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« New\nGods est la réinvention de l’univers du Quatrième Monde de Jack Kirby par Ram V\net Evan Cagle ».

S’il s’agit là d’une petite phrase de présentation somme\ntoute classique au dos d’un album, ces quelques mots résonnent dans les faits\ncomme un pari audacieux, si ce n’est risqué. Un pari risqué non pas parce que\ndeux auteurs contemporains se penchent sur une œuvre culte d’un géant de la\nbande dessinée, mais parce qu’en se lançant dans une série sur les New Gods,\nRam V et Evan Cagle, c'est aussi à un paradoxe qu'ils vont se mesurer.

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De\nnouveaux Néo-Dieux : V, Cagle, Kirby et le paradoxe du Quatrième Monde

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Pour\ncomprendre le problème dont il est ici question, il faut revenir au créateur\ndes New Gods : l’immense Jack Kirby. Au début des années 1970, le\n« Roi des Comics » débarque chez DC en lançant Le Quatrième Monde,\nun ensemble de quatre séries interconnectées dessinant une grande mythologie\ncosmique. Plus d’un millier de planches et quatre ans plus tard, l’expérience\nprend finalement fin sans réelle conclusion suite à des ventes qui ne suivent\nplus suffisamment, laissant en place ce que Grant Morrison qualifiera de « symphonie\ninachevée ».

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Si\nKirby revint travailler des années plus tard sur sa création avec le roman\ngraphique The Hunger Dogs, celle-ci conserve toujours aujourd’hui l’aura\nd’une fresque incomplète. Le vide créé par un univers laissé en suspens\nalimente cependant logiquement les idées d’auteurs admiratifs. À ce sujet,\nWalter Simonson écrivait : « Avec une fin définitive, l’histoire\naurait été terminée. Et comme le récit n’est jamais arrivé à son terme, la\ngrande guerre entre Néo-Genesis et Apokolips ne prendra jamais fin, ses adversaires\nbloqués à jamais dans un affrontement mortel ».

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Se\npencher sur le Quatrième Monde de Kirby aujourd’hui, c’est donc contempler\nles fondations d’un édifice dont la structure finale ne sera jamais définie.\nParce que son auteur d’origine ne l’a pas achevé comme il le souhaitait certes,\nmais également parce que l’industrie des comics étant ainsi bâtie, quelqu’un\nd’autre aura toujours la possibilité d’y ajouter une nouvelle pierre. Puisqu’il\nest question d’une base sur laquelle construire, quel est donc alors le\nparadoxe sur lequel s’aventure l’équipe créative des New\nGods d'aujourd'hui ? La réponse tient en un nom : Jack Kirby.

$\"images/editeur/Arno/octobre$

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S’aventurer\nsur le Quatrième Monde, c’est marcher dans les pas de Kirby. Et marcher\ndans les pas de Kirby, c’est marcher sur des œufs. Pourquoi ? Il n’est pas\nici question de comparer les talents, mais de comprendre la logique d’un\ncréateur. Le Quatrième Monde est une expérimentation tant narrative que\nvisuelle. La volonté de cet ensemble était de proposer quelque chose de\nnouveau. Une idée qui se heurta d’ailleurs à l’équipe commerciale de DC, qui\nforça le « King » à reprendre à son arrivée une série pré-existante,\nlà où celui-ci voulait avant tout innover.

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Évoquant\ncette mentalité, Mark Evanier raconte que, du vivant de l’auteur, un\ndessinateur arrivant sur la série Captain America avait déclaré espérer\nréussir à restituer « la patte Kirby ». Le principal intéressé avait\nalors expliqué : « Ce gamin n’a rien compris, la patte Kirby consiste\nà créer de nouvelles BD ». Le Quatrième Monde se voulait proposer\nquelque chose de nouveau, une ambition qui a du composer avec l’existence de la\nsérie Superman’s Pal Jimmy Olsen, que Kirby avait accepté de reprendre\net d’inclure à son grand projet « à contrecœur » (toujours selon Mark Evanier).

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Voici\ndonc Ram V et Evan Cagle au cœur du paradoxe : celui de faire perdurer\nl’héritage d’une œuvre qui souhaitait intrinsèquement proposer de la nouveauté, et non reprendre ce qui avait pu être créé par un autre auparavant.\nFaçonner une nouvelle série se réclamant du Quatrième Monde semble donc\nrelever du casse-tête : s’inscrire dans une continuité artistique\nreviendrait à trahir cette dernière, et s’en éloigner viderait le titre New Gods de son sens. Que faire alors ? C’est ici que Ram V et Evan\nCagle ont compris leur matériau d’origine : ils expérimentent.

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New\nGods Tome 1, lE VERDICT

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Darkseid\nn’est plus. L’éternel ennemi est mort, l’omniprésente menace s’est éteinte. Ram\nV choisit de débuter son histoire en faisant disparaître la ligne d’horizon du Quatrième\nMonde de Kirby, le perpétuel affrontement avec le souverain d’Apokolips. Si\nce nouveau statu quo pourrait signifier le début d’une ère sereine pour\nNéo-Genesis, l’énigmatique Métron prophétise l’avènement sur Terre d’un nouveau\ndieu, un enfant qui pourrait bien causer la perte des deux mondes. Tandis que\nle chaos gagne du terrain, les Néo-Dieux se déchirent sur le sort à réserver à\ncet individu encore innocent.

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Alors\nque le Haut-Père de Néo-Genesis envoie son champion Orion éliminer cet être\npotentiellement destructeur, le maître de l’évasion Mister Miracle et la\nsurpuissante Big Barda se retrouvent malgré eux chargés de protéger ce jeune\ninconnu. Commence alors une course contre la montre pour localiser l’enfant et\nle mettre en sécurité là où le limier du Haut-Père ne pourra le retrouver. Mais\nsi Orion a reçu l’ordre d’éliminer le petit, d’autres protagonistes aux\ndesseins nébuleux tentent quant à eux de le capturer vivant.

$\"images/editeur/Arno/octobre$

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Mister\nMiracle, Big Barda, Orion… autant de figures classiques du Quatrième Monde\nprésentées ici dans une configuration qui rappellera peut-être davantage le\npassage de Tom King et Mitch Gerads sur ces personnages que les aventures\nsignées Kirby. Si Scott et Barda y sont toujours de jeunes parents et qu’Orion\ny est également devenu un danger, Ram V ne tombe cependant pas dans la redite\nde Tom King et livre ici sa propre vision des Néo-Dieux avec un récit plus axé\nsur l’aspect mythologique de son univers et moins sur la reconstruction de ses\npersonnages.

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Quand\nKirby dépeignait deux camps manichéens pour mettre en avant la nature transfuge\nde ses héros, offrant en filigrane un message sur la façon dont les individus\npeuvent se construire en accord ou en opposition à leur environnement, Ram V\nparle ici de la façon dont ces personnes peuvent rester intègres face au\nvascillement de ce même environnement ; un message ô combien actuel.\nMister Miracle et Big Barda feront tout pour sauver un enfant, quitte à\ns’opposer frontalement à une Néo-Genesis à la dérive.

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Cette\nvolonté de se placer dans le prolongement plutôt que dans la répétition se\nretrouve également dans le caractère graphique de l’oeuvre. Alors que le Quatrième\nMonde était le fruit d’un dessinateur unique, la série New Gods - bien\nqu’ayant Evan Cagle comme colonne vertébrale - voit défiler un artiste invité à\nchacun de ses numéros. Cette diversité des traits participe ainsi à la\n« réinvention » voulue de cet univers, tant sur un plan visuel que\ndans son esprit. L’ensemble, riche, reste toutefois cohérent puisque ces\nvariations tiennent habilement compte des différents lieux et époques du récit.

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On\nsera donc ravi de voir ou de revoir certains noms, avec notamment le retour aux\ncôté de Ram V d’un Filipe Andrade toujours au sommet dans le sixième et dernier\nchapitre de ce premier volume. Si les artistes invités mettent la barre haute,\nEvan Cagle n’a pas à rougir de son travail : bien qu’il ait moins\nl’occasion de placer des trouvailles visuelles à chaque page, l’homme sait\nprofiter des opportunités graphiques qui lui sont offertes. Quant au fait que\npasser du style de Riccardo Federici à celui d’Andrew MacLean d’un épisode à\nl’autre puisse dérouter, il faudra y voir ici de l’audace.

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Les\nNew Gods de Ram V et Evan Cagle sont effectivement une réinvention du Quatrième\nMonde de Kirby. Non pas par leur volonté de renverser brutalement la table,\nmais par leur souhait d’accompagner cette création vers une autre proposition\ntant narrative qu’artistique. Plutôt que de sombrer dans l’adage idiot du\n« plagiat comme plus beau des hommages », l’équipe créative démontre\nson profond respect de l’œuvre d’origine et de son créateur en se permettant\nd’y prendre des libertés plutôt que de faire le choix de la décalquer.

- Vous pouvez commander New Gods Tome 1 à ce lien !

Cette critique a été rédigée par Malo Martinez.

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C'est au printemps dernier que la dessinatrice italienne Sara Pichelli est passée en France pour une séance de dédicaces chez Album Comics à Paris. La co-créatrice de Miles Morales, l'un des personnages les plus populaires de Marvel, et encore aujourd'hui l'un des meilleurs exemples de création de nouveau personnage réussi, est toujours au travail pour la Maison des Idées. On note notamment parmi ses derniers travaux le titre Scarlet Witch de Steve Orlando. Et puisque Sara Pichelli nous a accordé un peu de son temps, nous en avons profité pour lui poser quelques questions, pour une discussion assez généraliste, que vous aurez nous l'espérons plaisir à suivre.

Une version à l'audio (et en anglais) de cette interview, mise en ligne plus tôt dans l'année, est à retrouver sur First Print.

Nous remercions chaleureusement Gauthier d'Album Comics qui a permis cette interview et Clément Boitrelle pour la traduction et retranscription de la discussion.

Bonjour Sara et bienvenue. Beaucoup de personnes vous connaissent vous et\nvotre travail mais pourriez-vous néanmoins vous présenter rapidement ?

Bien sûr ! Je suis Sara\nPichelli - d’ailleurs merci d’avoir prononcé mon nom de famille\ncorrectement !

C’est grâce à mes origines\nitaliennes !

Je travaille chez Marvel\ndepuis 2008. Je suis surtout connue pour avoir co-créé le personnage de Miles\nMorales mais j’ai également travaillé sur de nombreuses séries Marvel\ncomme X-Men, Guardians of the Galaxy, Scarlet Witch plus\nrécemment et bien d’autres.

Retournons aux origines :\nà quel moment avez-vous voulu devenir dessinatrice de comics et surtout,\npourquoi ?

C’est arrivé assez tard dans ma\nvie car jusqu’à l’âge de 20-25 ans, je travaillais dans l’animation après avoir\nétudié l’animation traditionnelle et 3D. J’ai travaillé pour un studio italien\nen tant que character designer, storyboarder, artiste de textures… J’ai porté\nbeaucoup de casquettes différentes ! Je me suis beaucoup amusé mais je\nvoulais travailler en dehors de l’Italie car j’adorais par exemple l’animation\nfrançaise. Malheureusement on m’a viré…

On a osé vous virer ?!

