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Il y a certains auteurs et artistes avec lesquels on a le plaisir d’avoir une relation de confiance, qui laisse la porte ouvertes à de longues discussions très franches, où la vanne côtoie des moments on ne peut plus sérieux. En 2019, nous avions eu le plaisir de réaliser une interview de ce genre, longue de 2h30, en compagnie du scénariste Joshua Dysart, auteur on ne peut plus talentueux et engagé. Six ans plus tard, bien des choses se sont passées, mais une est restée : l’envie de discuter. Aussi est-on on ne peut plus fier de vous proposer aujourd'hui une nouvelle interview d'anthologie !

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Joshua Dysart et Alberto Ponticelli étaient en effet invités par Bliss Editions en ce début d’année, pour le FIBD, afin d’accueillir la parution en France du très bon L’Île aux Orcs. C’est donc avec nos micros que nous nous sommes livrés à un exercice d’entretien fleuve, avec plus d’une heure en tête à tête avec Dysart pour évoquer tout ce qu’il a fait depuis la fin des années Valiant et ses débuts à Bad Idea, puis à trois avec Alberto pour parler spécifiquement de leur travail sur L’Île aux Orcs. Attention : la dernière partie de l'interview se concentre sur la fin du récit et le spoile complètement. Soyez prévenus (il y a une balise dans l'article). Et si vous souhaitez découvrir cet entretien bien plus épique à l'écoute et que vous n'avez pas peur de l'anglais, la version podcast via First Print est aussi disponible.

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Nous remercions chaleureusement Clément Boitrelle qui s'est occupé de la traduction et retranscription de l'interview.

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• Un propos politique frontal\r
• Le casting secondaire séduisant\r
• Une vraie remise en question chez Marvel Studios\r
• Le statut d'exception de Daredevil\r
• Charlie Cox et Vincent D'Onofrio","daredevil-born-again-critique1.jpg","https://assets.comicsblog.fr/images/news/crop_daredevil-born-again-critique1.jpg","https://assets.comicsblog.fr/images/news/crop2_daredevil-born-again-critique1.jpg","https://assets.comicsblog.fr/images/news/crop3_daredevil-born-again-critique1.jpg","https://assets.comicsblog.fr/images/news/crop4_daredevil-born-again-critique1.jpg","https://assets.comicsblog.fr/images/news/crop5_daredevil-born-again-critique1.jpg","Si l'on voulait appliquer un genre de parabole curieuse, en considérant que les super-héros sont des gosses dans une salle de classe et ...","Si l'on voulait appliquer un genre de parabole curieuse, en considérant que les super-héros sont des gosses dans une salle de classe et que l'éditeur ou le studio représentent tous deux leur ...","Si l'on voulait appliquer un genre de parabole curieuse, en considérant que les super-héros sont des gosses dans une salle de classe et que l'éditeur ou le studio représentent tous deux leur enseignant, leur formateur, celui qui doit se charger ...","

Si l'on voulait appliquer un genre de parabole curieuse, en considérant que les super-héros sont des gosses dans une salle de classe et que l'éditeur ou le studio représentent tous deux leur enseignant, leur formateur, celui qui doit se charger de l'avenir, alors on pourrait facilement identifier les chouchous du prof' sans trop de difficultés. Les têtes de classe, les délégués. Celles et ceux dont les parents savent qu'ils n'ont pas trop à se faire de souci : en cours, ça bosse, et même si on pourra toujours pointer du doigt une casserole ou deux sur le carnet scolaire, personne ne va réellement s'inquiéter de les voir dégringoler vers l'échec quand approche la date des examens. Chez DC Comics, on a Batman. Et chez Marvel, on a Daredevil.

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Et même sans avoir besoin de rentrer dans le jeu des comparaisons entre ces célèbres deux têtes cornues de l'imaginaire des super-héros, fédérées par une même figure paternelle (avec un chapeau et une dégaine de provocateur) et une période faste de grande réinvention survenue à la même période, les faits sont là. Capables d'agglomérer certains des plus grands talents de l'industrie des comics, Batman comme Daredevil ont été à l'origine de plusieurs révolutions dans la chronologie de la BD aux Etats-Unis. Lorsqu'il a fallu repenser les codes de fiction au moment du Bronze Age, Daredevil était déjà là. Lorsqu'il a fallu lancer Marvel Knights pour offrir une perspective plus adulte et autonome à certains personnages du catalogue local, Daredvil était encore là. Et lorsqu'il a fallu considérer la perspective de remettre en question ses propres présupposés en amont de la période Marvel Now!, Daredevil était toujours, toujours, toujours là. Définition alpha de ce que les médias spécialisés aiment qualifier de "joyau de la couronne", le personnage profite d'une certaine protection au sein de son appareil productif.

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Et il est presque amusant, pour les fans de comics, de voir que cette protection s'applique aussi à l'échelle des adaptation. En mettant de côté le tristement célèbre film de Mark Steven Johnson, les faits sont là : Daredevil était encore la meilleure série du pôle des productions Marvel Television sur Netflix jusqu'à sa conclusion, malgré quelques petites baisses de forme occasionnelles, en comparaison de ses cousines du coin. Chez Marvel Studios (ou "Marvel Television 2.0"), le bilan est le même. Si Kevin Feige s'était posé la question de relancer le héros, en reprenant sa routine de feuilletons lancés sans capitainerie autonome, avant la grève des scénaristes et des comédiens... ce sera bien la série Daredevil : Born Again qui signera sans le vouloir l'amorce d'une prise de conscience générale en interne autour de cette problématique des points de vue. Au moment de dresser un bilan de ce qui avait d'ores et déjà tourné par la première équipe en charge de cette production, Feige et son nouveau bras droit, Brad Winderbaum, en seront arrivés à la même conclusion : il était possible de faire mieux.

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Devil's Advocate

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Cette prise de conscience participera à la légende globale autour de Daredevil, un héros pour lequel on consent un degré d'effort supplémentaire, en comprenant certainement que cette propriété intellectuelle reste trop importante pour être traitée avec la paresse habituelle des adaptations de comics ordinaires. Un nouveau commandant a donc été nommé aux machines, Dario Scardapane, vétéran de la période des séries Netflix passé par la série Punisher, et trois nouveaux épisodes ont été commandés pour muscler cette première saison. De la même façon, de nombreuses séquences, de nombreuses nouvelles scènes ont été tournées dans l'idée de reprendre le montage des six épisodes tournés précédemment. Le résultat de ce travail de chirurgie a été diffusé lors de ces quelques dernières semaine sur la plateforme Disney+, et se pose alors la question fatidique, obligatoire : d'accord, c'est mieux. Mais est-ce que c'est bien ?

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La série Daredevil : Born Again reprend globalement là où Netflix s'était arrêté. Wilson Fisk a dû quitter la ville par peur de devoir renoncer à son mariage. Matt Murdock, Franklin Nelson et Karen Page ont poursuivi leurs activités d'avocats vengeurs au service des laissés pour compte de la ville de New York.

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Mais au moment où cette petite famille recomposée semble avoir trouvé une forme d'équilibre, l'impensable se produit : Bullseye déboule, assassine Foggy, et lorsque Daredevil manque finalement de tuer le super-vilain par vengeance, notre héros comprend qu'il n'est plus capable de porter le masque et de revendiquer cet avatar de justice sans l'appui et le soutien de son meilleur ami de toujours. Une année plus tard, le Kingpin est de retour et se présente à la Mairie de New York, une élection qu'il remporte facilement. Matt Murdock est redevenu avocat et entame même une nouvelle romance inattendue. Karen n'est plus là. Vanessa Fisk ne ressent même proximité avec son époux depuis que celui-ci a décidé de renoncer à ses activités criminelles. Les justiciers urbains se multiplient. L'orage gronde. Bienvenue dans Born Again.

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D'entrée de jeu, on remarque dans les interstices les bourgeons d'un discours social sur ce nouvel état des lieux. La série assume de donner la parole aux habitants de New York sous la forme d'un documentaire sous la forme d'un micro-trottoir, pour saisir l'esprit du peuple, la position de l'électorat sur la politique moderne, le sentiment d'insécurité... ou la gentrification du quartier de Hell's Kitchen, également évoquée. D'ailleurs, Matt Murdock a abandonné son ancien quartier au profit d'une intrigue qui s'étend plus généralement à toute la ville de New York. Ce n'est pas un accident : dans le présent, Hell's Kitchen a considérablement évolué et ne cadre plus vraiment avec la réalité sociale décrite par Frank Miller au moment de son propre Born Again dans les années quatre-vingt. En définitive, la série regarde plutôt du côté des volumes de Charles Soule et Chip Zdarsky en poussant la comparaison entre l'élection de Wilson Fisk et celle de Donald Trump, pour dénoncer cette prise de pouvoir des autoritaristes et des populistes corrompus.

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Une parabole qui passe par toute une série de détails plus ou moins subtils. Certaines déclarations sont citées dans le texte, la campagne électorale reprend les casquettes rouges des MAGA (troquées contre des casquettes bleues floquées du logo "Fisk Can Fix It"), la politique du spectacle, le soutien adressé aux policiers répressifs, l'instauration d'une autorité plus violente, etc. Des idées qui étaient déjà présentes à l'époque de l'histoire Mayor Fisk (2017) en comics, globalement pensée comme le miroir de la première élection de Donald Trump aux Etats-Unis. Les premiers épisodes installent cette impression de parabole gênante, presque suffocante, vis-à-vis de la réalité politique moderne des démocraties occidentales. Dans ce contexte, on comprend que Matt Murdock sert d'avatar direct aux réactions engendrées par ce genre d'élections : si le personnage commence par accorder le bénéfice du doute, il réalise rapidement que la situation devient de plus en plus préoccupante, au point de s'engager dans une action militante individuelle.

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Tout l'argument de cette première saison passe par une lente déconstruction des certitudes du héros suite à cet événement, en embarquant d'autres discours en chemin. Si Matt Murdock est généralement présenté comme un avocat vertueux, porté par une foi inviolable dans le bon fonctionnement du système et des institutions, celui-ci réalise en cours de route que quelque chose ne marche plus dans cet impeccable système de valeurs. L'avocat réalise que la justice est plus sévère en fonction des profils, et qu'il n'est pas capable d'aider celles et ceux qui en auraient besoin en utilisant la loi comme seul rempart concret. Et puis, celui-ci va se frotter à la problématique de la violence policière et de l'impunité des agents de la force publique, un sujet qui représente une énorme part de cette première saison. En l'occurrence, Marvel Television reprend à son compte une donnée du monde réel : les policiers qui s'emparent du symbole du Punisher, devenu le sigle d'une adhésion volontaire aux principes d'un certaine idéologie, pour la pratique répressive de la force, mais aussi pour s'affilier aux convictions de plusieurs mouvements d'extrême-droite aux Etats-Unis. En définitive, Murdock va rapidement comprendre que quelque chose s'est rompu.

