monstre. Certaines idées auraient très bien fonctionné pour un film, mais cela aurait très difficile pour moi de les dessiner. Je ne suis pas un grand amateur de films d’horreur…

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Honte sur vous !

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[rires] Je me suis pas mal inspiré d’Alien ou de Predator. Je n’ai pas cherché à piocher dans des œuvres qui m’étaient inconnues, j’ai préféré m’inspirer de ce que j’avais déjà vu.

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Corrigez-moi si je me trompe mais à l’heure actuelle il n’y a pas de version physique de prévue pour Beneath ?

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Une édition physique est prévue en juillet chez Mad Cave.

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Très bien. Vous mentionniez un peu plus tôt l’opportunité que vous avez eu de travailler avec Steven. Comment choisissez-vous vos projets ? Etes-vous libre à un moment donné et vous souhaitez travailler avec quelqu’un en particulier ? Demandez-vous à travailler sur des projets spécifiques ?

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Eh bien aujourd’hui ce sont plus les projets qui viennent à moi !

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J’imagine que beaucoup souhaitent travailler avec vous !

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Certains oui… [rires] Vous savez j’ai déjà travaillé chez Marvel et DC…

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Et cela ne vous intéresse plus ?

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Ce n’est plus ce que j’ai envie de faire non. J’apprécie le fait de ne plus avoir des deadlines horribles à respecter ! J’ai une vie maintenant à côté ! Dorénavant quand je me lance dans un nouveau projet, j’arrive à m’organiser pour pouvoir faire d’autres choses à côté. J’ai déjà investi tant d’heures dans mes anciens travaux… Et vous savez, les créateurs.trices sont au centre des projets de nos jours. Je peux être co-créateur aujourd’hui et si jamais un de mes projets devient un film ou quoi que ce soit, j’ai mon mot à dire.

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Pearl ne devait pas être adapté en série ?

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Pas encore non.

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J’ai cru comprendre que plusieurs séries de Brian M. Bendis avaient été optionnées.

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Rien n’a encore abouti je pense. Il faut que la bonne opportunité se présente.

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J’imagine que vous adoreriez voir l’un de vos albums adapté ?

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J’adorerais voir Pearl adapté en série ! L’ambiance de l’album a par ailleurs beaucoup été influencée par John Wick. D’autant que le personnage de Pearl est une jeune fille, il y a tout un public de jeunes adultes qui pourrait s’y intéresser.

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Ma dernière question sera plutôt large mais êtes-vous inquiet de l’intelligence artificielle ?

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Non car je ne pense que quelqu’un aille un jour taper mon nom dans une requête de type « Je veux un dessin qui ressemble au style de Michael Gaydos » ! En ce qui me concerne, je ne m’inquiète pas trop. Cela dit, je prend très au sérieux cette question car beaucoup de personnes risquent de perdre leur travail. Je pense aux artistes de couvertures par exemple, et plus généralement les illustrateurs risquent de perdre leur boulot.

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L’illustration est donc plus en péril que les comics ?

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L’art séquentiel est quelque chose de très difficile. Il faut avoir en tête l’agencement des cases, leur interaction, comment tout cela s’inscrit au sein des pages jusqu’à la fin de l’album. C’est quelque chose qu’un ordinateur ne peut pas faire, en tout cas pas encore. Mais je ne pense pas qu’un ordinateur puisse retranscrire le caractère profondément humain d’une expression que j’essaie de reproduire. Un ordinateur ne ressent rien. Quand je travaille sur un personnage, je réfléchis également aux dialogues qui l’accompagneront et comment moi je réagirais en délivrant ce dialogue : comment j’inclinerais la tête, comment je plisserais les yeux etc. Je me trompe peut-être mais je ne pense pas qu’un ordinateur soit capable de reproduire ça.

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D’autant que dans Alias, vous n’hésitez pas à par exemple utiliser 5 cases remplies de dialogues ! C’est le genre de rythme qu’un ordinateur ne pourrait pas reproduire.

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Tout à fait. Il y a tant de manières créatives de découper une page. L’IA ne pourra apprendre à faire ça qu’en analysant ce qui a déjà été fait. Et sur ce principe, je ne pense pas qu’il faille trop s’en inquiéter pour l’instant, mais qui sait !

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Nous en reparlerons dans cinq ans ?

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Je n’espère pas ! Je n’ai pas encore vu de dessin réalisé par IA qui soit capable de rivaliser avec des artistes que j’apprécie. J’aime Egon Schiele et des personnes ont essayé de reproduire ses travaux via IA mais les résultats ne ressemblent pas du tout à son travail. Je demande à voir une IA capable de réaliser un dessin, de tracer ses lignes et réaliser une illustration.

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Que peut-on attendre de votre part à l’avenir ?

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Je travaille sur un projet dont je ne peux pas encore parler ! Je devrais également travailler de nouveau avec Brian à l’avenir sur quelque chose de complètement différent. Mais dans les deux cas, chaque projet comporte une héroïne… Un peu comme tout mes projets en fait ! [rires]

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Merci beaucoup pour le temps que vous nous avez accordé Michael.

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Merci à vous.

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En début d'année 2025, quand Komics Initiative a ramené au FIBD l'équipe créative de The Good Asian, soit Pornsak Pichetshote (qu'on avait déjà interviewé pour Infidel) et Alexandre Tefenkgi, il était impossible pour nous de ne pas aller discuter ensemble de leur polar on ne peut plus réussi. La série est parue au départ chez Image Comics et avait su nous séduire par sa proposition forte, tant dans son propos que son ambiance, et nous avions donc beaucoup de choses à discuter avec les créateurs de cette bande dessinée.

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Nous avons enregistré cette interview dans des conditions particulières, au-dehors des vastes tentes du FIBD et dans les rues d'Angoulême près d'un parc (heureusement que nous avions le beau temps avec nous). L'essentiel est que nous avons pu longuement converser autour de The Good Asian, en allant discuter des origines du projet, de sa conception, du travail d'Alexandre... et qui sait, des envies d'un second volet ? Et si vous n'avez pas peur de l'anglais et que vous préférez la fluidité d'un podcast, alors vous pouvez écouter cette discussion au format podcast via First Print.

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AK : C'est un réel plaisir de vous avoir ici, à Angoulême. Félicitations pour votre sélection au Fauve Polar ! Comment vous sentez-vous, Alexandre, Pornsak ?

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PP : Je pense qu'on va bien ! Encore en décalage horaire mais ça commence à aller mieux. C'est ma première fois à Angoulême donc j'essaye de m'imprégner de l'ambiance autant que possible. Tout le monde m'avait prévenu : le samedi, c'est la journée la plus chargée, et pour l'heure, je ne suis pas déçu de ce point de vue.

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AT : De mon côté, ce n'est pas une première. J'avais découvert le festival pour la toute première fois il y a... dix ans je pense ? Ca doit bien faire dix ans. Et ça a changé un peu, je pense. Les stands, la structure générale est un peu différente. Mais globalement, l'ambiance, les copains, l'atmosphère, les gens, les éditeurs, tout le monde est encore pareil, donc aucune surprise de mon côté.

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AK : Tout le monde est juste un peu plus vieux.

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AT : Oui. Surtout que dans l'intervalle, j'ai eu un enfant. (rires)

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AK : Ca fait partie des changements de la vie ! J'avais déjà rencontré Pornsak au moment de l'interview consacrée au projet Infidel, il avait donc déjà eu l'occasion de se présenter à notre public. Mais de ton côté, Alexandre, on ne s'était pas encore parlé. Est-ce que tu pourrais nous résumer ton parcours ?

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AT : Bien sûr. Je m'appelle Alexandre Tefenkgi, J'ai commencé ma carrière sur le marché franco-belge, chez Spirou Magazine notamment. Ensuite j'ai signé un premier contrat chez Bamboo Editions, avec le projet Tranquille Courage. Et je suis resté chez eux pendant environ dix ans. Ensuite, j'ai eu envie de changer... je ne dirais pas que j'avais envie de quelque chose de radicalement différent. En fait, j'avais surtout envie de plus de liberté, de nouvelles aventures dans le monde de la narration. Lorsque j'ai quitté la France, mon dernier titre s'appelait Jean de Florette. C'était une aventure qui m'a imposé beaucoup de contraintes - adaptation d'un roman écrit par quelqu'un de très connu, la pression de cet héritage nécessitait que j'épouse une certaine structure. Or, j'avais envie d'autre chose à cette période de ma vie. Je me suis donc dit : pourquoi ne pas tenter les Etats-Unis ? C'était l'occasion d'expérimenter avec de nouveaux concepts visuels, de nouvelles façons de penser la narration, de repenser mon style graphique.

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Je me suis donc rendu aux Etats-Unis, et sur place, j'ai rencontré Cliff Chiang. C'est lui qui m'a ouvert les portes de chez Skybound où j'ai pu réaliser un premier projet en format comics, Outpost Zero, avec Sean McKeever.

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AK : Tu dis que tu voulais davantage de liberté. Ça sous-entend donc que le monde du franco-belge est peut-être plus limité sur ce plan ?

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AT : Je ne dirais pas ça comme ça. Mettons plutôt qu'ici, on recherche plutôt la sécurité. Aux Etats-Unis, ils assument de prendre plus de risques, et chez Image Comics en particulier - je ne sais pas comment ça se passe chez Marvel ou DC, parce que je ne connais pas vraiment ces deux maisons d'édition. Ma référence, aux Etats-Unis, ça reste Image Comics. Et dans ce genre d'environnement que l'on peut vraiment briller en tant qu'artiste indépendant, je pense.

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AK : Une question plus générale que l'on pose souvent aux dessinateurs : quelles sont les influences qui composent ton style graphique ?

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AT : Mes influences... Waouh. Elles peuvent aller d'Astérix et Obélix à Jiro Taniguchi, en passant par Chris Bachalo... Beaucoup de choses. J'aurais du mal à limiter ça à une zone géographique ou à un genre particulier, comme le manga, la BD ou les comics. Je lis de tout donc je prends un peu de tout.

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AK : Est-ce que c'est difficile pour un artiste français de s'implanter aux Etats-Unis ? Est-ce que les éditeurs locaux ont des stéréotypes sur le sujet ?

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AT : Tu connais le monde du franco-belge, donc tu sais que nous n'avons pas du tout la même cadence de travail. Un artiste français, on a tendance à dire qu'il livre 7 à 8 planches par mois. Quand tu débarques aux Etats-Unis, on te demande de livrer 22 planches en six semaines. C'est un vrai grand écart. (rires) Mais pour être honnête, au départ, j'étais terrifié. Est-ce que j'allais être capable de m'adapter à cette productivité ? Est-ce que j'allais pouvoir rendre l'histoire telle que je la voulais sans avoir à compromettre mon dessin ? Et au final, je pense que jusqu'ici, ça va. Je la regarde là (ndlr : Alexandre Tefenkgi feuillette l'édition française de The Good Asian pendant l'interview) et je trouve que ça va !

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OC : Autre question évidente : comment ce projet a-t-il pu se monter ? On comprend donc que c'est Cliff Chiang qui vous a permis de vous rencontrer ?

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PP : Oui ! Cliff et moi sommes de vieux amis, on s'était rencontrés lorsque j'étais éditeur chez Vertigo. Lorsque j'ai eu l'idée de cet album, je lui en ai parlé, en lui demandant s'il avait quelqu'un en tête pour la dessiner. Quelqu'un qu'il respectait suffisamment pour se charger de ce projet, qu'il aurait fait l'affaire. Et je savais que je voulais travailler avec un artiste asiatique, pour ne pas avoir à expliquer ou à vulgariser les détails culturels nécessaires... et à ce moment là, Cliff m'a dit qu'il n'avait personne en tête, mais qu'il allait jeter un œil sur ce qui se passait en ce moment à la recherche du bon profil. Et justement, Alex venait justement de terminer Outpost Zero. Il a été voir Cliff pour lui demander s'il avait entendu parler d'autres projets qui auraient pu avoir besoin d'un dessinateur sur le moment.

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Cliff lui a donc dit : je crois que j'ai quelque chose qui serait parfait pour toi. C'est là qu'il nous a présentés l'un a l'autre. Et tout s'est passé merveilleusement à partir de là !