Disons qu’ils m’ont plutôt rendu\nservice ! A l’époque je ne pouvais\npas quitter l’Italie pour des raisons personnelles. Mon petit copain d’alors, David\nMessina, travaillait pour le marché américain sur Buffy je crois… Ou\nplutôt Angel… Enfin bref pour je ne-sais-quelle série ! D’autres\nconnaissances travaillaient pour IDW et Marvel je crois… Je ne me\nsouviens plus trop… Je suis vieille !

C’était il n’y a pas si\nlongtemps…

C’est une façon de voir les\nchoses… Bref, tout le monde m’a dit de m’essayer au comics mais je n’y\nconnaissais rien à l’époque car cela ne m’intéressait pas plus que ça. Vous\nsavez je viens d’une petite ville Italienne où il n’y avait pas de boutiques\nqui vendaient des comics. J’avais donc l’habitude de lire Mickey Mouse, Donald\nDuck… Toutes les histoires Disney destinées aux enfants. Pour\nautant, je me suis dit que je savais storyboarder, je connaissais le\nstory-telling. J’ai donc commencé à assister mon ex-copain en réalisant le\ndécoupage. Cela m’a semblé envisageable ! J’ai également commencé à lire\ndes comics et j’ai vite réalisé que j’adorais ça ! C’est également en 2008\nque le concours ChesterQuest de Marvel a eu lieu, concours que\nj’ai gagné ! J’ai gagné le droit d’avoir une série de publiée et depuis,\nje n’ai jamais arrêté !

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Vous évoquiez votre travail\ndans l’animation, j’imagine donc que vous étiez attirée dès le départ par les\ndessins et le story-telling ?

Du plus loin que je me souvienne,\nj’ai toujours été attirée par le dessin. L’aspect story-telling est arrivé un\npeu plus tard durant mes études d’animation. L’animation implique énormément de\nstory-telling : tout part du corps, il faut donc prendre en compte le\nlangage corporel qui finira sur la page ou bien l’écran. Mais raconter des\nhistoires est vite devenu quelque chose qui m’a plu. Et puis, les comics sont\npour moi le terrain de jeu idéal car je peux avoir plus de contrôle sur le\nrésultat final. Quand vous travaillez dans l’animation, vous n’êtes qu’un\nsimple rouage dans un énorme engrenage. On pourrait me répondre qu’en travaillant\nchez Marvel, je dois composer avec les éditeurs, les auteurs, les\ncoloristes… mais c’est beaucoup moins contraignant que dans l’animation.

A-t-il été différent\nd’apprendre les codes du comics que d’apprendre ceux de l’animation ?\nJ’imagine qu’il doit bien exister des similitudes mais également des\ndifférences.

Les deux semblent très similaires\net au début j’ai trouvé les comics plus simples, mais il y a énormément de\ndifférences notamment de par la présence des gouttières. Dans le storyboarding,\nil n’y a pas de ruptures spatiales ou temporelles. Vous devez dessiner un zoom,\nun dézoom… ce genre d’éléments qui se déroulent en temps réel. L’espace entre\nles cases change absolument tout ! Vous devez apprendre que le timing fait\ntout, mais c’est pour cette raison que c’est si amusant !

Vous avez dû vous rendre\ncompte à un moment que vous étiez faites pour les comics ?

Exactement, je ne voulais plus\ntravailler dans l’animation. Les comics étaient bien plus amusants !

Faites-nous une petite leçon\nd’histoire : à quoi correspondait le fameux concours que vous avez\nremporté ?

Avec plaisir ! Il était une\nfois… [rires]. A l’époque, je n’avais pas beaucoup de dessins à montrer car\nj’étais en train de me constituer un portfolio à envoyer aux maisons d’édition.\nJ’étais bien en discussion avec quelques éditeurs italiens mais il n’y avait\nencore rien de concret. Mes amis et mon petit copain m’ont alors parlé de ce\nfameux concours. Je leur ai répondu que je n’avais rien qui vaille la peine\nd’être envoyé… Je ne voulais pas envoyer de mauvais dessins en tout cas. Je\nn’ai donc rien envoyé. Je ne me souviens plus s’il s’agissait de mon copain ou d’une\nconnaissance qui m’a demandé si j’avais envoyé quoi que ce soit, car la date\nlimite venait d’être passée. Ils ont donc encore insisté et j’ai fini par\ncéder. Et j’ai remporté le concours ! Une semaine plus tard je recevais un\nmail de [Chester] Cebulski en personne m’informant que je faisais partie\ndes gagnants. Je n’y croyais pas !

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Comment avez-vous réagi lors\nde votre premier projet chez Marvel ?

J’étais terrifiée ! Déjà\ntout se faisait en anglais…

Vous ne parliez pas si bien\nanglais à l’époque ?

Je parlais beaucoup mieux\nfrançais qu’anglais ! J’ai donc dû travailler avec de vrais scripts,\nréalisés par des auteurs de métiers, ce qui est très différent ! Ce n’était\npas forcément évident. Par exemple, le script de Brian M. Bendis\ncomportait beaucoup d’argot américain ! Béni soit Urban Dictionnary !\nLes premiers mois ont été assez traumatisants car il a fallu gérer\nbeaucoup de choses d’un seul coup. Mais de fil en aiguille, j’ai fait des\nerreurs, j’ai appris des choses notamment la façon de communiquer avec les\néditeurs. Les Américains sont différents des Européens, eux-mêmes très\ndifférents des Italiens ! Il faut donc reconnaître leur langage, leur\nmanière de dire « oui » ou « non ». Ils ne vous répondront\njamais un « non » franc, ils vont plutôt vous répondre « oui,\nmais… » ! [rires] J’ai donc beaucoup appris durant ces années, mais\nc’était amusant.

Quelle a été votre relation\nprofessionnelle avec Brian M. Bendis ? Vous avez travaillé ensemble sur\nd’autres projets qu’Ultimate Spiderman. Avez-vous discuté avec lui sur sa\nmanière de rédiger des scripts ? Comment\ns’est passée votre collaboration ?

Je n’ai jamais voulu critiquer\nles scripts de Brian car j’adorais travailler à partir de ces derniers. Ses\ndescriptions de personnages, des décors, sa façon de raconter une histoire via\nun script est vraiment parfaite. En ce qui me concerne, je pouvais visualiser\nce qu’il décrivait dans ses scripts. Rien qu’en lisant ses descriptions, j’arrivais\nà m’imaginer et me représenter ce que j’allais pouvoir dessiner. Je pense qu’il\ns’agit d’une rencontre parfaite, ce qui n’est pas toujours le cas. La seule\nvraie difficulté c’est qu’il y avait tellement de dialogues ! Vous devez\ngarder en tête le nombre de phylactères quand vous dessinez une case !\nMais c’est vraiment la seule difficulté qui me vient à l’esprit.

Vous devez réfléchir au\nplacement des personnages tout en prenant en compte la présence des bulles de\ndialogues ?

Exactement, surtout quand vous\ndevez dessiner plusieurs personnages. Je me souviens durant mon passage sur Guardians\nof the Galaxy, le rythme de travail était tellement intense ! Il\nfallait gérer tellement de personnages et leurs dialogues ! J’ai une scène\nparticulière en tête où vous avez tous les gardiens et d’autres personnages qui\ndiscutent, avec un hologramme au milieu. Dans la version publiée, la bulle de\ndialogue recouvre l’hologramme et ce malgré tous mes efforts. Je l’ai ressenti\ncomme un échec ! C’était tellement difficile… Heureusement ce n’est pas\ntoujours comme ça ! Quoi qu’il en soit, j’adore les dialogues de Brian, je\nlui pardonne donc tous ces phylactères !

Vous souvenez-vous du jour où\nvous avez dû créer Miles Morales ? Il est de notoriété publique que Brian\nBendis voulait un personnage que ses filles pourraient lire, quelle est votre\nversion de l’histoire ?

J’ai été contactée par la même\néquipe éditoriale avec laquelle je travaillais sur Ultimate Spiderman,\nen plus d’autres noms prestigieux comme Joe Quesada. Ils m’ont expliqué avoir\nune nouvelle idée et voulaient savoir si j’étais intéressée pour travailler\ndessus. « Et si on tuait Peter Parker ? » ! Ça sonnait comme une tâche plutôt\ningrate, mais pourquoi pas ! Mais j’étais intriguée à l’idée de travailler\nsur un nouveau personnage, une nouvelle histoire. Cela me rappelait mon travail\ndans l’animation. Quand vous travaillez sur un personnage comme Spider-Man, vous\navez tout un passif de récits à prendre en compte. Comme je n’étais pas\nspécialement plus fan de Spider-Man que ça, je me sentais plus détachée. Ça a\ndonc été très amusant car je pouvais imaginer toute une nouvelle histoire,\ntoute une galerie de nouveaux personnages, un nouveau décor… Brian m’envoyait\nde la documentation, des images, des chansons et me suggérait pleins d’idées. Nous\navons travaillé ensemble pendant six mois : quatre pour réfléchir aux\npersonnages et deux pour réfléchir au costume et aux éléments super héroïques.

Vous avez effectivement fait\nle choix de ne pas reprendre le costume classique de Peter Parker et avez opté\npour le costume noir et rouge. Cela vient de vous ?

Oui et tout le monde a approuvé\ncette décision. Ce fut donc un choix collectif. Pour les premiers numéros,\nBrian m’a demandé de dessiner Miles à l’opposé de Peter Parker, en termes de\nlangage corporel, de style de combat etc. Ce qui fut difficile, surtout quand\nles deux Spider-Man se rencontrent.

Ce fut sans doute un moyen de\ntester toutes vos compétences : après les avoir dessinés différemment, il\nfallait les dessiner ensemble pour pouvoir repérer les différences !

[rires] En tout cas c’est mon run\npréféré à ce jour. Je me suis tellement amusé.

Comment vivez-vous le fait que\nMiles ait eu autant d’aventures et d’histoires par d’autres équipes\ncréatives ? Vous êtes encore sa maman en quelque sorte. Jetez-vous un œil\nde temps à autres sur les séries Miles Morales ?

Ce fut le cas oui, pas récemment\nmais il m’a beaucoup manqué l’année qui a suivi mon travail sur Miles.

A-t-il été difficile de le\nconfier à d’autres équipes ?

Un peu oui mais ce fut très\nintéressant de le voir dessiné dans d’autres styles. Parfois c’était bien,\nparfois un peu moins… Jusqu’au moment où je l’ai vu sur grand écran… Là je me\nsuis dit que c’était absolument énorme ! J’étais très fière, même si\nc’était déjà le cas avant.

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Avez-vous travaillé sur le\npremier film Spider-Man : into the Spider-verse ?

J’ai réalisé une illustration\npour le film.

Une des couvertures que l’on\npeut voir, oui.

C’est ça. Ils ont fait appel à\nmoi et à Robbie Rodriguez pour Spider-Gwen. Ils travaillaient\nencore sur le film mais je me souviens qu’ils m’ont envoyé une scène : la\nmoitié de la séquence correspondait au résultat final et la seconde moitié\nétait encore en travail. Je vais être honnête avec vous : quand Marvel\nm’a annoncé qu’ils allaient réaliser un film sur Miles, j’étais un peu\nsceptique. Malgré mon amour pour l’animation, j’avais envie de le voir en\nimages réelles !

Vraiment ?!

