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Calendrier 2012 des Gotham City Sirens. Contient 16 mois!

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Nouvelle journée, nouvelle actualité, nouvelle annonce de BD. Les éditions Delcourt poursuivent l'énumération des albums prévus pour le mois de février 2027, avec un programme plutôt chargé. Et puisque la collection Contrebande aura souvent servi de refuge aux créations originales de Matt Kindt, personne ne sera surpris d'apprendre que la mini-série Space Scouts fera partie de ce premier tir groupé de comics attendus pour le premier trimestre. Le titre avait même été confirmé au préalable, ne manquait plus qu'une date de sortie et un prix pour valider son existence sur le marché français. Et accessoirement, l'enseigne a aussi prévu de poursuivre l'édition de la série The Goon d'Eric Powell sur cette même période.

La Stratégie Ender psychédélique

Illustré par le talentueux David Rubin, Space Scouts rentre de plein pied dans ce format un poil frustrant des mini-séries en trois numéros qui semble convenir aux nouvelles méthodes de Matt Kindt depuis quelques années. Et en effet, le créateur s'épanouit manifestement dans la contradiction : plutôt que de proposer des histoires intimes ou restreintes pour explorer un simple concept capable d'exister dans un espace limité... celui-ci aime tasser d'énormes propositions dans de toutes petites boîtes, souvent truffées d'ellipses et d'accélérations brusques. De la même façon que l'album Si Vous lisez ça, je suis Déjà Morte, le projet Space Scouts participe directement de cette façon de comprendre la composition du récit. Encore une fois, avec un concept ambitieux, une vaste densité de races aliens et de péripéties, dans une histoire qui avance vite et qui boucle rapidement. L'auteur aura même formulé une sorte d'appellation officieuse pour ce genre de formats, désigné sous le titre \"Comicscope\" en conclusion de l'album du moment.

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L'intrigue de Space Scouts place au coeur de son intrigue une compétition interplanétaire entre des jeunes gens issus de nombreux mondes extraterrestres, en lice pour un concours extrêmement périlleux. Dans cet univers peu ou prou dictatorial, cet équivalent coloré des Hunger Games passe pour le seul espoir de fortune pour de nombreuses familles issues de la pauvreté aux confins du cosmos. Pour celles et ceux qui remporteront la compétition, l'espoir sera ensuite de devenir un Space Scout, un genre de force de police chargée de patrouiller et de protéger les étoiles. Mais la réalité de cette mission est toute autre, et notre héroïne finira par s'en apercevoir en cours de route... si celle-ci survit aux épreuves prévues.

\"Une jeune adolescente se déplace jusqu'au centre de l'univers pour participer à une émission de téléréalité. L'objectif ? Devenir la prochaine 'Space Scout'. Mais cette aventure qui commence comme un caprice d'ado' se transforme vite en une guerre mortelle aux confins de l'univers lorsque les nouvelles recrues, sorties lauréates de l'émission, sont enrôlées dans une guerre clandestine (et interminable) à l'autre bout de la galaxie. Une guerre dont toutes et tous ne reviendront pas.\"

Sortie prévue pour le 18 février 2027 au prix de 20 euros 50.

Et pour les fans d'Eric Powell, Delcourt proposera également le dernier album en date de la (longue) série The Goon sur ce même horizon de sortie. En compagnie de Thomas Sniegoski, le créateur poursuit l'aventure de sa brute au coeur tendre dans l'univers rituel des monstres de l'horreur rétro', avec la même quantité d'humour absurde et de contes macabres, une formule qui roule plus de vingt-cinq ans désormais. Pour cette livraison annuelle, le comics The Goon : La Potion des Satanées Sorcières a été annoncé pour le 18 février 2027 au prix de 19 euros 50.

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Si l'arrivée de l'hiver s'associe généralement aux numéros \"Christmas Special\", DC Comics capitalise sur l'arrivée des fraîcheurs de saison pour annoncer une petite aventure ponctuelle pour le mois de janvier. Les sollicitations des sorties attendues pour le premier trimestre 2027 évoquent effectivement l'existence d'un numéro Justice League : Arctic Special #1, projet piloté par Stephanie Williams (Moon Girl) et Dexter Soy (Nightwing) et globalement basé sur la mythologie des Amazones. Et des Wonder Girls. Mais avec un complément de personnel dans l'idée de constituer une équipe originale. Le titre devrait se contenter d'un format autonome pour développer son idée, mais les fans de justiciers en fourure auront au moins de quoi manger d'ici cet hiver.

J'adore la neige

\"Dans vingt, trente ans, etc.\" En tant que championne locale des comics basés sur Wonder Woman et son entourage, Williams s'est naturellement concentrée sur cette part du catalogue pour assembler ce petit concept. En l'occurrence, Donna Troy, Yara Flor et Cassie Sandsmark seront donc les trois vedetets d'une équipe nouvelle, en compagnie de personnages variés, et généralement assemblés sur le motif du froid. Pourquoi ? Parce que la première Killer Frost (Crystal Frost, donc, et non pas l'habituelle Caitlin Snow) est de retour ! Et celle-ci a volé le Purple Ray, une technologie du peuple Amazone normalement utilisée pour la médecine, mais qui pourrait tout aussi bien détruire l'espèce humaine si l'artefact précieux devait tomber entre de mauvaises mains.

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Il est donc temps d'agir. Accessoirement, les fans aiment Donna Troy, et toute opportunité de mettre en avant l'héroïne reste bonne à prendre. Vous êtes contents ? Dites nous si vous êtes contents.

\"Les Wonder Girls étaient parties pour récupérer le Purple Ray des Amazones... mais la mission ne 'est pas passée comme prévu. Il faudra donc solliciter un peu d'aide cette fois-ci. Donna Troy va devoir prendre sur elle, et assembler une équipe de personnages capables de supporter le froid glacial de la maléfique Killer Frost, en recrutant aussi bien les héros et les vilains du catalogue glacial de DC Comics. Crystal Frost est revenue d’entre les morts, et celle-ci compte bien plonger toute l'humanité dans un état de gel éternel. C'est la bagarre, et une nouvelle version de la Justice League se présente pour résoudre l'équation.\"

Justice League : Arctic Attack Special #1 est attendu pour le 27 janvier 2027 avec des couvertures de Dexter Soy, Inhyuk Lee et Daniele Di Nicuolo. Longueur prévue : 48 pages au compteur. Sortez couverts, ça caille.

Source

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Quand il n'est pas occupé sur les planches de Jaune (dont on attend toujours la suite au Label 619), Rours est aussi affaire sur son propre projet de bande dessinée, à l'écriture et au dessin. Son titre : Kiss X KO, une promesse de grosse bagarres mais aussi d'un peu de douceur (et même de coquineries), pour une double sortie d'albums pour laquelle il reste encore quelques jours de campagne sur Kickstarter. L'occasion d'aller découvrir - et soutenir - le projet.

Qui aime bien chatie bien

L'univers de Kiss x KO est né au départ d'une simple illustration de Rours partagée sur ses réseaux sociaux, celle d'un des personnages de cet univers, Vio. Au fil du temps, d'autres créations se sont accumulées et plutôt que laisser ceci à l'état de simples dessins, c'est tout un lore et un univers qui se sont créés auquel le jeune auteur souhaite donner vie avec une première étape d'impression physique. C'est pourquoi la campagne Kiss x KO est sous-titrée \"Round Zero\". Il ne s'agit que de la porte d'entrée à l'univers, qui se fera avec deux albums distincts.

D'une part, l'album Kiss X Ko : Round Zero en tant que tel, un assemblage de bande dessinées, d'illustrations, d'éléments de lore et de fiches techniques des différents personnages (qui sont tous des combattants de MMA, a priori) permettra de présenter l'ensemble de l'univers sur un total de plus de 300 pages. D'autre part, pour les amateurs et amatrices de coquineries, Kiss x KO x Spicy rassemblera un ensemble d'illustrations érotiques (sinon plus ?) puisqu'il n'y pas que la bagarre dans la vie, il y a aussi l'amour et le sexe. Ne l'oubliez pas, c'est très important. Ces illustrations étaient réservées aux abonné(e)s du Patron de Rours, qui les collectera donc ici en album physique pour la première fois.

- Pour soutenir Kiss x KO, ça se passe par là !!

La campagne doit encore durer quelques jours et profitera à n'en pas douter de votre curiosité, d'autant plus que de nombreux goodies sont proposés dans les contreparties (avec jaquette exclusive, stickers, cartes, shikishi, etc...). L'auteur va même à proposer de petites statuettes pour quatre de ses personnages, imprimées en 3D et peintes à la main (voire livrées non peintes si vous préférez vous en occuper vous-même). Suivez le lien ci-dessus si le projet vous intéresse !

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Le saviez-vous ? Il y a une personne employée chez DC Comics dont l'unique tâche est de trouver des jeux de mots pour les titres des numéros spéciaux de l'éditeur sortant pour les fêtes telles que Noël, Halloween ou encore la Saint-Valentin. On ne sait pas de qui il s'agit, mais force est de constater qu'elle sait s'amuser, année après année, comme les sollicitations pour le numéro de Saint-Valentin 2027 viennent le confirmer.

Mais où trouvent-ils...

Inséré dans l'ensemble des sollicitations de janvier 2027 de DC Comics mais arrivant au tout début du mois d'après, le numéro spécial Saint-Valentin de l'an prochain ne changera pas des habitudes de l'éditeur à deux lettres. On appréciera tout de même l'effort fait sur le titre du one-shot, DC's crazy little Swamp Thing called love #1, en référence à la chanson emblématique de Queen.

Ceci étant dit, la Créature du Marais ne sera pas la seule présente dans le numéro, puisque le résumé indique que les histoires tourneront autour d'autres personnages de la partie \"fantastique\" de l'univers DC, avec Klarion, Harley Quinn et Poison Ivy, Lois Lane et Detective Chimp, et bien d'autres. Au programme, une dizaine d'histoires courtes pour aborder la question de l'amour dans tout ce qu'il peut avoir de plus étrange.

Du côté des équipes créatives, sont listés pour la partie scénaristique Ashley Allen, Gustavo Duarte (qui dessinera sa propre histoire), Tim Seeley, Yann Krehl, Mary Halpern-Graser, et du côté des artistes Steve Lieber et Aaron Conley, ce qui ne constitue évidemment qu'une partie du roster. Le programme complet est généralement dévoilé par DC un mois avant la sortie du numéro. La couverture principale (hilarante) est illustrée par Amanda Conner et une variante de Frank Cho est également au programme. La sortie est prévue pour le 4 février 2027, soit une dizaine de jours avant la fête maudite.

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Et s'il existait un super-héros français d'un genre nouveau ? Qui combattrait les \"extrêmes\" qui détruisent la France, et ce de n'importe quel côté qu'il soit (mais disons, surtout à gauche). Et qui agirait pour le bien commun en permettant à toutes les personnes de l'extrême droite d'avoir droit à la parole sur le service public au nom d'un \"pluralisme\" dont le sens aurait été dévoyé ? N'attendez plus : Super Pluraliste est là, et on sait désormais que la France et son service public seront sauvés.

(Ceci est de l'humour)

Derrière le concept de Super Pluraliste, qui vient ironiser sur certaines polémiques touchant un service public sévèrement attaqué par l'extrême droite (via la tristement célèbre commission menée par Charles Alloncle) et qui depuis, essaie visiblement de plaire un maximum à ceux qui se sont pourtant jurés de le démanteler une fois au pouvoir, on retrouve le nouvel épisode de Cartoon Molotov, des courts-métrages animés (et réalisés sans IA) proposés par le média engagé Blast.

Pour cet épisode, Allan Barte (auteur français célèbre pour ces dessins humoristiques sur la situation politique du pays) signe le scénario et le dessin et profite de la participation des humoristes Aymeric Lompret, Pierre-Emmanuel Barré et Giedré au niveau des voix. Un sketch qui rappelle que si tous les héros ne portent pas de cape, ce n'est pas non plus parce qu'on porte une cape ou un costume qu'on est vraiment un héros.

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A l'occasion de la récente édition de Comic Con Paris, les équipes d'organisation ramenaient avec elles l'illustre Roy Thomas, scénariste vétéran de l'industrie, ancien éditeur en chef de Marvel, créateur de Conan en comics, et ainsi de suite.

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Il était donc impossible pour nous de passer à côté de Roy Thomas, histoire d'avoir un regard actuel sur les comics de son point de vue, de parler d'engagement dans les histoires et de l'évolution du paysage à l'heure des nombreuses adaptations Marvel sur tous les écrans. Une petite entrevue que nous sommes ravis de vous présenter, et qu'on vous invite à partager sans modération !

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Au cours du weekend passé se tenait le DC Fandome, premier évènement intégralement en ligne et 100% consacré aux univers de DC, avec un angle définitivement axé sur les adaptations filmiques et les jeux vidéo. Quelques comics s'y cachaient malgré tout.

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Dans une année de disette importante en ce qui concerne les conventions, le programme se montrait particulièrement alléchant avec quelques oeuvres très attendues - et il fallait donc en faire un bilan en podcast histoire de débriefer tout ce qu'on nous a présentés. C'est donc chose faite !

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Comme toujours, les commentaires et retours seront les bienvenus, et on vous demandera comme toujours de partager nos émissions si notre travail vous plaît et vous importe. Bonne écoute !

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Après Wonder Woman, Captain Marvel, et le récent film Birds of Prey, mais aussi avec la venue proche de Black Widow, Wonder Woman 1984 et un casting très diversifié pour The Eternals, les super-héroïnes se font de plus en plus présentes sur grand écran. Une jolie mise en avant qui soulève quantité de discussions et débats dans les sphères pop-culturelles, avec notamment les messages féministes que peuvent porter avec eux ces films, et la façon dont les personnages féminins y sont traités.

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Ces questions, nous avions déjà pu les aborder au cours des podcasts enregistrés pour les films nommés, mais il faut aussi savoir se remettre en question, et se demander si deux mecs (ou plus) sont forcément les personnes les mieux placées pour parler de féminisme ou du traitement des héroïnes sur grand écran, voire de l'importance que peuvent avoir certains films au delà de toute considération artistique ou marketing.

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Et puisque nous trouvons également que dans le milieu comics, il n'est pas toujours facile d'avoir des voix féminines à ce sujet, est venue l'idée de vous proposer un podcast composées uniquement d'intervenantes, afin d'avoir une discussion et des points de vues différents, et aborder des sujets sous un autre angle. Océane (du podcast Lemon Adaptation Club) nous a fait l'honneur d'animer cette émission, en compagnie de Phobos (des podcasts Outrider et Actioner) et Maud (qui joue le rôle de la spectatrice "non experte), pour une discussion qui, on l'espère, saura vous intéresser et éclairer avec un autre regard ces sujets d'actualité.