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Incapable de croire dans cette nouvelle version du "système", le héros va devoir endosser le costume et le masque pour redevenir celui qu'il était autrefois et opérer à nouveau en dehors de la loi. De ce point de vue, Daredevil : Born Again est certainement la série la plus politique de Marvel Studios. Ou tout du moins, la plus frontale : celle qui ne s'embarrasse pas d'une allégorie pour pointer du doigt les sujets qu'elle évoque. Et sur les conclusions que le héros va tirer de cette évocation de données empruntées au monde réel, il s'agit même certainement de la production la plus radicale du groupe, tous formats confondus, aux côtés de la série animée X-Men '97. Avec une bonne tête d'avance. C'est un reproche que l'on a souvent pu faire aux aventures des justiciers sous la présidence de Kevin Feige : chez Marvel Studios, on peut caresser l'idée d'une action militante, on peut évoquer l'existence de problèmes réels, mais il est généralement important de boucler sur une bonne note qui ne chamboule pas les convictions fondamentales.

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Pour prendre l'exemple le plus évident : dans le film de Ryan Coogler, si le Black Panther partage une partie des convictions de Killmonger sur le racisme organisé, sur la façon dont le Wakanda a toujours refusé de venir en aide aux autres nations de l'Afrique pour profiter égoïstement du Vibranium, sans partager son savoir avec le reste du monde... il faudra tout de même que le spectateur sorte de la salle en comprenant qui est le gentil, et qui est le méchant. De la même façon, la série The Falcon & the Winter Soldier avait opté pour une solution du même genre : des adversaires avec des convictions politiques louables... mais que l'on doit nécessairement renvoyer au statut de terroristes pour éviter de brouiller les frontières conventionnelles du bien et du mal. Et c'est cette envie de ménager la chèvre et le chou, de tâtonner sur un discours social potentiellement intéressant, avant de laisser au public le constat d'un propos extrêmement modéré, extrêmement manichéen, que l'ont pointe généralement du doigt comme une limite concrète et manifeste dans le mode opératoire de Kevin Feige. Surtout face à un monde politique qui bouge de plus en plus vite et dans des directions de moins en moins attendues.

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En l'occurrence, voir un groupe de cette taille autoriser une telle réflexion, que l'on partage ou non les convictions développées par les scénaristes, assure d'un premier bilan évident : Marvel Television s'est enfin affranchi de certaines de ces limites. On peut critiquer la méthode, la structure, ou même terminer rapidement la comparaison avec le monde réel (Fisk ne ressemble pas réellement à Trump, et si les scénaristes ont visiblement envie de le castrer, l'idée qui sous-tend la série passe surtout par l'envie de rendre aux deux antagonistes leur part de noirceur comme une réflexion sur la sauvagerie inhérente aux humains en période de crise) mais pour parler exclusivement de production, de ce que l'on s'autorise lorsque l'on travaille chez Disney, le bilan reste intéressant au sein du modèle MCU. De ce point de vue, la série passe pour suffisamment courageuse pour mériter un coup d'œil, en tant que feuilleton développé par un conglomérat généralement plus timide. Et cette perspective s'applique dans le fond et la forme : Born Again est aussi la première série qui s'assume sur la violence graphique et verbale, même s'il reste encore quelques kilomètres d'escalade avant de pouvoir enfin caresser les sommets du genre.

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Le Diable est dans les Détails

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Difficile de savoir avec précision ce qui était déjà là au départ, avant la reprise de la série par les équipes de Dario Scardapane, et ce qui a été rajouté ensuite. La consigne qui avait été donnée au scénariste se résume apparemment en des termes très simples : il fallait que Daredevil : Born Again soit plus adulte et plus violente. En l'occurrence, la série aligne son lot d'exécutions sommaires, avec quelques bagarres, et le choix d'un antagoniste de milieu de saison susceptible de porter ce propos. En revanche, c'est malheureux mais le comparatif marche dans l'autre sens : si on peut facilement dire du bien de la série en la regardant sous le prisme des Moon Knight, des Secret Invasion ou même des films de Marvel Studios, on aurait tout de même du mal à dire que celle-ci assume une ambiance et une atmosphère aussi noire que la première saison de Daredevil à l'époque de Netflix. Voire même de la première partie de la seconde saison au moment de la première apparition du Punisher.

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Pourquoi ? Parce que les efforts sont là mais que la tonalité manque. Sans la consigne de baser l'intrigue dans la version standardisée du Hell's Kitchen des ghettos et des gangs, Daredevil : Born Again ressemble plutôt à une série policière de première partie de soirée pour une bonne partie des épisodes présents. Fouillez vos souvenirs et rappelez vous de cette première saison à l'époque : un Daredevil qui combat les trafiquants d'êtres humains sur les docks de New York, qui se retrouve piégé et blessé avec un mafieux russe dans un bâtiment abandonné, cet hôpital surchargé où les mafieux manquent de s'échanger des coups de couteaux, ce journaliste pugnace en imperméable qui bat le bitume à la recherche de petites affaires de corruption immobilière. Dans le choix des palettes de couleur, de l'esprit suffocant, haletant, du sentiment d'urgence, en somme, d'une série de genre qui regardait du côté des polars du Nouvel Hollywood, la première série Daredevil s'était lancée cette consigne de viser plus haut.

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En comparaison, Born Again semble s'être passablement gentrifiée dans la forme : moins de personnages proprement civils, au bas de l'échelle, moins de fatalité sur la réalité des conditions de vie des populations pauvres, un éclairage qui préfère les nuances de bleu ou de blanc, et une problématique de société qui se regarde d'en haut, depuis le bureau du maire ou le cabinet d'un avocat désormais loin de son statut de vengeur des plus petits. Même l'appartement de Matt Murdock a changé pour refléter cette condition, pour devenir un espace creux, sans forme de vie ou de tonalité définie.

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Bien sûr, on pourra répondre que c'est fait exprès. Que l'avocat qui a renoncé à sa part de noirceur occupe désormais un espace plus blanc, plus propre. Une situation à laquelle il doit renoncer en cours de route pour retrouver son combat légitime. Et le dernier plan de la série évoque peut-être justement ce retour au sentiment d'urgence, de la même façon que ce dernier épisode (globalement réussi) veut convoquer cette impression d'une jungle urbaine en proie au chaos.

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Sauf que, l'évolution graphique ne se retrouve pas forcément en chemin, comme si la série restait cantonnée dans un format limité sur la mise en scène, ou que la grande révolution des idées n'avait pas encore accouché d'une révolution des styles. Les moments de mise en scène signifiants cherchent surtout à mettre en accord la forme au fond, lorsque le montage superpose la vie de Murdock à celle de Fisk, comme symboliser le parallélisme de ces deux frères ennemis (lorsque l'un perd pied dans sa relation de couple au moment où l'autre la reconstruit par exemple). Et paradoxalement, on aurait pu s'attendre à ce que Born Again joue sur ses propres forces : l'épisode du procès de White Tiger passe pour l'un des meilleurs de la saison, et on ressent d'ailleurs la présence de Brian Bendis dans les consultants de la série, mais celui-ci n'enclenche pas d'autres exercices du même genre sur le versant judiciaire pur et dur. De la même façon que quand Murdock protège un témoin des représailles de police, on pense pouvoir enfin retrouver cette impression d'urgence... mais qui s'estompe ensuite au profit de scènes plus civiles, communes, avec beaucoup moins d'accélérations ou de sentiment de pression.

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Sur le milieu de saison, la technique est même assez accablante. Alourdie par un épisode de huis clos lors d'un braquage de banque à la Saint-Patrick (probablement le moment le moins intéressant de toute la série, et l'occasion d'une passe décisive manquée à l'adresse de Ms. Marvel) et un énorme gâchis autour du personnage de Muse (un vilain avec du potentiel, mais que l'on bâcle en allant trop vite, et en bâclant une révélation qui aurait pu être largement mieux traitée compte tenu de l'aspect terrifiant de ce personnage), on plisse les yeux et on se demande si l'on ne voit pas les coutures, les imperfections dans cette série raffistolée par une seconde équipe en mission pour ajouter du sang et des morts dans un produit qui misait sur une autre formule. Comme si quelqu'un avait voulu faire une série "procedural" avec un épisode et un sujet différent chaque semaine, et que quelqu'un d'autre était repassé derrière pour faire une série noire, pour adultes, en insérant de nouvelles couleurs sans parvenir à maîtriser parfaitement le dosage.

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Au global, les chorégraphies des combats n'impressionnent pas, et on a même le sentiment que certaines chorégraphies (celle du premier épisode notamment) auraient été plus réussies dans l'avalanche d'effets numériques, ou sans l'impression d'éclairages descendus qui brouillent la vision et la lisibilité des scènes. Le combat contre Muse est aussi un énorme raté, saccagé par le montage, l'évolution du personnage de Heather Glenn une catastrophe accidentelle que l'on a bien du mal à saisir, et si la série parvient généralement à raviver quelques lueurs d'espoir lorsqu'elle se reconnecte à son propos fondamental - la résurrection de Daredevil et du Kingpin des centres de Matt Murdock et Wilson Fisk - on peine à isoler un grand moment de mise en scène dans une série qui se contente de faire le boulot, correctement, proprement... mais sans folie. Et c'est dommage, dans la mesure où celle-ci profite d'un casting de grande qualité et d'un propos qui offre de réelles perspectives entre des mains plus compétentes pour l'exercice du "noir" en fiction.

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Daredevil : Reborn ?

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Maintenant, l'impression sera différente en fonction des attentes de chacun. Celles et ceux qui n'espéraient plus grand chose de Marvel Studios seront probablement heureux de ce sursaut inattendu, de cette charge plus adulte et qui assume un véritable coup de poing dans les habitudes de la compagnie. En revanche, celles et ceux qui consomment des productions plus variées pourront toujours se dire que les équipes de FX ou HBO n'ont pas de soucis à se faire dans l'immédiat. Même à l'échelle des adaptations de comics, une série comme The Penguin pouvait défendre des qualités dans la forme ou le propos, une caméra qui servait mieux les prestations impeccables de ses interprètes, et une envie de s'amuser largement supérieure (malgré le même problème de ventre mou, mais cette fois, en début de saison). On peut même trouver intéressant de comparer ces deux séries, équitablement nées de la grève des scénaristes. Comme deux produits bicéphales lancés sur des impératifs communs : aller chercher le super-héros dans la violence et le social, l'un dans le ghetto, l'autre à la mairie.

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En revanche, une chose est sûre : Daredevil : Born Again place une grande vitesse à ses propres petits-cousins de chez Marvel sur la plateforme Disney+. De la même façon, les actrices et les acteurs sont toujours capables de porter le produit, même dans ses mauvais moments. On apprécie de retrouver Charlie Cox dans le rôle de Matt Murdock, une performance qui colle à la peau du comédien comme son impeccable costume rouge. C'est la loi des bons acteurs chez les super-héros : le comédien embrasse toutes les subtilités du personnage depuis la voix jusqu'à la gestuelle, et se fond avec élégance dans cette identité comme s'il n'avait jamais abandonné le rôle. Même bilan pour Vincent D'Onofrio et sa diction saccadée, capable d'incarner la castration d'un Kingpin en plein échec marital, incapable de comprendre ou d'incarner son propre déséquilibre émotionnel dans cette quête de rédemption mensongère, mais surtout merveilleux lorsqu'il retrouve sa vraie nature profonde d'assassin bestial et tonitruant.