Oui ! Je n’avais rien vu de\ntrès impressionnant en animation à l’époque. Mais j’ai été soufflée quand j’ai\nvu la séquence animée qu’ils m’avaient envoyé. Quand j’ai découvert le film à\nsa sortie, je me suis rendu compte que l’animation était bien plus\nimpressionnante que ce que l’on aurait vu en images réelles ! Mais je n’ai\npas été impliquée plus que ça dans le film.

C’était néanmoins appréciable\nde voir la reconnaissance du studio à votre égards et à votre contribution au\npersonnage.

Complètement ! Ils ont été super !\nL’équipe m’a personnellement remerciée lors de la remise de leur Oscar, ce qui a\nété très gentil de leur part.

Vous n’avez pas forcément à\nnous dire combien, mais avez-vous été rémunéré pour ce travail ?

Oui j’ai été payé pour mon\nillustration, mais je n’ai pas de royalties… sinon je serais riche !

C’est un débat qui revient\nsouvent sur la table chez les différents créateurs.rices de personnages qui\nfont gagner des millions de dollars aux studios…

Vous touchez des royalties en\nfonction des pages et des numéros que vous vendez cependant, mais pas sur les\ndesigns des personnages.

Je ne sais pas si vous suivez\nl’actualité sur les réseaux mais récemment Dustin Nguyen a publié un messageplutôt long dénonçant l’absence de royalties concernant les albums Marvel\nvendus à l’étranger, comme en France par exemple.

Je suppose que nous signons tous\nle même contrat chez Marvel car c’est la même chose pour moi. La\nsituation n’est vraiment pas idéale, d’autant que vous savez, chez DC…

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Ce qui m’amène à une autre\nquestion : vous travaillez encore pour Marvel aujourd’hui, vous avez\nréalisé plusieurs numéros sur Scarlet Witch avec Steve Orlando…

J’ai effectivement l’exclusivité\nchez Marvel car j’ai signé un contrat pour plusieurs années…

Pour combien de temps\nexactement ?

Je ne sais pas si c’est le cas\npour tout le monde, mais en ce qui me concerne le contrat n’est pas basé sur le\nnombre d’années mais sur le nombre de numéros. D’autant que depuis le Covid, ma\ncharge de travail s’est un peu réduite, surtout depuis que je suis maman !\nCe qui veut dire que j’ai encore quelques années devant moi car moins vous\ntravaillez, plus l’échéance recule… Comme vous voyez, il y a de bons et de\nmauvais côtés à travailler en exclusivité avec une maison d’édition. Mais je ne\nme plains pas.

Vous êtes encore une grande\nartiste et je suppose que Marvel vous considère en tant que tel étant donné\nvos travaux précédents. Choisissez-vous les projets sur lesquels vous voulez\ntravailler ?

La plupart du temps oui. On me\ndemande souvent ce que j’aimerais faire. Avant Scarlet Witch, à chaque\nfois qu’un éditeur me posait cette question, je répondais « Par\npitié, laissez-moi dessiner des personnages féminins ! ». [rires] Ce\nqui est enfin le cas.

Ils ne vous ont jamais proposé\nde super-héroïnes ?

Jamais ! En tout cas jamais\nen tant que personnage principal.

C’est d’autant plus étrange car\nil y a déjà des dessinatrices italiennes comme Laura Braga qui se spécialisent\ndans les personnages féminins.

C’est vrai oui mais Marvel\nme voulait absolument sur Spidey ! Ce qui m’allait très bien.

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Vous avez d’ailleurs travaillé\navec J.J. Abrams et son fils sur un album Spider-Man en 2019. Comment cela s’est\npassé ?

Oui c’est vrai ! Si vous\nsaviez, c’était quelque chose ! J’ai donc travaillé avec J.J. et son fils\nHenry. Henry était le plus nerd des deux mais ils ont été tous les deux\ntrès sympas. J.J. est quelqu’un de très occupé, la communication a donc été\nplutôt compliquée. Le script ressemblait davantage à un script de film qu’à\ncelui d’un comics mais travailler avec eux a été à la fois très différent\nmais aussi très amusant. Je ne sais pas pourquoi ils m’ont choisi… sans doute\nparce que je suis très patiente !

Soyons lucides, vos albums se\nvendent quand votre nom est sur la couverture !

Sans doute oui. Je me souviens\napprécier cette collaboration jusqu’à un certain moment. Le Covid était là et\nla période était plutôt compliquée. Et vous savez, c’est un métier que d’écrire\ndes comics !

Pensez-vous que votre expérience\ndans l’animation a été une raison pour lesquelles ils vous ont choisi ?\nIls vous pensaient peut-être plus à l’aise pour lire un script de film…

Oh je n’y avais jamais pensé…\nPeut-être oui… J.J. et Henry parlaient souvent de « séquences », comme\ndans les films ! Ils me demandaient par exemple « Est-ce que l’on\npourrait avoir plus de séquences comiques dans cette scène etc. ». Je leur\nrépondais oui, mais ils devaient me faire confiance !

Cela fait plus de quinze ans\nque vous travaillez dans l’industrie du comics et chez Marvel, n’êtes vous pas\ntrop fatiguée des deadlines pour les titres mensuels ?

Complètement oui ! Je suis\ntrès fatiguée car je travaille beaucoup pour respecter les deadlines, souvent\nau détriment de ma vie privée. J’ai dû ralentir le rythme récemment mais si\nvous travaillez plus lentement, vous n’êtes plus assignée sur des projets\nimportants… Mais cela me convient : je veux simplement dessiner, explorer\nmon art et m’amuser dans ce que je fais. Quand je serais prête, si je le suis\nde nouveau jour, vous me retrouverez sur des albums un peu plus importants.

Vous avez mentionné votre\ncontrat d’exclusivité avec Marvel, et je me demandais justement pourquoi vous\nne travailliez pas sur autre chose... je ne parle pas de DC mais bien de\ncreator-owned.

Je peux travailler en\ncreator-owned, ce n’est pas un problème pour Marvel. Quand vous signez\nun contrat chez une des grandes maisons, vous ne pouvez pas travailler avec l'autre. Je peux en revanche travailler chez Image qui publie des œuvres en\ncreator-owned. Il faudrait que je sois plus organisée car cela demande du temps\net j’ai déjà beaucoup à faire en ce moment ! J’adorerais par exemple faire\nquelque chose pour le marché européen comme un roman graphique… Quelque chose à\nl’opposé des super-héros !

Mirka Andolfo travaille\nbeaucoup avec Glénat par exemple et je pourrais tout à fait vous voir\ntravailler avec eux.

Ce serait très chouette en effet car\nj’adore le lectorat français ! Un jour peut-être…

Nous en reparlerons peut-être\nà l’avenir et nous continuerons à suivre votre travail. Merci beaucoup de votre temps Sara.

Merci à vous !

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Dans les allées du récent Lake Como Comic Art Festival où nous avons eu le plaisir de pouvoir nous rendre le mois dernier, ce n'est pas seulement John Romita Jr. avec qui nous avons réussi à obtenir une interview. Un autre dessinateur célébrissime était présent, et parmi lesquels il est difficile généralement de l'avoir lors de ses venues rapides en France : ni plus ni moins que l'immense Bill Sienkiewicz. En clotûre du festival, alors que l'artiste commençait à ranger ses affaires après deux journées très occupées, et qu'il avait déjà une coupe de champagne pour savourer un peu de repos, il a eu l'extrême bonté de nous accorder une vingtaine de minutes pour une interview improvisée. L'occasion de revenir dans le temps imparti sur la façon de travailler du bonhomme, ses envies actuelles, mais aussi ses propos récents tenus publiquement au sujet de l'IA générative.

Une interview rare dans le paysage francophone et si vous avez à coeur de soutenir le travail que nous fournissons, vous pouvez le faire savoir en soutenant le média, en partageant l'article et en en parlant autour de vous. Si vous préférez l'audio et n'avez pas peur de l'anglais, l'interview peut aussi être écoutée au format podcast via First Print - attention toutefois aux bruits alentours, les conditions d'enregistrement ayant été particulières.

AK : Bonjour Bill Sienkiewicz ! C'est un plaisir de vous avoir avec nous.

BS : Merci, bonjour.

AK : Pour ouvrir cette (courte) conversation : je sais que l'on a souvent tendance à dire que vous avez révolutionné le dessin de comics en incorporant toute une variété de techniques qui n'étaient pas forcément répandues à l'époque. Etait-ce un choix conscient de votre part pour vous démarquer de ce qui se faisait à ce moment là ?

BS : Non, je ne m'intéressais pas vraiment à ce que faisaient les autres à cette période. Enfin, quand je dis ça : oui, bien sûr, je remarquais bien que certaines méthodes, certains matériaux, certaines approches n'étaient pas encore développées. Mais ce n'était pas pour dire que, dans ce cas, moi, j'allais essayer. Mon style s'est plutôt développé sur la base de mes études et des choses qui m'intéressaient, de ce que je voulais proposer moi. Dans cette envie de proposer de nouvelles façons d'aborder la narration par le dessin, ou d'imaginer des solutions picturales pour certains problèmes. Toutes les méthodes que je pouvais utiliser pour convier ce sentiment, ça s'est fait comme ça.

C'est un peu cette poule qui a accouché de cet oeuf : je ne voulais pas spécialement me démarquer en faisant ce que personne n'avait fait avant... mais plutôt, trouver la route sur laquelle j'allais m'orienter réellement. Et si j'étais capable de me faire confiance et de suivre mon instinct pour aller dans cette direction, c'était le plus important. Le boulot, l'histoire, c'est toujours de ça dont il s'agit, pas spécialement la technique.

AK : Avez-vous trouvé une façon d'expliquer comment votre cerveau appréhende ce genre de démarche artistique, lorsque vous avez prévu de travailler sur une planche, une couverture... ? Ou est-ce que c'est quelque chose qui arrive naturellement, sans y penser ?

BS : Non, en réalité j'y réfléchis constamment. Plus que je ne le devrais, d'ailleurs. Je ne l'exprime pas forcément comme un dialogue intérieur, mais je sais que je dois passer par cette période de réflexion émotionnelle lorsque je développe un projet. L'excitation, puis le doute, puis l'anxiété. Et lorsque ces émotions arrivent, par vagues de différentes intensités, je me rends compte que j'ai besoin d'opter pour un angle plus analytique. J'essaye de faire plus attention à ce que je ressens. Parce que... mon objectif principal reste de ne pas rester en travers de ma propre route. Je ne veux pas faire partie de cette équation, ne pas me retrouver moi-même dans la création proprement dite. Enfin, c'est bien moi qui dessine, mais j'ai envie d'être un passager au sein de ce voyage autant qu'un conducteur.

Ce qui veut dire que je dois être capable de diminuer... l'évidence, la preuve tangible de ma propre participation. J'ai besoin de devenir le véhicule qui va transporter cette idée qui existe en dehors de ma tête depuis le début. Cette idée qui m'est juste tombée dessus, et qui va devenir ma responsabilité, comme si c'était mon rôle de colporter la nouvelle jusqu'aux yeux du public. Je ne veux pas enjamber le concept en présentant le projet comme... \"le truc de Bill Sienkiewicz\". Comme si Bill Sienkiewicz était une sorte d'entité. Dans ces moments là, je veux juste être le gars qui tient le pinceau. Le véhicule au service de l'idée. Et c'est pour ça que c'est ma responsabilité de produire le meilleur travail possible. Parce que si l'idée est bonne, je ne veux pas la gâcher, la gaspiller, et donc ça me met une certaine pression sur les épaules.