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Comme toujours, les retours seront les bienvenus, tant sur le sujet que sur l'émission, avec l'espace commentaire fait spécialement pour cela. Une fois encore également, les partages sur les réseaux sociaux, les commentaires et bonne notes sur nos plateformes d'hébergement sont autant d'outils (gratuits) pour soutenir nos émissions, celle-ci en particulier. Merci d'avance, et bonne écoute à vous !

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S'il a été établi depuis maintenant bien longtemps que le film Avengers : Secret Wars tirerait son inspiration à la fois du premier crossover originel en comics Secret Wars, mais aussi de la version 2015 de Jonathan Hickman, il est fort probable que ce soit bie le second qui reste le plus prégnant sur la direction du film des frères Russo. Aussi ne sera-t-on pas surpris que Hickman lui même a été consulté pour le script du film qui mènera au prochain Secret Wars, soit le Avengers : Doomsday attendu pour la fin d'année.

Des comics au cinéma

Dans une interview donnée à Bleeding Cool en amont de sa présence au festival italien Lucca Comics, Jonathan Hickman a en effet confié avoir été consultant sur le script d'Avengers : Doomsday avant que le tournage ne débute, et qu'il l'a aussi été au fil des réécritures puisque plusieurs scénaristes se sont passés la main.

\"Tout ça a été très intéressant. Je ne sais pas si beaucoup de monde le sait, mais je suis consultant pour les studios et je lis [les scripts] de tous leurs films qu'ils font pendant leur développement. Il a donc été fascinant de voir tout changer au cours des deux dernières années et demi depuis que j'ai lu les scripts pour [Avengers : Doomsday]\".

Le film a en effet connu de nombreux bouleversements, alors que le projet s'appelait auparavant Avengers : The Kang Dynasty avant que les frères Russo et Robert Downey Jr. ne soient rappelés chez Marvel Studios pour le projet Doomsday. On sait que le script a eu droit à des traitements de Michael Waldron (Loki), Stephen Mc Feely (Avengers : Endgame) mais aussi de Chris McKenna et Erik Sommers (Spider-Man : Brand New Day).

\"Il y a eu un gros changement quand les Russos sont revenus, que McFeely est revenu et que Robert Downey Jr. allait rejoindre le casting de nouveau, et tout. Ça a été vraiment très intéressant. Ces gens là sont très gentils avec moi et font attention à moi. Je suis curieux de voir ce sur quoi ils travaillent. Je n'ai pas vu de cut final ou quoi que ce soit.\", abonde Jonathan Hickman. On imagine que le scénariste a notamment dû être consulté pour être sûr que le fameux phénomène des Incursions (qui se manifeste dès les débuts de sa série New Avengers, qui va connaître une réédition épisodique chez Panini Comics) soit bien expliqué/compris - à voir désormais s'il aura droit à un crédit plus important que les remerciements de fin de générique lors de la sortie du film.

Avengers : Doomsday est attendu pour le 16 décembre 2026 au cinéma.

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Au moins, cette fois, si Brad Winderbaum nous annonce d'ici quelques années que le projet avait toujours été pensé pour s'étaler sur trois saisons seulement... nous aurons vu venir l'entourloupe. Sur un espace temporel tout de même assez restreint, la branche Marvel Television aura considérablement perdu de sa superbe en sacrifiant coup sur coup l'essentiel de sa programmation pour la plateforme Disney+. Les séries d'hier n'ont pas été renouvelées, les productions récentes (Wonder Man, Daredevil : Born Again) non plus. Et en l'état, tant que la série Zodiac ne sera pas sortie de terre pour ramener les images réelles au premier plan des priorités de cette enseigne isolée, Winderbaum devra seulement compter sur l'animation pour occuper ses journées de travail.

Le lycée puis la fac ?

Or, de ce point de vue, Marvel Television affiche tout de même un air confiant. Nous savions déjà que la série animée X-Men '97 avait été pensée pour durer au moins quatre saisons (information qui s'est confirmée récemment, sur une cadence de diffusion annuelle), et pour ce qui concerne Votre Fidèle Serviteur Spider-Man, l'objectif actuel serait apparemment similaire. Ou au moins envisageable, si l'on se fie aux déclarations du showrunner de cette adaptation en vraie fausse 2D de l'homme-araignée, Jeff Trammell.

De passage chez Collider tout récemment, le scénariste a effectivement confirmé que le travail était déjà bien entamé dans le cas d'une éventuelle saison quatre (laquelle n'a toutefois pas été annoncée officiellement pour le moment).

\"Je ne sais pas encore ce que je peux vous annoncer, mais puisque personne ne m'empêche de travailler pour le moment, donc je dirais que nous sommes déjà au travail sur les saisons trois et quatre de Votre Fidèle Serviteur Spider-Man.\"

Comprenez donc que si les audiences suivent, le loustic aurait de quoi rendre sa copie dans les temps, le cas échéant. Et puis, rien de tout ceci n'est franchement surprenant : dès le mois de janvier 2025, Marvel Television avait déjà donné son feu vert aux équipes en charge de l'écriture de la série pour une commande de deux saisons supplémentaires. Entre temps, on imagine que Trammell et ses troupes ont largement, largement eu le temps de fomenter leurs plans et de mettre en boîte une belle quantité de scripts. C'est l'un des seuls avantages de ces productions dont les saisons s'éparpillent sur un minimum de deux ans sans nouveaux épisodes : on a le temps de préparer la suite, sans se presser.

Pour l'heure, Votre Fidèle Serviteur Spider-Man fera son retour d'ici le 13 janvier 2027 pour entamer la seconde saison des aventures de cette nouvelle version de Peter Parker. Thwip.

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Les annonces de casting s'enchaînent du côté de l'adaptation de Stillwater, bande dessinée de Chip Zdarsky et Ramon K. Pérez. Quelques jours seulement après l'annonce, entre autres, de Lauren Cohen dans la distribution de la série télévisée, une nouvelle salve d'acteurs rejoint le mouvement.

Plus on est de fous...

C'est par le média Deadline que nous parvient la nouvelle. Ces derniers rapportent que trois acteurs et actrices ont été choisis pour jouer des rôles réguliers dans la série Stillwater - que l'on devrait donc retrouver dans la plupart des épisodes. Il s'agit évidemment pour la production de remplir les rôles pour les résidents de Stillwater, petite bourgade où personne ne vieillit ni ne meurt - ce que va découvrir le héros, Daniel West (Ben Hardy), ramené ici par la promesse d'un curieux héritage, avant de se rendre compte que les habitants veulent garder leur secret à tout prix. La série est éditée et complète en trois tomes chez Delcourt pour celles et ceux qui voudraient découvrir les comics.

Tom Hollander (Monster : The Ed Gein Story) incarnera le juge de la ville, Jack Taylor, un homme autoritaire ayant autant le charme d'un prêtre et la froideur d'un chef de culte, qui est considéré comme le leader de la ville de Stillwater - et sera donc le principal antagoniste de la série. Aja Naomi King (Lessons in Chemistry) a été choisie pour jouer la shérif de la ville, Tanya Green, qui à l'inverse des autres habitants, n'est pas originaire de Stillwater, et a seulement été admise récemment dans cette communauté, à l'invitation du juge. Enfin, le jeune Beau Young (dont il s'agit du premier rôle pour une série télévisée) jouera Galen Keegan, enfant qui s'est arrêté de grandir à l'âge de 10 ans, et a depuis longtemps quitté l'innocence de l'enfance pour adopter la mentalité d'un monstre.

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De gauche à droite : Tom Holland, Aja Naomi King et Beau Young.

Pour le moment, huit épisodes de Stillwater ont été commandés pour ce qui pourrait aisément devenir une série au long cours en cas de succès. La série n'a pas encore de fenêtre de sortie précise sur Prime Video.

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Ils l'ont encore fait. Marvel Studios a réussi à attirer l'attention de façon déraisonnée dans la nuit passée, en vantant un aperçu spécial d'Avengers : Doomsday à l'occasion de l'ouverture de la nouvelle saison de la MLB (Ligue majeure de baseball). Tous les comptes \"scoopers\" et autres créateurs de contenus de sont tenus éveillés pour dégainer une nouvelle vidéo d'analyse et de théories... pour ce qui ne s'avérait être qu'une simple opération publicitaire dans laquelle les joueurs professionnels de baseball avaient bien plus de temps de présence que n'importe lequel des Avengers. Le coup des chaises vide l'avait déjà prouvé : quoi qu'ils montrent, Marvel Studios reste le maître de la promotion.

Pour pas grand chose, au final

La vidéo en question ne montre que peu d'images inédites du film des frères Russo et il faut vraiment la prendre pour ce qu'elle est : une opération de marketing entre un studio de cinéma et un gros évènement sportif. Tout au plus voyons nous Steve Rogers (Chris Evans) et Thor (Chris Hemsworth) se faire un passage de marteau et Ant-Man (Paul Rudd) faire une blague sur qui porte le nom de Captain America entre Steve et Sam Wilson (Anthony Mackie)... et c'est à peu près tout.

À deux mois de sa sortie, Avengers : Doomsday cristallise évidemment bien des attentes et de l'attention et les équipes de Kevin Feige en sont certainement conscientes. À voir à présent quand l'ultime bande-annonce du film sortira - et si cette dernière n'en dévoilera pas trop, en amont de la sortie au cinéma, prévue pour le 16 décembre 2026 dans nos salles obscures. Pour les curieux et curieuses, la vidéo est à retrouver ci-dessous. Mais en toute honnêteté, vous avez sûrement mieux à faire de votre journée.

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Avengers : Doomsday sortira au cinéma d'ici la fin de l'année, et la toute première bande-annonce du film laissait entrevoir la présence de nombreux héros et héroïnes apparus dans les films sortis après Avengers : Endgame, mais aussi le retour de personnages issus des films X-Men quand ceux-ci étaient produits par la 20th Century Fox, avant son rachat par Disney. Une partie du public pourrait donc se sentir perdue en découvrant le prochain film des frères Russo, ce à quoi Marvel Studios a trouvé la réponse : faire simplement une watch list de ce qu'il \"faut\" regarder avant d'aller à la rencontre d'Avengers : Doomsday au cinéma. Une liste qui suscite déjà bien des critiques, mais qui est en vérité proprement inutile et contre-productive.

Personne ne vous en voudra d'avoir manqué un film ou une série

C'est sur la plateforme Disney+ que l'on peut retrouver depuis quelques jours une section \"Compte à rebours avant Avengers : Doomsday\", censé présenter donc de façon très officielle la liste des films et séries à regarder d'ici la fin de l'année. Une liste qui comporte pas moins de quinze films et séries, avec : les deux premiers X-Men de la 20th Century Fox, Captain America : First Avenger, Avengers, Avengers : Infinity War, Avengers : Endgame, Loki, Shang-Chi, Spider-Man : No Way Home, Black Panther : Wakanda Forever, Captain America : Brave New World, Deadpool & Wolverine, Doctor Strange in the Multiverse of Madness, Thunderbolts* et Les 4 Fantastiques : premiers pas.

La liste apparaît assez simple en ce sens qu'elle permet de regrouper les films et séries dans lesquelles un certain nombre des personnages à venir dans Avengers : Doomsday ont déjà été présents, tout en s'intéressant aussi à certains films (et Loki comme seule série TV) qui mentionne le principe de Multivers. D'aucun signalent d'ailleurs l'absence de The Marvels dans la liste alors que ce dernier incluait Beast des X-Men dans sa séquence post-générique. Mais l'ensemble représente plusieurs dizaines d'heures de visionnage, et même si l'expérience Infinity War/Endgame avait prouvé en son temps qu'il était satisfaisant de les voir avec le reste de l'Infinity Saga en tête pour avoir un certain attachement à tous les personnages, la réalité est que : même si vous n'avez rien vu de toute cette liste, Avengers : Doomsday n'en sera pas pour autant incompréhensible.

Déjà parce qu'une bonne partie des personnages sont déjà connus du grand public, que ce soit même dans une forme d'inconscient collectif. Et qu'il faut bien sûr compter sur les frères Russo pour mettre suffisamment de flashbacks et/ou de dialogues de rappel/d'exposition pour faire comprendre les enjeux de leur film. Ceux-ci reposent d'ailleurs sur un super-vilain, Dr. Doom, qui n'a techniquement pas été montré aux spectateurs autrement que dans une très courte scène post-générique (dans Les 4 Fantastiques : Premiers Pas) où il ne disait rien et il restait de dos. Autrement dit : la plupart des personnages d'Avengers : Doomsday ne sera inconnue à personne, même si les films de leurs précédentes aventures n'ont pas été vus.

D'autre part, un film tel qu'Avengers : Doomsday aura sa propre histoire à raconter, et si des références au passé de l'un ou de l'autre peuvent être attendues, elles ne seront en aucun cas indispensables pour comprendre les enjeux du film. C'est comme dans les comics : on peut retrouver des notes d'éditeurs façon *voir tel numéro dans l'une ou l'autre bulle de dialogue, mais ces notes n'empêchent jamais (ou alors très rarement) de comprendre le numéro en question. Il est tout à fait possible de prendre le train en marche, et si jamais vraiment la situation d'un héros ou d'une héroïne vous intéressait ou vous provoquait une zone d'ombre, alors vous aurez tout le loisir de revenir dessus par après.

Mais surtout, le fait de faire croire qu'il y aurait une liste aussi longue de films et séries à voir avant d'aller découvrir Avengers : Doomsday est on ne peut plus contre-productive pour un public plus, disons volage, que les fans déjà convaincus, qui pourrait s'auto-décourager par peur d'être perdu et par manque de temps pour aller voir, même en cinq mois, quinze films et séries. Encore une fois : dans les comics aussi, si vous tombez un jour sur un Detective Comics #1100, vous n'avez absolument pas besoin de lire les 1099 numéros sortis auparavant pour vous lancer. Et personne ne vous attendra à la sortie d'un comicshop ou du cinéma pour vous faire passer un QCM sur les possibles références que vous auriez loupé ou non lors de votre lecture/visionnage. Par ailleurs, on imagine très bien que dans les semaines avant la sortie d'Avengers : Doomsday, Marvel Studios sortira une vidéo récapitulative de quelques notions à retenir s'il en fallait - et que d'ici là, tous les vidéastes pop-culture auront aussi fait leur vidéo \"récap' avant Doomsday\".