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Le bilan est tout aussi positif pour Michael Gandolfini ou Nikki James, et on apprécie au passage de retrouver un Tony Dalton en meilleure forme que dans la série Hawkeye. Du côté de Margarita Levieva, le bilan est plus mitigé - mais ce n'est pas de sa faute, celle-ci doit simplement composer avec un texte passablement plus limité, plus idiot, caricatural. Subitement opposée à l'action des super-héros, tombée dans l'escarcelle des discours autoritaires du Kingpin, le personnage s'efface lentement malgré des débuts convaincants. Quant à Jon Bernthal, que dire. Toujours à l'aise dans ses manières, ses mimiques exagérées et son tempo bougon, le comédien lâche immédiatement les chevaux dès sa première apparition, comme à son habitude, incapable d'être autre chose qu'un personnage de cinéma radical et séduisant. Sa présence se justifie (naturelement) par l'envie de Marvel Studios de lui produire un spin-off dans la foulée, mais ce n'est pas grave : on n'a pas l'impression d'un personnage forcé, et maintenant que l'enseigne a mis les choses au clair sur le symbole du Punisher, comment ne pas se réjouir de retrouver Big Pun dans une aventure en solitaire ?

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Et surtout : dans la mesure où Daredevil : Born Again a été rattrapée en vol, on peut surtout espérer que la prochaine saison osera proposer un ensemble plus compact et authentique, sans ces chutes de rythme ou ces quelques fautes notes certainement nées d'un processus créatif compliqué. Après tout, Marvel Studios n'en est qu'aux premiers pas de sa propre remise en question. Du côté des fans, on doit certainement considérer qu'il s'agit d'un processus itératif, que l'enseigne tente des choses et attend de voir jusqu'où elle peut s'autoriser à aller. Et compte tenu du pas de géant réalisé entre la série Echo et cette version de Born Again, les progrès sont déjà considérables. Reste maintenant à transformer l'essai.

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La série Daredevil : Born Again doit se comprendre comme le résultat d'une équation compliquée. Coincées entre les nostalgiques de la période Netflix qui s'attendaient certainement à retrouver un résultat identique, entre les échecs de ces dernières années et les pudeurs naturels d'un groupe qui n'a jamais voulu aller trop loin dans l'effort politique ou les démonstrations de violence, les équipes de Marvel Studios ont, pour une fois, parié sur le risque. Et si le résultat n'est pas exactement parfait, on sort tout de même de ces neuf premiers épisodes sur un bilan globalement positif. Comme dans les comics, le personnage de Daredevil se présente comme l'avatar du changement, de l'ouverture des portes que l'on pensait définitivement fermées, et comme le prophète des temps nouveaux dans l'envie de proposer des super-héros plus adultes, plus complexes, plus engagés. Reste maintenant à tailler dans le gras et à s'entendre sur une direction artistique plus exigeante pour passer du prototype au produit fini. Tous les ingrédients sont là, avec de réelles qualités à défendre, un casting impeccable et un discours général à la hauteur des enjeux du présent. Maintenant, pour la consigne : il va falloir que le diable voie rouge.

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Bienvenue dans un nouveau numéro de la chronique des "critiques express". A intervalles réguliers, la rédaction vous propose de courtes reviews sur des numéros de comics VO sortis récemment. L'idée est de pouvoir à la fois vous proposer une analyse des sorties attendues du côté des éditeurs mainstream et indé', parler également de runs sur la durée, et essayer de piquer votre curiosité sur quelques titres moins en vue. En somme, tout simplement de mettre en avant le médium comics dans nos colonnes autrement que par le prisme pur de l'article d'actualités.

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Oui : c'est le grand retour. La rubrique des critiques express, réclamée à corps et à cris par une horde de fans (globalement composée du rédacteur en chef et de... et de pas grand monde, mais il criait vraiment très fort, alors on a voulu lui faire plaisir), repartent pour un nouveau tour de piste dans la même philosophie et en suivant le même objectif : défendre le format du single issue et les sorties importantes du marché des comics en mensuel. Pourquoi ? Parce que c'est le format originel. L'attente fiévreuse qui pousse le fan attentif à patienter quelques semaines pour découvrir la suite de l'aventure. Parce que les histoires sont architecturées selon cette logique de découpage en séquences de vingt à trente pas, parce que c'est encore là que le monde des comics se distingue, et parce que ça fait bien de les emballer sous blister. Si si. Faites le test. On se sent presque comme un collectionneur.

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Accessoirement, toutes les sorties n'ont pas forcément le bonheur de traverser l'Océan Atlantique pour finir empaquetées et embellies dans de beaux albums en version française. Ce qui ne sera pas le cas des titres évoqués cette semaine (en l'occurrence, beaucoup de super-héros) mais l'adage est vrai pour l'essentiel des productions indépendantes, et même pour certains projets mainstreams plus compliqués à soutenir du point de vue du lectorat potentiel en France. D'où l'utilité d'une chronique consacrée. Accessoirement, c'est le bon moment pour se remettre à acheter des singles. D'ici à ce que la crise géopolitique actuelle finisse par retomber sur le secteur de l'imprimerie (attention on touche du bois : ce n'est pas encore le cas à l'heure actuelle), vos précieux petits floppys finiront par devenir de véritables reliques d'un temps perdu d'ici quelques années. Et puis hey, la guerre commerciale, les conflits, le réchauffement, d'accord... mais quand même. Jeph Loeb et Jim Lee sont de retour sur Batman. Oh. Alors. On va se parler clairement : personne ne dit que ça rééquilibre la situation mondiale... mais en tout cas, ça ne la déséquilibre pas davantage.

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Et donc, on va s'en contenter.

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Amazing Spider-Man #1 - Joe Kelly, Pepe Larraz & John Romita Jr.

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On a compté : en l'espace d'à peine plus de dix ans, il y aura eu pas moins de cinq relaunches pour Amazing Spider-Man. Deux volumes pour Dan Slott, un pour Nick Spencer, un autre pour Zeb Wells, et voilà qu'il faut une nouvelle fois remettre les compteurs à zéro... enfin, pardon, à #1. Mettons que la méthode éditoriale a de quoi lasser mais qu'elle est devenue inhérente à la façon dont les Big Two fonctionnent depuis le Relaunch Age installé depuis 2011. Mettons aussi que les deux derniers runs n'ont pas laissé forcément de souvenirs impérissables. Aussi, contre toute attente, ce nouveau démarrage d'Amazing Spider-Man donnait malgré tout envie, particulièrement pour son équipe créative. Nul besoin de vanter les qualités de Joe Kelly à l'écriture, tant dans le registre super-héroïque (comment oublier son Deadpool ?) qu'en indépendant (I Kill Giants, Immortal Sergeant, s'il vous plaît). Encore que : Kelly s'est montré assez décevant sur la toute fin du volume précédent d'ASM avec The 8 Deaths of Spider-Man, mais on lui pardonnera en se disant que cet arc de transition n'était motivé que par l'éditeur, et pas forcément par le scénariste.

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En conséquence, si Kelly a les mains libres pour ce nouveau départ, qu'en est-il ? Hé bien, le tout se montre particulièrement bienvenu par cet apparent classicisme. Peter Parker est vu au travers de différentes scènes qui le voient a) galérer à trouver un nouveau travail b) galérer (mais un peu moins) avec sa vie sentimentale et c) se taper contre le Rhinocéros dans un affrontement absolument superbe dans la mise en scène de Pepe Larraz. Après des années passées à voir des auteurs vouloir absolument faire quelque chose de "neuf", quitte à s'aliéner le lectorat sur des propositions idiotes (arrêtez de défendre Paul, y a pas à se faire du mal comme ça), rester sur des bases plus sobres ne fait pas de mal. Le nouveau statu quo pour Peter et Norman Osborn fait que dans tous les cas, il y a des surprises à aller chercher, et une direction qui pourra sortir des sentiers battus. Joe Kelly et Pepe Larraz ont ici, je crois, plutôt la tâche de redonner confiance en ce qui devrait être la locomotive de Marvel, ce qui fait qu'on revient lire des comics tous les mois (ou toutes les deux semaines dans le cas présent).

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Le travail est ici plutôt accompli : la caractérisation de Peter Parker apparaît soignée dans sa simplicité, Joe Kelly ne fait pas table rase de l'héritage de Zeb Wells pour autant, on s'intéresse au premier fil rouge (pourquoi certains super-vilains se comportent de façon totalement anormale), et le back-up de John Romita Jr. reste lui aussi intéressant dans ce qu'il raconte. Il est toujours agréable de voir que le vétéran garde suffisamment d'énergie pour continuer d'illustrer du Amazing Spider-Man, mais il faut bien reconnaître que ses travaux récents divisent, au bas mot. Aussi, l'arrivée d'un Pepe Larraz fait du bien : le dessinateur espagnol a un style qui plaira à bien du monde, son association avec Marte Gracia fonctionne du tonnerre et il est assez évident qu'il s'approprie le script de Kelly pour rendre le récit le plus dynamique possible.

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L'un dans l'autre, le maître mot semble être celui de l'efficacité et si on ne rechigne jamais à avoir de l'expérimentation dans les comics de super-héros, il y a certaines séries qui demandent parfois à se poser sur des bases plus classiques, quitte à prendre les lecteurs au dépourvu par la suite. On pardonne avec ce premier numéro les errances récentes de Kelly sur 8 Deaths, avec l'espoir que Larraz puisse rester suffisamment longtemps sur ASM pour lui conférer son statut de blockbuster que la série mérite. Par contre, sérieusement, 5,99$ pour un numéro à pagination normale et sur du papier quelconque, on pourrait croire à une incitation à peine masquée pour promouvoir le numérique.

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Arno Kikoo

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- Vous pouvez commander Amazing Spider-Man #1 à ce lien !

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Batman #158 - Jeph Loeb & Jim Lee

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On reste sur la thématique du "classique" avec ce Batman #158, en flirtant même sur l'idée des comics "rétro-nostalgiques" puisqu'ici il s'agit de découvrir la nouvelle suite canonique à Batman : Hush, plus de vingt ans après la publication du premier arc. Moment historique surtout pour Jim Lee qui reprend un travail complet sur des planches intérieures, histoire de faire oublier l'affreux dernier souvenir qu'il nous avait laissés avec Suicide Squad de Rob Williams. On peut dire que l'entrée en matière se fait sur les chapeaux des roues. Batman affronte (une fois de plus) le Joker qui réussit à prendre l'ascendant et le laisse complètement sonné dans les eaux du réservoir de Gotham. Il cherche ensuite à retrouver sa némésis, alors que celui-ci a été fait prisonnier par Hush (ou du moins, un Hush), qui n'hésite pas à le torturer dans une séquence particulièrement violente.