$\"images/editeur/Arno/Juin$

AK : Mais vous avez tout de même conscience d'avoir laissé un héritage tangible, et plutôt conséquent, au sein de l'industrie ? Souvent, on remarque des artistes qui \"font\" du Bill Sienkiwicz, qui s'inspirent de vos méthodes. Est-ce que c'est quelque chose qui provoque une certaine fierté chez vous ?

BS : Et bien, je dirais que je suis généralement assez fier, ou plutôt assez touché, lorsque je vois que certaines personnes ressentent cette envie. Mais pour moi, ça n'a jamais été l'objectif moteur.

AK : C'est juste arrivé comme ça.

BS : C'est juste arrivé comme ça. Et en partie à cause de ma propre impatience, de ma propre frustration, ou de ma propre envie de pousser l'art visuel sur un plan purement créatif. Mais je n'ai jamais recherché... ce genre de gloire, ce genre de statut. Même si c'est quelque chose d'agréable, l'important reste, encore une fois, le travail en lui-même. Et même si je suis touché et honoré de ça, c'est plutôt le travail des gens qui reproduisent le fait de pousser de nouvelles techniques, de s'appliquer dans leur travail, qui m'intéresse personnellement. C'est ça qui me parle davantage. Voir d'autres dessinateurs vouloir aller plus loin dans leur propre petite enclave, chercher à produire leur propre petite secousse sismique au sein de leurs propres méthodes de travail. Parce que je pense que ce que l'on fait tourne souvent autour de cette idée de l'évolution. En tant qu'artistes et en tant qu'êtres humains.

Donc quand je vois des gens qui réalisent de véritables bonds en avant au sein de ce médium, sans avoir besoin de savoir que leur travail ressemble au mien, j'ai l'impression que ça fait du bien à toute la discipline en règle générale.

AK : On vous a aussi vu dans d'autres domaines : des posters, des couvertures d'albums, comme avec Kid Cudi. Pourtant, vous revenez toujours vers les comics. Pourquoi avoir toujours cherché cet éternel retour à la maison ?

BS : Pour moi, les comics sont un support parfait pour raconter des histoires. Même si j'ai effectivement travaillé pour le cinéma, ou ailleurs... Les comics font partie de moi. Je me sens bien plus à ma place dans cette industrie : une seule personne, moi en l'occurrence, capable de sortir le crayon et des encres, et raconter une histoire. Ca me semble beaucoup plus simple, plus basique. Pas de commité décisionnel, de gens qui se hurlent dessus pour imposer des directives, pas de hiérarchie compliquée. Oui, il existe les éditeurs, il existe une hiérarchie, une chaîne de commandement. Mais beaucoup moins que dans le cas du cinéma, par exemple. Ce monde là est un univers peuplé de commités qui décident à la place des artistes. J'ai eu ma propre expérience dans ce secteur, et je peux vous dire que ça n'a trouvé aucun intérêt à mes yeux.

AK : Vous parlez de cinéma, et récemment, justement, le réalisateur David Lynch nous a quittés cette année. On sait que vous étiez un grand fan de son travail, est-ce que vous pourriez nous expliquer comment cette filmographie particulière a eu une influence sur vous ?

BS : Mh. J'adorais David. Ce qu'il faisait dans ses films... c'était de l'ordre de l'indescriptible. Il parvenait à insérer des éléments que l'on ne pouvait pas expliquer avec de simples mots. Son travail était capable de provoquer une réponse émotionnelle et psychologique qui sonnait vraie, sans avoir besoin d'être formulée comme un message que l'on cherche absolument à faire rentrer de force dans la tête du spectateur. C'était un artiste abstrait, qui travaillant sur le subconscient. Dans l'émotionnel, mais jamais réellement prévisible. Et j'adorais ça chez lui. Pour tout un tas de raisons, c'était un réalisateur extrêmement honnête. Il ne manipulait le public que lorsqu'il faisait instiller l'idée... de confusion par endroits, d'excitation par d'autres. La façon dont il était capable de juxtaposer les dialogues et les images... le relationnel entre ces deux éléments accouchait d'une sorte de troisième entité autonome.

C'est aussi quelque chose que j'essaye de faire dans le monde des comics. Le scénario, le dessin... une fois que ces deux choses se combinent, vont parfois être capables de créer... le \"comics\". Ou l'histoire narrée en elle-même. Cette relation de collaboration est assez magnifique.

AK : On a pu voir récemment sur les réseaux, particulièrement agressif sur le sujet de l'utilisation de l'IA générative dans le milieu du dessin. D'autres en parlent plutôt comme d'un outil, mais...

BS : Je pense que c'est un outil en effet. Et c'est aussi ma responsabilté personnelle de... déjà, de rester curieux et ouvert en général. J'ai toujours envie d'utiliser les nouveaux outils qui apparaissent, s'ils permettent de produire une gamme artistique plus ample dans ce que l'on peut exprimer. J'ai donc mené mon enquête sur l'intelligence artificielle générative. Comme Dall-E ou Midjourney. Comme pour m'infiltrer dans le camp de l'ennemi et étudier son arsenal, en quelque sorte. Mais je dois aussi accepter l'idée que l'IA va rester pour s'installer, qu'on ne va pas pouvoir s'en débarrasser. Et dans un sens, je ne pense pas avoir de problème fondamental avec cette technologie sur le papier... sinon le fait que ses industriels se comportent comme des rapaces, en allant voler le travail des artistes sans aucune rétribution.

Ce qui m'évoque surtout l'idée d'une nouvelle strate d'inégalité du côté des corporatistes. Le genre de choses qui ont tendance à m'écoeurer, dans cette longue listes des comportements mis en place par les corporations depuis que... depuis que les corporations existent, en réalité. J'aurais donc envie de comprendre les possibilités de l'outil. Par exemple, il existe des IAs qui vont servir pour la recherche ou les traitements médicaux...

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— Bill Sienkiewicz (@sinKEVitch) February 3, 2023

AK : Mais ces disciplines ne comprennent pas de processus artistique.

BS : Non, effectivement. Et je n'ai toujours pas l'impression que l'art généré par \"prompt\" soit encore particulièrement artistique. Au contraire, j'aurais plutôt l'impression que la technologie se cannibalise elle-même, plus qu'autre chose. Parce que l'IA est, au départ, entraînée sur des bases de données que l'on vole aux artistes. Mais aujourd'hui ? Il existe suffisamment d'images générées artificiellement pour que la technologie s'entraîne toute seule au point de tourner à vide. Comme un serpent qui se mange la queue. Qui se dévorerait vivant. Je crois même que Dave McKean s'était documenté sur le sujet récemment, à l'occasion d'un ouvrage (ndlr : avec l'ouvrage Prompt, informations ici). Et il a mis le doigt sur certaines choses plutôt intéressantes, des idées que je pourrais envisager d'utiliser personnellement. Pour explorer les possibilités alternatives de directions potentielles.

Je pense que la responsabilité actuelle de l'artiste serait justement de prendre ces outils, de considérer qu'il existe une production autour de cette technologie, et de pouvoir en faire quelque chose qui serait plus intéressant que ce l'on en fait actuellement. Utiliser cet outil - parce que si c'est effectivement un outil, on ne doit pas considérer que cet outil se suffit à lui-même. Il faut pouvoir ramener l'élément humain dans l'équation. Si je travaille sur un dessin qui a été généré, je dois être capable de refuser le résultat final. De le transformer, de me pencher dessus et de me dire... comment voir plus loin que la simple réponse algorithmique, comment transformer ceci en une oeuvre destinée aux êtres humains ? En somme, ramener l'artistique, le créatif, dans le résultat final. Parce que c'est là que toute la différence se joue selon moi. Personnellement, je pense avoir la chance de l'expérience, de l'émotivité, et de la conscience individuelle, et ce sont ces éléments que l'on peut apporter dans l'élément IA. Parce que l'IA elle-même ne sera jamais consciente. Elle ne sera jamais douée de raison.

Son processus repose sur les mathématiques, pour ce qui existe actuellement. Les connexions synaptiques et émotionnelles sont exclues du processus de l'outil, le souvenir, le traumatisme, la plénitude, la sensation du mystère ou l'agglomération d'une expérience de vie, tous ces éléments ne peuvent pas être quantifiés et traduits dans le sens du numérique. L'abstraction, en définitive. Voilà ce que l'humain doit pouvoir ramener dans cette expérience.

AK : Concernant votre carrière actuelle, on vous a surtout retrouvé sur des couvertures ces dernières années. Est-ce que vous auriez tout de même encore envie de dessiner sur des intérieurs pour des projets personnels ? Sans forcément la pression des délais ou des contraintes de commités.

BS : C'est un peu là où je me trouve actuellement. Le gros des commandes que j'accepte me permet aussi de faire la publicité de mon style, mettons, surtout pour les nouveaux lecteurs qui seraient arrivés entre temps. Parce que vous savez, les choses évoluent tellement vite. Les gens peuvent vous oublier rapidement, vous pouvez vite disparaître de la conscience collective.

AK : Vous pensez réellement que ce serait le cas pour vous ?

BS : Plus rien ne me surprendrait aujourd'hui. Et ce n'est pas qu'une question d'ego, je pense réellement que le principe de longévité n'existe plus, que tout se joue sur les derniers projets que vous venez de faire. Mais ce n'est même pas tellement mon problème - je n'ai pas besoin de rentrer dans les livres d'histoire. En revanche, j'ai effectivement besoin d'être assez connu pour qu'on me laisse raconter de nouvelles histoires. Compter suffisamment pour être sûr de pouvoir faire le projet suivant. Le fait d'écrire et de dessiner un nouvel album complet... c'est quelque chose qui m'intrigue actuellement.

En réalité, pendant un long moment, je n'y pensais plus vraiment. Parce que, lorsque j'en viens à monter mon propre comics en solitaire, il m'arrive de tomber dans un abyme assez profond, le genre d'expérience qui peut me prendre une certaine quantité de resources et d'énergie. Si je dessine pour le script de quelqu'un d'autre, je peux rester à distance, en quelque sorte. Mais lorsque je dois raconter toute une histoire en solitaire, je suis obligée de la vivre à 100%.

AK : Toujours en solitaire.

BS : Voilà, et c'est à la fois un sentiment merveilleux, l'une des meilleures choses que l'on peut ressentir, mais aussi une expérience qui peut s'avérer effrayante. Parce que beaucoup des émotions que l'on ressent fonctionnent comme un terrain inexploré. C'est aussi pour ça que je pense que ce sont mes projets les plus honnêtes. Parce que c'est dans ces moments que j'affronte certains de mes démons personnels, si vous voyez ce que je veux dire. Donc je me concentre sur d'autres projets en ce moment. Par exemple, l'adaptation d'un roman que j'aime beaucoup, de la part d'un écrivain que j'adore. Je ne peux pas encore en parler pour le moment évidemment. Mais pour l'heure, les choses ont plutôt l'air de bien se présenter sur ce front, donc je vais sans doute pouvoir adapter... le roman d'un auteur très connu. Et je suis assez enthousiaste à cette idée. L'auteur en question n'est plus des nôtres au passage, mais sa bibliographie a déjà été adaptée au cinéma par le passé. Et sur d'autres supports.