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AK : Alors, quelle était l'idée originale au départ ?

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PP : L'idée originale m'est venue après la mort de mon père. C'était quelqu'un qui était obsédé par la culture chinoise, et donc, c'était aussi une façon pour moi de faire mon deuil de m'intéresser aux choses qui l'avaient toujours passionné. Je me suis donc lancé dans des recherches approfondies dans l'histoire de la Chine - mais je reste un auteur des Etats-Unis, ça reste mon principal point de focale. L'élément qui m'a donc le plus le plus intéressé, c'était évidemment cette loi : le Chinese Exclusion Act, une mesure de rétention qui interdisait l'accès du pays aux migrants chinois entre 1882 et 1943. Et j'ai trouvé ça fascinant ! Moi qui suis Asiatique-Américain, je n'étais même pas au courant que ce truc là avait existé.

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Et comme mon cerveau va souvent avoir tendance à se reconcentrer sur les motifs de la culture pop', je trouvais tout aussi intéressant le fait que, dans les années trente, existaient des personnages comme Charlie Chan, Mr Moto et Mr Wong Detective, des œuvres de fiction grand public avec des enquêteurs asiatiques... à une période où leur présence était prohibée dans le pays ! C'est à ce moment là que je me suis demandé : et si on pouvait revisiter ces archétypes de personnages en les intégrant à l'histoire réelle des populations asiatiques aux Etats-Unis ? Dans l'idée de développer la question : qu'est-ce qui constitue l'identité américaine en général, mais aussi, voire surtout, à cette période précise de l'histoire du pays.

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OC : On se souvient aussi que lorsque le projet avait été annoncé, on parlait de "Muslim Ban" aux Etats-Unis (ndlr : décret présidentiel de 2017 comparable au "Chinese Ban" évoqué dans The Good Asian). Et au passage, du refroidissement des relations entre l'Amérique et la Chine au moment de la première présidence de Donald Trump. Est-ce que ces éléments ont aussi servi de base de travail pour la série ?

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PP : Absolument. Je pense que l'une des raisons principales qui m'a amené à travailler sur cet album était effectivement liée au "Muslim Ban". Mon projet précédent, Infidel, était articulé autour d'un protagoniste musulman. Et le fait d'entendre tout ce qui était en train de se passer, tout ce qui a fini par se passer pour ces différentes populations concernées par cette nouvelle interdiction d'entrer sur le territoire, m'a finalement conduit à me demander : d'accord, mais qu'est-ce qui se passe une fois qu'on a condamné l'accès au pays ? Qu'est-ce qui se passe lorsque l'on explique à un groupe de population qu'ils ne sont plus les bienvenus quelque part ? Quel est le résultat de cette équation ? Le fait d'avoir accès à quelque chose de très comparable dans l'histoire récente des Etats-Unis, pour établir un point de comparaison, m'a aussi permis de trouver un point d'entrée vers cet exercice.

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Et ce qui s'est passé, c'est que... une fois que le projet a été annoncé, on a aussi assisté en parallèle à une recrudescence de la haine envers les asiatiques aux Etats-Unis, avec des agressions, des attaques, partout dans le pays. En fait, beaucoup de choses de notre période contemporaine ont eu une influence réelle sur la façon dont on s'est emparé des thèmes de cet album.

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AK : Au point de voir le script évoluer en cours de route ?

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PP : Oui, au final certains éléments ont été accentués. Vous savez, quand le projet a été annoncé, nous pensions faire tenir l'histoire en neuf numéros, plutôt que sur le format classique des maxi-séries de dix numéros. Mais le premier numéro a rencontré un franc succès, ce qui nous a permis d'étendre l'histoire pour un numéro supplémentaire. Et dans les thématiques que je voulais intensifier justement - je crois que ça a dû survenir aux alentours du numéro #7 - en parallèle de cette nouvelle vague d'attaques envers les populations asiatiques-américaines dans le monde réel, on s'était autorisé un moment pour évoquer l'état de Chinatown à la suite de ces crimes racistes. Une grande partie de ces éléments sont arrivés en cours de route, pour reprendre certaines des choses qui se passaient aux Etats-Unis aux environs de l'année 2021.

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OC : Alexandre, est-ce que ces thèmes ont trouvé une résonance particulière chez toi ? Ça faisait partie des raisons qui t'ont poussé vers ce projet ?

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AT : Oui, parce que... Lorsque je m'étais tourné vers Cliff Chiang, ce n'était pas simplement que je cherchais du boulot. J'avais envie de me rapprocher de mes racines. J'avais appris que j'avais des racines vietnamiennes, et c'est même pour ça que j'étais parti vivre au Vietnam pendant trois ans. Avoir découvert cette part de ma propre identité, l'importance que ça a eu pour moi... Cliff m'a dit tout naturellement : oui, je comprends, je vois exactement la personne que tu as besoin de rencontrer. (rires)

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OC : Pornsak, vous parliez aussi du personnage de Charlie Chan. Ce choix vous a donc poussé naturellement à introduire des codes empruntés au film noir... tout en basant l'intrigue dans un environnement politique réel, dans l'histoire vraie des Etats-Unis. Comment avez vous décidé de doser cette rencontre entre une esthétique de fiction codifiée et cette envie de rester proche de la réalité des faits ?

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PP : Ce n'était pas facile ! C'est drôle : au final, je pense que l'approche s'est révélée plus intuitive que ce que l'on pourrait croire. Et d'ailleurs, j'ai même du mal à me rappeler quelle partie est arrivée en premier, c'est un peu comme l'œuf ou la poule. Je sais que je voulais d'abord parler du Chinese Ban. Mais c'est une loi qui a été passée en 1882, alors, naturellement, on peut se demander pourquoi l'histoire ne commence pas directement au moment où cet événement a pris place. Mais en 1882, les Etats-Unis étaient encore très sauvages. Et dans ce cas là, le projet aurait fini par ressembler à un western, comme Warrior. Finalement, je trouvais ça plus intéressant de situer tout ça dans les dernières années de cette exclusion, parce que... à cette époque, on "reconnaît" cette version des Etats-Unis que l'on connaît encore aujourd'hui. Oui, les gens s'habillaient différemment, les voitures n'avaient pas la même allure, mais l'imagerie nous est encore familière.

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Et c'était ce que je voulais : que l'on fasse l'expérience du Chinese Ban dans une version du pays qui ne nous paraît pas si lointaine, si étrangère. C'est comme ça que le choix de la période a été décidé. Et une fois que vous avez pris cette décision, vous en arrivez à la conclusion naturelle : évidemment que ça doit fonctionner comme un film noir. On aurait pu garder l'aspect détective dans n'importe quelle autre époque, mais de fait, les thèmes de l'immigration s'accordent parfaitement avec les codes du noir. Pour tout vous dire, je suis assez surpris qu'il n'existe pas davantage d'œuvres dans ce genre là. La figure de l'immigrant dans un environnement de film noir me paraît pourtant tellement naturelle ! Lorsque la série est entrée en publication, j'ai eu le sentiment que c'était quelque chose qui commençait doucement à se propager, mais je suis tout de même étonné de ne pas avoir vu davantage de projets comparables sortir depuis.

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Aujourd'hui, nous sommes entrés dans une période différente : un détective privé, aujourd'hui, il peut utiliser internet, la technologie, ce genre de trucs. Et quand vous travaillez sur une intrigue de ce registre, c'est à vous de vous imposer ces limites, pour éviter que votre histoire ne se résume à un gars qui prend son téléphone et qui lance une recherche sur le web. Mais lorsque l'on s'attaque au sujet des personnes issues de l'immigration, ce genre de problématiques s'impose naturellement - et vous pourriez même faire la même chose en basant l'histoire dans le présent, un "Immigrant Noir" différent. Finalement, les thèmes sont arrivés assez naturellement, et ça a été quelque chose d'assez fascinant à explorer.

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AK : Alex, même question pour la partie artistique ? Comment se sont passées tes recherches, est-ce que tu as privilégié l'étude de vieux films ou bien de références issues du monde réel ? Parce que de la même façon, tu as dû trouver un équilibre entre l'atmosphère du film noir et cette recherche d'une fiction historique.

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AT : Oui. Bien sûr, j'en ai profité pour redécouvrir beaucoup de vieux films associés au genre, comme L.A. Confidential. Mais le gros du travail émane tout de même de Pornsak, c'est lui qui s'est occupé de toute la documentation et de la recherche des références avant même qu'il ne m'envoie les premiers éléments de scénario. Je recevais les textes et la documentation en même temps. Donc il m'a suffit de suivre le courant, de mon côté.

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OC : Même si ce n'était pas ton premier projet aux Etats-Unis, ça reste une esthétique profondément américaine. On peut penser au travail d'Eduardo Risso notamment. Est-ce que tu es parti à la pêche aux bonnes idées dans le rayon des polars classiques de l'univers comics ?

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AT : Je ne voulais pas forcément regarder ce qui se faisait avant, pour éviter de me stresser. Mon idée, c'était surtout de m'approprier le projet, et de faire en sorte que cette esthétique "noire" s'accorde avec mon style. Et avoir quelque chose QUI PARAISSE (ndlr : Alexandre Tefenkgi se remet à parler correctement dans son micro), pardon, qui paraisse - il faut le tenir vraiment près de la bouche ! (rires) - authentique et qui pourrait bien s'accorder au scénario.

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PP : Et aussi, pour une bonne partie, j'aurais envie d'ajouter qu'Alex a trouvé une façon de graviter assez naturellement vers cette esthétique. C'était l'une des raisons pour lesquelles j'avais envie de travailler avec lui. Mon éditeur et moi, oui, nous avons bien évidemment été influencés par Eduardo Risso, par Darwyn Cooke... et lorsque l'on s'était mis à discuter du projet, la question était arrivée rapidement : quel dessinateur serait l'équivalent asiatique de Darwyn Cooke ? Quel artiste pourrait canaliser cet esprit ? Et c'est là que nous avons rencontré Alex. Alors, on n'a pas eu besoin de lui demander de dessiner de telle ou telle façon. Alex pouvait se contenter de faire ce qu'il fait de mieux, sans se préoccuper de ces références, parce son style gravite déjà naturellement vers cet environnement artistique.

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AK : Vous avez donc étudié d'autres profils avant de vous décider sur lui ?

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PP : Oui ! On a même passé un long moment avant de tomber sur la bonne personne. Et au final, tout s'est bien passé, parce qu'Alex était disponible à ce moment là. Mais pendant un long moment, on a considéré d'autres dessinateurs asiatiques - et quelque part, c'est une bonne nouvelle : ils étaient tous occupés avec des projets de long terme ! - mais ça a tout de même été un processus de plusieurs mois. Et finalement, il a fallu attendre que Cliff me montre les dessins d'Alex, je me suis dit : heureusement que personne n'était libre, parce que c'est exactement l'artiste que je recherchais pour cette histoire !

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AT : Comme je vous l'ai dit tout à l'heure : tout ce projet s'est joué sur un bon timing.

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AK : Et pour la création des personnages et des environnements, est-ce que vous aviez constitué une bible ?

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AT : Pas exactement une bible. Nous avions des concepts pour les personnages, on a beaucoup échangé sur cette recherche des environnements et de l'apparence d'Edison Hark.

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OC : C'est un très bel album.

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AT : Merci.

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OC : Mais dans le même temps, on pourrait trouver que l'imagerie vient forcément se greffer aux stéréotypes racistes sur la culture asiatique de cette période (avec l'opium, les triades, etc). Encore une fois, comment avez-vous abordé cette question tous les deux ?

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AT : Je crois surtout que c'était bien écrit.

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AK : Tu te dissimules derrière Pornsak. (rires)

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AT : Non, non.

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AK : C'est bien toi qui a dessiné les planches ? (rires)

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AT : C'est moi qui les ai dessinées ! Mais à titre personnel, je ne suis pas un grand fan du genre "noir". Ou en tout cas, ce n'est pas le genre vers lequel je me dirige naturellement. J'ai dû apprendre, me construire une image, une interprétation claire. Et ça, ça a été possible parce que le script était bien écrit. Je n'aurais pas été capable de faire apparaître cette imagerie tout seul, le ressenti nécessaire. Comme pour le club, par exemple... Je ne saurais trop comment le dire, mais le scénario m'a permis de m'imaginer très clairement ce à quoi ça devait ressembler.