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Il y a donc effectivement des airs d'Hush dans cette suite, à la fois parce que Loeb utilise les mêmes mécaniques du précédent volet, en faisant intervenir pas mal de personnages de l'univers Batman, mais aussi avec le côté spectaculaire des scènes d'action qui s'enchaînent sans beaucoup de temps mort. On peut apprécier ce retour en arrière, d'autant plus qu'il y a plusieurs indices qui laissent à penser que, contrairement à ce que Batman affirme en conclusion de ce numéro, ce n'est pas Tommy Elliott qui est de retour. Ce qui laisserait au scénariste la possibilité de se jouer de ses lecteurs qui s'attendraient à quelque chose de convenu ou d'une suite un peu trop balisée. Pour le moment, l'introduction remplit sa tâche en donnant envie d'en voir plus... encore que. On pourra être décontenancé par ce Chevalier Noir particulièrement fragile, qui se laisse mener par le bout du masque du début à la fin de ce chapitre, et qui apparaît bien plus faillible qu'à l'ordinaire, sans qu'on ne s'explique trop pourquoi. Il faudra aussi être d'accord sur le fait que le dessin de Jim Lee commence mine de rien à dater, et que la superstar de l'industrie n'est plus aussi précis qu'il a pu l'être. Difficile pour autant de croire que Hush 2 ne s'adresserait qu'aux (jeunes) nostalgiques des années 2000 et qu'il n'y a pas la possibilité avec ce genre de blockbuster de s'adresser aussi à des personnes assez novices dans leur lecture de comics.

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Ni déçu, ni hyper emballé : le bilan pour Batman #158 reste assez mesuré. Il est de toute façon toujours difficile de juger le seul numéro attendu que la direction de l'histoire (et la tenue des dessins de Jim Lee) ne pourront s'apprécier qu'au cours des prochains mois. Mettons que pour celles et ceux qui n'aiment pas Hush premier du nom, il n'y a pas de raison de se précipiter sur ce numéro puisqu'en apparence, on devrait rester dans la même recette. Dans le cas contraire, il y a des chances qu'un petit trip rétro-nostalgique, qui peut aussi comporter son lot de surprises, soit la lecture mensuelle "de réconfort" que vous recherchiez pas ces temps plus ou moins maussades. Du reste, le Detective Comics de Tom Taylor est super. Lisez le Detective Comics de Taylor.

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ArnoKikoo

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- Vous pouvez commander Batman #158 à ce lien !

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Absolute Green Lantern #1 - Al Ewing & Jahnoy Lindsay

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Vous avez dû remarquer : nous n'avons pas couvert sur le site les dernières sorties de l'univers Absolute dans des critiques plus complètes ou plus autonomes. Et si vous vous demandez pourquoi, c'est tout bête, mais ces numéros sont malheureusement un peu trop introductifs pour être étudiés dans les grandes largeurs. En comparaison, Absolute Batman, Wonder Woman et Superman avaient déjà posé une première brique sur les origines concrètes, jusqu'à aller plus loin (on avait déjà un point de vue sur l'enfance des personnages jusqu'à leurs débuts en tant que justiciers une fois devenus adultes). Ce n'est pas le cas de Flash ou de cette version des Green Lanterns. Quant à Absolute Martian Manhunter, mettons que l'on se réservera plutôt un bilan complet, plus tard, au vu du potentiel grandiose que promet cette autre série.

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Mais alors, Absolute Green Lantern #1, qu'est-ce que ça vaut ? Difficile à dire dans l'immédiat. La série a visiblement respecté la consigne d'usage : plutôt que de procéder étape par étape, on comprend qu'Al Ewing a préféré mettre toutes les Lanterns dans le même panier. L'essentiel des porteurs de bagues habituels (Hal, John, Jo, Guy) sont apparemment d'anciens collègues, d'anciens amis d'enfance, qui viennent tous de la même ville. Une petite communauté paumée des Etats-Unis où il ne se passe pas grand chose. On isole assez facilement les caractères des uns et des autres, et on comprend aussi rapidement que tout ne colle pas aux présupposés classiques. Hal Jordan n'est pas le courageux pilote d'autrefois, John Stewart n'est pas le dur à cuire que l'on connaît, et Jo Mullein n'est pas une étrangère dans ce groupe de héros. Et surtout, l'arrivée d'Abin Sur ne suit pas du tout la formule traditionnelle du canon. Ewing mise sur une science-fiction plus conceptuelle, plus paranoïaque, qui évoque les séries télévisées d'autrefois : un phénomène étrange, inexpliqué, qui frappe un petit groupe de personnes... lesquels vont obtenir leurs propres pouvoirs en fonction des caractères individuels. Serait-on en face d'une version des Green Lanterns façon Damon Lindelof ?

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Dans l'idée de renverser les structures classiques, la façon dont le personnage de Hal Jordan est abordé passe pour la plus grosse réinvention pour le moment. En dehors de ça, la Terre-Absolute a surtout l'air de vouloir orienter la mythologie des porteurs de bague vers quelque chose de plus sombre, de plus adulte et de plus localisé. Il serait assez étonnant de retrouver Oa et les patrouilleurs de l'espace dans ce contexte étrange, qui accepte de regarder l'idée du visiteur extra-terrestre comme quelque chose d'inexplicable ou de dangereux. De la même façon, cette parure de thriller très américain (avec les flics du bord de l'autoroute, les petits restaurants paumés, l'impression générale d'opérer loin des villes et de la civilisation) semblent réellement se démarquer des autres séries Absolute... à l'exception de Flash pour le moment. Il va falloir attendre un peu pour se faire un avis, mais la promesse fonctionne, comme une bonne boîte à mystère.

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Lancement façon Trilogie du Samedi pour cette nouvelle proposition de l'univers Absolute. Que sont les Green Lanterns ? Qu'est-ce qui va bien pouvoir se passer ? La perspective de casser tout ce que les fans connaissent de l'univers DC a encore une fois été appliquée à la lettre dans cette réinvention des porteurs de bague. Quelque reproches : on aurait pu s'attendre à un graphisme plus conventionnel pour la série. Si les effets de science-fiction proprement dit ont l'air d'être à niveau, les scènes civiles sont un peu plus vides avec un choix de couleurs étonnant et des encrages très légers, presque crayonnés, sur les détails des visages ou des objets. L'approche ne sera pas forcément du goût de tout le monde, mais on attendra quelque numéros pour laisser l'équipe créative trouver ses marques. Une chose est sûre : la fameuse "blackest night" sera au rendez-vous.

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Corentin

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- Vous pouvez commander Absolute Green Lantern #1 à ce lien !

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The City Beneath Her Feet #1 - James Tynion IV & Elsa Charretier

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"Mais on est en avril, Arno, pourquoi nous parler d'un titre sorti en fin d'année dernière ?" - hé bien tout simplement parce qu'à l'heure de rédaction de cet article, le numéro #2 de The City Beneath Her Feet n'est pas encore sorti (c'est pour juin, et le #3 pour septembre), ce qui vous laisse encore largement du temps pour démarrer ce qui sera sûrement l'un des petits bijoux de l'année. Il faut dire que l'une de nos dessinatrices préférées s'est une nouvelle fois (après Room Service) associée à l'un des auteurs les plus en vue des dernières années, James Tynion IV ; mais fort heureusement, pas pour un récit d'horreur, ce qui permet de sortir un peu du registre dans lequel le scénariste, tout aussi brillant soit-il, officie le plus souvent. Faites donc la rencontre de Jasper Jayne, une espionne à l'allure enjouée et menant une vie chaotique, qui va faire irruption telle une furie dans la vie de Zara, une écrivaine en panne d'inspiration à tendance alcoolique. De cette rencontre va émerger une idylle intense, mais qui va mener la vie de Zara là où elle ne l'attendait pas.

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On va reste le plus évasif possible puisque, à l'instar d'autres titres DSTLRY en trois numéros, le seul descriptif de l'intrigue qu'on retrouve en ligne est en fait un résumé de ce qui est présenté dans cette introduction. Il serait donc dommage de se gâcher la découverte, tant The City Beneath Her Feet a des qualités pour elle. Comme bien souvent avec Tynion IV, l'écriture est maîtrisée du début à la fin, Zara se faisant la narratrice de sa propre histoire - comme dans un film d'action moderne qui commence par une scène au milieu de l'intrigue avant de nous renvoyer aux débuts. Mais alors que le premier segment nous ferait croire que The City va vraiment nous faire vivre un récit d'espionnage et d'action assez sanglant, il y a une bifurcation bienvenue lorsque Jasper et Zara se rencontrent, où d'un coup le registre lorgne plutôt vers une version détournée par Tarantino de Coup de Foudre à Nothing Hill - et c'est le mélange des deux genres qui fait que l'ensemble fonctionne parfaitement. On a des dialogues (et des références très New Yorkaises) qui font mouche, deux protagonistes parfaitement reconnaissables et distinctes, dont le trait de Charretier épouse la personnalité, et une impression de folie généralisée particulièrement rafraichissante.

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Mention spéciale d'ailleurs à Elsa Charretier qui réalise une nouvelle prouesse en profitant des planches plus larges du format DSTLRY pour se lâcher (littéralement) dans son découpage. On appréciera retrouver un jour ou l'autre le gaufriers ciselés de Love Everlasting, mais pour le moment on profite d'un dessin qui respire dans l'espace qui lui est attribué, d'une mise en scène qui pense toujours au plaisir du lecteur dans ses différents angles, et d'une mise en couleurs de Jordie Bellaire pétillante et vive. Il s'en dégage une ambiance particulière qui fait de ce premier numéro une lecture assez unique.

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Autrement dit, si on met de côté la frustration de devoir attendre plusieurs mois pour pouvoir découvrir la suite, The City Beneath Her Feet est une entrée en matière réjouissante. On ne va pas se mentir, on avait peu de doutes sur le fait que l'association de James Tynion IV et Elsa Charretier ne puisse que faire des étincelles, notamment après Room Service, mais le fait de les voir opérer dans ce registre, qui alterne entre action/espionnage et comédie romantique queer, fait qu'on apprécie encore plus ce premier chapitre. Allez, ne reste plus qu'à être patient.

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ArnoKikoo

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- Vous pouvez commander The City Beneath Her Feet #1 à ce lien !

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Doctor Strange of Asgard #2 - Derek Landy & Carlos Magno

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Dans la longue liste des projets qui ont bourgeonné aux branches de l'arborescence One World Under Doom, la série Doctor Strange of Asgard aurait probablement pu mieux s'en sortir. L'idée de base est bonne : confronter deux versions du mysticisme, deux mondes de la magie, et déplacer un personnage que l'on a l'habitude de suivre dans un certain contexte. Généralement, ce genre de métissages ludiques ont plutôt tendance à fonctionner. Comme lorsque le Black Panther avait pris la place de Daredevil, ou que le Punisher avait été chasser les géants des places dans la mini-série Kill Krew. En tant que fans, on aime retrouver ce genre de petites récréations, ces déplacements amusants pour confronter deux concepts qui ne semblent pas avoir été pensés pour se répondre au départ. Sauf que, pour Doctor Strange of Asgard, le scénariste Derek Landy n'a pas forcément appliqué la consigne à la règle. D'abord, on n'a pas forcément l'impression que Strange mesure ce qui est actuellement en train de se passer sur Terre avec la prise de pouvoir de l'Empereur Dooom.