La possibilité d'avancer vers cette aventure m'enthousiasme, me motive. Et d'une manière générale, les projets qui m'intéressent le plus actuellement se situent sur le marché indépendant. Travailler avec Kelly Sue DeConnick sur Parisian White par exemple, un comics que l'on espère pouvoir monter...

$\"images/editeur/Arno/Juin$

AK : Oui, c'est vrai. L'annonce était tombée en 2022.

BS : Oui, et le fait est que nous sommes tous les deux très occupés avec nos projets individuels, donc... On s'en est reparlé il y a quelques semaines d'ailleurs, et je lui ai bien fait comprendre que j'avais très envie d'avancer là-dessus. Je lui ai dit que c'était ok pour moi si elle voulait revoir le script, mais que de mon côté, j'allais me mettre au travail sur ce qu'on s'était dit au départ. Pour que l'idée reste en vive, que ça ne devienne pas un hiatus, que le comics se fasse réellement. Donc voilà.

AK : Et reste-t-il des choses que vous n'auriez pas encore envisagées et que vous aimeriez faire ?

BS : Mh, oui, certainement. J'aurais du mal à vous citer un exemple de tête. Parce que, peu importe ce que je vais faire ensuite... en fait, le problème, c'est que je n'ai pas de liste dans le style \"hey, je n'ai pas encore dessiné tel personnage, j'aimerais bien dessiner tel personnage.\" Je sais que je n'ai jamais encore produit de western, par exemple. Et j'aimerais bien faire un western. A l'époque de Stray Toasters, je m'étais amusé à tenter plusieurs approches différentes. Et aujourd'hui, avec Parisian White, j'en viens plutôt à me demander comment l'histoire aimerait qu'on la raconte. Pour moi, c'est là que l'aspect le plus intrigant du travail commence. (ndlr : quelqu'un interrompt Bill Sienkiewicz pour récupérer des affaires sur son stand). Où en étais-je ? Je me suis perdu.

AK : Vous parliez de ce que vous n'aviez pas encore fait jusqu'ici, comme un western..

BS : Ah oui. Et donc dans l'idée d'étudier le rapport de l'histoire au style, je pensais partir sur quelque chose de plus réaliste, plus ancrée dans le réel. Mais dans le même temps, pour cette histoire, j'ai comme l'impression que le script m'orienterait plutôt vers quelque chose de plus proche d'un dessin animé. Donc finalement, ce que j'aimerais vraiment faire, c'est de ne pas me mettre en travers de la route. J'aimerais que le dessin lui-même me dise ce dont il a envie. Une façon pour moi d'être plus... \"utile\" à l'expérience graphique, en décidant de me retirer complètement, moi, Bill Sienkiewicz, l'être humain, pour que mon travail se résume simplement à cette envie de n'être que le peintre armé du pinceau. Et rien d'autre. Je veux déconnecter ma présence, mon identité personnelle, de l'approche créative. Je ne sais pas si ce que je dis est compréhensible.

AK : Vous voulez vous mettre au service de l'art.

BS : Exactement, au service de l'art. Parce que j'ai le sentiment que c'est ça, le vrai travail. De m'extraire de cette équation.

AK : Merci beaucoup Bill Sienkiewicz !

BS : Merci à vous !

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C'était déjà il y a un mois que se tenait l'édition 2025 du prestigieux Lake Como Comic Art Festival, que nous vous avions présenté avec l'interview de l'un de ses fondateurs, Arno Lapeyre. Nous avons eu la chance de nous y rendre (et un compte-rendu plus long est en préparation), et notamment de réaliser quelques courtes interviews, réalisables grâce aux conditions exceptionnelles de disponibilité des artistes - et le cadre plus détendu du festival. Exemple concret avec John Romita Jr. La venue du dessinateur en France (comme au dernier FIBD) est toujours exceptionnelle et source de multiples sollicitations, si bien que même demander une interview peut relever du parcours du combattant.

Au LCCAF, John Romita Jr. était assis à sa table dans un rare moment de disponibilité où ses fans n'étaient pas en train de se faire dédicacer quoique ce soit. C'est donc en toute simplicité que nous avons pu lui demander s'il avait un peu de temps pour répondre à quelques questions, dans un format d'interview court, mais qui n'en reste pas (à notre humble avis) inintéressant, d'autant plus que l'artiste a visiblement apprécié ce que nous avons fait du peu de temps qui nous était imparti. Nous avons donc le plaisir de vous retranscrire cette interview, que vous pouvez aussi écouter à l'audio via le podcast First Print.

Remerciements spéciaux à Arno Lapeyre et Steven Morger.

AK : C'est un plaisir de vous avoir avec nous John Romita Jr. ! Pour entamer cette conversation, j'aurais envie de vous demandez : vous dessiniez déjà dans les années quatre-vingt, vous dessinez encore dans les années deux mille vingt. Qu'est-ce qui vous motive encore, qu'est-ce qui vous permet de garder cette énergie, cette envie de poursuivre le travail dans les comics de super-héros ?

JR : C'est une question simple mais la réponse est un peu plus compliquée. J'adore ce que je fais. J'aime le fait d'être devenu dessinateur. Le personnage de Spider-Man, par exemple, m'est devenu extrêmement familier. J'ai l'impression de pouvoir contrôler ce que je fais avec lui. Mais c'est aussi un héros qui me tient à coeur... à cause de mon père. C'est un peu ça qui compte. Le personnage m'a toujours évoqué la présence de mon père. Je sais que je le connais suffisamment bien maintenant, à tel point que... ce n'est pas que c'est devenu \"facile\", mais j'ai suffisamment d'aisance avec lui pour contrôler davantage ce que je produis dessus. C'est un peu la même chose avec Daredevil. Je l'adore. D'ailleurs, je pense que je préfère dessiner Daredevil plutôt que Spider-Man. C'est ça qui me plaît. Je pense que Man Without Fear, notre comics avec Frank Miller, reste mon meilleur travail.

Ceci étant, le numéro sur lequel j'avais travaillé pour le 11 septembre [Amazing Spider-Man (1999) #36], je peux aussi dire que c'est peut-être ce dont je suis le plus fier. Compte tenu de toute la souffrance et des événements qui avaient entouré cette sortie... mais Spider-Man, c'est comme un frère pour moi. Comme un membre de ma famille. Il me fait penser à mon père, c'est pour ça qu'il est important pour moi.

AK : Est-ce que ça a été le même sentiment à chaque fois que vous avez repris le personnage ? Est-ce que c'était comme retrouver un ami à chaque fois, ou est-ce que c'était différent en fonction des scénaristes avec qui vous étiez pour chaque volume ?

JR : C'est encore une excellente question ! Les histoires, le style, c'est quelque chose qui change avec chaque nouveau scénariste. Et c'est un challenge à chaque fois, parce que tous les auteurs veulent trouver une nouvelle approche originale. C'est aussi mon cas d'ailleurs. Mais le fait d'avoir quitté Marvel et d'être revenu ensuite... moi ce que je voulais, c'était retrouver Spider-Man. Encore une fois, parce qu'on est de la même famille.

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AK : Comment pensez-vous que l'industrie a évolué depuis le début de votre carrière ? Même si vous êtes restés un dessinateur vedette de votre côté, vous avez peut-être remarqué que certaines choses ont évolué depuis votre retour ?

JR : Je pense que mon style a un peu changé, déjà. Je me suis amélioré, à force de pratique et d'entraînement. Je pense que mon dessin s'est amélioré. Et du côté de l'industrie, ce qui a changé, c'est surtout que tout est question de \"contenu\" aujourd'hui plutôt que d'imagerie ou de dessin. Je disais ça l'autre jour : tous les comics ont l'air d'avoir été pensés comme des storyboards de cinéma aujourd'hui. On a même l'impression que c'est quelque chose qui trotte dans la tête du scénariste et du dessinateur. Je pense que le lecteur a peut-être besoin de plus de \"contenu\" finalement, plutôt qu'une simple pin-up en gros sur la page. A mon sens c'est une amélioration... mais ça rend le travail plus difficile parce que c'est une approche plus complexe.

AK : Ce n'est jamais quelque chose que vous avez à l'esprit ? Une scène de film que vous voudriez reproduire ?

JR : C'est toujours présent dans mon esprit au contraire. Je pense que si j'étais beaucoup plus jeune (ou simplement : plus jeune), j'aurais envie d'essayer de réaliser un film. Parce que je pense que tous les dessinateurs sont des réalisateurs, en quelque sorte. C'est ce que l'on fait tous les jours : de l'action en image par image, comme du cinéma.

AK : J'ai aussi l'impression que vous avez conservé cette approche plus traditionnelle du découpage des cases. On ne vous voit pas souvent casser les structures classiques. Est-ce simplement parce que vous êtes encore satisfaits de cette méthode ?

JR : Encore une excellente question ! La vérité, c'est que je n'ai pas envie que la forme des cases importe pour le lecteur. Je veux surtout qu'il remarque le contenu de mes cases. C'est pour ça que je ne pense pas qu'un design \"agressif\" sur l'emplacement des cases soit réellement si important. Ce qui compte, c'est le dessin dans les cases. Mais c'est un bon point que soulevez, merci. Excellente question.

AK : C'est le boulot haha.

JR : Mais j'apprécie que vous remarquiez ce genre de choses. Parce que c'est important pour moi : la narration, je pense, c'est la part la plus importante de chaque projet.

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AK : Et vous n'êtes jamais entré en conflit avec un scénariste sur ce sujet ? Est-ce qu'on a déjà essayé de vous imposer des choses de ce point de vue, une cadence, une façon de faire qui ne vous correspondait pas ? Ou est-ce que c'est à eux de s'adapter ?

JR : Oui, c'est exact. Lorsque quelqu'un veut travailler avec moi, souvent, il va me dire : \"je sais que tu sais composer une histoire. Alors, n'hésite pas à improviser, à mettre ce que tu veux, tu n'as pas besoin de te sentir limité par le script.\" Généralement, je préfère quand on me donne le moins d'indications possible. Qu'on me laisse dessiner, composer l'histoire comme je l'entends, et qu'ensuite, le scénariste ajoute les dialogues, en accord avec les dessins. Et aussi, je suis beaucoup plus vieux que la plupart des scénaristes avec qui je travaille. Donc j'ai davantage d'expérience dans la narration. Et ils me laissent souvent cette lattitude de pouvoir rythmer les histoires de la façon qui me plaît. Du moment que je n'enlève rien dans les qualités de l'histoire... moi, j'aime bien ajouter au contraire, pour que le rythme soit plus confortable. Et je leur en parle. Comme ça, ils peuvent ajouter du dialogue au besoin. Et je n'enlève rien, jamais. Je change des choses, mais rien qui ne risquerait d'énerver un scénariste. D'un point de vue éditorial, ça reste toujours \"leur\" histoire.

AK : Vous avez beaucoup d'expérience, en effet, et pourtant, vous continuez à travailler sur des séries régulières. Or, on connaît les délais, le rythme imposé sur ce genre de formats, l'énergie que ça demande. Pourquoi avez-vous fait ce choix de poursuivre sur une cadence mensuelle après toutes ces années ?