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AK : C'était un script détaillé ?

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AT : Détaillé, oui. Et lorsque l'on travaillait sur l'étape du storyboard, là-encore, ça a été un véritable échange. Donc à partir de cette période du processus, tout était déjà bien fixé.

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PP : Je dirais également que, à titre personnel, je crois vraiment à cette théorie qui dit que dans le cinéma, le casting représente 80% du processus créatif. Que si on a sous la main un bon casting, on n'a pas forcément besoin de donner des directives, de guider les comédiens, en tant que réalisateur. Et je pense que l'une des raisons pour lesquelles on avait regardé dans la direction des albums de Cooke ou d'Eduardo Risso, c'est justement parce qu'ils représentent cette direction dans laquelle peuvent s'engager les comics du genre "noir". Beaucoup de polars sont souvent très réalistes, ils utilisent des références photographiques, cherchent à reproduire la réalité. De notre côté, on voulait opter pour une approche plus cartoon. Moi, je sortais tout juste de cette collaboration avec Aaron Campbell sur Infidel, qui utilise une méthode plus photoréaliste. Ce n'était pas ce que l'on voulait pour The Good Asian : l'idée n'était pas de pointer du doigt le côté crasseux, le côté violent... le réflexe classique dans ce genre d'histoire.

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Pour nous, l'élément le plus important restait surtout la partie humaine du récit. Et c'est là qu'Alex est particulièrement bon, parce que c'est quelque chose qu'il fait sans même s'en rendre compte : il arrive à sublimer l'empathie, la noblesse des personnages, à porter cette romance qui intervient dans l'album malgré l'esprit morbide que véhicule le récit. C'était très important pour ce projet. Et c'est justement l'une des raisons pour lesquelles on avait besoin d'un coup de crayon très affirmé. Alex a un style bien à lui, et l'objectif était de miser sur ce style plutôt que sur l'historique. Le scénario lui-même est déjà truffé d'éléments factuels, de détails sur l'histoire de cette période, et donc, le dessin en lui-même n'avait pas besoin de s'embarrasser de cette consigne du réalisme absolu.

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AT : J'aimerais ajouter que, de mon point de vue, le rôle du dessinateur est aussi de compléter le script d'une façon qui ne soit pas trop "visible". Par exemple, si vous lisez un roman, vous ne vous attachez pas forcément aux mots en eux mêmes. Ce qui vous intéresse, c'est d'abord l'histoire qu'on est en train de vous raconter. J'aimerais que mon dessin fonctionne comme ça : qu'il serve pour élever l'histoire plutôt que de s'attacher à ce que l'on remarque précisément ce que je suis en train de faire, si vous voyez ce que je veux dire.

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AK : Ton dessin est au service de l'histoire.

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AT : Oui. En gros, j'aimerais que mon dessin soit invisible. Dans le bon sens du terme ! Pas dans le sens où tout le monde s'en moque, mais dans dans le sens où vous vous immergez dans ce récit jusqu'à en oublier que vous avez une BD entre les mains. Si je suis capable d'atteindre cet objectif, c'est parfait.

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PP : Et toute l'ironie, c'est que de mon côté, je cherche justement à produire des scripts qui laissent davantage de place à Alex pour exprimer son dessin ! Je lui laisse des espaces pour qu'il s'accomplisse, qu'il expérimente des choses. Dès le début de l'album, vous avez cette page par exemple, où le script se résume à un bloc de texte qui indique que ça se passe "le jour suivant". Trois cases, avec des images insérées dans la police d'écriture. Et de mon point de vue, cette petite séquence est très importante en tant que note d'intention. Elle est là pour vous dire : le style prend une part importante dans cet album ! Parce qu'il existe une version de cette histoire où cet élément n'aurait pas été là. Et si vous le retirez, le reste de l'histoire fonctionne encore, vous n'en avez pas forcément besoin pour comprendre ce qui se passe. Mais toute la raison de sa présence, c'est justement de dire : le style du dessinateur fait partie des personnages fondamentaux dans ce récit. Vous êtes dans ce genre de bouquins.

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Et c'est la chose la plus intéressante lorsque l'on en discute entre nous. Lui va vous dire "je n'ai pas envie que l'on attire trop l'attention sur moi, c'est l'histoire qui compte avant tout !" et moi je vais vous dire "il fallait que je trouve une façon dans l'écriture du script pour que les gens comprennent à quel point il est talentueux, que je lui laisse la place de s'exprimer". C'est cet échange qui est toujours assez amusant, et dans tous les cas, l'idée est évidemment de servir le résultat final.

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OC : C'est drôle de vous entendre dire ça. La recherche de bons profils de dessinateur, ce rapport interactif avec Alex sur le récit, cette façon de penser le script pour le mettre au service du créatif... on a l'impression que vous êtes encore éditeur, finalement.

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PP : C'est vrai, hahaha. Je pense que je serai toujours un éditeur au fond de moi, ça prend une part conséquente dans la façon dont je travaille. C'est ça que j'aime. J'aime les comics, j'aime les artistes, j'aime travailler avec eux, j'aime discuter avec eux. L'une des choses qui marche bien dans ma relation avec Alex, comme pour ma relation avec Jesse d'ailleurs (ndlr : Lonergan, Man's Best avec Pornsak Pichetshote) passe aussi par le fait que l'on se téléphone pratiquement une semaine sur deux pendant tout le processus créatif. Et idéalement, lorsque je suis engagé sur un projet de long terme avec une personne, j'aimerais que ça se passe toujours comme ça. J'ai besoin d'en discuter, juste pour être sûr qu'on soit sur la même longueur d'onde. Et ce n'est même pas seulement une question de travail - quand on se parle, finalement, on va rester une petite heure en ligne pour évoquer le projet du moment, mais au final on en parle cinq minutes avant de migrer vers un autre sujet.

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Et au final, je pense que, lorsque l'on s'entend bien, lorsque c'est agréable de travailler ensemble, ça se remarque sur la planche. Pas juste chacun de son côté, mais vraiment ensemble.

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AT : J'aimerais aussi ajouter, pour être clair, que ce que je recherche personnellement n'est pas tant de devenir "invisible" que "magnifiquement invisible". (rires) Je suis là pour que sublimer le script, mais je dois aussi m'occuper du dessin, donc c'est un équilibre assez difficile à trouver - il faut briller... mais pas trop. C'est ce que j'ai essayé de faire ici.

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OC : Je ne crois pas qu'on ait encore parlé de la mise en couleurs par Lee Loughridge, très expressive elle-aussi. Alexandre, je crois que toi même tu avais une expérience de coloriste auparavant ?

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AT : Oui, dans le franco-belge. Pornsak, tu m'avais demandé si je voulais me charger moi même des couleurs non ?

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PP : Oui, je crois bien !

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AT : Voilà. Et j'avais répondu que ça représenterait probablement trop de travail. C'est là que tu as fait intervenir Lee. Et un autre coloriste de mémoire...

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PP : Oui, on avait envisagé trois personnes différentes qui auraient pu fonctionner avec ton style. Et c'est toi qui a fini par choisir Lee si je me souviens bien.

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AT : Oui c'est ça : quand j'ai vu la façon dont Lee s'était emparé de mes dessins, j'ai eu un coup de foudre ! (rires) Et là j'ai dit : c'est lui, c'est ce gars, il est trop intelligent, il faut le prendre.

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PP : Je pense aussi - et Alex est trop humble pour le dire lui-même - que son dessin est tellement puissant en noir et blanc que ça représente une véritable difficulté de devoir le mettre en couleurs. Parce que tous les éléments sont déjà là. Et c'est un défi pour un coloriste quand les éléments sont déjà là justement. Ils ont souvent tendance à se dire : qu'est-ce que je vais bien pouvoir faire, qu'est-ce que je vais bien pouvoir ajouter ? La raison pour laquelle ça a fonctionné avec Lee repose surtout sur son intelligence, son expérience. Il est tout à fait capable de laisser le dessin respirer tel quel. Et il est particulièrement doué avec les atmosphères ! C'est ce qu'il a décidé de faire en définitive : travailler les atmosphères déjà très élaborées dans les encrages d'Alex pour les amplifier. Certains des choix qu'il propose dans cet album sortent vraiment des sentiers battus, mais sont brillants.

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Et encore une fois : lorsque les gens pensent aux œuvres de genre "noir", ils se représentent d'abord quelque chose de sinistre, d'ancré dans le réel, de photoréaliste. Sauf qu'en réalité, si vous regardez les premiers artistes aux origines de ce mouvement, vous réalisez que leur approche était au contraire beaucoup plus expérimentale. Je pense que l'on avait justement envie de retrouver cet esprit, que ce soit dans le découpage, la narration... et Lee a tout de suite bien compris cette idée. Parfois, il approchait certaines planches comme un exercice de "punk rock noir". Et cette créativité s'est vraiment bien retranscrite dans l'album.

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AK : Mais cette réponse appelle une autre question : finalement, pourquoi ne pas avoir directement publié la série en noir et blanc ? Pourquoi avoir voulu ajouter de la couleur ?

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\r\nPP : Je ne sais pas ! C'est une très bonne question. Pour être honnête, je ne sais vraiment pas si l'idée m'était seulement venue à l'esprit... et j'aurais envie de vous dire : peut-être. Je ne peux pas vous l'affirmer, ou prétendre que c'était un questionnement réellement conscient. En fait, je sais surtout que l'une des choses qui nous intéressait, c'était d'utiliser le langage spécifique du format comics pour retranscrire le genre "noir". Par exemple, quand vous regardez le cinéma ou les séries télévisées, ils ont tout un arsenal de petites astuces, de petits langages, pour vous inviter dans cet univers et cet atmosphère de l'enquêteur.

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Mais à l'inverse, ce genre de petites techniques sont un peu plus rares dans les comics. Et pourtant, le genre est plutôt bien représenté : pensez à toutes ces histoires de Batman, tous ces comics de polar... mais j'avais le sentiment que peu de BDs se posaient la question de la grammaire du médium, de développer un langage qui nous permettrait de pénétrer dans l'esprit du détective, de visualiser la façon dont il perçoit son environnement. Et dans cet ordre d'idée, la couleur est simplement l'un des nombreux outils à notre disposition. En somme, ça aurait été dommage de se limiter en n'utilisant pas tous les ustensiles disponibles dans notre boîte à outils.

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AT : Je réfléchissais en t'écoutant, et je me disais... peut-être qu'on pourrait envisager ça dans le cas d'une suite. C'est vrai : notre façon de travailler n'a fait qu'évoluer depuis le point de départ, donc on pourrait considérer cette idée. Par exemple, avec quelques séquences seulement en noir et blanc...

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PP : Ah, oui...

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AT : Et seulement quelques tonalités restreintes. Et ensuite l'histoire pourrait revenir vers la couleur.

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PP : Oui !

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AT : C'est juste une idée qui me vient en tête. Dans tous les cas, ça dépendra du script. Si je l'avais en face des yeux, ce serait plus facile à visualiser.

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AK : Vous réalisez que la suite de The Good Asian risque d'être meilleure grâce à cette interview ? (rires)

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PP : Oui haha. En gros, ce qu'on vient de dire, c'est que si on vire Lee Loughridge, le bouquin sera meilleur. (rires)

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OC : Tout à l'heure, vous parliez tous les deux de l'importance de la représentation des identités en fiction. Or, si on sait qu'aux Etats-Unis, un effort certain a été consacré à la mise en avant de personnages noirs, on sait que les héros et héroïnes asiatiques sont encore assez peu présents chez les super-héros ou au cinéma. Est-ce que vous estimez qu'un projet comme The Good Asian serait susceptible de montrer le bon exemple sur ce front ?