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Pendant que le dictateur décide de prendre le contrôle de la planète toute entière... Doctor Strange joue les médecins généralistes pour le peuple d'Asgard. En s'occupant au passage d'une quête secondaire (littéralement) autour de Loki. Si tout le projet n'est pas forcément mal écrit ou inutile jusqu'ici, on a tout de même le sentiment que la série a été validée pour donner quelque chose à faire à Strange en attendant son retour sur Terre... et peut-être aussi, lui confier de puissants pouvoirs au passage pour pouvoir affronter Doom dans la foulée. Mais c'est un peu le problème : ça se voit. L'écriture paraît totalement déconnectée de l'urgence du moment, Strange lui-même est un peu trop métallique pour porter le concept et la dramaturgie éventuelle du titre sur ses épaules de magicien. La gravité d'un meurtre, les complots internes, tout ceci paraît finalement très secondaire, très automatique. Et si vous faites partie des fans de continuité, ou des règles établies précédemment chez Marvel (comme celle qui veut que les Asgardiens sont naturellement beaucoup, beaucoup plus puissants que les humains normaux), cette série semble globalement ignorer certains préceptes pourtant figés dans le marbre. Même sans vouloir faire le fan obtus, on se demande bien pourquoi Landy hésite à ce point à utiliser la magie au moment des scènes de combat.

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On retiendra tout de même quelques points positifs : le peuple d'Asgard lui-même est traité sous le bon angle, avec cette parure quotidienne, civile, cette impression d'un petit monde qui grouille et qui existe sur un plan tangible. Ce qui n'est pas forcément toujours le cas dans les comics Thor, où les habitants de ce royaume sont généralement vus de loin, avec une intrigue qui se concentre essentiellement sur la royauté. Quelques blagues fonctionnent, le projet est plutôt sympathique au global... mais ne défend jamais réellement sa propre existence en tant que série autonome. Là où aurait pu s'attendre à retrouver un héros meurtri, qui part s'entraîner avec les sorciers des Neuf Royaumes pour revenir sur Terre plus fort, comme dans un bon manga de baston, au global, on a surtout l'impression de perdre du temps avec une intrigue interstitielle et un dessin plutôt terne, gris et sans grande noblesse. C'est dommage. Avec Strange et Asgard, on aurait pu au contraire espérer quelque chose de plus coloré.

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En définitive, un projet qui sent bon le tie-in pour le tie-in. Oui, tout ceci sera certainement utile lorsque le sorcier reviendra sur Terre avec de nouvelles capacités, et oui, on apprécie cette petite plongée dans partie civile d'Asgard, à défaut de respecter l'échelle de puissance traditionnelle. Mais malheureusement, Derek Landy confirme son statut de scénariste à la commande, ni bon ni mauvais, pour des titres qui se suivent par habitude mais qui n'accrochent pas réellement le regard. Et lorsque l'on sort du Doctor Strange de Jed MacKay, autrement plus intéressant à tous les points de vue, on comprend globalement la problématique : le scénariste qui a œuvré sur cette mythologie pendant les dernières années est actuellement trop occupé pour piloter son magicien préféré, et a donc certainement dû confier un objectif, un point de chute, et les équipes à l'éditorial ont probablement dû se débrouiller pour bricoler une série pour passer le temps avant que cet élément ne finisse par se produire. Tant pis, le résultat aurait pu être meilleur.

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Corentin

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- Vous pouvez commander Doctor Strange of Asgard #2 à ce lien !

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Parmi les nombreux invités comics présents au Festival International de la Bande Dessinée (FIBD) d'Angoulême, les éditions 404 Graphic ont pu nous faire profiter de la présence, en début d'année, du talentueux Lisandro Estherren. Fort de son travail sur Apparition dans le Ciel de Berlin Est, l'auteur s'est aussi illustré sur d'autres titres sortis en VF, comme Redneck (chez Delcourt) ou Catch & Release (chez Akiléos).

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Comme à notre habitude, nous avons profité de l'occasion pour aller discuter avec Estherren et lui poser quelques questions, que ce soit sur sa carrière de façon générale, mais aussi avec un focus particulier sur Apparition, de l'auteur Jeff Loveness. Nous avons le plaisir de vous présenter cette interview au format écrit ci-dessous, et remercions Emilie Hurel des édition 404 Graphic pour avoir permis qu'elle ait lieu.

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AK : Nous sommes très content de vous avoir, Lisandro.

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LE : Merci de m'inviter.

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AK : Dans la mesure où c'est la première fois que nous nous parlons, pouvez-vous vous présenter un peu aux gens qui ne vous connaissent pas ?

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LE : Oui, oui. Je suis un artiste argentin, dessinateur de BD. J'ai principalement travaillé avec des éditeurs basés aux Etats-Unis depuis huit, dix ans. C'est un bon résumé.

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AK : Si on regarde un peu plus loin en arrière, étiez vous fan de comics avant de devenir dessinateur ?

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LE : Bien sûr, bien sûr. J'ai toujours adoré la BD américaine, la BD argentine. Nous avons une longue tradition dans ce secteur en Argentine, et nous avons même produit certaines des plus grandes œuvres - en tout cas, celles que moi je préfère. Notre répertoire couvre beaucoup de choses. Comme Mafalda, ou The Eternaut (ndlr : El Eternauta). J'ai découvert ces titres dès mon plus jeune âge.

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AK : Quand avez vous dessiné de devenir dessinateur ?

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LE : Aux alentours de mes vingt, vingt-cinq ans, je pense. A l'époque j'étais étudiant à l'université, et c'est là que j'ai découvert que l'on pouvait aborder les comics comme une véritable discipline, un art à part entière, avec sa propre histoire. C'est quelque chose qui m'a beaucoup intéressé, et c'est là que je me suis reconnecté à mes lectures de jeunesse.

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OC : Comment êtes-vous arrivé aux Etats-Unis ?

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LE : Comme beaucoup de dessinateurs, j'ai produit beaucoup d'échantillons et de planches de présentation. J'en ai montré beaucoup, à travers des mails, à travers des entretiens en personne. Et j'ai fini par être mis en contact avec des éditeurs américians.

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OC : Votre travail évoque beaucoup le paysage classique des Etats-Unis, comme pour Redneck ou The Last Contract.

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LE : Oui.

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OC : Comment avez vous approché ces séries très américaines, vous qui venez d'un pays différent ?

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LE : A chaque fois que je commence un projet, je m'attaque à une phase de recherches. Le fait d'avoir travaillé sur ces projets était une expérience assez drôle, assez intéressante, parce que je m'intéresse à ces thèmes, à ces genres en particuliers. L'horreur, le polar. C'est ce qui m'a motivé vers ces projets.

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OC : Vous diriez que vous êtes influencés par José Muñoz ?

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LE : C'est le maître incontesté des artistes de comics. J'adore son travail, c'est une énorme inspiration.

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OC : Dans quel sens ?

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LE : L'utilisation des palettes d'obscurité, avec un trait plus expressif. J'aime toujours mener de petites expériences sur chaque projet, même si je ne suis pas toujours content du résultat.

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OC : Vous appréciez cette esthétique des Etats-Unis des rednecks, avec les flingues et les grands chapeaux ?

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LE : Je ne sais pas. (rires) J'essaye de faire de mon mieux. Je pense que le public apprécie la façon dont j'illustre cette culture.

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OC : Comment avez vous transitionné de ces environnements à la vieille Europe pour Apparitions dans le Ciel de Berlin Est ?

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LE : Tous les artistes doivent procéder à une phase de recherches, s'appuyer sur des références, pour comprendre l'arrière-plan de chaque scénario. Et c'est agréable, parce que c'est votre métier : vous devez savoir tout dessiner. Donc à chaque fois, c'est comme si vous appreniez quelque chose de nouveau.

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OC : C'est ça qui vous a poussé à accepter le projet ?

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LE : En partie. J'aimais bien le projet, le scénariste et ses idées, et le mélange des genres.

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AK : Et d'une manière générale, comment s'est passée la rencontre ? On vous a contacté ou c'est vous qui vous êtes rapprochés de Jeff Loveness ?

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LE : En général, dans des festivals comme le FIBD, on rencontre souvent des collègues. On se met à discuter et c'est comme ça que les projets naissent. Mais dans le cas présent, c'est surtout l'éditeur qui m'a contacté pour me proposer cette idée. Et j'ai accepté.

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AK : Mais pourquoi celui-ci en particulier ?

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LE : Parce que c'était une histoire très sombre. (rires) Et parce que je n'avais jamais eu l'occasion de dessiner ce genre de paysages. J'étais enthousiaste à l'idée de représenter le Berlin des années soixante-dix. Mais bon, de toutes façons l'essentiel de l'histoire se passe dans un bunker. (rires) C'était rigolo en ce qui me concerne.

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OC : Vous avez dû changer votre style pour cette histoire ?

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LE : Oui et non. A chaque projet, je tente de nouvelles choses, avec les encres, les peintures. En ce moment je travaille surtout avec les crayonnés par exemple.

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AK : Comme sur Catch & Release ?

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LE : Oui, mais une variation de ce style là. Sauf que je commence par dessiner en gris avant de passer au noir et blanc avec le crayon. C'est un peu différent.

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OC : Berlin paraît plus impressionniste dans son approche des effets.

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LE : Oui, le coloriste Patricio Delpeche a fait un superbe travail, très différent de ce que l'on retrouve dans les couleurs des comics mainstreams actuels. Je suis très content d'avoir pu travailler avec lui. Lui aussi est Argentin d'ailleurs.

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AK : Comment on s'y prend pour créer un monstre comme celui qui apparaît dans la bande dessinée ? Pour faire peur avec le dessin ?

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LE : Je pense qu'il faut aller chercher au fond de soi-même.

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AK : Vous avez un alien au fond de vous même ?

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LE : Oui. (rires) Non, on en a beaucoup discuté avec le scénariste, qui m'a conseillé d'aller étudier certains artistes comme base de référence.

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OC : Par exemple ?

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LE : Ah, je n'arrive plus à me souvenir du nom de ce gars... C'est un artiste italien connu pour ses sculptures très longilignes. C'est de lui qu'on s'est inspiré. (ndlr : probablement Alberto Giacometti)

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OC : Vous disiez que vous aviez envie de dessiner Berlin dans les années soixante-dix.

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LE : Oui.

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OC : Qu'est-ce qui vous plaît dans cette esthétique ?