JR : Oh. Et bien, encore une fois, j'aime être dessinateur. Et c'est un peu comme ce rapport au cinéma : j'aime l'industrie qui va avec, malgré le poids du temps. Mais je ne saurais pas quoi faire d'autre. Je ne sais pas chanter, je ne sais pas danser... mais je suis fier d'être un artiste, et j'aime toujours ce travail.

AK : Laissez moi reformuler la question : vous pourriez simplement vivre en tant qu'artiste de couverture. Marvel continuerait à vous acheter des couvertures, et vous n'auriez pas la même quantité de travail. Mais vous faites le choix de continuer à dessiner sur les intérieurs.

JR : Je ne suis plus très loin de la fin de ma carrière. Ou sous cette forme. Les dates butoir... comment ça se dit ? Les délais de publication, oui, c'est devenu difficile pour moi. Et un jour je vais arrêter, oui. Au moins de dessiner en mensuel. Mais j'aime toujours dessiner. Peut-être que je ferai des projets un peu plus rares, un peu plus spéciaux ou des couvertures... vous avez discuté avec ma femme ? C'est fou, nous parlions exactement de ça. Elle me dit \"fais des couvertures, fais des conventions.\" Mais j'aime encore l'art de la narration... Pour l'avenir, je pense aussi aux créations originales. Mais pour ce qui concerne les séries régulières... vous savez, d'ici l'année prochaine, j'aurai 70 ans. Je n'en reviens toujours pas. Ca fait cinquante ans que je suis dans cette industrie. Et peut-être qu'il est temps de tourner cette page du format mensuel et de migrer vers des projets plus occasionnels.

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AK : Et en parlant de ça, on sait que l'année 2025 sera importante de votre point de vue. Vous avez un projet avec Mark Millar (ndlr : l'entrevue a été enregistrée avant l'annonce officielle du comics Psychic Sam, actuellement en cours de financement sur la plateforme Kickstarter). Qu'est-ce que vous pouvez nous dire sur ce sujet ?

JR : Travailler avec Mark est toujours un plaisir. C'est quelqu'un de très honnête par rapport à ce qu'il propose... et quelqu'un de brillant quand il écrit. Il a de superbes idées. Et un peu comme Frank Miller (même si leurs noms de famille ne s'écrivent pas pareil), ce sont des scénaristes qui me donnent très peu d'indications, mais qui attendent beaucoup de ma part. Et c'est ça que j'adore ! Mark m'a proposé cette idée et nous l'avons développée ensemble. Designs de personnages, décors... et le truc génial avec ce nouveau projet c'est que... attendez, je ne devrais peut-être pas vous parler de ça. Disons qu'il m'a laissé une grande latitude au moment de créer le personnage principal. Et sur la narration, c'est un peu la même chose. Il m'a laissé faire ce que je voulais du point de vue du design et du rythme. En fait c'est exactment comme Frank Miller. L'idée de Mark est tellement géniale que c'est déjà comme un film. Et c'est comme ça que je l'ai traitée. J'ai terminé le premier numéro, il durera 52 pages. J'aurais pu en produire 500 tant l'expérience était agréable. Il me reste encore deux numéros, donc j'ai un peu de travail. Mais les idées de Mark sont faites pour le cinéma. Ce n'est pas un artiste, évidemment, mais il a un regard exceptionnel pour les visuels.

Frank Miller est similaire. Neil Gaiman est similaire. Lorsque l'on travaille ensemble, ils peuvent tout de suite visualiser le résultat. Et lorsqu'ils attendent quelque chose de moi, ils ne me posent aucune exigence, ils se contentent de me suggérer des idées.

AK : Et il y a aussi cet autre projet avec Curt Pires chez DSTLRY. Encore une fois, est-ce que vous pouvez nous en parler ?

JR : Je ne peux pas vraiment vous en parler malheureusement ! Et j'ai encore énormément de travail qui m'attend sur ce projet en réalité. C'est une idée géniale, une histoire sur un personnage sino-américain. Mais je dois faire très attention, il ne faut pas que j'en dise trop... l'intrigue se déroule à New York encore une fois, et c'est aussi quelque chose que j'aime beaucoup. Je connais la ville, je peux représenter les décors sur un plan très réaliste, parce que New York, ça reste chez moi. C'est là que je suis né, c'est là que j'ai grandi. Et c'est un peu le point commun de mes projets du moment : des personnages basés dans une certaine réalité, et dans lesquels on insère de petits éléments de fantastique. J'aime ça !

AK : Et en parlant de ces deux projets, est-ce que ce sont les scénaristes qui vous ont approché, ou bien avez-vous envisagé vous-même de migrer vers le marché indépendant ? Comme vous l'avez dit vous même, vous n'êtes plus très loin de la retraite. Comment est-ce que l'on choisit ces projets dans ce genre de période temporelle ?

JR : Haha. C'est surtout que la quantité de choses que je peux faire en une année est forcément limitée. Et c'est pour ça qu'il faudra bien que j'arrête Amazing Spider-Man au bout d'un moment. Probablement dans un an. Parce que j'apprécie ces projets plus originaux, et qui ont aussi une chance d'être adaptés pour le cinéma. C'est probablement la première fois que j'en parle à quelqu'un mais : le fait de voir l'un de mes projets développés pour le cinéma, c'est ça qui m'intéresse actuellement, parce que j'ai envie de faire partie de ce processus. Alors que pour Spider-Man... je pense en avoir fait suffisamment. Donc d'ici un an, un an et demi... et encore, je pourrai toujours faire un projet occasionnel par ci par là.

AK : C'était ma dernière question : en dehors de la série régulière, peut-être que vous auriez envie de faire... enfin, pas un Spider-Man en creator-owned évidemment mais...

JR : Je vois ce que vous voulez dire. Mais ça ne fonctionnerait pas malheureusement, parce que Marvel ne m'autoriserait jamais un Spider-Man en creator-owned. En revanche, peut-être qu'ils accepteraient de publier l'une de mes créations originales (en creator-owned). Ce serait sans doute difficile mais... quand je parle de projets spéciaux, je pense plutôt à de petites histoires de trois numéros. Une par an, par exemple. Ca dépend de ce qu'ils seraient prêts à accepter. Le fait est que les créations originales font partie des choses qui m'importent particulièrement en ce moment, et c'est donc vers là que j'ai envie de me diriger.

AK : Et s'ils vous laissent carte blanche ? S'ils vous laissent choisir le personnage que vous voulez, qu'ils vous laissent écrire l'histoire, sans délais particuliers, comme une sorte de dernier baroud d'honneur de la part de John Romita Jr. chez Marvel, c'est quelque chose qui vous intéresserait ?

JR (qui réfléchit) : Oui. Ca m'intéresserait. Et pour ce qui concerne le choix du personnage... ce serait un héros que j'ai déjà pratiqué ou un autre que je n'ai pas encore eu entre les mains ?

AK : Comme vous voulez.

JR : Alors j'aimerais faire une dernière histoire de Daredevil avec Frank Miller. J'aimerais vraiment. Et sinon, j'aimerais aussi travailler sur le Silver Surfer pour utiliser une idée que j'ai en tête depuis longtemps. Mais je ne sais pas avec qui je pourrais faire ça. Neil Gaiman [ndlr : on sait pas s'il est au courant...], Frank Miller ou Mark Millar. Parce que j'ai cette idée pour le Silver Surfer (et je pense que c'est l'un des meilleurs personnages de toute l'histoire des comics). Et réponse alternative : retrouver Reginald Hudlin pour du Black Panther. [ndlr : excellente idée] Parce que j'ai adoré travailler avec lui sur ce personnage, l'expérience était formidable. Donc voilà. Et ce ne serait pas forcément \"un dernier baroud d'honneur\". Mais plutôt, encore une fois, un nouveau projet spécial avec Marvel.

AK : Merci beaucoup pour vos réponses John !

JR : Excellentes questions ! Excellentes questions ! Formidable.

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Une nouvelle entrée dans le feuilleton de production de Black Panther 3, le film de Marvel Studios qui a la particularité d'être un sujet bien réel chez l'entité américaine, même s'il n'a toujours pas été annoncé officiellement. Et ce n'est peut-être pas sans raison, comme en attestent les dernières déclarations de son réalisateur, Ryan Coogler, qui a dévoilé l'horizon de sortie du projet.

All-New Black Panther ?

C'est dans un long papier consacré à Ryan Coogler du New York Times qu'a en effet été annoncée la fenêtre de sortie pour le film Black Panther 3, sur lequel le réalisateur dit désormais se concentrer principalement dessus. L'année en question est 2028 (vous l'aviez dans le titre), ce qui laisse la possibilité la plus évidente sur le 18 février 2028 pour la sortie américaine - le mois de février étant là-bas le Black History Month, et qu'une telle sortie marquera... tout simplement le dixième anniversaire du premier film, qui avait été un succès historique pour le studio. Symbolique d'autant plus importante puisque la vedette de la licence, Chadwick Boseman, a été arrachée à ses fans avant même d'avoir pu tourner un second opus.

Là où les choses sont aussi intéressantes, c'est qu'avec cette fenêtre de sortie, Black Panther 3 sera le premier film après Avengers : Secret Wars, que beaucoup évaluent comme une façon pour Marvel Studios de procéder à une forme de reboot de son univers - choses encore tout à fait à l'état de pure hypothèse pour le moment. Mais partant de là, il est possible d'imaginer que plutôt que de s'appeler Black Panther 3, le troisième volet de Black Panther de Ryan Coogler soit en fait une forme de reboot des aventures du héros. Là encore, tout reste hypothétique. Il serait bienvenu que Marvel Studios finisse par communiquer sur le projet. Ce, quelle que soit sa date de sortie.

Source

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Les techniques de marketing pour l'industrie du cinéma et des films de super-héros sont bien rodées. En l'occurence, des films de super-héroïnes puisqu'il est question aujourd'hui de Supergirl. La mise en ligne d'une prochaine bande-annonce (ou teaser trailer dans le jargon usuel) a été confirmée par DC Studios pour ce jeudi 11 décembre 2025. Afin de faire patienter les fans, un nouveau poster du film de Craig Gillespie a été mise en ligne. Ambiance nonchalante pour la dernière survivante de Krypton.

Whatever

C'est l'actrice Milly Alcock qui se chargera d'incarner la nouvelle version de Kara Zor-El sur grand écran, plus de quarante ans après la première version qu'en avait faite Helen Slater. Dans le prochain film de DC Studios, deuxième pierre d'une \"Superman Saga\" dirigée par James Gunn (qui s'occupe d'une trame principale avec Superman et sa suite, Man of Tomorrow), Supergirl devra venir en aide à une jeune paysanne d'une autre planète, Ruthye, dont le père a été assassiné par le vil Krem des Collines Jaunes. L'intrigue est directement inspirée de l'excellente bande dessinée Supergirl : Woman of Tomorrow de Tom King et Bilquis Evely, à retrouver chez Urban Comics.

Rien de plus à ajouter pour le moment : le poster joue sur l'attitude nonchalante et ado/adulescente d'une Kara Zor-El en pleine crise existentielle - puisqu'après tout, elle a a priori connu la vie sur Krypton avant que toute sa planète et sa famille ne disparaissent. Il ne reste plus qu'à patienter 24h avant de pouvoir découvrir les premières images en mouvement. Le film Supergirl est attendu pour le 24 juin 2026 au cinéma, et le poster à découvrir ci-dessous.