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PP : J'aimerais vraiment que ça se produise en tout cas. En ce qui me concerne, j'aurais plutôt tendance à dire qu'il existe déjà beaucoup d'histoires actuellement dans les rayons qui évoquent des thématiques liées à l'identité asiatique. En revanche, il en existe beaucoup moins sur le sujet de l'identité asio-américaine. Dans les comics en particulier. L'une des choses que je voulais absolument réaliser avec The Good Asian, c'était justement de trouver une histoire qui décrit très précisément l'expérience asio-américaine, et de la développer sur un récit complet. Et si ça peut servir d'inspiration pour d'autres créateurs, je trouverais ça merveilleux. Parce que vous savez, il existe tellement de choses qui sont spécifiques aux communautés asiatiques installées aux Etats-Unis et que l'on ne retrouve pas du tout dans des fictions qui se passent en Asie, ou qui racontent l'histoire de migrants qui partent d'Asie vers les Etats-Unis.

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Pour The Good Asian, je voulais au contraire raconter ce que signifie le fait d'être un enfant de la deuxième génération une fois que votre famille s'est installée dans ce pays.

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AT : Moi je ne suis pas américain, donc... (rires)

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OC : Justement, si on pense à votre travail sur l'anthologie The Horizon Experiment, compte tenu de toutes ces attaques du lectorat conservateur dès lors qu'un personnage issu d'une minorité obtient un rôle de fiction généralement attribué à un héros caucasien, comment s'est passé cette expérience ? Et comment pensez-vous que l'on puisse manœuvrer ce sujet sans s'attirer les traditionnels commentaires réactionnaires ?

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PP : Je dirais que... Généralement, lorsque les gens réagissent à certaines de ces décisions (qu'ils qualifient de "woke"), c'est souvent parce que les histoires en question ne sont pas faites de la bonne façon. Bien sûr, il existe aussi énormément de gens qui font ça très bien. Mais la plupart du temps, les corporations ont tendance à prendre les choses dans le mauvais sens lorsqu'elles actionnent ce genre de levier, en étant un peu trop cyniques. Si vous me demandez comment est-ce que moi je pourrais m'y prendre, en agissant différemment, j'aurais tendance à vous dire que ça se joue surtout sur la façon dont j'aborde les choses. Pour moi, cette mise en avant n'est pas un acte de charité, ce n'est pas même plus quelque chose que l'on devrait s'obliger à faire pour se donner une bonne image. C'est même tout l'inverse. En ce qui me concerne, j'ai un regard assez égoïste là-dessus.

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Et cet égoïsme se traduit comme ça : aux Etats-Unis, il existe des tas de poches d'individus, de groupes de gens, qui ne consomment pas de comics. Qui ne mettent pas d'argent là-dedans. Avant, je travaillais dans un comicshop. Donc je peux vous dire que j'ai parfaitement conscience du nombre de lecteurs asiatiques que vous pouvez croiser dans ce genre d'endroits. Ça m'a toujours semblé aberrant de voir combien de gens issus de la communauté asiatique hantent les librairies, alors qu'il n'existe presque aucun produit susceptible de les pousser à consommer dans le médium. Pensez à tout cet argent que les éditeurs laissent sur la table. Et tout ça est lié à la façon dont certaines personnes envisagent les Etats-Unis. Beaucoup de gens pensent que le pays est composé de 100% de blancs, mais ce n'est pas vrai. Une partie de l'évolution du pays repose sur cette découverte, de réaliser à quel point ça peut être valide ou invalide de penser comme ça.

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Tout le projet autour de Horizon Experiment, Infidel ou The Good Asian, de mon point de vue, ne repose pas seulement sur l'envie d'insérer des personnages issus de la diversité, mais plutôt de prendre appui sur le réel. Sans vouloir pointer du doigt qui que ce soit, moi, si je lis un comics où 100% des personnages sont blancs, ça ne me paraît pas très réaliste. Ni très pertinent. Le fait de prendre des personnages plus variés, c'est ma façon à moi de rendre le gens plus réel, plus pertinent, et plus moderne. Spécialement dans le registre de l'horreur. On ne fait pas ça pour "plaire" à ces groupes, mais pour permettre à notre histoire de rester moderne, de faire de l'horreur moderne, du film noir moderne. C'est une recherche de la modernité plus qu'autre chose.

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OC : Après la victoire aux Eisner Awards, vous êtes sélectionnés à Angoulême pour cet album. Est-ce que ce succès critique vous étonne ?

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AT : Pour moi, oui, c'était une surprise. Surtout du côté du marché français, où l'album a été très bien reçu. Parce que... pendant une assez longue période, j'avais envie que The Good Asian s'importe en France. Mais il a fallu attendre que les bonnes personnes s'en occupent et témoignent de l'intérêt vis-à-vis de notre projet. Ma mère m'avait même demandé plusieurs fois "quand est-ce que je vais pouvoir enfin lire ton album ?". (rires)

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AK : C'est vrai que ça a pris un certain temps.

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AT : Un peu, oui. Et je lui ai répondais : sois patiente, ça va arriver. Donc, maintenant qu'il est sorti ici, le lectorat a l'air de l'avoir beaucoup aimé. Il y a eu cette sélection pour le Fauve, on a aussi eu beaucoup de retours positifs sur le titre pendant le festival. Je pense que c'est un album qui fonctionne plutôt bien pour ce territoire, il n'existe pas de réelle frontière culturelle pour ce genre du "noir" entre la France et les Etats-Unis. Maintenant que j'ai eu l'occasion d'en parler avec les lecteurs, l'implantation du projet me semble fluide, naturelle.

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PP : Personnellement, je suis vraiment impressionné par le travail que Mickaël et Komics Initiative ont réalisé sur cette édition. Depuis les Etats-Unis, on entend souvent parler des versions internationales, et on a tendance à s'imaginer que l'album en question va seulement venir s'intercaler dans un rayonnage anonyme. On n'y pense plus vraiment ensuite. Mais le fait de venir à Angoulême, de rencontrer les fans français, ou même de se déplacer à Paris et de voir comment il a été mis en avant dans les boutiques, la façon dont les gens en ont entendu parler... C'est assez extraordinaire. Je ne sais même pas si je me suis encore bien fait à l'idée. Quelqu'un est venu nous voir tout à l'heure sur le stand, une lectrice qui achetait l'album pour son petit-copain. Elle nous a dit qu'il avait commencé à le feuilleter, que ça l'avait obsédé et qu'il l'avait finalement envoyée pour le lui acheter. J'avais envie de lui demander : qu'est-ce qui a bien pu lui plaire à ce point pour l'obséder en feuilletant seulement quelques pages ?

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Ça me paraît tellement surprenant de voir à quel point ce projet a pu voyager aussi loin pour être honnête. C'est quelque chose de fantastique !

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AK : Vous nous confirmez donc qu'une suite est en chemin. Qu'est-ce que vous pouvez nous dire sur ce sujet ?

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PP : Pas grand chose !

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AK : T'as intérêt à te mettre à table. (rires)

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PP : Je peux vous dire qu'on travaille dessus... mais pas plus que ça pour le moment !

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OC : J'ai une question plus précise : un Eisner Award, une sélection à Angoulême... comment comptez vous faire pour que le suivant fasse encore mieux ? (rires)

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PP : Doux Jésus ! Je n'en ai aucune idée ! C'est pour ça que la gestation prend aussi longtemps.

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AT : C'est drôle, parce qu'on en parlait hier justement. On s'est demandés... est-ce qu'on n'a pas atteint le plafond de verre ? (rires)

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PP : C'est ça ! On a sûrement atteint le sommet, donc maintenant, il faut qu'on prenne notre temps pour le suivant, comme ça les gens auront eu le temps d'oublier le premier. Avec de la chance, on passera entre les mailles du filet.

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AK : Mais vous avez tout de même de nouvelles idées pour ce personnage et cette histoire.

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PP : Oui, oui, bien sûr. On verra combien de temps les gens auront encore envie de nous suivre, mais je peux vous dire que nous avons bien prévu de poursuivre l'histoire de The Good Asian sur plusieurs volumes. Reste à voir si toutes les idées pourront bien être explorées.

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AK : Et l'éléphant dans la pièce évidemment : est-ce qu'une adaptation est prévue ?

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PP : Haha. Oui. Le projet a reçu une option, oui. Effectivement.

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OC : Dernière question : est-ce que vous aimeriez vous retrouverez pour d'autres collaborations, en dehors de The Good Asian, d'ici les prochaines années ?

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AT : Mh. Je pense que si on prenait le temps d'en discuter, pourquoi pas. Mais actuellement, nous sommes tellement pris dans la spirale de The Good Asian, des idées que l'on aimerait développer ensuite, qu'on n'a pas encore forcément pris le temps de parler d'autres projets ensemble.

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PP : Oui, nous n'y avons pas forcément réfléchi plus que ça pour le moment. Je pense que je vois quelles autres idées pourraient correspondre à une collaboration avec Alex, mais lorsque ces idées me viennent en tête, je réalise qu'on a déjà trop de travail sur la suite de The Good Asian. Prenons les choses dans l'ordre !

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AT : Oui, oui. Pour nous, l'objectif en 2025 ce sera The Good Asian, et un autre projet de roman graphique chez Oni Press. Ce sera déjà bien dans l'immédiat.

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AK : Merci Pornsak, merci Alex, c'était un plaisir de vous avoir tous les deux pour cette interview !

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PP : Merci ! Plaisir partagé.

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AT : Merci oui, c'était un plaisir de vous répondre.

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Il y a certains auteurs et artistes avec lesquels on a le plaisir d’avoir une relation de confiance, qui laisse la porte ouvertes à de longues discussions très franches, où la vanne côtoie des moments on ne peut plus sérieux. En 2019, nous avions eu le plaisir de réaliser une interview de ce genre, longue de 2h30, en compagnie du scénariste Joshua Dysart, auteur on ne peut plus talentueux et engagé. Six ans plus tard, bien des choses se sont passées, mais une est restée : l’envie de discuter. Aussi est-on on ne peut plus fier de vous proposer aujourd'hui une nouvelle interview d'anthologie !

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Joshua Dysart et Alberto Ponticelli étaient en effet invités par Bliss Editions en ce début d’année, pour le FIBD, afin d’accueillir la parution en France du très bon L’Île aux Orcs. C’est donc avec nos micros que nous nous sommes livrés à un exercice d’entretien fleuve, avec plus d’une heure en tête à tête avec Dysart pour évoquer tout ce qu’il a fait depuis la fin des années Valiant et ses débuts à Bad Idea, puis à trois avec Alberto pour parler spécifiquement de leur travail sur L’Île aux Orcs. Attention : la dernière partie de l'interview se concentre sur la fin du récit et le spoile complètement. Soyez prévenus (il y a une balise dans l'article). Et si vous souhaitez découvrir cet entretien bien plus épique à l'écoute et que vous n'avez pas peur de l'anglais, la version podcast via First Print est aussi disponible.

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Nous remercions chaleureusement Clément Boitrelle qui s'est occupé de la traduction et retranscription de l'interview.

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• Un propos politique frontal\r
• Le casting secondaire séduisant\r
• Une vraie remise en question chez Marvel Studios\r
• Le statut d'exception de Daredevil\r
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Si l'on voulait appliquer un genre de parabole curieuse, en considérant que les super-héros sont des gosses dans une salle de classe et que l'éditeur ou le studio représentent tous deux leur enseignant, leur formateur, celui qui doit se charger de l'avenir, alors on pourrait facilement identifier les chouchous du prof' sans trop de difficultés. Les têtes de classe, les délégués. Celles et ceux dont les parents savent qu'ils n'ont pas trop à se faire de souci : en cours, ça bosse, et même si on pourra toujours pointer du doigt une casserole ou deux sur le carnet scolaire, personne ne va réellement s'inquiéter de les voir dégringoler vers l'échec quand approche la date des examens. Chez DC Comics, on a Batman. Et chez Marvel, on a Daredevil.