Bref : comme bien souvent, le poids de la continuité apparaît plus comme un problème que les éditeurs (et maintenant les studios) façonnent pour faire croire à une complexité de leur univers qui n'est pas aussi importante que ce qu'elle est réellement. Que chacun fasse ce qu'il veut, évidemment, mais s'il y a des personnes concernées parmi celles qui lisent ces lignes : si vous voulez voir Avengers : Doomsday mais que vous n'avez ni le temps ni l'envie de vous farcir quinze films, alors allez simplement voir le film. Vous ne serez pas perdus, et on vous jure que personne ne viendra vous le reprocher.

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Sorti à l'automne 2025, l'album Une invitée dans la demeure d'E.M. Carroll est une petite pépite d'épouvante, à retrouver au catalogue de 404 Graphic. L'auteurice était venu défendre les couleurs de l'album - avec un passage notamment au festival Quai des Bulles. L'occasion pour nous d'aller à sa rencontre entre deux dédicaces pour parler longuement de l'ouvrage, qui nous avait largement séduit tant dans son approche graphique, que pour le registre horrifique utilisé et quelques twists scénaristiques très bien sentis.

L'interview s'est déroulée à l'automne dernier (via le podcast First Print, que vous pouvez toujours retrouver en ligne) et nous n'avions pas pris le temps de vous en proposer la version retranscrite et en français pour les non-anglophones. Une entrevue d'une bonne heure que vous pouvez savourer dans le format qui vous convient le mieux dès à présent. Une Invitée dans la Demeure est toujours disponible en librairie par ailleurs, et nous ne saurions que vous en recommander la lecture si ce n'est toujours pas fait. La discussion s'attarde d'abord sur le parcours d'E.M. Carroll et ses références dans l'horreur, avant de plonger au coeur de la conception et de l'intrigue de l'album.

Remerciements spéciaux à Émilie Hurel de 404 Graphic et à Clément Boitrelle pour la retranscription et traduction de l'interview.

Arno Kikoo : Puisqu’il s’agit de\n votre première venue, pourriez-vous nous parler un peu de vous ? Comment\n êtes-vous entré en contact avec les comics ?

Morgan Caroll : Waouh, par où\n commencer ? Je vis au Canada. Je suis né.e à Londres dans l’Ontario et je\n vis toujours dans le sud de la province. C’est drôle car durant le festival,\n j’ai échangé avec plusieurs personnes sur mes premiers contacts avec les\n comics. Je discutais avec Emma Rios qui m’expliquait qu’elle a attendu ses\n trente ans pour finalement se lancer dans le comics car iel ne pensait pas qu’il\n s’agissait d’un choix de carrière viable ! [rires] Ce fut un peu mon cas\n également. J’ai toujours dessiné en grandissant, j’ai toujours aimé ça. Je\n lisais des comics quand bien même je ne les appréciais pas vraiment, comme les\n comics Archie qui ne sont… vous voyez, pas super ! [rires]

AK : Vous savez que des\n lecteurs d’Archie comics vont lire cette interview ?

MC : C’est pas vrai !?\n [rires]

AK : Vous venez de tous\n les mettre en rogne... non, je plaisante !

MC : Je me doutais\n bien ! [rires] Arrivé.e au lycée, j’ai découvert le manga avec les séries\n de Rumiko Takahashi. Cela m’a ouvert les yeux sur ce que pouvait être la bande\n dessinée. En Amérique du Nord, la bd est très vite centrée sur Marvel, DC et\n les histoires de super-héros, que je lisais aussi. Je ne me voyais pas dessiner\n ce genre de récits car ce n’était pas mon style de dessin… Je ne me voyais pas\n imiter ce style. Tout au long du lycée j’ai donc dessiné mes propres bd sans\n jamais les montrer à quiconque ! Mes dessins étaient fortement influencés\n par le manga. Après le lycée, j’ai tenté des études supérieures mais j’ai très\n vite abandonné ! Après avoir laissé tomber les études, pas mal de\n personnes de mon entourage m’ont suggéré l’idée d’entrer dans une école d’art,\n puisque je dessinais tout le temps. Cela ne m’avait jamais traversé\n l’esprit ! J’ai donc eu un petit boulot pendant un an avant de finalement\n rentrer dans une école d’animation. Je ne me sentais pas d’entrer dans une\n école d’art car à l’époque j’étais davantage attiré par la création de\n personnages, d’histoires. J’animais des parties de jeux de rôles. Je ne voyais\n pas bien ce qu’une école d’art pouvait m’apporter. Il y est question de grandes\n œuvres… d’évocation des émotions et ce genre de trucs ! [rires]

AK : De l’elevated art !\n

MC : Exactement, l’art\n guindé, chic ! D’autant que je me satisfaisais de dessiner dans mon coin. Mais\n l’animation c’est comme un artisanat : vous l’apprenez et après vous\n pouvez vous forger une carrière, en tout cas c’est ce que je visualisais à\n l’époque. J’ai donc rejoint le Sheridan College aux abords de Toronto. Je\n faisais d’ailleurs partie de la toute dernière promotion consacrée à\n l’animation classique avant qu’ils ne décident de passer au tout numérique.\n J’ai donc appris à travailler aux crayons en basculant d’une page à une autre.\n J’étais d’ailleurs très mauvais.e ! Mais durant cette période j’ai\n rencontré un ami, Steve Woflhard, qui m’a dégoté un poste dans un studio\n d’animation en flash qui réalisait des dessins animés pour les petits\n Canadiens… Fort heureusement personne ne les a vus !

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AK : On ne peut\n définitivement plus les voir d’ailleurs car Flash n’existe plus.

MC : C’est vrai ! J’ai\n travaillé dans ce studio jusqu’à la fin de ma vingtaine environ. C’est à cette\n époque que Twitter est apparu et je m’étais lié d’amitié avec pas mal\n d’illustrateurs et de personnes qui travaillaient dans le comics ou l’animation\n destinés au Canada et aux USA. C’est à ce moment que j’ai voulu me lancer dans\n le comics. Ce qui m’avait retenu jusqu’à présent c’était l’idée que mes dessins\n n’étaient pas assez bons pour du comics. Je ne pensais pas être très bon.ne\n dans la gestion de la perspective, de l’anatomie… C’était sans doute à cause\n des comics à la Marvel où tout semblait très technique. Vous aviez un\n dessinateur, un encreur, un lettreur… Je ne me sentais pas à la hauteur. J’ai\n donc décidé de publier mes dessins sur un blog LiveJournal, tant que l’on est à\n parler de relique du passé ! J’ai alors commencé à devenir de plus en\n plus connu.e via Twitter notamment. Scott McCloud a parlé de moi ainsi que\n d’autres artistes. Cela m’a très vite encouragé.e à continuer de faire des bd.\n Ces dernières étaient très courtes. Je ne me donnais que quelques semaines pour\n réaliser une bd en ligne de sorte à ne pas partir dans tous les sens et ne pas\n réussir à la conclure. Aussi, j’ai grandi entouré.e de films d’horreur. J’ai un\n père et un grand frère qui sont de grands amateurs du genre et comme je voulais\n trainer avec eux à l’époque, j’ai regardé des films d’horreurs dès mon plus\n jeune âge !

AK : Ce n’est pas\n forcément la meilleure occupation quand on est très jeune !

MC : [rires] Non c’est\n sûr ! Ce qui est drôle c’est que beaucoup de personnes me demandent si mes\n albums sont adaptés pour des enfants. En réalité je n’en ai aucune idée car mon\n curseur pour ce qui est adapté à des enfants ou non est complètement\n déréglé !

AK : Evidemment comme\n vous avez vu Massacre à la Tronçonneuse à quatre ans…

MC : C’est tout à fait\n ça ! En revanche, ce que j’expliquais ce weekend, dès l’instant qu’il y\n avait une scène un tant soit peu sexuelle ou de la nudité, mon père me couvrait\n les yeux et les oreilles ! Il m’arrive donc parfois de revoir certains\n films dans lesquels je n’avais aucune idée qu’il y avait des scènes de sexe !\n Soit il me couvrait les yeux et les oreilles, soit il faisait un\n avance-rapide ! Mais Massacre à la Tronçonneuse ? Aucun\n problème ! Je me suis donc dirigé vers le genre horrifique car à l’époque\n il n’y avait pas autant de comics d’horreur. Il y avait bien des mangas\n horrifiques comme ceux de Junji Ito mais dans la scène indépendante canadienne,\n il n’y avait rien qui me parlait vraiment. Je crois que ma première histoire\n fut une adaptation d’un petit conte pour enfants, ainsi je n’avais pas à\n m’inquiéter pour trouver l’intrigue ! Je pouvais me concentrer sur la\n forme. Les retours positifs et les encouragements que je recevais en ligne\n m’ont poussé.e à continuer. Cela a pris du temps, d’autant que je continuais à\n travailler dans l’animation jusqu’à ce que je décide de me lancer dans mon tout\n premier album.

AK : Savez-vous où sont\n ces animations aujourd’hui ?

MC : Je n’en ai aucune\n idée ! Elles sont sans doute perdues pour toujours ! [rires] À chaque\n fois que je mentionnais mon travail dans le dessin animé, les gens me\n demandaient souvent pour quelle série je travaillais. Je répondais qu’il était\n impossible pour eux d’avoir vu au moins une fois ces séries !

AK : Les avez-vous déjà regardées ?

MC : Jamais. J’ai bien\n aperçu des extraits que l’on nous montrait au studio. Mais c’était plutôt\n chouette car c’était un métier stable. Il faut savoir que je ne les animais pas\n à proprement parler, je n’étais pas du tout impliqué.e dans la partie\n artistique. Je préparais et organisais les fichiers Flash pour les animateurs,\n j’étais un genre d’intermédiaire. Cela m’allait car une fois la journée\n terminée, je pouvais aller travailler sur mes propres créations, ce qui était\n mon vrai objectif.

AK : La leçon que l’on\n peut retenir de votre expérience c’est que de bonnes choses peuvent provenir de\n Twitter !

MC : C’était il y a quinze\n ans ! [rires] Je crois que cette période est révolue depuis\n longtemps !

AK : Nous évoquions le\n genre horrifique, et comme je suis également un grand fan d’horreur, je voulais\n savoir quelles étaient vos œuvres favorites dans ce registre ? Que ce soient\n des films, des bandes dessinées ou des jeux.

MC : Pour ce qui est de la\n bande dessinée, c’est une réponse un peu évidente mais je dirais Tomie par\n Junji Ito.\n

AK : C’est une réponse\n trop facile, vous devez choisir autre chose !

MC : [rires] C’est vraiment\n une de mes histories favorites. J’ai quand même l’impression qu’il y a beaucoup\n plus d’artistes qui œuvrent dans la scène indépendante aujourd’hui… Vous avez\n par exemple dans le genre Val Wise, Erika Price qui est originaire du Royaume\n Uni… En ce qui concerne les films, j’ai toujours du mal à n’en retenir qu’un\n seul. Je ne suis pas très regardant.e sur la qualité d’un film, du moment qu’il\n s’agit d’un film d’horreur !

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AK : Je vous comprends.

MC : En tant que fan\n d’horreur, vous vous contentez de peu !

AK : Je peux peut-être\n préciser ma question. Quel est votre genre d’horreur préféré ?

MC : J’aime l’horreur\n surnaturelle, les histoires de fantômes ou quand des personnages se retrouvent\n en Enfer. J’apprécie également les slashers mais je les considère plus comme\n des petites friandises, ce n’est pas mon genre de prédilection. Je me souviens\n d’un film Italien qui n’est jamais sorti en Amérique du Nord -à cause d’une\n brouille entre le réalisateur et la production visiblement. Il est sorti dans\n les années quatre-vingt-dix et s’intitule The Arcane Sorcerer. Vous en avez\n déjà entendu parler ?

AK : Pas du tout.

MC : C’est un film super\n avec une ambiance qui mélange Renaissance, isolement et horreur surnaturelle !\n J’apprécie les ambiances pesantes vous voyez ? J’aime beaucoup également\n Under the Skin avec son ambiance et ses visuels très forts. De même pour le\n mockumentaire Lake Mungo qui intègre des éléments plus tristes. J’adore quand\n l’horreur est tragique ! Un film d’horreur réconfortant, ce n’est vraiment\n pas mon truc ! [rires] Je suis vraiment attiré par le côté lugubre de\n l’horreur.\n

AK : Je suppose que vous\n n’aimez pas les happy endings !

MC : Pas vraiment non.

AK : Avez-vous déjà vu le\n film Eden Lake ?

MC : Pas encore.

AK : Je vous le conseille\n car il a une fin très sinistre.

MC : Je le rajoute sur ma\n liste !

AK : Vous avez juste\n envie de vous foutre en l’air après l’avoir vu !

MC: Ça a l’air top! [rires]

AK : L’horreur a donc été un\n choix évident pour vous à vos débuts. Vous avez débuté sur internet avec vos\n comics en ligne mais je me demandais si vous aviez déjà songé à réaliser des\n séries en format papier ? Je ne parle pas de romans graphiques mais plus\n des single-issues par exemple pour vraiment rentrer dans le marché du\n comics.

MC : N’allez pas croire que\n je n’y ai jamais songé mais je dirais juste que je n’y vois pas forcément\n beaucoup d’attrait… Je me fais sans doute une représentation erronée mais j’ai\n l’impression que le public pour ce genre d’histoire est un public un peu fermé…\n [rires] J’ai déjà mis en colère les fans d’Archie, je vais me mettre les fans\n d’horreur à dos aussi !

AK : Vous pouvez énerver\n qui vous voulez !

MC : Hellboy est un bon\n contre-exemple. Je serais prêt.e à lire ce genre de séries si le style et les\n dessins sont suffisamment cools ! Autrement, j’ai l’impression qu’il\n s’agit d’un genre très mainstream, très masculin à la fois dans le\n story-telling mais également dans les dessins : c’est toujours très\n réaliste, l’auteur y a une très grande place. En tout cas en Amérique du Nord,\n c’est vraiment l’auteur qui est vu comme le créateur d’une série. Le\n dessinateur peut bien changer, cela n’a pas trop d’importance. C’est pour ça\n qu’Hellboy est super, Mignola est à la fois l’auteur et le dessinateur. On m’a déjà demandé à plusieurs reprises de\n dessiner pour tel ou tel auteur…

AK : Ce que vous avez\n fait par ailleurs ?!

MC : Effectivement.

AK : Pour L’Assistante de\n la Baba Yaga notamment.