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#Supergirl : bande-annonce demain. pic.twitter.com/jFwFeSclmf
— Warner Bros France (@warnerbrosfr) December 10, 2025

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Plat ou dessert ? Ici, on est plutôt plat ET dessert. C'est aussi le cas de Sony Pictures concernant la série Spider-Noir, à venir en 2026 et dont on attend un trailer incessamment sous peu, à présent qu'un premier poster officiel a été dévoilé. D'ici là, quelques détails supplémentaires nous sont parvenus. À savoir notamment, que la série télévisée aurait droit à deux versions, toutes deux étant considérées comme autant importantes l'une que l'autre, artistiquement parlant.

L'embarras du choix

En effet, le producteur Christopher Miller s'est exprimé sur les réseaux sociaux pour détailler la façon dont la série Spider-Noir a été pensée : \"[Spider-Noir] a été tournée et pensée pour être en noir et blanc - et il y aura aussi une version couleurs qui a été designée d'une façon excitante et unique pour rappeler les couleurs d'époque. Il n'y a donc pas de \"version principale\".

Avant eux, Marvel Studios et Disney+ ont déjà opéré de façon similaire avec le Werewolf By Night de Michael Giacchino. D'abord diffusé en noir et blanc, le moyen-métrage avait ensuite eu droit à une version mise en couleurs, mais en conservant un certain grain et une certaine saturation pour mimer une production datant d'il y a plusieurs décennies. A priori, c'est donc aussi ce vers quoi se tourne Spider-Noir, avec une version couleurs qui tentera de mimer les images telles qu'elles pouvaient être tournées dans les années 1930.

Pour rappel, Nicolas Cage aura le rôle principal dans la série, celui d'un détective privé appelé Ben Reilly, vieillissant, et qui devra renfiler son costume de super-héros face aux besoins, on l'imagine, d'une enquête qui défiera quelque peu les lois de la normale. En France, les titres Spider-Man Noir sont à retrouver chez Panini Comics - avec une édition poche sortie tout récemment.

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Alors que l'année est en passe de se conclure (avec quelques actualités plus ou moins importantes en toile de fond), les prochaines productions de la catégorie des super-héros se précisent pour la relance du calendrier. Comme souvent, Marvel Studios se chargera d'amorcer les hostilités avec la série Wonder Man. Projet un peu particulier, qui devrait probablement sonner comme une prise de conscience involontaire sur l'état du marché des adaptations dans le présent, celle-ci explorera les coulisses d'un Hollywood fictif, perché quelque part entre Birdman et The Studio, sauce Kevin Feige. La campagne de promo' suit actuellement son cours.

Ouvrir la porte aux mutants

Or, une information de dernière minute est tombée récemment autour de ce projet : selon le magazine officiel de Disney pour la prochaine édition de la D23 (qui a fuité sur la toile, tombé entre les mains de quelques scoopeurs aux dents longues), l'acteur Byron Bowers aurait été embauché pour interpréter le personnage de Doorman dans la série Disney+. Autant dire que cette donnée reste plutôt secondaire dans l'absolu. Puisque, compte tenu de l'angle (ouvertement) métatextuel de ce feuilleton particulier, il n'est pas garanti que Marvel Studios adaptera le justicier en question au premier degré. Peut-être que Doorman ne sera que l'un des personnages du nouveau faux-film Wonder Man... ou bien, que celui-ci s'incarnera dans une version civile déconnectée de son équivalent comics.

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Et en l'occurrence, l'idée ne serait pas si surprenante, compte tenu de l'importance très maigre du personnage dans l'univers Marvel en BD. Pour rappel, Doorman (DelMarr) est une création de l'artiste John Byrne apparue dans West Coast Avengers #46, et surtout utilisé comme membre des Great Lake Avengers.

Le héros est un mutant généralement frappé par l'esprit du deuil (ses deux parents sont morts) et doué du pouvoir de la téléportation. Devenu l'ange de la mort pendant un moment, celui-ci n'est plus beaucoup utilisé dans le présent, avec seulement quelques appartitions ponctuelles ici ou là. De son côté, Byron Bowers a pu être aperçu dans les séries télévisées Lady in the Lake et Irma Vep, ainsi que dans le film Kimi, aux côtés de Zoe Kravitz.

Pour le coup, cette annonce signifie aussi qu'un nouveau mutant vient se greffer au reste de la grande tapisserie des introductions d'enfants de l'atome, même si, encore une fois, on aurait probablement tort d'exagérer l'utilité de ce casting. A voir comment Kevin Feige a prévu d'utiliser cet élément.

Wonder Man est attendu pour le 27 janvier 2026 sur Disney+.

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Après Wonder Woman, Captain Marvel, et le récent film Birds of Prey, mais aussi avec la venue proche de Black Widow, Wonder Woman 1984 et un casting très diversifié pour The Eternals, les super-héroïnes se font de plus en plus présentes sur grand écran. Une jolie mise en avant qui soulève quantité de discussions et débats dans les sphères pop-culturelles, avec notamment les messages féministes que peuvent porter avec eux ces films, et la façon dont les personnages féminins y sont traités.

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Ces questions, nous avions déjà pu les aborder au cours des podcasts enregistrés pour les films nommés, mais il faut aussi savoir se remettre en question, et se demander si deux mecs (ou plus) sont forcément les personnes les mieux placées pour parler de féminisme ou du traitement des héroïnes sur grand écran, voire de l'importance que peuvent avoir certains films au delà de toute considération artistique ou marketing.

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Et puisque nous trouvons également que dans le milieu comics, il n'est pas toujours facile d'avoir des voix féminines à ce sujet, est venue l'idée de vous proposer un podcast composées uniquement d'intervenantes, afin d'avoir une discussion et des points de vues différents, et aborder des sujets sous un autre angle. Océane (du podcast Lemon Adaptation Club) nous a fait l'honneur d'animer cette émission, en compagnie de Phobos (des podcasts Outrider et Actioner) et Maud (qui joue le rôle de la spectatrice "non experte), pour une discussion qui, on l'espère, saura vous intéresser et éclairer avec un autre regard ces sujets d'actualité.

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Comme toujours, les retours seront les bienvenus, tant sur le sujet que sur l'émission, avec l'espace commentaire fait spécialement pour cela. Une fois encore également, les partages sur les réseaux sociaux, les commentaires et bonne notes sur nos plateformes d'hébergement sont autant d'outils (gratuits) pour soutenir nos émissions, celle-ci en particulier. Merci d'avance, et bonne écoute à vous !

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Au cours du weekend passé se tenait le DC Fandome, premier évènement intégralement en ligne et 100% consacré aux univers de DC, avec un angle définitivement axé sur les adaptations filmiques et les jeux vidéo. Quelques comics s'y cachaient malgré tout.

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Dans une année de disette importante en ce qui concerne les conventions, le programme se montrait particulièrement alléchant avec quelques oeuvres très attendues - et il fallait donc en faire un bilan en podcast histoire de débriefer tout ce qu'on nous a présentés. C'est donc chose faite !

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Comme toujours, les commentaires et retours seront les bienvenus, et on vous demandera comme toujours de partager nos émissions si notre travail vous plaît et vous importe. Bonne écoute !

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A l'occasion de la récente édition de Comic Con Paris, les équipes d'organisation ramenaient avec elles l'illustre Roy Thomas, scénariste vétéran de l'industrie, ancien éditeur en chef de Marvel, créateur de Conan en comics, et ainsi de suite.

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Il était donc impossible pour nous de passer à côté de Roy Thomas, histoire d'avoir un regard actuel sur les comics de son point de vue, de parler d'engagement dans les histoires et de l'évolution du paysage à l'heure des nombreuses adaptations Marvel sur tous les écrans. Une petite entrevue que nous sommes ravis de vous présenter, et qu'on vous invite à partager sans modération !

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L'acteur Chadwick Boseman reçoit l'un des honneurs rituels du microcosme californien. D'ici quelques jours, celui-ci viendra gonfler les rangs d'une longue liste de personnalités importantes du milieu du cinéma, en obtenant sa propre étoile sur le Hollywood Boulevard. Cette tradition porte un nom : le Hollywood Walk of Fame, authentique institution symbolique des sentiers de la gloire pour les professionnels de l'audiovisuel aux Etats-Unis. Sur le papier, il ne s'agit que d'une simple dalle de granito, ornée d'un logo en forme d'étoile, placée dans le sol de l'une plus célèbres avenues de Los Angeles, en contreplongée de certaines salles de cinéma emblématiques de l'histoire de Hollywood. Sur le plan symbolique, en revanche, ce trophée est généralement considéré comme une authentique médaille de mérite.

Gravé dans la roche (et le vibranium)

Généralement, l'inscription de la dalle proprement dite s'accompagne d'une petite cérémonie en présence des vedettes concernées, en compagnie de leurs proches. Quelques discours honorifiques sont alors prononcés en présence de la presse. Pour ce qui concerne Chadwick Boseman, cette célébration rentre (forcément) dans le cas particuliers des récompenses posthumes, ce qui explique au passage le temps d'attente supérieur : selon les règles de la Chambre de Commerce de Hollywood, qui décerne les fameuses récompenses, une durée minimum de deux ans est obligatoire avant de pouvoir candidater pour une étoile. Une fois la candidature déposée, une nouvelle période de deux ans s'active avant validation.

Accessoirement, le commité de sélection se réunit chaque année pour décider des prochains candidats, et lors de ces réunions, une seule étoile est réservée aux célébrations posthumes par promotion annuelle. Ce qui explique certainement pourquoi il aura fallu attendre cinq ans après la triste disparition de Chadwick Boseman pour obtenir cet honneur.

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EXCLUSIVE: Chadwick Boseman will be honored with a star on the Hollywood Walk of Fame by the Hollywood Chamber of Commerce on Nov. 20 at 11:30am PT. pic.twitter.com/uhAOpskm8l
— Variety (@Variety) November 12, 2025\n

La cérémonie sera organisée le 20 novembre 2025 depuis Los Angeles. Notons au passage une précision sur la réalité chiffrée de la cérémonie : sur le papier, la présence d'une vedette sur le Hollywood Walk of Fame reste un événement en tant que tel, dans la mesure où l'obtention de ce trophée repose sur une sélection par un commité décisionnel. Néanmoins, les conditions pour obtenir ce prix ne sont pas exactement gratuites : la cérémonie en question s'accompagne d'un coût de 85.000 dollars, et selon les sources interrogées sur le sujet, les vedettes (ou leurs proches) doivent ensuite payer une certaine somme tous les ans pour l'entretien du Hollywood Boulevard. Pour cette raison, de nombreux commentateurs estiment que cet honneur, malgré son importance historique et son aspect rituel, reste un symbole relatif.

En l'occurrence, personne ne doute de la bonne foi de la Chambre de Commerce compte tenu du profil concerné. De fait, la mort (extrêmement soudaine) de Chadwick Boseman passe encore pour l'un des traumatismes les plus brutaux de ces dernières années - le comédien était alors en pleine ascension, appelé vers les sommets. En somme, avec ou sans l'étoile, la moindre occasion de lui rendre hommage reste bonne à prendre. Vive le roi.