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LE : Surtout l'architecture de la ville. Sur chacun de mes projets, j'essaye de travailler les arrière-plans en particulier. De dessiner les villes. Et j'aime beaucoup l'architecture du passé, surtout celle des années soixante-dix. C'est quelque chose qui m'avait parlé.

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OC : Bizarrement, ce titre passe aussi pour plus réaliste que Redneck dans les expressions des personnages. Vous aviez envie de baser l'ambiance dans une atmosphère plus crédible ?

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LE : Oui, je pense que j'avais surtout envie de quelque chose de différent. Parce que j'avais travaillé sur Redneck pendant trois ans et demi avant d'attaquer ce projet. Et il a fallu que je fasse les deux simultanément.

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AK : C'est à chaque fois alors, cette envie de systématiquement vous renouveler ? Vous avez peur de finir par vous répéter dans votre travail ?

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LE : Non, non, je ne pense pas. Vous savez, c'est difficile de s'ennuyer avec ce travail. Il y a toujours de nouvelles choses à apprendre, à découvrir. C'est un peu comme ici au FIBD, avec l'espace Nouveau monde, il y a tellement de talent, tellement de nouveaux gars qui ont quelque chose à proposer, qui publient leurs projets. Et certains sont formidables. C'est une source de motivation de voir ce genre de choses.

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AK : Et comment est-ce que vous décidez de l'identité graphique d'un projet au milieu de tout ce que vous expérimentez en amont ?

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LE : J'essaye pas mal de choses, mais vous savez, c'est plus une sorte d'instinct au final.

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AK : J'allais vous demander justement, est-ce que le style vient avant l'histoire ?

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LE : Il faut d'abord lire l'histoire pour capter son atmosphère. Et ensuite, vous êtes libre de vous lancer, de tenter des choses sur le plan graphique. C'est comme ça que ça marche pour moi en tout cas.

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OC : Vous aimeriez donc poursuivre les expériences de ce genre dans le futur.

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LE : Evidemment. Et par exemple, j'aimerais en apprendre davantage sur la couleur. J'aimerais être capable de mettre mes propres projets en couleurs.

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OC : Vous regardez un peu ce qui se passe dans la BD européenne pour vos recherches ?

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LE : Oui.

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OC : Le personnage principal ressemble un peu à Tintin avec sa coupe de cheveux.

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LE : Et pourtant, c'est quelque chose de très accidentel, ça s'est fait comme ça. Je n'ai même pas la moindre idée de pourquoi il a fini par avoir cette allure au final. Mais peut-être que c'est lié à l'Europe oui.

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OC : Est-ce que vous auriez envie d'aller plus loin dans l'horreur d'ici vos prochains projets ?

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LE : Oui, mais dans le même temps, j'apprécie aussi certains autres genres. Donc au sortir de ces quelques à dessiner des BDs qui font peur, j'aimerais bien alterner avec autre chose.

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OC : Vous allez faire de la romance maintenant.

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LE : Voilà. (rires) Je suis quelqu'un de très romantique.

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AK : Est-ce que vous avez déjà un projet sur lequel vous travaillez en ce moment ?

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LE : Oui, je développe une mini-série en six numéros chez BOOM! Studios (ndlr : qui ne sera pas une romance, finalement). Ca sort d'ici la fin du printemps. Et c'est encore l'occasion de tenter de nouvelles choses, avec davantage de crayonnés.

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OC : Encore un polar ?

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LE : Non, plutôt de l'horreur rurale (ndlr : folk horror). De l'épouvante, mais avec des motifs bibliques, et des personnages en souffrance.

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AK : C'est un choix conscient de votre part de vous restreindre aux mini-séries en ce moment ? Pour pouvoir continuer à évoluer d'un point de vue graphique sans vous piéger dans un projet de long terme ?

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LE : Oui, il y a un peu de ça. J'aime bien expérimenter, mais c'est vrai que ça peut être effrayant parce que, si vous essayez quelque chose pour une série qui dure longtemps, vous allez vous retrouver coincé dans ce style pendant plusieurs mois, voire plusieurs années. On apprend en cours de route, même si on aime bien tenter de nouvelles choses.

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AK : Vous vous intéressez aussi à l'écriture de scénarios ?

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LE : Bien sûr, bien sûr. J'ai déjà écrit quelques petites choses, et j'aimerais effectivement poursuivre une vocation "d'auteur" complet plus tard. Mais pour le moment, j'ai encore besoin de maîtriser certaines choses.

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AK : Parce que j'allais vous proposer, par exemple, de tenter une série en six numéros, avec un style différent à chaque numéro !

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LE : (rires)

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OC : Et puisque Berlin Est ressemble aussi à une oeuvre de cinéma, est-ce que travailler pour cette industrie vous intéresserait dans la foulée ?

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LE : Bien sûr, pour toute la partie artistique en tout cas. Et aussi pour m'essayer à d'autres genres de narration. Ceci dit, j'aime beaucoup les comics, mais je pense que tout ce que je fais ne se traduirait pas forcément bien au cinéma ou à la télévision. C'est pour ça que j'aime beaucoup les comics : c'est un support essentiellement graphique. Ce qui se passe sur la page est plus intéressant pour moi que ce que ça pourrait donner en film ou en série télévisée.

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OC : Vous pensez que c'est un art supérieur ?

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LE : Chaque média a ses forces et faiblesses. Mais moi, je préfère les comics, évidemment.

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AK : Vous savez pourquoi ?

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LE : Je ne sais pas, je dirais que c'est plus organique en ce qui me concerne. Bien sûr, j'ai grandi avec le cinéma et la télévision, mais j'ai ce rapport très intime vis-à-vis du papier. Faire quelque chose de concret, mettre les mains dans le cambouis, dessiner, peindre, c'est quelque chose de très organique.

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AK : Vous avez besoin de sentir le crayon qui passe sur le papier.

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LE : C'est quelque chose que j'adore. Mon utilisation du numérique se résume à scanner mes planches pour passer un coup de propre dessus, mais jamais plus que ça.

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AK : Très bien. Je vous remercie de nous avoir accordé ce temps Lisandro !

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LE : Merci à vous, merci de m'avoir reçu.

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En amont de sa présentation au mois de juin pour le prochain Festival d'Annecy, la série animée Eyes of Wakanda se laisse entrapercevoir un tout petit peu plus que ce qui en a déjà été donné au public - autrement dit, très peu. Deux nouvelles images ont été mises en ligne dans le cadre de la \"preview estivale\" de la prestigieuse revue Entertainment Weekly.

Retour au Wakanda

La série d'animation qui ne comporte que quatre épisodes s'intéresse, pour rappel, aux \"forces spéciales du Wakanda\", les Hatut Zaraze, dont l'objectif est d'allé récupérer dans des pays étrangers des artefacts faits de vibranium qui ont été dérobés à la nation africaine. Une histoire qui s'étale sur le temps long, soit l'occasion d'aller aborder diverses époques et divers styles, dans un registre qui pourra évoquer l'anthologie, même si une trame est prévue sur l'ensemble des quatre épisodes.

Les héros en costumes sont visibles sur les deux nouveaux visuels, et beaucoup se demandent si les Hatut Zaraze pourraient être inclus dans le fameux Black Panther 3, évoqué déjà publiquement à plusieurs reprises, bien qu'il n'ait toujours pas été formellement annoncé par Marvel Studios. Ne reste qu'à patienter, Eyes of Wakanda étant prévue pour le 6 août 2025 sur Disney+.

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Ne reste désormais qu'un petit mois, et même moins, avant de découvrir la série Ironheart sur Disney+. Riri Williams est apparue pour la première fois auprès du grand public dans Black Panther : Wakanda Forever, sorti en 2022 au cinéma, et c'est donc trois ans plus tard que la jeune héroïne peut enfin continuer d'évoluer en solo. Une série qui fait les frais des errements de politique éditoriale de Marvel Studios vis-à-vis de sa production de contenus pour Disney+. La série était en effet achevée de tourner en novembre 2022, mais les difficultés rencontrées par le studio entretemps (entre échecs aux box-office, grèves de scénaristes et d'acteurs, et une refonte du modèle de production) a fait que Ironheart est restée en attente pendant plus de deux ans. Afin que le public se remémore qui elle est, le studio met en ligne quelques visuels de promotion.

Nouvelle armure pour nouvelle vie

Toujours incarnée par Dominique Thorne, Riri Williams va être en quête d'identité et de sens dans sa série Disney+, alors qu'elle sent bien que son potentiel de génie n'est pas complètement exploité. C'est le Hood (Anthony Ramos) qui va lui laisser entrevoir la façon de devenir quelqu'un de plus reconnue - a priori, tout simplement en se forgeant une nouvelle armure - mais les méthodes employées par le super-vilain en devenir ne vont pas être du goût de Riri.

En plus d'un poster mis en ligne par Marvel Studios, deux nouvelles images de la série Ironheart ont récemment été mises en ligne ; l'une présentant l'héroïne en armure, tandis que la seconde s'intéresse plutôt aux coulisses du tournage, avec une photo de la réalisatrice Samantha Bailey en compagnie de Dominique Thorne.

Les trois premiers épisodes d'Ironheart seront disponibles sur Disney+ à compter du 24 juin prochain.

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Fin de course pour les Thunderbots* ? Pas si sûr, mais semaine après semaine, la grimpée des chiffres du film de Jake Schreier s'amenuise, laissant certains paliers symboliques du box-office s'éloigner de plus en plus. Pour son quatrième weekend d'exploitation, le dernier né de Marvel Studios a réussi à amasser quelques millions de dollars supplémentaires, mais il est désormais assez certain que l'équipe des \"nouveaux\" Avengers n'arrivera pas à faire aussi bien, sinon mieux que le dernier Captain America.

Les yeux tournés vers l'espace

Dans un weekend qui a vu l'infâme remake de Lilo & Stitch et le dernier Mission Impossible dominer le box-office, Thunderbolts* a toutefois pu intéresser quelques spectateurs et spectatrices supplémentaires, avec près d'une dizaine de millions récoltés sur le territoire domestique (comprenant États-Unis et Canada), pour un total de 171 M$ - ce qui le place au-dessus d'Eternals, mais toujours derrière, entre autres, Captain America : The First Avenger, Ant-Man, Thor, Black Widow, et donc Captain America : Brave New World.

Constat en tous points semblable avec l'ajout des chiffres de l'international qui font passer Thunderbolts* à un total de 353 M$, soit pour le moment le troisième score le plus faible (inflation non comprise) devant The Incredible Hulk et The Marvels. Pour le dire ainsi, mêm les 379 M$ de Black Widow semblent désormais assez loin, alors que la saison des blockbusters ne fait que commencer. Mais comme nous l'avons déjà écrit précédemment, la victoire de Marvel Studios est peut-être plutôt d'avoir retrouvé une forme de confiance de son public assidu, qui n'hésitera pas à aller voir The Fantastic Four : First Steps cet été. Et par la même occasion, entraîner avec lui le grand public qui manque tant au studio pour retrouver ses performances économiques d'antan ?