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Et même sans avoir besoin de rentrer dans le jeu des comparaisons entre ces célèbres deux têtes cornues de l'imaginaire des super-héros, fédérées par une même figure paternelle (avec un chapeau et une dégaine de provocateur) et une période faste de grande réinvention survenue à la même période, les faits sont là. Capables d'agglomérer certains des plus grands talents de l'industrie des comics, Batman comme Daredevil ont été à l'origine de plusieurs révolutions dans la chronologie de la BD aux Etats-Unis. Lorsqu'il a fallu repenser les codes de fiction au moment du Bronze Age, Daredevil était déjà là. Lorsqu'il a fallu lancer Marvel Knights pour offrir une perspective plus adulte et autonome à certains personnages du catalogue local, Daredvil était encore là. Et lorsqu'il a fallu considérer la perspective de remettre en question ses propres présupposés en amont de la période Marvel Now!, Daredevil était toujours, toujours, toujours là. Définition alpha de ce que les médias spécialisés aiment qualifier de "joyau de la couronne", le personnage profite d'une certaine protection au sein de son appareil productif.

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Et il est presque amusant, pour les fans de comics, de voir que cette protection s'applique aussi à l'échelle des adaptation. En mettant de côté le tristement célèbre film de Mark Steven Johnson, les faits sont là : Daredevil était encore la meilleure série du pôle des productions Marvel Television sur Netflix jusqu'à sa conclusion, malgré quelques petites baisses de forme occasionnelles, en comparaison de ses cousines du coin. Chez Marvel Studios (ou "Marvel Television 2.0"), le bilan est le même. Si Kevin Feige s'était posé la question de relancer le héros, en reprenant sa routine de feuilletons lancés sans capitainerie autonome, avant la grève des scénaristes et des comédiens... ce sera bien la série Daredevil : Born Again qui signera sans le vouloir l'amorce d'une prise de conscience générale en interne autour de cette problématique des points de vue. Au moment de dresser un bilan de ce qui avait d'ores et déjà tourné par la première équipe en charge de cette production, Feige et son nouveau bras droit, Brad Winderbaum, en seront arrivés à la même conclusion : il était possible de faire mieux.

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Devil's Advocate

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Cette prise de conscience participera à la légende globale autour de Daredevil, un héros pour lequel on consent un degré d'effort supplémentaire, en comprenant certainement que cette propriété intellectuelle reste trop importante pour être traitée avec la paresse habituelle des adaptations de comics ordinaires. Un nouveau commandant a donc été nommé aux machines, Dario Scardapane, vétéran de la période des séries Netflix passé par la série Punisher, et trois nouveaux épisodes ont été commandés pour muscler cette première saison. De la même façon, de nombreuses séquences, de nombreuses nouvelles scènes ont été tournées dans l'idée de reprendre le montage des six épisodes tournés précédemment. Le résultat de ce travail de chirurgie a été diffusé lors de ces quelques dernières semaine sur la plateforme Disney+, et se pose alors la question fatidique, obligatoire : d'accord, c'est mieux. Mais est-ce que c'est bien ?

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La série Daredevil : Born Again reprend globalement là où Netflix s'était arrêté. Wilson Fisk a dû quitter la ville par peur de devoir renoncer à son mariage. Matt Murdock, Franklin Nelson et Karen Page ont poursuivi leurs activités d'avocats vengeurs au service des laissés pour compte de la ville de New York.

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Mais au moment où cette petite famille recomposée semble avoir trouvé une forme d'équilibre, l'impensable se produit : Bullseye déboule, assassine Foggy, et lorsque Daredevil manque finalement de tuer le super-vilain par vengeance, notre héros comprend qu'il n'est plus capable de porter le masque et de revendiquer cet avatar de justice sans l'appui et le soutien de son meilleur ami de toujours. Une année plus tard, le Kingpin est de retour et se présente à la Mairie de New York, une élection qu'il remporte facilement. Matt Murdock est redevenu avocat et entame même une nouvelle romance inattendue. Karen n'est plus là. Vanessa Fisk ne ressent même proximité avec son époux depuis que celui-ci a décidé de renoncer à ses activités criminelles. Les justiciers urbains se multiplient. L'orage gronde. Bienvenue dans Born Again.

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D'entrée de jeu, on remarque dans les interstices les bourgeons d'un discours social sur ce nouvel état des lieux. La série assume de donner la parole aux habitants de New York sous la forme d'un documentaire sous la forme d'un micro-trottoir, pour saisir l'esprit du peuple, la position de l'électorat sur la politique moderne, le sentiment d'insécurité... ou la gentrification du quartier de Hell's Kitchen, également évoquée. D'ailleurs, Matt Murdock a abandonné son ancien quartier au profit d'une intrigue qui s'étend plus généralement à toute la ville de New York. Ce n'est pas un accident : dans le présent, Hell's Kitchen a considérablement évolué et ne cadre plus vraiment avec la réalité sociale décrite par Frank Miller au moment de son propre Born Again dans les années quatre-vingt. En définitive, la série regarde plutôt du côté des volumes de Charles Soule et Chip Zdarsky en poussant la comparaison entre l'élection de Wilson Fisk et celle de Donald Trump, pour dénoncer cette prise de pouvoir des autoritaristes et des populistes corrompus.

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Une parabole qui passe par toute une série de détails plus ou moins subtils. Certaines déclarations sont citées dans le texte, la campagne électorale reprend les casquettes rouges des MAGA (troquées contre des casquettes bleues floquées du logo "Fisk Can Fix It"), la politique du spectacle, le soutien adressé aux policiers répressifs, l'instauration d'une autorité plus violente, etc. Des idées qui étaient déjà présentes à l'époque de l'histoire Mayor Fisk (2017) en comics, globalement pensée comme le miroir de la première élection de Donald Trump aux Etats-Unis. Les premiers épisodes installent cette impression de parabole gênante, presque suffocante, vis-à-vis de la réalité politique moderne des démocraties occidentales. Dans ce contexte, on comprend que Matt Murdock sert d'avatar direct aux réactions engendrées par ce genre d'élections : si le personnage commence par accorder le bénéfice du doute, il réalise rapidement que la situation devient de plus en plus préoccupante, au point de s'engager dans une action militante individuelle.

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Tout l'argument de cette première saison passe par une lente déconstruction des certitudes du héros suite à cet événement, en embarquant d'autres discours en chemin. Si Matt Murdock est généralement présenté comme un avocat vertueux, porté par une foi inviolable dans le bon fonctionnement du système et des institutions, celui-ci réalise en cours de route que quelque chose ne marche plus dans cet impeccable système de valeurs. L'avocat réalise que la justice est plus sévère en fonction des profils, et qu'il n'est pas capable d'aider celles et ceux qui en auraient besoin en utilisant la loi comme seul rempart concret. Et puis, celui-ci va se frotter à la problématique de la violence policière et de l'impunité des agents de la force publique, un sujet qui représente une énorme part de cette première saison. En l'occurrence, Marvel Television reprend à son compte une donnée du monde réel : les policiers qui s'emparent du symbole du Punisher, devenu le sigle d'une adhésion volontaire aux principes d'un certaine idéologie, pour la pratique répressive de la force, mais aussi pour s'affilier aux convictions de plusieurs mouvements d'extrême-droite aux Etats-Unis. En définitive, Murdock va rapidement comprendre que quelque chose s'est rompu.

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Incapable de croire dans cette nouvelle version du "système", le héros va devoir endosser le costume et le masque pour redevenir celui qu'il était autrefois et opérer à nouveau en dehors de la loi. De ce point de vue, Daredevil : Born Again est certainement la série la plus politique de Marvel Studios. Ou tout du moins, la plus frontale : celle qui ne s'embarrasse pas d'une allégorie pour pointer du doigt les sujets qu'elle évoque. Et sur les conclusions que le héros va tirer de cette évocation de données empruntées au monde réel, il s'agit même certainement de la production la plus radicale du groupe, tous formats confondus, aux côtés de la série animée X-Men '97. Avec une bonne tête d'avance. C'est un reproche que l'on a souvent pu faire aux aventures des justiciers sous la présidence de Kevin Feige : chez Marvel Studios, on peut caresser l'idée d'une action militante, on peut évoquer l'existence de problèmes réels, mais il est généralement important de boucler sur une bonne note qui ne chamboule pas les convictions fondamentales.

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Pour prendre l'exemple le plus évident : dans le film de Ryan Coogler, si le Black Panther partage une partie des convictions de Killmonger sur le racisme organisé, sur la façon dont le Wakanda a toujours refusé de venir en aide aux autres nations de l'Afrique pour profiter égoïstement du Vibranium, sans partager son savoir avec le reste du monde... il faudra tout de même que le spectateur sorte de la salle en comprenant qui est le gentil, et qui est le méchant. De la même façon, la série The Falcon & the Winter Soldier avait opté pour une solution du même genre : des adversaires avec des convictions politiques louables... mais que l'on doit nécessairement renvoyer au statut de terroristes pour éviter de brouiller les frontières conventionnelles du bien et du mal. Et c'est cette envie de ménager la chèvre et le chou, de tâtonner sur un discours social potentiellement intéressant, avant de laisser au public le constat d'un propos extrêmement modéré, extrêmement manichéen, que l'ont pointe généralement du doigt comme une limite concrète et manifeste dans le mode opératoire de Kevin Feige. Surtout face à un monde politique qui bouge de plus en plus vite et dans des directions de moins en moins attendues.

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En l'occurrence, voir un groupe de cette taille autoriser une telle réflexion, que l'on partage ou non les convictions développées par les scénaristes, assure d'un premier bilan évident : Marvel Television s'est enfin affranchi de certaines de ces limites. On peut critiquer la méthode, la structure, ou même terminer rapidement la comparaison avec le monde réel (Fisk ne ressemble pas réellement à Trump, et si les scénaristes ont visiblement envie de le castrer, l'idée qui sous-tend la série passe surtout par l'envie de rendre aux deux antagonistes leur part de noirceur comme une réflexion sur la sauvagerie inhérente aux humains en période de crise) mais pour parler exclusivement de production, de ce que l'on s'autorise lorsque l'on travaille chez Disney, le bilan reste intéressant au sein du modèle MCU. De ce point de vue, la série passe pour suffisamment courageuse pour mériter un coup d'œil, en tant que feuilleton développé par un conglomérat généralement plus timide. Et cette perspective s'applique dans le fond et la forme : Born Again est aussi la première série qui s'assume sur la violence graphique et verbale, même s'il reste encore quelques kilomètres d'escalade avant de pouvoir enfin caresser les sommets du genre.

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Le Diable est dans les Détails

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Difficile de savoir avec précision ce qui était déjà là au départ, avant la reprise de la série par les équipes de Dario Scardapane, et ce qui a été rajouté ensuite. La consigne qui avait été donnée au scénariste se résume apparemment en des termes très simples : il fallait que Daredevil : Born Again soit plus adulte et plus violente. En l'occurrence, la série aligne son lot d'exécutions sommaires, avec quelques bagarres, et le choix d'un antagoniste de milieu de saison susceptible de porter ce propos. En revanche, c'est malheureux mais le comparatif marche dans l'autre sens : si on peut facilement dire du bien de la série en la regardant sous le prisme des Moon Knight, des Secret Invasion ou même des films de Marvel Studios, on aurait tout de même du mal à dire que celle-ci assume une ambiance et une atmosphère aussi noire que la première saison de Daredevil à l'époque de Netflix. Voire même de la première partie de la seconde saison au moment de la première apparition du Punisher.

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Pourquoi ? Parce que les efforts sont là mais que la tonalité manque. Sans la consigne de baser l'intrigue dans la version standardisée du Hell's Kitchen des ghettos et des gangs, Daredevil : Born Again ressemble plutôt à une série policière de première partie de soirée pour une bonne partie des épisodes présents. Fouillez vos souvenirs et rappelez vous de cette première saison à l'époque : un Daredevil qui combat les trafiquants d'êtres humains sur les docks de New York, qui se retrouve piégé et blessé avec un mafieux russe dans un bâtiment abandonné, cet hôpital surchargé où les mafieux manquent de s'échanger des coups de couteaux, ce journaliste pugnace en imperméable qui bat le bitume à la recherche de petites affaires de corruption immobilière. Dans le choix des palettes de couleur, de l'esprit suffocant, haletant, du sentiment d'urgence, en somme, d'une série de genre qui regardait du côté des polars du Nouvel Hollywood, la première série Daredevil s'était lancée cette consigne de viser plus haut.