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Le nom d'Alan Silverstri était pendant de nombreuses années indissociable de l'habillage musical des grands films de Marvel Studios. Il faudra désormais indéniablement compter sur le nom de Michael Giacchino. Le compositeur se montre en effet de plus en plus présent au sein des productions du MCU, et après avoir donné les nouvelles notes du thème des Quatre Fantastiques au cinéma avec Fantastic Four : First Steps, le voilà prêt à reprendre la composition pour un autre de ses super-héros favoris, Spider-Man.

Réinventer Spidey musicalement ?

C'est par le Hollywood Reporter et leur fameuse newsletter Heat Vision que la nouvelle nous parvient. Après s'être déjà occupé de la bande-son des films Spider-Man : Homecoming, Spider-Man : Far From Home et Spider-Man : No Way Home, Michael Giacchino rempilera aux côtés du tisseur en tant que compositeur pour Spider-Man : Brand New Day, quatrième film consacré au super-héros dans le cadre du MCU, mais potentiellement premier film d'une nouvelle saga/trilogie. On se rappelle en effet que le statu quo de Peter Parker après No Way Home était en quelque sorte remis à zéro (tout le monde a oublié le secret de l'identité réelle de Parker). De quoi espérer une réinvention musicale et de nouveaux thèmes ?

Soyons un peu honnêtes : les thèmes de la première trilogie Spider-Man chez Marvel Studios ne se sont pas révélés comme particulièrement mémorables, et de l'avis général, le compositeur a été plus apprécié ces dernières années pour son score de Fantastic Four (ou The Batman, pour parler de la concurrence). Les espoirs de conserver un compositeur plus inspiré pour un nouveau départ de Spider-Man sont donc permis. Selon le Hollywood Reporter, le tournage du film s'achèvera en tout début de semaine prochaine, et il restera six bons mois pour que la post-production (composition comprise) soit terminée, à temps pour la sortie du film.

Spider-Man : Brand New Day est attendu pour le 29 juillet 2026 au cinéma.

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Cette fois, hors de question de laisser quoi que ce soit au hasard. Sorties d'une longue série de contre-performances, passablement équilibrée sur le fil du rasoir par la sortie d'un Fantastic Four : First Steps un rien plus positif (mais encore incapable d'égaler les performances d'autrefois), les équipes de chez Marvel Studios ne peuvent plus se permettre de prendre le moindre risque sur l'avenir immédiat de la franchise. Pour Avengers : Doomsday, le mot d'ordre semble clair. Kevin Feige compte frapper fort, en misant sur la quantité. Techniquement le projet est même déjà entré en campagne de promo'... depuis l'annonce du grand retour des frères Russo et de Robert Downey Jr. dans le rôle de Doctor Doom.

Doom propagande

Dans la foulée, après le coup des chaises pliables pour l'annonce du casting, une démonstration de force un peu longuette mais manifestement efficace, Feige et ses troupes ont bien compris la consigne. Marvel Studios semble mieux s'en sortir en acceptant d'en faire des tonnes... et pour la première bande-annonce officielle, l'enseigne compte donc reproduire la même recette. D'ici la semaine prochaine, Avengers : Doomsday se présentera avec une première bande-annonce dans les salles de cinéma (américaines, du moins), en venant se greffer sur la sortie du film Avatar : Fire & Ash (attendu pour le 17 décembre 2025 dans les salles françaises). Et ensuite ?

Selon le Hollywood Reporter, Marvel Studios a prévu d'alterner la formule avec une nouvelle bande-annonce prévue pour la semaine suivante, toujours accolée aux aliens bleus de James Cameron. Et ensuite ? Encore une autre, différente, la semaine suivante. Et ensuite ? Encore une. Et ensuite ? Ensuite, c'est terminé. Ceci siginifie donc que quatre bandes-annonces différentes seront proposées pour le film des frères Russo en l'espace de quatre semaines, avec une alternance d'une semaine entre chaque nouvel aperçu. Une façon pour le groupe Disney de mobiliser la curiosité du grand public (qui pourra au passage... aller voir quatre fois Avatar : Fire & Ash, histoire de) et d'insister sur l'importance d'Avengers : Doomsday avec une petite année d'avance.

Forcément, la question du contenu de ces différentes vidéo va donc se poser, dans la mesure où de nombreux studios sont capables de faire tenir une campagne de promo' toute entière sur la base de quatre bandes-annonces. On imagine qu'il s'agira probablement de teasers énigmatiques, relativement restreints, en attendant un lancement un peu plus gros. Pour donner rendez-vous aux spectatrices et aux spectateurs l'année suivante... au jour près, ou presque. A voir.

Avengers : Doomsday est attendu pour le 16 décembre 2026 dans les salles de cinéma, et au vu de cette camapgne publicitaire grand format, nous risquons certainement d'en reparler fréquemment d'ici l'année prochaine. Le compteur tourne pour Marvel Studios en attendant les derniers chapitres de la saga.

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Nouvelle production italienne depuis les Etats-Unis. Les éditions Image Comics ont annoncé la sortie d'un premier roman graphique en solitaire pour l'artiste Katia Vecchio (Silver Vessels) attendu pour l'été prochain. Ce projet a été présenté récemment par voie de communiqué de presse, sous le titre Memories of Giselle, un album que l'éditeur présente volontiers comme un descendant naturel du travail de Zoe Thorogood sur l'intériorité, le récit de l'expérience personnelle, la souffrance et la compassion. D'autres comparaisons ont été évoquées pour situer le projet, avec Allie Brosh (Solutions & Other Problems) et Kate Beaton (Ducks) comme références éventuelles.

About a Girl

Et au passage, si le nom de famille vous paraît probablement familier, ce n'est pas un accident. En dehors du dessinateur argentin Luciano Vecchio, depuis la botte italienne, l'illustre clan des Vecchio est généralement représenté par une autre dessinatrice issue de la même région - en l'occurrence, nous parlons bien sûr de Luana Vecchio, une créatrice déjà bien implantée dans le catalogue des éditions Image Comics, connue comme l'une des voix de la nouvelle BD érotique publiée depuis les Etats-Unis avec Lovesick, Doll Parts et Bolero. Selon toute vraisemblance (et un air de famille qui ne trompe pas), Katia Vecchio est sa petite-soeur. Pourtant, leurs deux approches du dessin et du genre ne se ressemblent pas.

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Avec Memories of Giselle, la dessinatrice a effectivement composé une oeuvre plus dense, plus écorchée vive, sur le traumatisme de l'enfance, le souvenir des parents disparus et la difficulté d'exprimer le poids de ses propres démons. Côté graphique, Katia Vecchio se distingue aussi largement, avec une approche du dessin plus florale, portée par des nuances bleu-ciels et une proximité avec l'intimité de la nature, si l'on se fie aux croquis que celle-ci publie fréquemment sur les réseaux sociaux. Concernant le roman graphique, voici toujours le descriptif officiel :

\"Dans 'Memories of Giselle', un frère et une sœur arpentent les sentiers difficiles d'une enfance marquée par des abus secrets, le silence et le deuil. Giselle est quotidiennement hantée par le souvenir de sa grand-mère disparue, ainsi que par un rêve récurrent - celui d'une barque vide, comme le symbole d'une vérité qu'elle aura refoulé pendant plusieurs années. Devenue adolescente, sur le point de plonger dans une période chargée de désirs, de vulnérabilité et encore à la recherche de la confiance de l'autre, les fragments de son passé vont lentement la rattraper, en révélant un élément de sa vie longtemps resté enfoui, et l'ombre que cette donnée fait encore plâner sur son frère et elle.\"

En somme, une potentielle belle découverte du côté des éditions Image Comics. Nous devrons toutefois nous armer de patience : l'album ne sera pas disponible avant le 17 juin 2026 aux Etats-Unis.

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Et si cette fois, c'était la bonne ? Depuis plus de vingt ans, l'annonce d'une adaptation de la série Torso de Brian Michael Bendis et Marc Andreyko s'invite périodiquement dans les conversations, comme une sorte d'évidence doublée d'un éternel coup manqué. Plusieurs équipes créatives auront tenté leur chance. Le cinéaste David Fincher, tout juste sorti de Zodiac, avait même prévu de tourner un long-métrage basé sur ce projet, en compagnie de Matt Damon et Bill Mechanic. Ce premier essai infructueux s'était suivi d'autres candidatures, par David Lowery (The Green Knight), Paul Greengrass (Captain Phillips) et Corin Hardy (Gangs of London), toutes tuées dans l'oeuf. Dans le secteur des adaptations de comics, il est souvent nécessaire d'être patient.

Toudoum Torso

En définitive, et avec plusieurs décennies d'expérience pour croire aux miracles, Brian Bendis a fini par se trouver une nouvelle équipe susceptible de se casser les dents sur le script de son oeuvre culte. La rédaction du Hollywood Reporter annonce qu'une nouvelle adaptation de Torso est actuellement en développement : les droits du comics ont été achetés tout récemment par la plateforme Netflix, dans le cadre d'un accord de coproduction avec Vertigo Entertainment (Boy Kills World) et Subconscious Productions (Evanouis). Le contrat en question mentionne d'ailleurs le nom du réalisateur Zach Cregger, même si celui-ci devra seument se contenter d'un poste de superviseur, compte tenu de son agenda chargé.

En l'occurrence, Netflix aurait obtenu gain de cause à la suite d'une enchère plutôt disputée pour les droits de Torso, contre plusieurs autres antennes ouvertement intéressées pour débloquer l'équation de ce comics resté trop longtemps sur le banc de touche. Selon le Hollywood Reporter, la somme obtenue serait cette fois assez importante (sept chiffres sur le chèque, si l'on se fie aux sources officielles). De ce point de vue, cette BD passe donc pour une sorte de corne d'abondance du côté des deux créateurs : on a rarement vu un comics publié sur le marché indépendant capable de débloquer au moins quatre fois le totem du versement bancaire de la part des chasseurs de têtes d'Hollywood. Pour l'heure, aucun réalisateur ne s'est encore positionné pour tourner l'adaptation, mais si Netflix a accepté de jouer le jeu des enchères, on imagine que ce projet-là devrait enfin être capable d'aller jusqu'au bout de son processus.

Pour rappel, en comics, Torso suit l'histoire vraie d'un tueur-en-série des Etats-Unis, qui aura sévi dans la ville de Cleveland, en Ohio, pendant les années 1930, en cumulant plus d'une quinzaine de victimes. Le cas de cet asasssin est aussi rentré dans l'histoire du pays en venant se greffer sur la légende de l'un des responsables directs de l'enquête - dans la mesure où le célèbre Elliot Ness, connu pour avoir orchestré la chute du gangster Al Capone, avait alors été nommé chef de la police de Cleveland sur cette même période. La BD reprend les faits, avec quelques effets de style et quelques trucages, pour raconter cette affaire, jamais résolue officiellement.

Torso a été réédité récemment chez Delcourt, si le projet vous intéresse. En l'intervalle, nous devrons attendre d'avoir un scénariste et un réalisateur sur le projet avant de pouvoir obtenir des nouvelles plus concrètes de cette adaptation. Au passage, si David Fincher est toujours sous contrat chez Netflix... il n'est jamais trop tard pour retrouver ses passions de jeune homme.

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