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Actuellement en plein tournage, la série Daredevil : Born Again accueille une autre tête connue de la période des séries Marvel Television sur Netflix. L'annonce était tombée la semaine dernière : pour la prochaine saison, l'actrice Krysten Ritter s'apprête à retrouver le rôle de Jessica Jones, détective privée de New York et ex vedette de sa propre série autonome pendant la période des Defenders. Or, tandis que les fans du héros Iron Fist se réunissent à l'église tous les dimanches pour prier, en implorant les puissances supérieures pour qu'un nouvel acteur occupe le rôle de Danny Rand, Charlie Cox et Krysten Ritter ont été aperçus sur les plateaux de tournage récemment. C'est le retour de la fine équipe.

Tête Rousse et Chevelure Brune

Le président de Marvel Television, Brad Winderbaum, avait déjà confirmé à mots couverts cette stratégie de long terme pour la série Daredevil : Born Again lors d'une entrevue accordée à la presse en février dernier. A l'époque, celui-ci avait bien évoqué \"les autres Defenders\" et pas seulement Jessica Jones. Ceci étant, l'expérience de ces différentes séries (en particulier pour Luke Cage et Iron Fist) devrait probablement bloquer la possibilité de spin-offs officiels dans un premier temps. De fait, les productions en question s'étaient globalement cassées les dents sur la durée, et le grand public n'a pas forcément retenu la série crossover Defenders pour les bonnes raisons. En revanche, l'idée de les circonscrice aux prochaines saisons de Daredevil : Born Again pour habiller cette lecture street de New York devrait probablement se concrétiser d'ici les prochains épisodes. D'autant plus que les acteurs Mike Colter et Finn Jones ont été aperçus à New York également ces derniers jours.

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Dans les faits, la série Alias de Brian Bendis et Michael Gaydos n'a pas vraiment été adaptée sur le petit écran pour le moment. Seuls quelques éléments disparates avaient été utilisés lors de la série Jessica Jones sur Netflix, et avec des coudées un poil plus franches (en pouvant enfin utiliser le reste de l'univers Marvel Studios comme base de travail), Winderbaum serait bien inspiré de tenter le coup, dans la mesure où Ritter était au départ un excellent choix pour ce genre de productions plus noires, plus adultes. Dans le même temps, le Punisher va déjà avoir droit à son propre spin-off... on peut rêver.

Daredevil : Born Again fera son grand retour sur Disney+ d'ici le mois de mars 2026. A voir.

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Ces questions, nous avions déjà pu les aborder au cours des podcasts enregistrés pour les films nommés, mais il faut aussi savoir se remettre en question, et se demander si deux mecs (ou plus) sont forcément les personnes les mieux placées pour parler de féminisme ou du traitement des héroïnes sur grand écran, voire de l'importance que peuvent avoir certains films au delà de toute considération artistique ou marketing. \r
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Et puisque nous trouvons également que dans le milieu comics, il n'est pas toujours facile d'avoir des voix féminines à ce sujet, est venue l'idée de vous proposer un podcast composées uniquement d'intervenantes, afin d'avoir une discussion et des points de vues différents, et aborder des sujets sous un autre angle. Océane (du podcast Lemon Adaptation Club) nous a fait l'honneur d'animer cette émission, en compagnie de Phobos (des podcasts Outrider et Actionner) et Maud, pour une discussion qui, on l'espère, saura vous intéresser et éclairer avec un autre regard ces sujets d'actualité.\r
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Comme toujours, les retours seront les bienvenus, tant sur le sujet que sur l'émission, avec l'espace commentaire fait spécialement pour cela. Une fois encore également, les partages sur les réseaux sociaux, les commentaires et bonne notes sur nos plateformes d'hébergement sont autant d'outils (gratuits) pour soutenir nos émissions, celle-ci en particulier. Merci d'avance, et bonne écoute à vous !",349,"super-heroines1.jpg","https://assets.comicsblog.fr/images/news/crop_super-heroines1.jpg","https://assets.comicsblog.fr/images/news/crop2_super-heroines1.jpg","https://assets.comicsblog.fr/images/news/crop3_super-heroines1.jpg","https://assets.comicsblog.fr/images/news/crop4_super-heroines1.jpg","https://assets.comicsblog.fr/images/news/crop5_super-heroines1.jpg","Après Wonder Woman, Captain Marvel, et le récent film Birds of Prey, mais aussi avec la venue proche de Black Widow, Wonder Woman 1984 et ...","Après Wonder Woman, Captain Marvel, et le récent film Birds of Prey, mais aussi avec la venue proche de Black Widow, Wonder Woman 1984 et un casting très diversifié pour The Eternals, les ...","Après Wonder Woman, Captain Marvel, et le récent film Birds of Prey, mais aussi avec la venue proche de Black Widow, Wonder Woman 1984 et un casting très diversifié pour The Eternals, les super-héroïnes se font de plus en plus présentes sur ...","

Après Wonder Woman, Captain Marvel, et le récent film Birds of Prey, mais aussi avec la venue proche de Black Widow, Wonder Woman 1984 et un casting très diversifié pour The Eternals, les super-héroïnes se font de plus en plus présentes sur grand écran. Une jolie mise en avant qui soulève quantité de discussions et débats dans les sphères pop-culturelles, avec notamment les messages féministes que peuvent porter avec eux ces films, et la façon dont les personnages féminins y sont traités.

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Ces questions, nous avions déjà pu les aborder au cours des podcasts enregistrés pour les films nommés, mais il faut aussi savoir se remettre en question, et se demander si deux mecs (ou plus) sont forcément les personnes les mieux placées pour parler de féminisme ou du traitement des héroïnes sur grand écran, voire de l'importance que peuvent avoir certains films au delà de toute considération artistique ou marketing.

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Et puisque nous trouvons également que dans le milieu comics, il n'est pas toujours facile d'avoir des voix féminines à ce sujet, est venue l'idée de vous proposer un podcast composées uniquement d'intervenantes, afin d'avoir une discussion et des points de vues différents, et aborder des sujets sous un autre angle. Océane (du podcast Lemon Adaptation Club) nous a fait l'honneur d'animer cette émission, en compagnie de Phobos (des podcasts Outrider et Actioner) et Maud (qui joue le rôle de la spectatrice "non experte), pour une discussion qui, on l'espère, saura vous intéresser et éclairer avec un autre regard ces sujets d'actualité.

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Comme toujours, les retours seront les bienvenus, tant sur le sujet que sur l'émission, avec l'espace commentaire fait spécialement pour cela. Une fois encore également, les partages sur les réseaux sociaux, les commentaires et bonne notes sur nos plateformes d'hébergement sont autant d'outils (gratuits) pour soutenir nos émissions, celle-ci en particulier. Merci d'avance, et bonne écoute à vous !

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Dans une année de disette importante en ce qui concerne les conventions, le programme se montrait particulièrement alléchant avec quelques oeuvres très attendues - et il fallait donc en faire un bilan en podcast histoire de débriefer tout ce qu'on nous a présentés. C'est donc chose faite ! \r
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Au cours du weekend passé se tenait le DC Fandome, premier évènement intégralement en ligne et 100% consacré aux univers de DC, avec un angle définitivement axé sur les adaptations filmiques et les jeux vidéo. Quelques comics s'y cachaient malgré tout.

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Dans une année de disette importante en ce qui concerne les conventions, le programme se montrait particulièrement alléchant avec quelques oeuvres très attendues - et il fallait donc en faire un bilan en podcast histoire de débriefer tout ce qu'on nous a présentés. C'est donc chose faite !

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Comme toujours, les commentaires et retours seront les bienvenus, et on vous demandera comme toujours de partager nos émissions si notre travail vous plaît et vous importe. Bonne écoute !

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A l'occasion de la récente édition de Comic Con Paris, les équipes d'organisation ramenaient avec elles l'illustre Roy Thomas, scénariste vétéran de l'industrie, ancien éditeur en chef de Marvel, créateur de Conan en comics, et ainsi de suite.

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Il était donc impossible pour nous de passer à côté de Roy Thomas, histoire d'avoir un regard actuel sur les comics de son point de vue, de parler d'engagement dans les histoires et de l'évolution du paysage à l'heure des nombreuses adaptations Marvel sur tous les écrans. Une petite entrevue que nous sommes ravis de vous présenter, et qu'on vous invite à partager sans modération !

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Tradition oblige, la série des Honest Trailers est de retour pour une nouvelle dissection de cadavre cinématographique. En l'occurrence, les équipes de la chaîne Screen Junkies n'ont pas forcément eu besoin de chercher trop loin : au début de l'année, Marvel Studios a dégainé le film Captain America : Brave New World, un produit de plus dans la longue liste des œuvres du milieu de gamme qui constituent aujourd'hui l'essentiel des sorties de la marque. Et de ce point de vue, mettons que le pire est derrière nous. Avec Fantastic Four, Spider-Man et deux Avengers en ligne de mire, cette consigne des petits produits sans lendemain devrait théoriquement être mise en pause (pour le moment) après la sortie du film Thunderbolts*. Lequel aura d'ailleurs droit à son propre Honest Trailers d'ici quelques mois... et probablement dans la même tonalité.

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Cap ou pas Cap ?

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Force est d'admettre que Marvel Studios a grandement facilité la vie aux humoristes du web avec Captain America : Brave New World. Si le projet n'est pas spécialement insultant ou terriblement mauvais, celui-ci a toutefois été parasité par une campagne de promo' exclusivement articulée autour du combat final, une intense période de tournage additionnel coûteuse, l'élection d'un nouveau président aux Etats-Unis et la reprise du conflit israélo-palestinien, deux éléments du monde réel qui n'ont pas forcément servi le discours (ou l'absence de) politique au sein du scénario. Sans même évoquer le design du vilain.

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Pas besoin d'avoir fait l'école du rire (mais si, la fameuse) pour bricoler des blagues sur un tel charnier de circonstances atténuantes. En l'occurrence, Honest Trailer frappe là où ça fait mal : sur la fatigue, sur les limites du modèle, et sur le bon gros tas de poussière qui recouvre désormais la chronologie de Marvel Studios.

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Sans plus attendre :

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Alors que Mark Millar a pris de court tout le monde en dévoilant son nouveau projet - qui n'est pas l'un des one-shots en crossover Marvel/DC, voilà que les Big Two, justement dévoilent leur premier numéro qui permet aux héros des deux enseignes de se retrouver en comics, une première depuis deux bonnes décennies. Souvenez-vous : l'annonce d'un nouveau crossover avait fait grand bruit en début d'année, et il est désormais temps de connaître les détails du premier rendez-vous.