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En comparaison, Born Again semble s'être passablement gentrifiée dans la forme : moins de personnages proprement civils, au bas de l'échelle, moins de fatalité sur la réalité des conditions de vie des populations pauvres, un éclairage qui préfère les nuances de bleu ou de blanc, et une problématique de société qui se regarde d'en haut, depuis le bureau du maire ou le cabinet d'un avocat désormais loin de son statut de vengeur des plus petits. Même l'appartement de Matt Murdock a changé pour refléter cette condition, pour devenir un espace creux, sans forme de vie ou de tonalité définie.

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Bien sûr, on pourra répondre que c'est fait exprès. Que l'avocat qui a renoncé à sa part de noirceur occupe désormais un espace plus blanc, plus propre. Une situation à laquelle il doit renoncer en cours de route pour retrouver son combat légitime. Et le dernier plan de la série évoque peut-être justement ce retour au sentiment d'urgence, de la même façon que ce dernier épisode (globalement réussi) veut convoquer cette impression d'une jungle urbaine en proie au chaos.

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Sauf que, l'évolution graphique ne se retrouve pas forcément en chemin, comme si la série restait cantonnée dans un format limité sur la mise en scène, ou que la grande révolution des idées n'avait pas encore accouché d'une révolution des styles. Les moments de mise en scène signifiants cherchent surtout à mettre en accord la forme au fond, lorsque le montage superpose la vie de Murdock à celle de Fisk, comme symboliser le parallélisme de ces deux frères ennemis (lorsque l'un perd pied dans sa relation de couple au moment où l'autre la reconstruit par exemple). Et paradoxalement, on aurait pu s'attendre à ce que Born Again joue sur ses propres forces : l'épisode du procès de White Tiger passe pour l'un des meilleurs de la saison, et on ressent d'ailleurs la présence de Brian Bendis dans les consultants de la série, mais celui-ci n'enclenche pas d'autres exercices du même genre sur le versant judiciaire pur et dur. De la même façon que quand Murdock protège un témoin des représailles de police, on pense pouvoir enfin retrouver cette impression d'urgence... mais qui s'estompe ensuite au profit de scènes plus civiles, communes, avec beaucoup moins d'accélérations ou de sentiment de pression.

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Sur le milieu de saison, la technique est même assez accablante. Alourdie par un épisode de huis clos lors d'un braquage de banque à la Saint-Patrick (probablement le moment le moins intéressant de toute la série, et l'occasion d'une passe décisive manquée à l'adresse de Ms. Marvel) et un énorme gâchis autour du personnage de Muse (un vilain avec du potentiel, mais que l'on bâcle en allant trop vite, et en bâclant une révélation qui aurait pu être largement mieux traitée compte tenu de l'aspect terrifiant de ce personnage), on plisse les yeux et on se demande si l'on ne voit pas les coutures, les imperfections dans cette série raffistolée par une seconde équipe en mission pour ajouter du sang et des morts dans un produit qui misait sur une autre formule. Comme si quelqu'un avait voulu faire une série "procedural" avec un épisode et un sujet différent chaque semaine, et que quelqu'un d'autre était repassé derrière pour faire une série noire, pour adultes, en insérant de nouvelles couleurs sans parvenir à maîtriser parfaitement le dosage.

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Au global, les chorégraphies des combats n'impressionnent pas, et on a même le sentiment que certaines chorégraphies (celle du premier épisode notamment) auraient été plus réussies dans l'avalanche d'effets numériques, ou sans l'impression d'éclairages descendus qui brouillent la vision et la lisibilité des scènes. Le combat contre Muse est aussi un énorme raté, saccagé par le montage, l'évolution du personnage de Heather Glenn une catastrophe accidentelle que l'on a bien du mal à saisir, et si la série parvient généralement à raviver quelques lueurs d'espoir lorsqu'elle se reconnecte à son propos fondamental - la résurrection de Daredevil et du Kingpin des centres de Matt Murdock et Wilson Fisk - on peine à isoler un grand moment de mise en scène dans une série qui se contente de faire le boulot, correctement, proprement... mais sans folie. Et c'est dommage, dans la mesure où celle-ci profite d'un casting de grande qualité et d'un propos qui offre de réelles perspectives entre des mains plus compétentes pour l'exercice du "noir" en fiction.

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Daredevil : Reborn ?

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Maintenant, l'impression sera différente en fonction des attentes de chacun. Celles et ceux qui n'espéraient plus grand chose de Marvel Studios seront probablement heureux de ce sursaut inattendu, de cette charge plus adulte et qui assume un véritable coup de poing dans les habitudes de la compagnie. En revanche, celles et ceux qui consomment des productions plus variées pourront toujours se dire que les équipes de FX ou HBO n'ont pas de soucis à se faire dans l'immédiat. Même à l'échelle des adaptations de comics, une série comme The Penguin pouvait défendre des qualités dans la forme ou le propos, une caméra qui servait mieux les prestations impeccables de ses interprètes, et une envie de s'amuser largement supérieure (malgré le même problème de ventre mou, mais cette fois, en début de saison). On peut même trouver intéressant de comparer ces deux séries, équitablement nées de la grève des scénaristes. Comme deux produits bicéphales lancés sur des impératifs communs : aller chercher le super-héros dans la violence et le social, l'un dans le ghetto, l'autre à la mairie.

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En revanche, une chose est sûre : Daredevil : Born Again place une grande vitesse à ses propres petits-cousins de chez Marvel sur la plateforme Disney+. De la même façon, les actrices et les acteurs sont toujours capables de porter le produit, même dans ses mauvais moments. On apprécie de retrouver Charlie Cox dans le rôle de Matt Murdock, une performance qui colle à la peau du comédien comme son impeccable costume rouge. C'est la loi des bons acteurs chez les super-héros : le comédien embrasse toutes les subtilités du personnage depuis la voix jusqu'à la gestuelle, et se fond avec élégance dans cette identité comme s'il n'avait jamais abandonné le rôle. Même bilan pour Vincent D'Onofrio et sa diction saccadée, capable d'incarner la castration d'un Kingpin en plein échec marital, incapable de comprendre ou d'incarner son propre déséquilibre émotionnel dans cette quête de rédemption mensongère, mais surtout merveilleux lorsqu'il retrouve sa vraie nature profonde d'assassin bestial et tonitruant.

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Le bilan est tout aussi positif pour Michael Gandolfini ou Nikki James, et on apprécie au passage de retrouver un Tony Dalton en meilleure forme que dans la série Hawkeye. Du côté de Margarita Levieva, le bilan est plus mitigé - mais ce n'est pas de sa faute, celle-ci doit simplement composer avec un texte passablement plus limité, plus idiot, caricatural. Subitement opposée à l'action des super-héros, tombée dans l'escarcelle des discours autoritaires du Kingpin, le personnage s'efface lentement malgré des débuts convaincants. Quant à Jon Bernthal, que dire. Toujours à l'aise dans ses manières, ses mimiques exagérées et son tempo bougon, le comédien lâche immédiatement les chevaux dès sa première apparition, comme à son habitude, incapable d'être autre chose qu'un personnage de cinéma radical et séduisant. Sa présence se justifie (naturelement) par l'envie de Marvel Studios de lui produire un spin-off dans la foulée, mais ce n'est pas grave : on n'a pas l'impression d'un personnage forcé, et maintenant que l'enseigne a mis les choses au clair sur le symbole du Punisher, comment ne pas se réjouir de retrouver Big Pun dans une aventure en solitaire ?

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Et surtout : dans la mesure où Daredevil : Born Again a été rattrapée en vol, on peut surtout espérer que la prochaine saison osera proposer un ensemble plus compact et authentique, sans ces chutes de rythme ou ces quelques fautes notes certainement nées d'un processus créatif compliqué. Après tout, Marvel Studios n'en est qu'aux premiers pas de sa propre remise en question. Du côté des fans, on doit certainement considérer qu'il s'agit d'un processus itératif, que l'enseigne tente des choses et attend de voir jusqu'où elle peut s'autoriser à aller. Et compte tenu du pas de géant réalisé entre la série Echo et cette version de Born Again, les progrès sont déjà considérables. Reste maintenant à transformer l'essai.

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La série Daredevil : Born Again doit se comprendre comme le résultat d'une équation compliquée. Coincées entre les nostalgiques de la période Netflix qui s'attendaient certainement à retrouver un résultat identique, entre les échecs de ces dernières années et les pudeurs naturels d'un groupe qui n'a jamais voulu aller trop loin dans l'effort politique ou les démonstrations de violence, les équipes de Marvel Studios ont, pour une fois, parié sur le risque. Et si le résultat n'est pas exactement parfait, on sort tout de même de ces neuf premiers épisodes sur un bilan globalement positif. Comme dans les comics, le personnage de Daredevil se présente comme l'avatar du changement, de l'ouverture des portes que l'on pensait définitivement fermées, et comme le prophète des temps nouveaux dans l'envie de proposer des super-héros plus adultes, plus complexes, plus engagés. Reste maintenant à tailler dans le gras et à s'entendre sur une direction artistique plus exigeante pour passer du prototype au produit fini. Tous les ingrédients sont là, avec de réelles qualités à défendre, un casting impeccable et un discours général à la hauteur des enjeux du présent. Maintenant, pour la consigne : il va falloir que le diable voie rouge.

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Et si vous alliez chiner des comics et vous dégoter quelques raretés - ou des numéros manquants à votre collection - auprès d'un très grand nombre de revendeurs de single issues ? Ou pourquoi pas même entamer une nouvelle collection en tombant par hasard sur un numéro qui vous tape dans l'oeil ? Bref, si vous appréciez passer du temps à écumer les racks de comics VO, VF, et que vous ne dites pas non à quelques produits dérivés, vous avez une occasion ce weekend de faire plaisir à vos pulsions. En effet, le French Comics Mart fait son grand retour dans la ville d'Ivry.

La foire aux comics est de retour à Ivry !

Après une première édition s'étant déroulée au mois de février dernier, le French Comics Mart s'offre une édition estivale - et a priori bien plus ensoleillée ce dimanche 1er juin 2025, de 11h à 17h à La Miroiterie, située au 110 Bd Paul Vaillant Couturier à Ivry (accessible par les lignes 7 et 8 du métro, ou en RER C).

L'évènement se présente comme le plus grand rassemblement de revendeurs de comics indépendants, avec de très nombreux stands, qu'il s'agisse de libraires ou de revendeurs/collectionneurs particuliers. Seront présents pour cette seconde édition Central Comics Paris, Diableblanc Comics, DudeComics, Fine Art Comics, French Comics Lovers, Gourvy Comics, Moulin Comics, My Origina, Cube à Comics et bien d'autres, l'entrée étant totalement libre. Si vous cherchiez de quoi vous occuper ce dimanche, les comics viendront à vous !

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C'est la coutume : un film, deux couvertures. La campagne marketing du film Fantastic Four : First Steps se poursuit du côté de chez Marvel Studios. Et pour une fois, celle-ci ne se cantonne pas aux extraits publicitaires autour du basket en partenariat avec la NBA. Au passage, qu'est-ce que c'est que ce délire ? Est-ce que les scènes en question seront réellement intégrées au film ? Est-ce que Matt Shakman a vraiment tourné une séquence dans laquelle Reed Richards se fait engueuler parce que les Quatre Fantastiques ont manqué le début des play-offs ? Ou alors, s'agit-il bêtement d'une version longue ciblée pour une niche extrêmement précise ? Pour des gens qui apprécient les films de Marvel Studios mais qui trouvent que... eh, quand même. Est-ce que ça manque pas un peu de tirs à trois points toute cette histoire, là.

Bref : Empire Magazine

En partenariat avec la rédaction du magazine Empire depuis de longues années déjà, Marvel Studios a pris l'habitude d'accorder différentes entrevues aux équipes de cette antenne spécialisée en échange d'une couverture médiatique complète. Pour le numéro du mois de juin, les rédacteurs ont donc pu rencontrer l'essentiel du casting de Fantastic Four : First Steps, entre autres choses, depuis les plateaux de tournage. En échange, Empire s'aquitte de sa part du contrat en présentant deux couvertures consacrées au film de Matt Shakman. Comme à chaque fois, une couverture généraliste avec une photographie des actrices et des acteurs, et une autre, plus stylisée, avec une illustration originale.