MC : J’ai en effet travaillé\n sur quelques romans graphiques pour enfants. Mais pour ce qui est des\n single issues, on m’aurait demandé de dessiner le script de quelqu’un d’autre,\n sans même considérer le fait que je puisse avoir moi aussi des idées… Alors je\n n’ai même pas voulu me fatiguer à rentrer dans ce marché… Je préfère travailler\n comme je l’entends !

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AK : Quand est-ce que la\n transition entre publication en ligne et publication papier s’est opérée ?\n Quel regard portez-vous sur ce changement ?

MC : Eh bien cela s’est\n réalisé car en 2010, je travaillais sur un comics. C’est d’ailleurs l’année\n durant laquelle je me suis lancé.e. La bd s’appelait His Face All Red et\n était publiée sur un site internet que j’avais conçu pour l’occasion, j’aime\n bien tout contrôler. Jusqu’alors je publiais sur LiveJournal mais pour cette\n histoire je voulais un fond noir, je ne voulais pas de section commentaires. C’est\n donc un site sur lequel vous pouvez faire défiler l’histoire.

AK : C’était en quelque\n sorte un webtoon avant l’heure ?

MC : Exactement ! La\n plupart du temps, quand je travaille sur une histoire, j’ai toujours en tête le\n format dans lequel elle sera publiée et je voulais que celle-ci soit un web\n comic. Il se trouve qu’elle a rencontré un grand succès sur Twitter. Cela m’a\n d’abord un peu effrayé.e car je n’avais pas l’habitude que des gens voient mon\n travail ! [rires] Mon agente m’a alors contacté.e, j’étais son unique\n client.e à l’époque, elle commençait tout juste ! Elle m’a suggéré.e\n l’idée d’un recueil d’histoires courtes dans lequel nous publierions His\n Face All Red entouré d’autres histoires inédites. C’est ainsi qu’est sorti\n mon premier album, Through the Woods, en 2014 [Dans les Bois, éd. Casterman]. Vous pouvez retrouver His\n Face All Red à l’intérieur mais il a fallu que je l’adapte pour le format\n papier. Je trouve personnellement que l’histoire fonctionne mieux sur le web,\n mais cela ne me dérange pas. Les autres histoires de ce recueil se ressemblent\n beaucoup : ce sont toutes des histoires originales mais avec une ambiance\n de contes de fées horrifiques !

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AK : Elles sont surtout\n toutes effrayantes !

MC : Depuis, j’ai réalisé\n d’autres web comics ici ou là mais je n’ai plus autant de temps qu’auparavant\n car je travaille principalement sur des albums papiers. Je n’appréciais pas\n trop au départ de travailler au format papier car le seul moyen de contrôler la\n forme de votre récit, c’est de tourner les pages. Alors que sur le web, vous\n avez pleins d’autres outils à disposition : vous pouvez faire défiler la\n page, cliquer dessus, vous pouvez faire passer votre souris sur un élément,\n insérer des gifs… Formellement, cela n’était pas aussi amusant mais cela n’est\n plus le cas dorénavant. Je suis bien plus intéressé.e par le format papier car\n la contrainte de la page est au final très intéressante. Si je dois créer un\n objet physique, qui occupe de la place et nécessite des ressources pour le\n produire, alors je veux qu’il soit le plus beau et le mieux réalisé possible.\n C’est donc un défi en soi. J’aime expérimenter avec de nouveaux éléments, de\n nouvelles formes. Entre mon premier album et le plus récent, j’ai effectivement\n travaillé pour d’autres personnes : l’Assistante de la Baba Yaga\n avec Marika Mc Coola, Speak de Laurie Halse Anderson. Je pense que cela\n m’a fait du bien de travailler à partir de scripts d’autres artistes. J’avais\n uniquement réalisé des histoires courtes auparavant et de travailler le script\n d’un récit plus long m’a aidé à me rendre compte que je pouvais moi aussi en\n produire un. Et aujourd’hui je sais que j’en suis capable !

AK : Ce qui est\n intéressant c’est que vous avez pu expérimenter avec le format numérique pour\n contrôler votre lecteur. C’est quelque chose de primordial dans l’horreur où il\n faut surprendre et faire peur. Aussi, comment rendre un album de comics\n effrayant ?

MC : [rires] C’est\n difficile ! Enfin… Je dirais que tout dépend du lecteur. Certains n’auront\n peur de rien et c’est très bien, ils ne correspondent pas à mon lectorat !\n [rires] Oh, une autre chose que je devrais mentionner concernant les web\n comics, c’est qu’à l’époque je pouvais le publier instantanément. Je peux\n contrôler le fait qu’une histoire soit accessible partout, tout le temps, mais\n je peux très bien la retirer définitivement de la toile ! C’est une\n perspective qui me rassurait en quelque sorte. Pour ce qui est de faire peur\n aux lecteurs… Il y a une chose qui m’intimidait au départ. Vous voyez, dans un\n film d’horreur, vous pouvez faire pause, vous pouvez revenir en arrière,\n avancer plus vite pour voir ce qu’il va se passer. Mais c’est souvent\n fastidieux. Dans un album, vous pouvez juste feuilleter les pages précédentes\n pour relever un élément, éclaircir un point d’intrigue ou vous pouvez même\n regarder ce qu’il va se passer dans les prochaines pages. J’envisageais cela\n comme un inconvénient à l’époque mais aujourd’hui, je trouve cela plutôt\n amusant et j’essaie de jouer avec. Savoir que le lecteur peut tout à fait\n revenir en arrière à n’importe quel moment, cela me plaît et je peux jouer avec\n pour contrôler le déroulé de l’histoire. J’apprécie également inviter le\n lecteur à relire l’album une fois qu’il est terminé pour apporter de nouveaux\n éléments qui ont été semés lors de la première lecture. Dans un album, ce qui\n pourrait se rapprocher le plus d’un jumpscare serait le fait de révéler quelque\n chose d’important une fois la page tournée. Je suis très méticuleux.se en ce\n qui concerne la mise en page et le rythme… Ce qui peut être très difficile\n quand en plus vous êtes mauvais.e pour compter les pages ! Je ne compte\n plus les fois où je pensais avoir une révélation sur l’autre page alors qu’en\n fait pas du tout ! Mais au final, toutes ces contraintes formelles dans un\n album forment un puzzle plutôt intriguant à résoudre ! A l’image des films\n que j’apprécie, qui ont tous des atmosphères très lourdes et lancinantes, j’essaie\n de convoquer ces mêmes éléments dans mes albums, tout en les ponctuant de\n splash-pages, d’éclats de couleurs ou de dessins plus détaillés. Il est plus\n difficile de compter sur le facteur choquant ou effrayant de votre album. Je\n préfère miser sur une atmosphère qui vous fait vous sentir mal… Un peu comme\n votre exemple d’Eden Lake où vous vous sentez sale à la fin, comme recouvert de\n crasse !

AK : Ce qui peut\n fonctionner aussi c’est d’insérer une image entre deux cases : si deux\n personnages discutent, vous pouvez insérer une image violente ou effrayante\n pour représenter ce qu’un des deux pense… Ou bien avoir un personnage en\n arrière-plan qui se rapproche au fur et à mesure. C’est ce genre de procédés\n qui se rapprochent d’une caméra dans un film.

MC : Tout à fait.

AK : Regardez-vous des\n films d’horreurs pour trouver des idées que vous pourriez incorporer dans vos\n albums ?

MC : J’en regarde tout le\n temps ! Surtout en ce moment, c’est la saison d’Halloween !

AK : Vous pouvez donc en\n regarder un par jour !

MC : Je lis également\n énormément de romans horrifiques. J’essaie d’analyser la manière dont les\n auteurs y distillent les informations et l’horreur. Le problème quand on pense\n aux films, c’est que vous devez forcément montrer à l’écran tel ou tel élément…\n Même si c’est sans doute plus facile aujourd’hui avec les effets spéciaux. Dans\n un comics, vous pouvez le dessiner. Vous n’avez pas de contrainte de budget par\n exemple. Au final, il faut savoir quoi montrer dans chacun de ces médias mais\n surtout comment le montrer…

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AK : Entre les histoires\n courtes de Dans Les Bois à Une Invitée dans la Demeure qui est un roman\n graphique, quel est le format le plus facile à réaliser selon vous ?

MC : Définitivement les\n histoires courtes ! [rires] Je crois que cela est dû à une caractéristique\n du genre horrifique : il est assez difficile de maintenir une ambiance\n glaçante ou une atmosphère spécifique dans un récit long. C’est un écueil que\n l’on retrouve dans les films également : bons nombres de films d’horreur s’essoufflent\n au bout de la 70^ème/80^ème minute, ils ne font plus aussi\n peur. Certains font l’erreur alors d’en dire trop ce qui rend votre menace\n potentielle moins effrayante. C’est la même chose pour les récits plus\n longs : pendant combien de temps pouvez-vous maintenir la tension ? De temps à autre il faut bien lâcher un peu du\n lest pour votre lecteur sinon il risque de vite s’ennuyer à force d’être tout\n le temps laissé dans le mystère. Il faut donc disséminer de l’horreur tout en\n maintenant la tension intacte, ce qui est difficile. Le format court m’amuse\n plus aussi car je suis plutôt impatient.e. Je veux en venir au fait\n rapidement ! J’ai divisé Une Invitée dans la Demeure en différentes\n parties pour que je puisse mieux visualiser ce qui se passerait dans chaque\n section qui comporterait chacune un petit arc narratif. Cela me permet\n également de renouveler la tension à chaque nouvelle partie car j’ai un peu de\n mal à garder une ligne directrice tout le long du récit.

AK : Pouvez-vous nous en\n dire plus sur les origines du projet ?

MC : Bien sûr ! L’idée\n première m’est venue lors d’un rêve que j’ai eu ! Vous savez, il y a un\n poncif dans certains contes de fée : une femme épouse un homme plutôt\n mystérieux ou inversement, elle découvre qu’il s’agit d’un monstre mais elle ne\n doit le révéler à personne sans quoi il retournera à la mer ou ailleurs… Mon\n rêve ressemblait à ça ! Une jeune femme épouse un type qui vit près de la\n mer. Il finit par y retourner et on découvre qu’il est en fait constitué de\n trucs blancs… comme des spaghettis… C’était un rêve d’accord ! [rires] Dans\n tous les cas, ce rêve m’a donné envie d’écrire une histoire dans le style\n romance gothique. J’ai eu un déclic en lisant une romancière canadienne,\n Margaret Laurence, qui était plutôt célèbre dans les années 50. Elle a\n notamment écrit un roman intitulé Une Divine Plaisanterie. Ce n’est pas\n du tout de l’horreur : c’est une étude de personnage qui se concentre\n autour d’une femme dans la trentaine, qui vit dans un petit village canadien.\n C’est une vieille fille qui doit avoir trente-cinq ans. Elle vit avec sa mère\n et est très malheureuse. Elle a néanmoins des envies très fortes d’ailleurs et\n le premier chapitre se termine par exemple par des visions fantasmées. Il y a\n un petit côté surréaliste. L’histoire fini par suivre sa première relation… Je\n me suis pas mal identifié.e à ce personnage : un petit village, une femme\n avec une très forte imagination. C’est également à la même période que j’ai lu Rebecca\n de Daphné du Maurier. Au passage, spoiler pour ce livre qui a plus de cent ans…\n

AK : Vous allez encore en\n agacer plus d’un !

MC : [rires] J’ai réalisé à\n la fin de ce roman qu’il s’agissait en fait de l’histoire d’un type qui avait\n tellement peu confiance en lui qu’il n’a pas su s’occuper de sa femme\n bisexuelle et sexy ! [rires] La deuxième épouse dans ce roman est\n constamment hantée par le souvenir de Rebecca, la première épouse tellement\n parfaite. D’autant qu’elle aime vraiment le mari, qui est naze au\n passage ! Il y a également une tension quelque peu érotique entre elle et\n le souvenir de l’ancienne épouse… J’ai donc voulu raconter une histoire dans\n laquelle l’affection de la deuxième épouse se dirigerait vers le souvenir de\n l’ex femme plutôt que vers le mari. Après, est-ce que l’ancienne épouse est un\n fantôme ou non, c’est une autre histoire… Je voulais explorer cet aspect. Ces\n deux romans m’ont également aidé à explorer le fait que des personnes vont se\n mettre à fantasmer ou vénérer des femmes qu’ils n’ont même pas connues ! Ce\n sont donc tous ces éléments qui m’ont inspiré.e… À noter aussi qu’à l’époque je venais\n d’emménager dans un petit village dans l’Ontario. Il y a donc beaucoup\n d’éléments dans l’album que je tire de mon enfance et de la région sud de\n l’Ontario. Tous ces ingrédients se sont télescopés… Certaines facettes du récit\n sont apparues aussi tandis que j’étais en train de le dessiner, car il a bien\n fallu s’y mettre un moment !

AK : Diriez-vous que\n c’est la narration qui est venue en premier ou bien les personnages ?

MC : La narration. La\n plupart du temps quand je commence une histoire, je ne connais pas encore la\n fin. Je me dis toujours que je finirais bien par trouver quelque chose ! En\n ce qui concerne cet album, j’avais en tête les éléments principaux ainsi que la\n conclusion. Il m’a fallu alors combler les trous et réussir à résoudre\n différents points de l’intrigue. J’ai un style d’écriture plutôt intuitif :\n j’essaie de ne pas trop tout planifier à l’avance pour me laisser un peu de\n marge de manœuvre. Si je dois jeter à la poubelle des séquences entières ou des\n dessins, tant pis, c’est le prix à payer d’une telle méthode. Encore une fois\n c’est mon côté impatient qui reprend le dessus !

AK : Si je comprends\n bien, vous ne rédigez pas de script en entier ?

MC : Non effectivement. J’ai\n déjà essayé, notamment quand j’ai travaillé avec des auteurs. J’ai dû faire les\n esquisses, les crayonnés, les encrages… Cela gâche un peu le plaisir selon moi.

AK : Il n’est pas rare\n par exemple de revenir plusieurs fois sur une même séquence.