Avec des personnages pas marketables du tout

Ainsi, c'est au mois de septembre 2025 que lecteurs et lectrices pourront découvrir le premier one-shot Deadpool/Batman #1, écrit par nul autre que Zeb Wells (qui a participé à l'écriture du film Deadpool & Wolverine), avec le bien bon Greg Capullo aux dessins. Chose amusante, ce dernier s'était déjà occupé d'un crossover à succès il y a peu avec Spawn/Batman. L'histoire verra Wade Wilson être recruté pour une nouvelle mission à Gotham City, qui lui fera évidemment croiser le chemin du Chevalier Noir. La couverture du numéro sera réalisée par Capullo, et il faut s'attendre à ce que de nombreuses variantes soient au programme des festivités.

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Mais ce n'est pas tout, et c'est peut-être du côté de DC Comics que le crossover sera le plus excitant. Puisqu'en novembre 2025, le one-shot Batman/Deadpool #1 sera dans les comicshops, faisant sortir de sa retraite Grant-fucking-Morrison, avec le bien bon Dan Mora au dessin. La paire avait déjà pu travailler ensemble sur Klaus, et Morrison dit n'avoir pu refuser l'opportunité de travailler à nouveau avec Mora. \"Attendez-vous à du bordel d'éclatage de 4e mur, des hiboux, du sang, des lames et au moins une machine à écrire géante !\".

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Jamais deux sans trois (ou quatre) : les deux numéros Batman/Deadpool ne formeront que la première partie du crossover Marvel/DC puisque d'autres numéros sont prévus pour 2026, sans plus de précisions pour le moment. En tous les cas, les numéros en question risquent bien d'être les évènements VO de l'automne prochain - et par pitié, ne commencez pas dès maintenant à tenter de savoir comment la publication en VF se fera.

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Ce n'était donc pas un comics DC vs Marvel. En définitive, Mark Millar se sera surtout astucieusement servi des réseaux sociaux pour faire la publicité d'une nouvelle création originale, réalisée en compagnie de son vieux camarade John Romita Jr.. Génie du teasing, publicité mensongère, foutage de gueule ? Le jury délibère. Dans tous les cas, une opération publicitaire qui n'aurait probablement pas eu besoin d'un tel effet de manche, dans la mesure où le nom de Romita Jr. devrait suffire pour attirer le client. De retour sur le marché indépendant après avoir cocréé la tétralogie des Kick Ass en compagnie de son compagnon écossais, le dessinateur se prépare pour une nouvelle aventure : Psychic Sam. Et encore une fois, avec une adaptation à la clé...

Demain à la Une

Remarquez que c'est presque implicite - au point que l'on ne sait même plus s'il est nécessaire de le préciser. Encore une fois, Mark Millar a donc prévu un comics dans l'idée de se faire adapter dans la foulée. C'est comme ça : on ne change pas une méthode qui rapporte des millions de dollars. L'originalité de Psychic Sam repose en revanche sur la destination du produit : en l'occurrence, si un projet de long-métrage est bien dans les cartons, celui-ci ne devrait pas terminer sur Netflix. Le scénariste assure avoir la liberté de créer ailleurs (et comme bon lui semble, manifestement) au point d'avoir pu développer cette nouvelle propriété intellectuelle en dehors de l'enseigne Millarworld, sur un plan purement autonome. Le comics sera par ailleurs financé par la voie d'un campagne Kickstarter... et les droits ont déjà été vendus à un producteur, Ivan Atkinson, pour une version long-métrage.

Celui-ci gravitait déjà dans l'orbite indirect de Mark Millar, dans la mesure où le bonhomme avait déjà travaillé avec Guy Ritchie sur les films The Gentlemen et Un Homme en Colère de Guy Ritchie. Or, dans la mesure où Millar est encore assez proche de Matthew Vaughn (lequel travaille encore régulièrement avec Ritchie sur la production de certains projets), on imagine que la rencontre a été assez facile. Par ailleurs, Psychic Sam évoque en filigrane le processus créatif à l'origine même des comics Kick Ass : dès les premiers instants de la conception, celui-ci avait effectivement été développé en parallèle pour le cinéma et l'industrie de la BD. C'est encore le cas cette fois ci. Le comics est en bonne voie, et le film a d'ores et déjà été signé. Les habitudes ont la vie dure dans l'esprit de l'auteur écossais.

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Pour ce qui concerne le synopsis de la version comics :

\"La veille d'un événement tragique, Sam Nicoletti entend une voix dans sa tête. Cette voix lui révèle le nom et l'adresse d'un meurtrier. S'il décide d'ignorer cet appel, un innocent va mourir. Le héros va d'abord se croire fou... mais il réalise vite que les morts en question se réalisent pour de vrai. Sam va donc réaliser que c'est à lui de prendre les choses en mains. Surtout lorsqu'un artiste tellement horrible le motive finalement à intervenir. Que feriez-vous dans cette situation ? Si vous appelez la police, il vont vous prendre pour un dingue, puisque... techniquement, rien de grave ne s'est encore produit. Il va donc falloir empêcher ces visions du futur de se réaliser.\"

Le projet a été annoncé comme une trilogie de romans graphiques, avec un premier tome de 64 pages prévu pour cette année (les livraisons devraient commencer d'ici le mois d'octobre 2025 pour celles et ceux qui voudraient participer à la campagne). Au passage : pourquoi passer par Kickstarter, dans la mesure où Mark Millar serait probablement le bienvenu dans la moindre maison d'édition ? Probablement pour garder la main sur la production, les droits et les profits. Un peu comme Sean Murphy avec les projets Plot Holes et Zorro. De cette façon, le scénariste s'assure de pouvoir négocier directement pour les ventes à l'étranger, les rééditions, les tarifs... etc.

Et d'ailleurs, celui-ci a même donné un nom à cette petite incartade en dehors des bureaux de Netflix : Side Hustle Comics. Le projet Psychic Sam a été monté sous cette bannière (qui pourrait se traduire peu ou prou en \"le petit business parallèle\"). Espérons que celui-ci l'aidera à boucler ses fins de mois.

Tous les détails sont accessibles à cette adresse

Quelques premières planches sont également disponibles. Grosso modo, le comics proprement dit semble vouloir miser sur l'action, dans une perspective de héros musclé façon Punisher (mais avec un pouvoir de vision). A voir.

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Et c'est reparti. Nouvelles annonces, nouveaux albums. Nouvelles \"Big News\" chez Panini Comics. Les présentations du jour concernent les sorties de la fin d'année pour le catalogue des X-Men avec plusieurs sorties en ligne de mire. Du côté des comics relativement récents, l'éditeur a effectivement prévu de publier au format Marvel Deluxe le couple Fall of the House of X et Rise of the Powers of X, conclusion définitive de la période Fall of X et chute officielle de Krakoa, et dans le département des omnibus de classiques, la série Wolverine & the X-Men de Jason Aaron et Chris Bachalo.

Some More Mutants

Panini Comics a donc prévu une édition complète de l'événement à deux têtes Fall of the House of X (Gerry Duggan, Lucas Werneck) et Rise of the Powers of X (Kieron Gillen, R.B. Silva). D'un côté, chez Duggan, dans le présent, la série suit la bataille finale entre les X-Men et les forces d'Orchis au moment du procès de Cyclops. Un combat quasiment perdu d'avance pour la faction indépendante de Krakoa, déjà largement morcelée, et l'ultime baroud d'honneur de ce qui restera dans les livres d'histoire comme l'une des meilleures périodes de la famille mutante. Et de l'autre côté, Gillen poursuit son idée du dieu binaire dans une perspective plus futuriste avec une intrigue qui se base dix ans après la chute de Krakoa, au moment où Nimrod et Omega Sentinel s'apprêtent à mettre leur plan à exécution en menaçant au passage de détruire toute forme de vie.

Bref : la bagarre. Et un adieu mérité (quoi que différemment apprécié par de nombreux fans) pour l'ancien monde des X-Men avant le grand retour d'une normalité un rien plus décevante avec la période actuelle (From the Ashes). L'album est prévu pour le mois de novembre.

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Et dans le même temps, Panini Comics publiera un omnibus consacré à la superbe série Wolverine & the X-Men de Jason Aaron et Chris Bachalo (entre autres). Une façon intelligente de poursuivre le gros rattrapage des travaux du scénariste sur le héros immortel, avec ce projet basé dans la continuité de Schism. Une nouvelle rentrée scolaire démarre dans une novuelle école de mutants, et pour le coup, Logan occupe un poste important dans le corps professoral. Aux côtés de Beast, Iceman, Rachel Grey, Kitty Pryde, Storm, Husk et Doop, le héros va tenter d'enseigner, de former la jeunesse et de prendre sous son aile les jeunes pouces de la génération suivante... tout en affrontant le Hellfire Club, Dents de Sabre, et quelques autres menaces de grande ampleur.

Souvent présentée comme l'un des indispensables de cette période de la saga des mutants, une série qu'elle est drôle, inspirée, plutôt permissive. Un bon souvenir dans la bibliographie de Jason Aaron et une bonne excuse pour rattraper son retard pour toutes celles et ceux qui seraient passés à côtés. Accessoirement, on ne le dira jamais assez : les omnibus, ça fait les avant-bras. Comme ça après vous pourrez impressionner les potes au bowling.

Le projet est également attendu pour le mois de novembre.

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Plus on est de robots, plus on rit. Un dicton pas du tout inventé en deux secondes, et qui colle parfaitement à l'esprit de la prochaine série Vision dirigée par Terry Matalas pour le compte de Marvel Television et Disney+. Le second spin-off de WandaVision doit partir en tournage cette année, et les annonces de casting continuent de s'empiler doucement. Et puisque James Spader doit reprendre son rôle d'Ultron, pourquoi ne pas aller rajouter d'autres êtres robotiques au coeur même de la série ? C'est ce qui sera fait, avec une touche de féminité.

The Bride

C'est l'informateur Deadline qui, comme bien souvent, fait part de la nouvelle : l'actrice T'Nia Miller a rejoint le casting de la série Vision pour un rôle on ne peut plus important, qui devrait être l'une des têtes d'affiche (et peut-être l'antagoniste) face à Paul Bettany. Pour rappel, à la fin de WandaVision, on voyait White Vision (la version reconstruite par le S.W.O.R.D. du Vision originel) disparaître au loin, en quête de son passé et de son humanité perdue. Selon Deadline, T'Nia Miller devrait incarner Jocasta.

Personnage créé dans les comics par Jim Shooter et George Perez en 1977 dans Avengers #162, il s'agit au départ d'un synthézoïde fabriqué par Ultron, dans le but d'en faire sa compagne et de lui être loyale. Mais il ne faudra pas bien longtemps pour que Jocasta trouve un peu de sens moral et décide d'aider plutôt les Avengers, moins d'une dizaine de numéros après sa première apparition. On peut supposer que le personnage incarné par T'Nia Miller suivra le même parcours : en étant présentée comme une création d'Ultron et une ennemie de Vision au départ, pour finalement rejoindre le camp des \"gentils\" en cours de série.

T'Nia Miller est active dans le milieu des séries TV depuis 2007 et a été vue dans quelques productions grand public, comme la Chute de la Maison Usher et The Haunting of Bly Manor, mais aussi Foundation et Gangs of London. La série Vision sera sa première pour une adaptation de comics de super-héros.

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