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En l'occurrence, c'est l'artiste Doaly (un habitué des commandes officielles pour le groupe Disney avec un penchant sincère pour les héros de chez Marvel, que l'on retrouve en conséquence sur de nombreuses couvertures variantes) qui s'est occupé de produire la devanture en question. Celle-ci reprend les personnages de Galactus et de sa Silver Surfer pour un résultat plutôt agréable à l'oeil. Comme d'habitude, on pourra regretter qu'Empire ne veuille pas proposer ce genre de contrats aux artistes de comics proprement dits (un bon Mike Allred, au hasard...) mais de fait, la couverture consacrée au film Thunderbolts* avait été réalisée par le bon Mark Brooks. Donc... on n'a plus vraiment les moyens de se plaindre.

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La prochaine édition du magazine Empire sera disponible le 5 juin 2025 pour les anglophones (et comprendra quelques illustrations inédites en plus des entretiens, qui iront certainement trouver refuge sur les internets dans la foulée). De son côté, Fantastic Four : First Steps sera de sortie dès le 23 juillet 2025 dans les cinémas français.

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Bonne nouvelle pour les studios Warner Bros.. Le film Superman de James Gunn, considéré comme l'une des sorties les plus importantes de cette année pour le conglomérat (et surtout pour ses actionnaires, probablement plus impatients que les fans de comics eux mêmes), s'est finalement assuré une date de sortie sur le marché du cinéma chinois. Et mieux encore, les fans locaux n'auront pas besoin de traverser l'habituelle période de retard réglementaire. Si beaucoup de productions américaines tombent généralement en décalé par rapport aux dates de sorties internationales, pour cette fois, Superman sera disponible sur place le 11 juillet 2025. Autrement dit : comme aux Etats-Unis.

超人 !

Ca veut dire \"Superman\". Probablement. Mettons que l'algorithme de Google Translate sait ce qu'il fait. Sur les réseaux sociaux, James Gunn a propagé la bonne nouvelle, visiblement satisfait de pouvoir proposer son produit en temps et en heure sur ce marché. De fait, les consommateurs chinois ne sont globalement plus aussi importants qu'auparavant dans l'équation des entrées en salle - en particulier depuis les longues années d'autarcie culturelle imposées par le régime de Xi Jingpin au moment où la Chine était en conflit diplomatique ouvert avec les Etats-Unis. Une situation qui ne s'est pas spécialement améliorée dans le présent, ceci dit. Mais l'entrée du pays n'est plus automatique bloquée aux productions étrangères... pour le moment.

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Néanmoins, Gunn et les équipes de DC Studios auront mécaniquement besoin de toute l'aide disponible pour s'assurer d'un lancement réussi. Avec la pression de devoir lancer tout un nouvel univers et de reprendre la marque DC Comics au cinéma au sortir sortir de longues années de vaches maigres, le film Superman semble comme condamné au succès... sous peine de voir s'effondrer cette ébauche de château de cartes. L'assistance potentielle du public chinois est donc une bonne nouvelle pour l'avenir des productions DC Studios. Surtout dans la foulée de ces derniers mois, avec une tension ravivée (ou alimentée) par la présidence de Donald Trump vis-à-vis de l'économie de l'Empire du Milieu.

Pour l'heure, le plan semble se dérouler sans accroc. Rendez-vous le 9 juillet 2025 du côté des cinémas français.

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Pendant qu'Eric Kripke avance sur le grand final de The Boys de son côté, la prochaine saison de Gen V attend son tour depuis les coulisses. Tournée l'an dernier, après une petite période de réécriture imposée par la mort de l'acteur Chance Perdomo, la série n'a pas encore été présentée officiellement. Celle-ci n'a même toujours pas eu droit à une de date de sortie officielle dans le calendrier de Prime Video pour cette année. En mars dernier, Kripke avait pourtant promis que la première bande-annonce était en bonne voie, évoquant plusieurs annonces à venir pour le printemps.

Gen V : \"Coming Soon\"

S'il est encore un peu trop tôt pour s'emballer, les équipes en charge du marketing chez Amazon ont bien présenté un premier poster officiel pour amorcer l'ébauche d'une campagne publicitaire. En théorie, Gen V devrait surtout avoir droit à un coup de projecteur lors de la convention CCXP Mexico à la fin du mois. L'essentiel du casting se déplacera sur le salon (Derek Luh, London Thor, Asa Germann, Jaz Sinclair, Lizze Broadway). Probablement l'opportunité de dévoiler une première bande-annonce, ou au moins, de communiquer sur la date de sortie. Pour l'heure, l'affiche ne lâche pas davantage d'informations sur les détails concrets.

Celle-ci se contente de représenter le personnage de Marie (Sinclair) dans une posture de résistance vis-à-vis de la dictature installée par le Homelander dans la série The Boys, une indication potentielle de la tonalité attendue pour cette nouvelle saison. On ne s'attendait pas à ce que les élèves de Godolkin reprennent une vie normale après les événements de leur première année sur place... et compte tenu du final, Gen V devrait s'intégrer encore davantage dans la trame de The Boys pour le grand firmament qui s'annonce à l'horizon.

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La présentation prévue pour la CCXP Mexico aura lieu ce samedi 31 mai 2025. Nous devrions en apprendre davantage le moment venu.

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Ces questions, nous avions déjà pu les aborder au cours des podcasts enregistrés pour les films nommés, mais il faut aussi savoir se remettre en question, et se demander si deux mecs (ou plus) sont forcément les personnes les mieux placées pour parler de féminisme ou du traitement des héroïnes sur grand écran, voire de l'importance que peuvent avoir certains films au delà de toute considération artistique ou marketing. \r
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Et puisque nous trouvons également que dans le milieu comics, il n'est pas toujours facile d'avoir des voix féminines à ce sujet, est venue l'idée de vous proposer un podcast composées uniquement d'intervenantes, afin d'avoir une discussion et des points de vues différents, et aborder des sujets sous un autre angle. Océane (du podcast Lemon Adaptation Club) nous a fait l'honneur d'animer cette émission, en compagnie de Phobos (des podcasts Outrider et Actionner) et Maud, pour une discussion qui, on l'espère, saura vous intéresser et éclairer avec un autre regard ces sujets d'actualité.\r
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Comme toujours, les retours seront les bienvenus, tant sur le sujet que sur l'émission, avec l'espace commentaire fait spécialement pour cela. Une fois encore également, les partages sur les réseaux sociaux, les commentaires et bonne notes sur nos plateformes d'hébergement sont autant d'outils (gratuits) pour soutenir nos émissions, celle-ci en particulier. Merci d'avance, et bonne écoute à vous !",349,"super-heroines1.jpg","https://assets.comicsblog.fr/images/news/crop_super-heroines1.jpg","https://assets.comicsblog.fr/images/news/crop2_super-heroines1.jpg","https://assets.comicsblog.fr/images/news/crop3_super-heroines1.jpg","https://assets.comicsblog.fr/images/news/crop4_super-heroines1.jpg","https://assets.comicsblog.fr/images/news/crop5_super-heroines1.jpg","Après Wonder Woman, Captain Marvel, et le récent film Birds of Prey, mais aussi avec la venue proche de Black Widow, Wonder Woman 1984 et ...","Après Wonder Woman, Captain Marvel, et le récent film Birds of Prey, mais aussi avec la venue proche de Black Widow, Wonder Woman 1984 et un casting très diversifié pour The Eternals, les ...","Après Wonder Woman, Captain Marvel, et le récent film Birds of Prey, mais aussi avec la venue proche de Black Widow, Wonder Woman 1984 et un casting très diversifié pour The Eternals, les super-héroïnes se font de plus en plus présentes sur ...","

Après Wonder Woman, Captain Marvel, et le récent film Birds of Prey, mais aussi avec la venue proche de Black Widow, Wonder Woman 1984 et un casting très diversifié pour The Eternals, les super-héroïnes se font de plus en plus présentes sur grand écran. Une jolie mise en avant qui soulève quantité de discussions et débats dans les sphères pop-culturelles, avec notamment les messages féministes que peuvent porter avec eux ces films, et la façon dont les personnages féminins y sont traités.

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Ces questions, nous avions déjà pu les aborder au cours des podcasts enregistrés pour les films nommés, mais il faut aussi savoir se remettre en question, et se demander si deux mecs (ou plus) sont forcément les personnes les mieux placées pour parler de féminisme ou du traitement des héroïnes sur grand écran, voire de l'importance que peuvent avoir certains films au delà de toute considération artistique ou marketing.

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Et puisque nous trouvons également que dans le milieu comics, il n'est pas toujours facile d'avoir des voix féminines à ce sujet, est venue l'idée de vous proposer un podcast composées uniquement d'intervenantes, afin d'avoir une discussion et des points de vues différents, et aborder des sujets sous un autre angle. Océane (du podcast Lemon Adaptation Club) nous a fait l'honneur d'animer cette émission, en compagnie de Phobos (des podcasts Outrider et Actioner) et Maud (qui joue le rôle de la spectatrice "non experte), pour une discussion qui, on l'espère, saura vous intéresser et éclairer avec un autre regard ces sujets d'actualité.

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Comme toujours, les retours seront les bienvenus, tant sur le sujet que sur l'émission, avec l'espace commentaire fait spécialement pour cela. Une fois encore également, les partages sur les réseaux sociaux, les commentaires et bonne notes sur nos plateformes d'hébergement sont autant d'outils (gratuits) pour soutenir nos émissions, celle-ci en particulier. Merci d'avance, et bonne écoute à vous !

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Dans une année de disette importante en ce qui concerne les conventions, le programme se montrait particulièrement alléchant avec quelques oeuvres très attendues - et il fallait donc en faire un bilan en podcast histoire de débriefer tout ce qu'on nous a présentés. C'est donc chose faite ! \r
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Comme toujours, les commentaires et retours seront les bienvenus, et on vous demandera comme toujours de partager nos émissions si notre travail vous plaît et vous importe. Bonne écoute !",348,"podcast-dc-fandome1.jpg","https://assets.comicsblog.fr/images/news/crop_podcast-dc-fandome1.jpg","https://assets.comicsblog.fr/images/news/crop2_podcast-dc-fandome1.jpg","https://assets.comicsblog.fr/images/news/crop3_podcast-dc-fandome1.jpg","https://assets.comicsblog.fr/images/news/crop4_podcast-dc-fandome1.jpg","https://assets.comicsblog.fr/images/news/crop5_podcast-dc-fandome1.jpg","Au cours du weekend passé se tenait le DC Fandome, premier évènement intégralement en ligne et 100% consacré aux univers de DC, avec ...","Au cours du weekend passé se tenait le DC Fandome, premier évènement intégralement en ligne et 100% consacré aux univers de DC, avec un angle définitivement axé sur les adaptations filmiques ...","Au cours du weekend passé se tenait le DC Fandome, premier évènement intégralement en ligne et 100% consacré aux univers de DC, avec un angle définitivement axé sur les adaptations filmiques et les jeux vidéo. Quelques comics s'y cachaient ...","

Au cours du weekend passé se tenait le DC Fandome, premier évènement intégralement en ligne et 100% consacré aux univers de DC, avec un angle définitivement axé sur les adaptations filmiques et les jeux vidéo. Quelques comics s'y cachaient malgré tout.

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Dans une année de disette importante en ce qui concerne les conventions, le programme se montrait particulièrement alléchant avec quelques oeuvres très attendues - et il fallait donc en faire un bilan en podcast histoire de débriefer tout ce qu'on nous a présentés. C'est donc chose faite !

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Comme toujours, les commentaires et retours seront les bienvenus, et on vous demandera comme toujours de partager nos émissions si notre travail vous plaît et vous importe. Bonne écoute !

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A l'occasion de la récente édition de Comic Con Paris, les équipes d'organisation ramenaient avec elles l'illustre Roy Thomas, scénariste vétéran de l'industrie, ancien éditeur en chef de Marvel, créateur de Conan en comics, et ainsi de suite.