MC : Exactement. Je n’aime\n pas trop la planification et encore moins en dépendre : devoir attendre un\n an pour pouvoir enfin dessiner une séquence qui a été validée etc. Devoir\n passer par tout ce procédé, c’est l’enfer… En ce qui concerne mes propres\n travaux, je réalise quasiment d’une traite les dessins. Il se peut que je ne\n commence pas directement par le début, je dessine une séquence par-ci, une\n autre par-là, tout en écrivant l’intrigue. Il peut m’arriver de faire quelques\n esquisses dans mon carnet de croquis, mais cela s’arrêtera à la composition de\n la page ou d’une case par exemple, avec une note « rajoute quelque chose\n ici » ! [rires] « Elle doit dire un truc au sujet d’un\n fantôme » par exemple. Puis je lis la séquence et si le rythme est un peu\n trop rapide, je rajoute un élément qui apporte plus d’explications. Ma méthode\n de travail est parfaitement incompréhensible pour mes éventuels collaborateurs,\n mais c’est ce qui rend ce métier intéressant selon moi. J’ai déjà bien essayé\n de scénariser et organiser certaines de mes propres histoires courtes, car au\n final, cela reste bien plus rapide. J’ai rédigé mon script, j’ai fait mes\n crayonnés et je l’ai encrée. Mais une fois les crayonnés terminés, je n’avais\n déjà plus envie de travailler dessus ! Je trouve ça plus amusant quand\n cela ressemble à un grand puzzle !

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AK : Il y a une chose de\n remarquable dans votre album, c’est l’usage des couleurs aux côtés des segments\n en noir et blanc. On pourrait croire que c’est un procédé que vous auriez pu\n utiliser pour mettre en avant, je ne sais pas, certains objets ou même du sang,\n comme il est de coutume de faire dans ce genre d’album. Vous les utilisez pour\n mettre en avant les visions fantastiques qu’Abby expérimente. Comment avez-vous\n eu cette idée et comment l’avez-vous concrétisée dans l’album ?

MC : Pour être honnête je ne\n me souviens plus trop comment m’est venue l’idée.

AK : Vous devriez.

MC : [rires] Je devrais\n prendre des notes oui !

AK : Au cas où vous\n auriez une interview à venir !

MC : [rires] Pour tout vous\n dire, je suis actuellement en train de travailler sur mon prochain album qui\n est tout en couleurs et laissez-moi vous dire, c’est un sacré boulot ! C’est\n beaucoup de travail de réflexion autour des différentes palettes de couleurs,\n d’autant que ces dernières ne me viennent pas naturellement. Il me faut du\n temps pour déterminer les différentes couleurs qui habilleront une pièce ou des\n personnages. Travailler en noir et blanc apporte un petit côté cinématique.\n J’ai regardé des films comme La Nuit du Chasseur et je voulais avoir\n cette touche expressionniste où les traits sont très marqués. D’un autre côté,\n avoir ces séquences dans lesquelles intervient le fantastique dans des couleurs\n très vives leur donne un certain poids. Je voulais que ces séquences soient les\n plus vibrantes possible. La première séquence de la sorte de l’album s’ouvre\n sur un des rêves d’Abby. Il m’a fallu une éternité pour me décider quelles\n couleurs utiliser. Mon cerveau a du mal à déterminer la palette de couleurs\n possibles. Je vais vous révéler ma technique hautement scientifique : je\n dessine la séquence puis je l’ouvre sous Photoshop, je balance un filtre et je\n passe en revue tous les calques possibles pour voir comment les couleurs\n changent ! Une fois que je tombe sur une teinte qui me convient, j’adapte\n ma palette de couleurs ! J’adore plutôt travailler le rouge. [rires] En\n tout cas, cela m’a pris du temps pour choisir les couleurs. Mais je voulais\n vraiment représenter la différence entre fantastique et le côté désaturé de la\n réalité. Cela dit, certaines séquences dans l’album qui se passent dans la réalité\n sont en couleurs. Ce fut une manière pour moi d’illustrer que certaines parties\n de l’esprit d’Abby s’activent. Je ne sais pas trop si cela est très limpide\n pour le lecteur… Tout ça reste très intuitif, je ne sais pas si je suis très\n clair.e !

AK : C’est très clair.\n Vous n’êtes pas du genre à noter toutes vos idées sur un carnet. En ce qui\n concerne le design du Chevalier, nous avons parlé jeux vidéo avant le début de\n cet entretien. Dark Souls semble être une référence plutôt évidente.

MC : [rires] Figurez-vous\n que je n’y avais jamais joué !

AK : Vraiment ? Il\n ressemble pourtant au personnage d’Artorias !

MC : Je n’avais joué à aucun\n jeu des Souls avant Elden Ring…

AK : Bon ça va alors, je\n ne vous juge pas… trop !

MC : J’ai toujours adoré\n l’esthétique de ces jeux mais je me disait qu’ils seraient trop difficiles pour\n moi. Si je devais vous\n répondre, je dirais qu’en fait je crois avoir toujours bien aimé dessiner de\n belles armures, même si designer l’armure du Chevalier m’a également pris pas\n mal de temps. Je crois que vous pouvez voir l’évolution entre sa première\n apparition et la dernière, je l’ai dessinée plus grand et avec plus de\n piques au fur et à mesure car je le visualisais de mieux en mieux. Et cela\n peut d’ailleurs facilement s’expliquer car il apparaît dans des rêves donc il\n peut évoluer. En tout cas on peut résumer ça ainsi : j’aime dessiner des\n chevaliers ! Je dois avouer que je ne suis pas non plus très fan de\n character-design, je ne suis pas très patient.e. Si vous prenez le personnage\n d’Abby, c’est le seul personnage dont les yeux se résument à deux points sur\n son visage. Voilà pourquoi : pour je ne sais quelle raison, quand je\n dessine un personnage, si je dois lui faire des yeux réalistes, alors je vais\n moins le prendre au sérieux car je me rends compte qu’il ne s’agit que d’un\n dessin. D’ordre général, cela ne me dérange jamais quand je regarde le travail\n des autres. Mais quand il s’agit de mes propres dessins, je ne parviens pas à\n me sentir relié.e à ces personnages. Je n’ai ressenti aucune connexion quand\n j’ai dessiné des yeux réalistes à Abby… Cela va peut-être sonner bizarre mais\n cela la rendait à la fois trop réaliste et trop « dessinée ». J’ai\n donc été satisfait.e quand j’ai trouvé la solution des deux cercles pour ses\n yeux. Tous les autres personnages peuvent avoir des yeux normaux, ce sera la\n seule à avoir ce regard un peu vide. En ce qui concerne mon processus pour\n designer des personnages, je dessine en général une dizaine de versions d’un\n même personnage sur une seule page. Au bout d’un moment je fini par en entourer\n une en me disant qu’elle fera l’affaire ! J’ai par exemple donné à\n Crystal, la belle fille d’Abby, la coupe au bol que j’avais quand j’étais plus\n jeune ! Je l’ai néanmoins fait blonde pour qu’elle ne me ressemble pas\n trop ! [rires] Son mari a été imaginé pour qu’il ressemble au père d’une\n connaissance que j’ai toujours trouvé distant et un peu intimidant quand\n j’étais jeune ! [rires]

AK : Est-ce que cette\n personne est au courant ?

MC : Oh non ! Je ne\n sais même pas s’il sait qui je suis donc ça va ! [rires]

AK : Que pouvez-vous nous\n dire sur le design du fantôme de Sheila, qui est par ailleurs incroyable !

MC : Oh merci ! Je ne\n me souviens plus quelle a été son inspiration mais je me souviens vouloir\n dessiner la quintessence d’une très belle femme, avec des yeux tristes. Je\n crois que son inspiration vient des travaux de l’artiste de la fin du 20^ème\n siècle, Henry Justice Ford qui a réalisé des illustrations en noir et blanc, un\n peu comme Arthur Rackham. Ses dessins représentaient de jolies princesses avec\n de long cheveux flottant, aux silhouettes parfaites comme celles représentées\n par Charles Dana Gibson. Je crois que j’ai surtout été inspiré.e par le fait\n que Ford a réalisé des illustrations de contes de fées. La robe de Sheila a cet\n aspect médiéval avec une gaine plutôt basse. J’ai donc regardé pas mal\n d’illustrations de ce genre et j’ai imaginé ce à quoi une version idéalisée\n d’une jolie princesse ressemblerait.

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AK : Vous expliquiez un\n peu plus tôt ne pas être très à l’aise avec la planification. A-t-il été facile\n d’élaborer et d’organiser les différentes révélations de l’intrigue ?

[SPOILER ALERT]\n

Comme quand nous apprenons que Sheila n’est pas morte d’un cancer et qu’elle ne\n s’est pas suicidée non plus. D’autant qu’il y a encore un retournement vers la\n fin. Est-ce qu’organiser ces différentes révélations et élaborer l’intrigue qui\n emmène le lecteur vers ces dernières a été facile ?

MC : Tout a été prévu à\n l’avance oui. Gardez en tête que toutes ces révélations se basent sur la\n représentation quasi-fantasmée qu’a Abby de Sheila. La seule fois qu’elle la\n voit en photo, c’est une photo de Sheila adolescente. C’est donc à partir de\n cette photo qu’Abby base sa représentation de Sheila : elle la voit comme\n une jeune fille et non comme une femme de quarante ans environ. Elle idéalise\n également ses talents artistiques alors qu’elle n’a vu d’elle qu’un seul dessin,\n qui n’est pas très bon d’ailleurs ! [SPOILER] Je voulais également faire\n apparaître le personnage de Beth - qui est au final Sheila - assez tôt dans le\n récit. J’ai également souhaité la rendre la plus invisible possible : ce\n n’est pas une jolie princesse, c’est une mère de famille tout à fait ordinaire.\n C’est le genre de voisine qui s’affaire constamment dans la maison, le genre de\n personnage que l’on croise dans les films d’horreur justement. C’est un\n non-personnage, vous voyez ? Le genre de femme que vous pouvez voir dans\n les films, les séries mais également dans la vie réelle. Elle n’est pas jeune,\n ni belle. Elle n’est pas populaire elle est juste…

AK : Ordinaire ?

MC : Exactement. Elle n’a\n aucune intériorité, elle est juste là pour servir le développement d’autres\n personnages. Aussi, quand Abby la rencontre pour la première fois, elle la met\n très vite sur un piédestal. « C’est la maman parfaite » etc. Je\n voulais révéler le fait qu’il n’en était rien. Beth est comme tout le monde.\n Elle a aussi ses propres fantasmes, un passé de merde mais vous l’ignorez très\n vite car elle n’est pas cette femme envoutante qui se loge dans votre\n imagination. J’avais donc cette partie en tête très tôt. Ce qui me permet\n également de jouer sur les attentes du lecteur dans ce genre d’histoires. C’est\n un cliché de film d’horreur : un jeune couple emménage dans une nouvelle\n maison, les voisins débarquent pour leur souhaiter la bienvenue…

C’est quelque\n chose que l’on retrouve par exemple dans Rosemary’s Baby. Les voisins ne\n peuvent pas représenter une menace car ils sont vieux ou même… un peu\n lourdingues ! [rires] Tout cela repose finalement sur la vision qu’a Abby sur\n ce que devrait être une femme, car elle essaie elle-même de trouver sa place. Tous\n ces éléments étaient déjà prévus à l’avance. Je savais que l’intrigue parlerait\n d’Abby et de ses rêves et de la maison. J’avais le dénouement bien en tête, je\n savais que Beth apparaîtrait tôt dans l’histoire et qu’Abby tomberait amoureuse\n de sa propre représentation de Sheila. La partie amusante fut de trouver\n comment emboîter tous ces éléments ! J’ai l’habitude de dire que cela\n ressemble à un grand puzzle mais c’est justement ce qui rend mon travail dans\n les comics excitant : c’est un puzzle en constante évolution, c’est moi\n qui contrôle les différentes pièces mais je dois également savoir le compléter.

AK : Vous devez aussi\n faire attention à ce que le lecteur ne résolve pas l’intrigue trop tôt !

MC : Surtout dans l’horreur\n effectivement où les lecteurs peuvent très vite questionner chaque élément.

AK : C’est d’ailleurs\n quelque chose que vous faites avec le titre de l’album. Quand on lit « Une\n Invitée dans la Demeure », on pourrait croire qu’un fantôme serait la\n fameuse « invitée ». Il s’agit plus d’Abby qui se sent comme une\n étrangère dans la maison d’une autre.

MC : Le titre m’est\n également venu très tôt. L’invitée dans la demeure est effectivement la\n présence persistante de l’épouse décédée mais c’est également Abby qui ne se\n sent pas à l’aise dans la maison car elle se voit comme une intruse. Qui plus\n est, elle se sent étrangère dans son propre corps : elle ne sait pas\n comment être soi-même. Elle essaie d’être une femme qu’elle n’est pas. Je crois\n également que dans ma première version, elle devait être enceinte afin de\n rajouter une autre dimension à la notion « d’invité ». Au final j’ai\n gardé une séquence où on comprend qu’elle a cru être enceinte. Vous savez, je\n n’essaie pas tout le temps d’avoir des titres très profonds mais c’est le cas\n ici !

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AK : Je voulais également\n aborder un point avec vous : Abby, le personnage principal est, disons-le\n franchement, une connasse !

MC : [rires]

AK : Cela change car dans\n ce genre d’histoire, on a très généralement des personnages féminins qui sont\n toujours parfaits. C’est une voie que vous n’avez pas choisie car dans l’album,\n chaque personnage féminin a des défauts et sont parfois même de mauvaises\n personnes. Est-ce quelque chose que vous vouliez vraiment intégrer ?

MC : Définitivement. Abby\n essaie de se conformer à l’image qu’elle se fait d’une mère ou d’une femme\n parfaite. Mais elle est très mauvaise dans l’un ou l’autre rôle car ce\n n’est pas ce qu’elle est vraiment. Elle a donc cet affect un peu bizarre dans\n la mesure où elle ne s’implique pas vraiment. Cela me fait penser à quelque\n chose qui a tendance à m’agacer chez certaines personnes qui revendiquent le\n fait de tout faire pour les autres, au détriment d’eux-mêmes. Mais au final,\n ils le font pour eux car ils veulent à tout prix affirmer l’idée qu’ils ont de\n ce que devrait être une personne serviable. Mais au final, personne ne leur a\n demandé de se sacrifier. Vous le faites seulement car cela vous donne une\n impression de contrôle et de maîtrise. Abby veut absolument être la meilleure\n mère possible mais personne ne l’a forcée à épouser son mari… J’aime imaginer\n des personnages principaux plutôt lâches ! Lâches ou bien qui se sentent\n coupables tout le temps sans raison apparente… Je répond souvent ceci en\n interview : dans l’horreur, s’il y a un loup-garou, on dira qu’il faut le\n tuer avec une balle en argent. Voilà la solution. Je pense que si je\n rencontrais un loup-garou dans la vraie vie, je serais terrifié.e mais quand je\n lis une histoire je me dis juste « voilà la solution, occupez-vous\n en ! ». En revanche, si vous faites face à quelque chose\n d’insolvable comme la culpabilité, votre lâcheté ou tout autre défaut de\n personnalité, c’est bien plus terrible. Vous ne pouvez pas le faire disparaître\n comme ça ! Dans His Face All Red, tout tourne autour de la jalousie\n du personnage principal envers son frère. Vous ne pouvez pas vous débarrasser\n de ça avec une balle en argent. L’horreur va alors surgir de ce sentiment\n d’impuissance, de culpabilité : vous savez que vous êtes nuls ! Ainsi,\n les insécurités d’Abby sont à l’origine de tout ce qui finit par lui arriver

AK : Une des difficultés\n en bande dessinée c’est d’accrocher très vite le lecteur. Bien qu’il y aient de\n nombreuses scènes marquantes dans l’album, celle qui m’a le plus frappé se\n trouve dans les dix premières pages. Abby se regarde dans un miroir et\n fini par s’arracher la gorge ! Je me suis alors dit « C’est\n absolument horrible. Je veux en savoir plus ! ». Avez-vous à l’esprit\n les différentes séquences qui doivent marquer votre récit lors de la rédaction\n du script ?

MC : Cette séquence a été je\n crois la première page de l’album que j’ai dessinée ! Abby qui s’arrache\n la gorge avant que l’on ne se rende compte qu’il s’agit d’une de ses visions. Ce\n fut la première que j’ai dessinée car elle m’a rappelé.e un web-comic que\n j’avais réalisé il y a quelques années qui parle de crème pour\n les mains : Some Other Animal’s Meat. Cette histoire est\n plutôt similaire car il y a plusieurs séquences où le personnage principal fait\n face à un miroir et se focalise sur certaines parties de son corps. A tel point\n que tout devient presque abstrait. Elle finit par avoir des visions absolument\n grotesques ! C’est le genre de séquences que je voulais réutiliser dans\n l’album via le personnage d’Abby. Mais c’est aussi en partie basé sur mon\n histoire personnelle. Il faut savoir que j’ai effectué ma transition après\n avoir terminé l’album. Je n’avais pas réalisé à quel point l’histoire aborde\n les thèmes de la dysphorie par le prisme des miroirs. Il a fallu que je termine\n l’album pour m’en rendre compte, ce qui est un peu gênant ! [rires] Je\n pense à une scène par exemple où Abby se regarde dans un miroir. Cette scène\n fait écho à une autre séquence de miroir où elle se décrit. Elle explique\n qu’elle a l’impression de ne même pas habiter son propre corps. Puis elle va\n chez le coiffeur, et une fois terminé elle se met à pleurer en se regardant\n dans la glace. Je suis sûr.e que beaucoup de lecteurs.rices ont déjà vécu cette\n expérience ! Cette séquence est basée sur une expérience similaire. Je\n suis allé.e chez le coiffeur pour avoir une coupe courte, et je me suis\n retrouvé.e avec une coupe à la « Karen », vous voyez ?

AK : Elle ne vous a pas\n plu ?

MC : C’était horrible !\n J’ai eu une sorte de crise existentielle ! Pour revenir à la séquence que\n vous évoquiez, j’aime commencer mes histoires avec une séquence qui secoue le\n lecteur avant que le rythme retombe un peu. Un peu comme… C’est une comparaison\n un peu bizarre mais c’est un peu comme dans le remake d’Evil Dead qui\n est sorti il y a une dizaine d’années. Vous avez la séquence d’ouverture où les\n personnages brûlent cette pauvre fille avant que le film ne commence vraiment.\n J’adore quand un film d’horreur fait ça, quand il y a comme un pré-générique.\n Un truc horrible arrive, et vous avez le titre du film. C’est ce que j’essaie\n de faire en bd.

AK : Et voilà j’ai envie\n de le revoir à nouveau ! Je repense à la séquence finale avec la\n tronçonneuse et la pluie de sang !

MC : J’ai une connexion\n assez étrange avec ce film ! J’ai été un.e grand.e fan des premiers films\n plus jeune également.

AK : C’est une des\n meilleures sagas horrifiques.

MC : Je suis d’accord.

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AK : Quelle a été la\n scène la plus compliquée à dessiner ? Il y a beaucoup de séquences qui\n semblent complexes à réaliser.

MC : La première chose qui\n me vient à l’esprit et qui n’est pas forcément la plus intéressante : les\n escaliers. [rires] Je ne suis pas très fort.e en perspective. Un escalier, ce\n n’est que de la perspective ! Ma femme est une artiste 3D spécialisée dans\n les environnements. Elle m’a conçu sur ordinateur une maison avec différentes\n pièces et je lui demandais régulièrement de me dessiner des escaliers que\n je pouvais ensuite déplacer. Je m’emmêle très vite les pinceaux quand je\n réfléchis un peu trop à des escaliers ! On pourrait penser que je suis\n défoncé.e mais je me souviens qu’en dessinant une séquence où un personnage\n monte des escaliers, je ne me souvenais plus où se situaient les murs, le toit,\n où est-ce que je dois mettre la rampe ?! N’importe quelle scène avec un\n escalier devient très vite difficile pour moi. Dans Through the Woods,\n l’action se passe principalement en forêt et je peux donc avoir une approche\n plus naturaliste. Je dirais donc les escaliers mais plus généralement la maison\n aussi. J’ai sans doute passé plus de temps à réfléchir à cette dernière qu’à\n réfléchir aux personnages ! [rires] J’ai dessiné le rez-de-chaussée avec\n ses entrées et sorties. J’ai réfléchi au positionnement des meubles etc. Mais\n vous pouvez tricher un peu. Vous pouvez par exemple réduire la taille d’une\n pièce dans une scène, l’agrandir dans une autre car au final vous n’êtes pas\n tant contraint par un lieu spécifique. Il n’empêche que je ne suis pas très à\n l’aise avec ces éléments. Je pense à d’autres séquences qui ne furent pas\n nécessairement difficile à dessiner mais plutôt difficile à planifier. Je pense\n à la scène où le Chevalier rencontre pour la première fois Sheila. J’ai dû\n redessiner une dizaine de fois ce passage car je n’étais pas satisfait.e de son\n déroulé. J’ai également pris beaucoup de temps à me décider sur les couleurs,\n le découpage etc. J’y ai passé beaucoup de temps. En dehors de ça… J’aime\n dessiner ! Je crois que les scènes les plus amusantes à dessiner sont\n celles où il y a des éléments crades, sanglants et visqueux ! On en\n retrouve jusque sur la couverture de l’album ! J’adore dessiner ça. Tout\n comme l’armure du Chevalier. Mais dès l’instant qu’il faut se replonger dans la\n réalité d’une scène… C’est vraiment le plus difficile !

AK : La réalité est\n ennuyeuse…

MC : Cela sonne un peu\n cliché mais prenez par exemple les scènes qui se passent dans la cuisine.\n Devoir dessiner de l’équipement ménager etc. ce n’est vraiment pas le plus\n palpitant !

AK : Parlons de la fin.\n Vous avez décidé de ne pas répondre à la question de l’identité du fantôme. Si\n ce n’est pas Sheila, qui est-ce ?

MC : [rires] Ecoutez, j’ai\n bien mon interprétation. J’ai découvert après avoir publié mes premières\n histoires que dès l’instant qu’un lecteur vous fait part de son interprétation,\n alors c’est une vision qui est valide. Quand bien même il/elle a détesté,\n qu’il/elle trouve l’histoire nulle ou que le message n’est pas bon. C’est le\n risque inhérent quand vous publiez des histoires. En temps normal, j’aime les\n fins ambiguës. Certains détestent ça et me l’ont déjà bien fait\n comprendre !

AK : On vous l’a déjà\n reproché en personne ?

MC : Absolument ! On\n m’a déjà dit « Je n’aime pas cette fin, vous devez m’apporter une\n réponse. » Ou bien on m’a déjà demandé de faire une suite pour élucider un\n élément. Pourquoi je voudrais faire ça ?

AK : Et si on faisait un\n spin-off sur le personnage que l’on aperçoit en arrière-plan à la page\n 36 !

MC : C’est exactement\n ça ! His Face All Red se termine également en cliffhanger et\n beaucoup de lecteurs m’ont déjà réclamé une deuxième partie. Vous savez, cela\n ne rend pas votre histoire plus effrayante pour autant. Si vous dévoilez que le\n fantôme correspond à, je ne sais pas, la sœur du personnage, vous mettez un\n point final à l’intrigue. Et je crois que donner une réponse définitive retire\n tout l’aspect horrifique d’un récit.

AK : Cela ferme toute\n possibilité de débat.

MC : Oui et puis si vous\n dites « ça se termine comme ça, point », vous rangez l’album sur une\n étagère et vous passez à la suite. L’histoire ne restera pas avec vous. C’est\n en tout cas mon avis sur le sujet, avis basé en grande partie sur le type\n d’horreur qui me fait résonner. On a tous un type d’horreur préféré et c’est\n normal que tout le monde n’apprécie pas la fin de mes histoires. Comme j’aime développer\n une atmosphère particulière, il ne faut pas que la conclusion repose sur\n quelque chose de concret. Des personnes m’ont par exemple demandé qui est le\n fantôme qui meurt à la fin de l’album, car l’histoire se termine sur une\n séquence quelque peu ambigue…

AK : Je ne trouve pas que\n ce soit si ambigu que ça.

MC : Je suis d’accord avec\n vous ! Pour moi, ce fantôme n’en est pas vraiment un. C’est la\n manifestation des angoisses d’Abby, de ses désirs inassouvis et des facettes de\n sa personnalité qu’elle n’est pas prête à affronter. Tout cela est lié au fait\n qu’elle ne veut pas reconnaître son homosexualité, qu’elle désire telle ou\n telle chose. C’est pour cela qu’à la fin, vous avez le fantôme cadavérique qui\n pose la question « Qui es-tu ? ». Comme si le dragon et le\n fantôme lui posent à elle cette question et inversement. La question reste en\n suspend car Abby refuse de se confronter à tout cela. J’aime quand, dans un\n film d’horreur ou un livre, les questions ne sont pas tranchées.\n « Est-elle un fantôme ou simplement folle ? » Et si c’était un\n peu des deux ? L’un peu influencer l’autre. Voilà mon interprétation un\n peu ambiguë de la fin : son enfance, son empreinte sur sa sœur, sa\n relation avec sa mère… Vous pouvez extrapoler beaucoup de choses. Mais si vous\n préférez vous dire qu’il y a un vrai fantôme, aucun problème, je ne vais pas\n vous en empêcher ! [rires]

AK : Vous nous expliquiez\n travailler sur un album en couleurs ? Que pouvez-vous nous en dire ?

MC : Je ne peux pas encore\n vous dire de quoi cela va parler. Cela n’a pas encore été annoncé. Je voulais\n simplement m’amuser en dessinant. C’est encore un récit d’horreur. Ce n’est en\n revanche pas vraiment un conte de fée mais c’est très extravagant, opulent…\n Disons que je voulais dessiner des choses qui me font plaisir ! J’espère\n que cela sera un peu plus… joyeux ? Il y aura en tout cas plein de\n gore ! Ce seront différentes histoires courtes plus ou moins connectées\n les unes aux autres par une intrigue plus large. Je ne l’aurais pas terminé\n avant 2026 je pense.

AK : Nous serons à\n l’affut ! Merci beaucoup pour votre temps Morgan.

MC : Merci de\n l’invitation !

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Bienvenue dans un nouveau numéro de la chronique des \"critiques express\". A intervalles réguliers, la rédaction vous propose de courtes reviews sur des numéros de comics VO sortis récemment. L'idée est de pouvoir à la fois vous proposer une analyse des sorties attendues du côté des éditeurs mainstream et indé', parler également de runs sur la durée, et essayer de piquer votre curiosité sur quelques titres moins en vue. En somme, tout simplement de mettre en avant le médium comics dans nos colonnes autrement que par le prisme pur de l'article d'actualité.

On ne vous fera pas de laïus en introduction pour s'excuser de la non-régularité de cette chronique. Oui, le dernier numéro datait d'il y a plus d'un an, l'aviez-vous vous-même constaté ? Et en même temps, malgré le retour des commentaires sur le site, on ne vous voit jamais réclamer des reviews, pour de la VO ou de la VF. C'est donc peut-être votre faute s'il n'y a plus eu d'articles de ce genre, non ? Inversion accusatoire et blagues à part, sans vous faire de promesse qu'on ne pourrait tenir, voici quelques petites critiques sur des numéros VO sortis récemment, et on vous invite à nous faire part de vos propres avis/lectures et vos retours sur ces textes, notamment si vous voulez que cette rubrique (et son équivalent du Cahier Critique VF) soient plus régulières dans le futur proche ! Si les comics chroniqués vous tentent, les liens vous permettent de les commander si disponible chez notre partenaire Pulp's.

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TERMINAl #1 - Robert Kirkman, Joe Casey & Andy Kubert

On pouvait penser que Robert Kirkman en avait définitivement terminé avec les histoires de super-héros depuis Invincible, mais force est de constater que ce n'est pas le cas. S'il revient à son univers fétiche avec le spin-off Battle Beast, le scénariste superstar s'est aussi entouré du grand Joe Casey (lui même déjà bien connu pour sa relecture du registre super-héroïque) pour lancer Terminal, une nouvelle série régulière visiblement pensée pour le très long terme, comme un immense terrain de jeu qui devrait permettre à son lectorat de retrouver une certaine énergie propres aux comics Image des années 1990. La note d'intention est très clairement indiquée en postface du numéro d'ouverture, et au sortir de cette grosse introduction, on peut se dire que l'équipe créative n'a pas menti là-dessus.

Marilyn Elizabeth Howe est à la recherche de sa soeur disparue, Alessandra. Alors qu'un de ses contacts (un hacker amateur) réussit à retrouver quelques informations sur elle et s'apprête à les lui remettre dans une ruelle sombre, voilà que ce-dernier se fait sauvagement assassiner par un adolescent aux allures démoniaques, surnommé The Imp. Marilyn est sortie d'affaire en castastrophe par sa soeur, dont elle apprend qu'elle se fait appeler Crusher, et appartient à une organisation de super-héros dirigée par Maculox, un oeil géant, qui lui propose de rejoindre leur combat. Marilyn va désormais devoir faire un choix qui pourrait bien changer toute sa vie. Tout est présent dans ce premier chapitre pour montrer ce que Terminal a dans le ventre. Des héros et des super-vilains hauts en couleurs, particulièrement du côté sombre de la force où on n'hésite pas à verser dans le déluge d'une violence presque forcée, mais réjouissante, pour qui se rappelle des saillies gores d'Invincible. L'univers se présente aux premiers abords comme une bête lutte entre deux factions - supposément celle du bien contre celle du mal - mais Kirkman et Casey déjouent les attentes avec une intrigue et un univers qui s'annoncent bien plus complexes - et moins manichéens - que prévus.