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Il était donc impossible pour nous de passer à côté de Roy Thomas, histoire d'avoir un regard actuel sur les comics de son point de vue, de parler d'engagement dans les histoires et de l'évolution du paysage à l'heure des nombreuses adaptations Marvel sur tous les écrans. Une petite entrevue que nous sommes ravis de vous présenter, et qu'on vous invite à partager sans modération !

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Tradition oblige, la série des Honest Trailers est de retour pour une nouvelle dissection de cadavre cinématographique. En l'occurrence, les équipes de la chaîne Screen Junkies n'ont pas forcément eu besoin de chercher trop loin : au début de l'année, Marvel Studios a dégainé le film Captain America : Brave New World, un produit de plus dans la longue liste des œuvres du milieu de gamme qui constituent aujourd'hui l'essentiel des sorties de la marque. Et de ce point de vue, mettons que le pire est derrière nous. Avec Fantastic Four, Spider-Man et deux Avengers en ligne de mire, cette consigne des petits produits sans lendemain devrait théoriquement être mise en pause (pour le moment) après la sortie du film Thunderbolts*. Lequel aura d'ailleurs droit à son propre Honest Trailers d'ici quelques mois... et probablement dans la même tonalité.

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Cap ou pas Cap ?

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Force est d'admettre que Marvel Studios a grandement facilité la vie aux humoristes du web avec Captain America : Brave New World. Si le projet n'est pas spécialement insultant ou terriblement mauvais, celui-ci a toutefois été parasité par une campagne de promo' exclusivement articulée autour du combat final, une intense période de tournage additionnel coûteuse, l'élection d'un nouveau président aux Etats-Unis et la reprise du conflit israélo-palestinien, deux éléments du monde réel qui n'ont pas forcément servi le discours (ou l'absence de) politique au sein du scénario. Sans même évoquer le design du vilain.

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Pas besoin d'avoir fait l'école du rire (mais si, la fameuse) pour bricoler des blagues sur un tel charnier de circonstances atténuantes. En l'occurrence, Honest Trailer frappe là où ça fait mal : sur la fatigue, sur les limites du modèle, et sur le bon gros tas de poussière qui recouvre désormais la chronologie de Marvel Studios.

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Sans plus attendre :

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Dans l'enclave consacrée aux productions DC Studios du groupe Warner Bros., les équipes en charge du marketing s'agitent dans toutes les directions pour soutenir l'effort imposé par la campagne publicitaire du film Superman. Sortie conséquente dans cette année de cinéma, la nouvelle lecture des aventures du héros, menée par James Gunn, se doit d'alimenter le web à flux tendu pour rester dans l'esprit du grand public (et dans les conversations). Actuellement, la campagne alterne donc entre des bandes-annonces proprement dites et des vidéos au format coulisses. La preuve en images.

Superman of the People

Sur les réseaux sociaux, DC Studios a donc publié deux nouveaux contenus publicitaires consacrés au film Superman. D'un côté, un premier extrait du tournage, dans lequel on peut reconnaître une scène que les photographes amateurs avaient déjà pu capturer au moment où les équipes de James Gunn étaient encore en train de filmer le projet depuis la ville de Cleveland. Celle-ci devrait effectivement servir de décor principal pour la nouvelle Metropolis (avec quelques morceaux de Cincinnati pour le futur Hall of Justice, et quelques autres séquences tournées à Atlanta).

En l'occurrence, on découvre dans ce petit morceau choisi un David Corenswet capable d'épouser les contours de cette version de Superman pensé comme le héros des enfants. Positivité, c'est la consigne. Il en faut pour tous les goûts.

A hero for ALL. 💙❤️ #Superman - only in theaters July 11. pic.twitter.com/X1qT9tZk4M
— Superman (@Superman) May 30, 2025

Dans un second temps, James Gunn est aussi revenu sur le tournage des scènes basées dans les locaux de la rédaction du Daily Planet. On n'est pas tout à fait certains de l'environnement sélectionné pour filmer cette partie précise du film, mais le bâtiment qui servira de façade au célèbre journal se trouve également à Cleveland (il s'agit du \"Leader Building\" pour celles et ceux qui auront envie de faire du tourisme une fois que le projet sera sorti et aura eu le temps d'être digéré). Là-encore, quelques nouvelles images se promènent dans ce petit extrait.

James Gunn explains how he makes the magic of Metropolis come to life. 🎬 #Superman - only in theaters July 11. pic.twitter.com/HA94T38F3p
— Superman (@Superman) May 30, 2025

Superman est attendu pour le 11 juillet 2025.

Source

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Dans la liste des relances factices de cette année, Marvel applique sa recette classique : farine, oeuf, fromage, et remise au numéro #1 d'une série en cours de publication sans aucun motif valable. Avec la sortie du film Fantastic Four : First Steps cet, l'éditeur ne pouvait pas décemment se priver d'un numéro Fantastic Four #1 dans les rayons au mois de juillet pour profiter de l'effet de croisement. D'un autre côté, les fans apprécient le travail de Ryan North sur la série. Celui-ci est même considéré comme l'un des bons éléments du moment chez Marvel depuis quelques années, il aurait donc été idiot de lui proposer de quitter le titre en catastrophe. Alors.

1, 2, 3, 4

Alors l'enseigne a simplement décidé de placarder un numéro #1 sur le numéro du mois de juillet. Et c'est comme ça. En juin, Ryan North sera encore aux affaires sur les aventures de la famille Richards avec la sortie de Fantastic Four #33. Et puis, en juillet, Ryan North sera toujours aux affaires sur les aventures de la famille Richards... sauf que Fantastic Four #34 s'appellera Fantastic Four #1 et sera livré avec un nouveau dessinateur. Et puis des couvertures variantes, bien évidemment. C'est normal : c'est un numéro #1, pas un numéro #34. Si ça avait été un numéro #34, Marvel n'aurait pas prévu de présenter douze couvertures alternatives. Essayez de suivre un peu.

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En l'occurrence, cette renumérotation va donc accueillir différentes devantures, avec des illustrations commandées aux artistes Alex Ross, Alan Davis, Jerome Opeña, Cliff Chiang, Jeehyung Lee, Claudio Castellini, Leonardo Romero et Mahmud Asrar. Mais aussi, une variante de Skottie Young, qui s'inscrit dans un programme de \"connecting covers\" (en suivant le principe de frise qui se complète au fur et à mesure, une fois tous les dessins mis bout à bout) pour les cinq premiers numéros de la nouvelle série.

Et quoi d'autre ? Une \"Hidden Gem\" de John Buscema (ces couvertures qui se basent sur l'idée de découper dans une case ou une planche publiée longtemps en arrière pour produire une variante officielle), une couv' \"Disney\" (avec Mickey, Minnie, Donald et toute la clique - une sorte de nouvelle tradition chez Marvel, quelqu'un doit avoir envie de se faire bien voir par les grands patrons) par Lorenzo Pastrovicchio. Vous remarquerez au passage que cette illustration reprend la composition de la célèbre couverture de Jack Kirby pour Fantastic Four #49 (1966) exactement comme celle... d'Alex Ross. Et voilà pour le programme complet. En l'occurrence, pas de mois thématique ou d'opération spéciale (dans le style \"vacances au ski\" ou \"c'est l'anniversaire de machin\") pour doper la facture.

Fantastic Four #1 est attendu pour le 9 juillet 2025.

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Bonne nouvelle pour les amateurs de Geof Darrow : les éditions Dark Horse ont prévu de publier un album en forme d'anniversaire consacré aux deux personnages fondateurs de la bibliographie de cet artiste virtuose. Comme souvent avec les créations du bonhomme, celui-ci a été floqué d'un titre grandeur nature : The Shaolin Cowboy : Beginning of the End Resultats - 21 Years of Blood, Sweat and Chainsaws. Ça ne s'invente pas. Pour cette fois, le moine solitaire ne sera pas seul aux manettes, dans la mesure où celui-ci va (enfin) pouvoir partager l'affiche avec son plus proche parent, Bourbon Thret, première création originale de Geof Darrow et modèle revendiqué du Shaolin Cowboy.

Enfin disponible aux Etats-Unis !

Pour celles et ceux qui l'ignoreraient encore : techniquement, le parcours du héros silencieux, entamé chez Dark Horse en 2004 avec une première mini-série en sept numéros (Start Trek) se base en réalité sur un personnage plus ancien. Voire même, sur un personnage plus français. Au début des années quatre-vingt, lorsque Darrow n'était encore qu'un artiste de studio au service des métiers de l'animation (dans les équipes de la structure Hanna-Barbera notamment, aux côtés d'Alex Toth), celui-ci fera finalement la rencontre de son idole, Moebius, au moment où l'illustre dessinateur était passé par les Etats-Unis pour travailler sur le design du film Tron (1982). S'engagera alors une amitié décisive entre les deux hommes.

Darrow décidera rapidement de migrer vers la France pour rencontrer les responsables de la maison d'édition Les Humanoïdes Associés dans l'idée de travailler avec Moebius. Au sortir d'une première collaboration (La Cité Feu, 1984), le dessinateur pourra ensuite enchaîner avec un projet réalisé en solitaire, Bourbon Thret, un autre héros silencieux dans un décor futuriste, base fondamentale de son style et point de départ de toute une bibliographie spectaculaire, tournée vers l'humour absurde, la satire sociale et l'action séquentielle experimentale. En 1985, Darrow publiera Comics and Stories pour regrouper les deux premières aventures de Bourbon (avec quelques illustrations bonus de Moebius, Liberatore et François Boucq) aux éditions Aedena, petite enclave fondée par Giraud lui-même (en compagnie de Jean Annestay).

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Le personnage n'avait, en revanche, jamais été publié aux Etats-Unis jusqu'ici. Geof Darrow optera finalement pour une refonte globale du concept (même si les deux personnages sont extrêmement proches l'un de l'autre, Darrow les considérant comme des \"cousins\" selon ses propres déclarations à notre égard) au moment d'inventer le Shaolin Cowboy en 2004. Et ça tombe bien : avec cette collection anniversaire, les éditions Dark Horse ont prévu de combler le vide. L'album annoncé pour cette année reprendra effectivement le contenu de Comics & Stories, en plus de rééditer Shaolin Cowboy : Start Trek, la première mini-série, pour permettre aux deux cousins de partager ce même espace.

Au passage, Geof Darrow en profitera peut-être également pour commander une nouvelle mise en couleurs. L'artiste avait déjà proposé à Dave Stewart (son collaborateur régulier) de passer un coup de propre sur Hard Boiled et Big Guy & Rusty the Boy Robot lors des rééditions publiées chez Dark Horse récemment. Or, celui-ci n'était pas aux commandes de Bourbon Thret et Shaolin Cowboy : Start Trek... et on sait que l'artiste entretient un rapport fusionnel avec son coloriste. Peut-être l'occasion d'une petite mise à jour.

\"L'édition spéciale (cartonnée) The Shaolin Cowboy : Beginning of the End Resultats - 21 Years of Blood, Sweat and Chainsaws compilera pour la première fois The Shaolin Cowboy: Start Trek et Bourbon Thret, le héros de la légendaire BD Comics and Stories de Geof Darrow, longtemps restée indisponible et initialement publiée en France par les éditions Ædena, la maison d'édition de Moebius. Plus de deux cents pages sont prévues au programme, avec une oeuvre d'art à chaque case. Vous pourrez parcourir les planches de ce projet pendant des années et découvrir à chaque fois de nouveaux détails cachés !\"

Maintenant, reste la question classique : les éditions Futuropolis seront-elles en capacité de publier cette réédition ? En théorie, la dernière version de Bourbon Thret publiée sur le marché français est aujourd'hui âgée de trente ans (avec un album sorti chez Delcourt en 1995). Il serait donc grand temps de rattraper le retard.

Aux Etats-Unis, The Shaolin Cowboy : Beginning of the End Resultats - 21 Years of Blood, Sweat and Chainsaws est attendu pour le 9 décembre 2025 au prix de 34 dollars 99 pour 256 pages.

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