L'entrée en matière est donc efficace. Terminal #1 possède en lui une bonne énergie qui, en effet, renvoie aux comics d'il y a quelques décennies. Mais sans chercher à se reposer vraiment sur une forme de copie. Il y a de l'hommage, mais aussi une volonté d'aller plus loin, en allant explorer toutes les zones de gris que l'on peut retrouver entre des (supposés) super-héros et super-vilains. Le numéro permet de retrouver un Andy Kubert en très belle forme, même si les chara-designs des peresonnages ne sont pas forcément des plus inspirants. C'est d'ailleurs peut-être la faiblesse de croire que l'on peut encore être original, au moins sur le plan visuel, à créer en 2026 de nouvelles histoires de super-héros - mais ces limites apparentes ne demandent qu'à être contredites par la suite. On sera particulièrement curieux de voir comment Arthur Adams et David Finch se débrouillent pour faire vivre ces personnages avec leurs propres styles. Par ici, on reste convaincu du potentiel même si le tout a l'air un peu bas du front - quitte à ce que Terminal devienne la lecture \"pas prise de tête\" des prochains mois. Et que ça puisse suffire aux côtés d'autres propositions indé' plus exigeantes.

ArnoKikoo

- Vous pouvez commander Terminal #1 à ce lien !

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ODIN #3 - Marguerite Bennet & Letizia CADONICI

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Une journaliste qui enquête sur les nouvelles mouvances d'extrême-droite infiltre un petit groupe de suprémacistes blancs et les accompagne dans un périple en Norvège où, suivant les indications d'une carte faite sur peau humaine, ils espèrent pouvoir invoquer Odin et ramener sur Terre le règne de la \"race blanche\". Le groupe est rejoint en cours de route par un mystérieux individu à lunettes, Fred, et peu de temps après leur arrivée dans les terres du \"Fatherland\", les choses dégénèrent. Sur cette base de récit d'horreur assez simple, Marguerite Bennett (accompagnée par James Tynion IV) surprend avec une trame qui ne va pas forcément là où l'attendait. À l'instar de la séquence d'ouverture de Once & Future, on aurait pu s'attendre à ce qu'un dieu nordique, une fois réveillé, se montre plus suprémaciste que ses adorateurs... mais le carnage viendra plutôt du groupe lui-même. On ne rentrera pas dans les détails, mais Odin se montre assez énervé dans les mises à mort de ses protagonistes, où se succèdent sacrifices, immolations et autres joyeusetés cannibales. Quiconque connaît les travaux de Bennett et Tynion IV ne sera pas surpris du résultat.

Mais le plus intéressant et le plus effrayant reste certainement le développement des personnages autour de leurs thèses suprémacistes et leurs discours d'entresoi. L'autrice n'essaie pas de tourner en ridicule leurs propos par le biais de la satire, mais en fait une exposition assez premier degré, où toute la violence du discours est dévoilée sans fard ni artifice. Qu'il s'agisse de pseudo-eugénisme et de patriarcat, rien n'est épargné dans les mots choisis, et seul le personnage d'Adela (la journaliste infiltrée) permet de constater l'horreur de leurs discussions - tout en permettant de prendre du recul par rapport au sort qui leur arrivera. La figure de Fred est assez amusante dans le rapprochement qu'on peut en faire avec le Walter des Nice House, et on imagine bien comment l'intrigue pourrait prendre encore un autre tournant avec un twist bien senti d'ici le 4e numéro. Au dessin, le trait assez économe de Letizia Cadonici (Books of Slaughter, Creepshow) rappelle l'école Werther Dell'Edera mais aussi l'approche d'une Vanesa Del Rey, en un peu plus propre. Les émotions des personnages sont lisibles, le découpage assez classique, et le dessin profite surtout des couleurs toujours impeccables de Jordie Bellaire. On gagne en ambiance ce que les pages perdent parfois en lisibilité. Il reste encore deux numéros pour voir où le récit atterrira, mais l'expérience est pour le moment convaincante, à défaut d'être renversante.

ArnoKikoo

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- Vous pouvez commander Odin #1-3 à ce lien

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Avengers : Armageddon #3 - Chip zdarsky & Ario anindito

Il y a de quoi être content du parcours de Chip Zdarsky sur Captain America, et dans la foulée du sympathique One World Under Doom, Avengers : Armageddon pourrait bien être l'un des meilleurs events de Marvel de ces dernières années. Après la défaite de Doom, la Latvérie est devenue un territoire instable, source de conflits entre diverses factions internes, mais aussi la cible d'une opération de conquête hostile de la part de Thaddeus \"Thunderbolt\" Ross, bien décidé à se venger de l'emprisonnement et des sévices que Doom lui a fait subir. En dépit de tout respect du droit international, le voilà qui amène avec lui une horde de soldats-Hulk pour déclarer la Latvérie comme territoire de la New America, avec l'ambition d'apporter \"la démocratie\" dans tous les pays d'Europe environnant, à commencer par la Symkarie. Alors que Captain America est dans un coma profond, le reste des héros doit contrer les ambitions totalitaires du Red Hulk, et ce quand bien même les Nations Unies leur ont interdit d'intervenir, estimant que les super-héros sont la cause de tous ces troubles géo-politiques.

Avengers : Armageddon est aussi divertissant dans la forme que dans le fond, certes sur des thématiques bien connues, mais qu'il est nécessaire de remettre en avant - à l'heure de l'envie, manifeste, de certains pays de rasseoir une domination impériale sur d'autres états du monde (on dit ça, on dit rien). La force de Zdarsky est d'avoir réussi à très rapidement s'être extirpé d'un simple conflit de Ross contre les héros pour l'avenir de la Latvérie, et de prendre des tournants moins attendus. Notamment avec la place accordée à David Colton (l'ancien Captain America qui opérait pour les États-Unis avant que Steve Rogers ne sorte des glaces, et qui a eu droit à une sacrée upgrade dans la mini-série Wolverine : Weapons of Armageddon). Celui-ci vient apporter une réponse à la question des devoirs des super-héros par rapport aux conflits humains et à ce que le pouvoir absolu permet de faire \"pour le bien de tous\". De quoi entraîner les débuts d'une nouvelle Civil War ? C'est l'un des constats qui peut être fait à la lecture de ce numéro où la tension se montre de plus en plus importante. Il y a quelque chose de grisant à voir les enjeux se démultiplier et prendre une toute autre importance qu'au postulat de départ, bien loin de récits ennuyeux façon \"la Terre est attaquée par telle ou telle faction (qu'elle soit Cotati, symbiotique ou vampirique...).

Seule ombre au tableau ? L'incapacité visible de l'éditorial chez Marvel à garder un même artiste sur des projets de telle envergure. Delo Diaz et Frank Alpizar qui ont une patte mainstream quelconque mais efficace, sont remplacés pour ce troisième chapitre par Ario Anindito dont le trait est un peu plus brouillon. Ce qui n'est pas trop dommageable sur les passages les plus calmes de ce numéro, mais de vraies faiblesses sont lisibles sur des scènes de foule, ou des moments d'action plus énervés. Rien qui ne puisse vraiment gâcher la lecture, mais le sentiment d'agacement persiste : on est certainement sur un des temps forts de 2026 de la Maison des Idées et malgré toutes leurs ressources, ils ne parviennent pas à maintenir l'unité graphique sur un titre de quelques numéros, qui a dû être planifié bien des mois en avance. À voir s'il n'y aurait pas des changements de plan éditoriaux en interne qui expliquerait ces changements ? Malgré ce reproche, Avengers : Armageddon reste agréable à lire - et on a un peu peur d'aller jeter un oeil à Queen in Black en face...

ArnoKikoo

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Regicide #1 - Patrick Kindlon & Ludovic Lalliat

Dès l'annonce de son titre et la première couverture dévoilée, Regicide nous a intrigués (peut-être parce qu'en France, on a une certaine fascination sur le fait de tuer des rois ? Allez savoir...). Dans le pays imaginaire de Tara Rumâneascâ, à une époque moyen-âgeuse, un vieux paysan solide comme un roc est envoyé par les anciens du village pour accompagner un mystérieux étranger au masque de fer avec une mission : tuer le roi du pays, Basarab. Une quête dont on ne sait quelles sont les motivations du \"héros\", qui au-delà de sa ressemblance avec Fatalis (elle-même dérivée de la littérature classique française), semble cacher avec lui quelques secrets.

Regicide #1 doit faire beaucoup de choses en peu de place puisque la mini-série n'est prévue qu'en quatre numéros. Kindlon ne pert donc pas de temps dans l'exposition, avalée en quelques pages, avec des scènes qui expliquent rapidement le contexte du récit et installe Mihas (le vieux paysan) comme une force de la nature, bien plus redoutable que ce qu'on pourrait penser de lui. Il faut souligner la qualité du dessin de l'artiste français (!) Ludovic Lalliat qui convient parfaitement à l'ambiance macabre et poisseuse de ce titre de dark fantasy. Les gens, même dans leurs châteaux, ont tous l'air sale, le ton est lugubre et les combats sont âpres et violents. Très violents. Le dessinateur a quelques très chouettes idées de designs qui font rapidement basculer le titre vers le monstrueux avec un adversaire particulièrement repoussant. De la même façon, la planche qui conclut cette introduction a quelque chose d'intrigant et de dégoûtant à la fois. On pourra reconnaître que le trait à l'apparence fébrile ne sera pas du goût de tout le monde, mais il aurait été vain de vouloir délivrer pareille histoire avec un dessin \"propre\".

Reste à voir forcément la direction que prendra le titre et ce que l'équipe créative voudra raconter en si peu d'espace. On apprécie de voir quelques petits segments supplémentaires (illustrés par d'autres artistes) venir enrichir un peu le lore de Regicide, tout en apportant des éléments narratifs qui seront importants pour les prochains numéros. Regicide #1 montre qu'il y a de la place pour un récit résolument pour adultes, qui ne se cache pas dans sa volonté d'aller dans le crado, et on atteint avec une certaine impatience la sortie du prochain numéro.

- ArnoKikoo

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Cette fois, c'est sûr : la rentrée scolaire est enfin arrivée ! Et l'automne avec elle, en ligne de mire pour la fin du mois. Nous avons été capables de passer l'été, ce qui signifie qu'il nous reste donc encore un petit moment pour parfaire nos fringues et nos attirails futuristes pour la société façon Mad Max qui nous attend patiemment mais certainement au bout des sécheresses et des canicules en série. Ceci étant dit, pas de mauvais esprit aujourd'hui : oublions le monde réel en lisant les comics, merveilleux environnements fictionnels qui nous préservent de certaines dures réalités contemporaines ! Or, dans les comics aussi, c'est la rentrée. Si. Et si. C'est comme ça. Figurez-vous.

Ou alors, il ne s'agit peut-être qu'un simple hasard des calendriers de sortie. Mais constatons des faits : avec la Legion, avec les Teen Titans, avec la grande relance d'Archie Comics chez Oni Press, les fans de fiction adolescente auront largement de quoi s'occuper pour le début du mois de septembre ! Des adolescents sous toutes les coutures, de toutes les couleurs, en mainstream ou sur le marché indépendant, avec des envies de classicisme ou de modernité en fonction des équipes créatives. Au global, le bilan est même plutôt sympa pour la réouverture des écoles, avec un véritable nouveau souffle générationnel dans la plupart des cas. C'est vrai : au final, tout le monde semble avoir envie de réinventer les adolescents d'hier en ce moment, ce qui indique peut-être qu'au fond, nous serions peut-être tous en train de prendre un coup de vieux. Bonne rentrée quand même ? Bonne rentrée quand même.

Legion of super heroes #1 - Joshua Williamson & Hayden sherman

Galvanisées par le nouvel élan créatif d'une offre Next Level en perpétuelle ascension, les éditions DC Comics poursuivent l'effort de remise en route autour de certains de leurs concepts les plus niches. En l'occurrence, la Légion des Super-Héros rentre de plain-pied dans ce cas de figure précis. Souvent associée aux curiosités de l'âge d'argent, cette équipe de justiciers venus du futur n'aura que rarement eu l'occasion de briller depuis une petite dizaine d'années, alourdie par une tentative de relance orchestrée par Brian Bendis... qui n'aura pas été du goût de tout le monde. Or, le fait est que la Légion tombe justement dans un angle mort précis : adûlée des fans de longue date pour le volume (exceptionnel) de Paul Levitz, tout en étant largement périphérique aux événements de la continuité principale, l'équipe aura longtemps été triturée, décortiquée par différentes équipes créatives cherchant perpétuellement la bonne idée, le bon concept, la petite trouvaille qui serait enfin capable de remettre ces personnages sur le devant de la scène.

Conscient du challenge, Joshua Williamson, authentique gardien du temple et expert de la continuité DC Comics, connu pour l'aspect purement fanservice de son approche de l'univers local, aura opté pour un renversement des perspectives : prenons les attentes des fans en sens contraire, pour imaginer un nouveau futur, une nouvelle base, une nouvelle Legion. Et en l'occurrence, le résultat est plutôt encourageant, même si quelques limites peuvent déjà se deviner dans l'horizon de ses intentions louables. Résumons nous : nous sommes dans le futur (naturellement) et les activités des créatures augmentées (i.e. : avec des super-pouvoirs) ont été rendues illégales par une fédération galactique totalitaire. Dans ce contexte, l'un des héritiers de Brainiac s'est improvisé dans une posture de détective privé.

Celui-ci va donc prendre sur lui de mener l'enquête pour identifier l'assassin d'un milliardaire puissant, et activiste politique notoire, dont l'existence menaçait de renverser l'ordre établi. Nous comprenons rapidement que cette enquête va permettre d'assembler la nouvelle Legion, avec quatre adolescents éparpillés dans différentes périphéries cosmiques, toutes et tous pourvu(e)s de capacités surnaturelles. Et avec un fan des vieux comics Superboy pour l'hommage méta' (une note d'intention assez emblématique de l'écriture de Joshua Williamson).

L'approche relativement fluide du scénario permet de faire passer un certain nombre d'idées en l'espace de quelques planches... même si certains éléments semblent toutefois se bousculer, par manque de place. L'intrigue va vite, et ne semble pas spécialement vouloir dissimuler ses zones d'expositions - pour débouler sur un résultat un peu moins digeste que prévu, et les fans ne seront peut-être pas forcément accrochés au premier abord.

Le véritable argument de vente de toute l'expérience reste le dessin : exceptionnel, comme d'habitude, et une prestation intelligente du brave Hayden Sherman qui s'arrange avec les découpages et les formes des cases pour accompagner la densité de ce scénario de la meilleure des façons possibles. Quelque part entre des topographies de grandes villes futuristes inspirées par le coup de crayon de Moebius (avec une économie louable dans les contours et les effets pour représenter les bâtiments, façon L'Incal) et les designs de Marcos Martin (pour les personnages et les costumes, avec un effet de riche densité colorée susceptible d'évoquer The Private Eye), celui-ci prouve encore une fois sa place naturelle au panthéon des grands dessinateurs modernes. Et pour un résultat qui paraît encore une fois inédit, totalement différent de ce que l'artiste aura pu proposer récemment sur Absolute Wonder Woman et Batman : Dark Patterns. Pour l'heure, si la série devait être renouvelée, Sherman en serait probablement le premier responsable. À voir pour la suite, dans l'immédiat.

Corentin

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Archie #1 - ben H. Winters, Fabio Moon

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Une page se tourne ! Et puis une autre. Et encore une. Et encore une. Et ensuite, le numéro est terminé. Comme quoi, c'est simple, en définitive, la lecture de BDs. Mais dans le monde réel, celui qui profite d'une dimension supplémentaire pour faire évoluer ses folles trouvailles narratives, cette noble et nourrissante pratique culturelle se retrouve parfois coincée dans les réalités sordides de la modernité humaine. Et en l'occurrence, chez Archie Comics, il aura fallu attendre quelques années pour admettre de se poser en face d'un constat navrant : Archie Comics n'avait plus réellement envie de publier Archie Comics. Par lassitude ? Par impératif économique ? Ou bien peut-être en raison d'une affaire judiciaire dont personne ne parle (et qui pourrait bien détruire l'une des plus anciennes maisons d'édition du paysage de la BD aux Etats-Unis) ? Qui peut savoir. Toujours est-il que l'illustre enseigne aura largement abandonné les formats comics depuis un certain temps maintenant, en se contentant de quelques numéros ponctuels pour occuper le terrain.

Néanmoins, les temps changent. Puisque Archie Comics ne se sent plus capable de produire (et recherche désespérément de nouvelles sources d'argent en l'attente du procès qui menace de ruiner son président), les éditions Oni Press se seront proposées pour reprendre le flambeau. Dans le cadre d'un accord de sous-traitance, la compagnie, menée par Hunter Gorinson, a donc pris sur elle d'exploiter les personnages de Riverdale et Greendale... sous toutes les coutures possibles. Le premier comics de cette nouvelle vague a été publié cette semaine - et justement, avec Archie #1, de Ben Winters et Fabio Moon, Oni annonce la couleur en affichant une parfaite note d'intention. Contre toute attente, la série validée pour présenter au monde le résultat de ce partenariat inédit ne fonctionne pas du tout comme une réinvention, une déconstruction ou une modernisation de l'esprit ancestral de l'enseigne. Contrairement aux expériences menées par Mark Waid et Fiona Staples autrefois, la nouvelle série Archie tente tout simplement de faire... du Archie. Dans le texte. Comme d'habitude.

À savoir que le numéro en question se présente comme une succession de petits gags potaches et ludiques, de sympathiques petites rêveries insouciantes dans les couleurs et les tonalités traditionnelles de l'enseigne. Puisque, pour rappel, au départ, cette façon de procéder aura toujours été symptômatique de l'esprit Archie Comics : un univers figé dans un perpétuel état de candeur, sur la même suspension temporelle, avec les mêmes personnages, les mêmes blagues, les mêmes triangles amoureux. Winters et Moon embrassent le concept avec enthousiasme, pour s'inscrire dans l'héritage direct de Dan DeCarlo (sinon pour le graphisme, et encore) et des comic strips d'antan. Nous n'allons pas suivre une intrigue long format, nous n'aurons pas de problématiques temporelles compliquées, pas d'évolution pour les personnages... pour ce nouvel état des lieux, Archie va rester Archie, au moins pour la série principale.

Et de ce point de vue, ça fonctionne ! Avec un esprit généreux (qui place toute une variété de petits détails dans les décors) et souriant qui caractérise la tonalité unique de Riverdale, nous acceptons de nous laisser prendre par la main pour cette éternelle plongée dans un monde parfait, complice et taquin, avec un héros bonhomme et maladroit, bienveillant mais gaffeur, toujours amoureux des deux mêmes femmes en perpétuel état de rivalité infructueuse. Ambiance milkshakes et tartes aux cerises, brute du lycée et matchs de foot (enfin, leur foot à eux quoi, celui qui se joue presque sans les pieds) et gags parfaitement inoffensifs au menu. Si l'on pourra toujours regretter qu'une telle équipe créative ne veuille pas s'exprimer sur un format plus actuel, il serait facile de rétorquer que, de cette façon, Oni Press peut se permettre un hommage conscient et volontaire pour ce qui constitue tout de même l'un des monuments figés les plus anciens et les plus emblématiques de l'industrie des comics depuis l'existence même des premiers périodiques. Une façon de dire que, même entre d'autres mains, Riverdale reste Riverdale, et que l'objectif ne sera jamais de démolir la ville parfaite sur le brusque autel de la modernité. Or, c'est vrai : pourquoi changer une formule qui fonctionne depuis plus de quatre-vingt ans ?

Oni pourra toujours proposer d'autres comics pour les fans des lectures alternatives de l'enseigne (avec Archie in Hell pour celles et ceux qui préfèrent les détournements horrifiques de cet univers, par exemple), plus tard. Pour l'heure, la démonstration fonctionne, Fabio Moon semble bien s'amuser dans cette représentation de l'Amérique fantasmée des années cinquante, et Winters a bien fait ses devoirs pour épouser les contours du moule originel. C'est rigolo et ça ne mange pas de pain. Contrairement à Jughead et ses burgers. Parfois, il est aussi important que certaines choses ne changent pas.

Corentin

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Teen titans #1 - Kyle Higgins, Daniele Di Nicuolo

Si les éditions DC Comics sont globalement dans un bel état de santé depuis quelques années, cela ne veut pas dire que l'enseigne n'est pas capable de trouver certaines limites aux folles expériences validées récemment. Et de ce point de vue, la relance des Teen Titans passerait presque pour un projet plus risqué que les nouveaux comics autour de Jonah Hex ou d'Etrigan. Pourquoi ? Parce que, de par son principe fondamental, cette équipe en particulier a pris l'habitude de fonctionner par générations. Avec les premiers Teen Titans, d'abord, et le souvenir glorieux de ce qu'ils auront été autrefois. Et puis, ensuite, avec les volumes suivants... et les nouveaux personnages apparus pour chasser ces adolescents devenus grands dans l'intervalle. Or, on le sait : écrire les ado', c'est tout un art. Voire même un genre de fiction tout entier. Et tout le monde n'excelle pas forcément dans cet exercice.

Comme avec la nouvelle génération des New Champions apparue tout récemment chez Marvel, il n'est pas rare que les tentatives de relancer de nouvelles équipes articulées autour de petits super-héros en pleine croissance ne fonctionnent pas. Parce que tout ceci est affaire d'équilibre : il faut être capable de faire sonner les personnages comme des jeunes, sans tomber dans le cliché, dans le stéréotype. Sans les rendre insupportables, tout en acceptant de jouer la carte du défi et du décalage générationnel. De ce point de vue, Kyle Higgins n'échappe pas aux pièges habituels. Avec sa nouvelle version des Teen Titans, le scénariste coche toutes les cases du contretemps malencontreux. La nouvelle série nous explique que plusieurs petites bouilles connues de l'univers DC Comics (pour la plupart, des enfants ou des proches de justiciers établis) se sont assemblées autour d'un serveur (les jeunes ils aiment ça, Discord) pour se parler, et se rassembler autour de loisirs communs. Dans une salle d'arcade rétro' qui vend des cartes Yu-Gi-Oh (les jeunes ils aiment ça, les bornes d'arcade et les cartes Yu-Gi-Oh).

Lancé sur une enquête qui va croiser le chemin de cette petite troupe, Jason Todd s'improvise comme leader par défaut d'une relance des Teen Titans plus accidentelle qu'autre chose. On comprend que Kyle Higgins aura eu envie de jouer cette carte pour inverser le rapport classique - les personnages en question étant plus caractériels, plus colériques et plus autocentrés que certains de leurs prédecesseurs, il n'était pas idiot de leur accoler un mentor tout aussi boudeur, solitaire et conflictuel. En somme, un ancien ado' \"edgelord\" devenu adulte commande désormais une bande de nouveaux ado' \"edgelord\" capables de lui rappeler le bon vieux temps. Sur le papier, l'idée est bonne, mais les dialogues restent alourdis par cette problématique du trop plein. On veut caser des gags, des références, du langage argotique emprunté (celui que l'on imagine dans la bouche des gamins d'aujourd'hui, mettons), pour sonner vrai, en somme... sans se poser réellement la question de qui sont ces personnages, et pourquoi ils auront décidé de se lancer dans une croisade de justice.

Si quelques monologues ont tout de même été placés pour tenter d'instiller un minimum de souffle, les références donnent surtout le sentiment de jouer sur le fanservice. De leur côté, les membres de l'équipe n'ont pas grand chose pour se distinguer pour le moment, et rentrent tous dans de bons gros clichés, bien traditionnels, bien évidents. Pas forcément de quoi s'emballer dans l'immédiat. En fait, il aurait presque été préférable de pousser le curseur encore plus loin : puisque Red Hood passe pour l'éternel adolescent rebelle malgré le poids des années, on aurait pu lui accoler une équipe de vrais sales gosses, de vrais délinquants ou de vrais personnalités excessives pour forcer le trait et donner un peu plus de saveur au passage de flambeau. Un peu comme le Damian Wayne des débuts - un véritable challenge pour Batman en tant que figure paternelle, qui devait éduquer un petit assassin imbu de lui-même et ingérable.

Pour le coup, Higgins aura préféré un équilibre plus mou, et pas spécialement enthousiasmant pour composer cette relecture de l'équipe. Sans parler du poids (presque anachronique) de ce fanservice, qui utilise toutes les références clés. Du côté du dessin, Di Nicuolo s'en sort plutôt bien avec un coup de crayon dynamique et volontairement exagéré dans ses mouvements et ses déformations, dans le sillage de \"l'école Power Rangers\" fomentée par de nombreux artistes italiens dans les murs de la maison BOOM! Studios. Néanmoins, celui-ci semble avoir encore un peu de mal avec le script, en laissant plusieurs plages de silence curieuses dans les interstices, pour fausser le rythme. Bref, pas vraiment la relance que l'on espérait, nous sommes encore assez loin des monuments du registre des justiciers adolescents (façon Young Avengers, Runaways, ou même les Teen Titans de Geoff Johns) que nous serions en droit d'espérer dans le présent. À voir si les prochains numéros sauront trouver leur originalité.

Corentin

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Crowbound#1 - Jeff Lemire, Dustin nguyen

Pour compenser un peu de ces différentes séries globalement centrées sur le motif de l'adolescence, nous pouvons compter sur Jeff Lemire pour ramener le sujet de la parentalité sur le devant de la scène. C'en est presque une obsession personnelle. Généralement, pour l'oeuvre du scénariste, il n'existe même pas réellement de situation interstitielle. Ses personnages sont généralement des enfants privés de leurs figures parentales. Pensez Sweet Tooth, Descender, Snow Angels ou Little Monsters, entre autres choses. Mais il arrive parfois que la route marche en sens inverse. Que les parents, pour changer, tentent de remédier aux absence de leurs progénitures disparues. Nous avions déjà eu un exemple de ce cas de figure dans la série Le Labyrinthe Inachevé.

Et même s'il s'agit globalement d'un résumé simpliste (l'oeuvre de Jeff Lemire étant autrement plus vaste, et heureusement pour lui), le fait est que cet auteur, de la même façon que Steven Spielberg avec le divorce de ses parents, aura longtemps travaillé cette matière thématique précise. Comme une perpétuelle envie de coucher sur papier cet effet d'une tendresse brisée, arrachée aux mécaniques normales du rapport entre parents et enfants. Le résultat de cette longue étude aura produit toute une variété d'oeuvres généralement traversées de la même émotivité, souvent morose, froide ou solitaire. Parfois même désespérée, malgré quelques percées d'un espoir plus occasionnel, ou d'histoires qui finissent bien. Crowbound semble s'inscrire dans cette trajectoire exacte, même si le destin final des deux personnages principaux n'est pas encore connu. De fait, Jeff Lemire est aussi un scénariste qui compose ses univers en fonction de ses dessinateurs (ou qui choisit ses dessinateurs en fonction de ses univers, ça marche dans les deux sens), et de ce point de vue, le projet coche toutes les attentes imposées mécaniquement au fil des expériences passées.

À savoir : dans un monde peu ou prou futuriste, l'humanité s'est réfugiée dans les murailles d'une énorme ville en forme d'usine géante, abritée de la destruction provoquée par une créature organique immense que l'on n'identifie pas encore pour le moment. Dans cet univers, une fois devenues adolescentes (ou au moins, dès l'âge de onze ans), les jeunes filles sont arrachées au confort précaire de leurs foyers pour être assignés aux postes de travail de cette société inégalitaire. Certaines deviennent des ouvrières dans l'immense usine locale, en réalisant des tâches mécaniques et déshumanisantes... et d'autres sont en revanche sélectionnées pour servir des fonctions bien plus cruelles encore. C'est dans ce contexte qu'une maman se retrouve dépossédée de sa fille, qu'on lui retire plus tôt que prévu pour l'envoyer \"travailler\" aux confins du monde. L'héroïne ne l'entend pas de cette oreille et décide de tout plaquer pour aller secourir son enfant.

Joli travail d'ambiance, Crowbound fonctionne comme une lecture somme toute classique dans la bibliographie de Jeff Lemire et Dustin Nguyen. Avec la même ambiance désespérée, portée par un graphisme relativement minimaliste, qui imite encore et toujours la simplicité des dessins d'enfants aux crayons de couleurs, le projet vient ajouter une note maternité dans un parcours artistique jusqu'ici souvent focalisé sur les papas et les fils. Les designs semblement globalement assez ambitieux, portés par l'envie d'un monde situé dans une sorte d'entre-deux, sur le post-monde et le futurisme, sur la fantaisie noire et le survivalisme. On nous fait la promesse d'un voyage, et c'est sans doute dans cette optique de traversée (façon Sweet Tooth) que Lemire et Nguyen pourront exercer leur muscle du parcours par étapes, un élément constitutif de leur oeuvre commune depuis Descender et Ascender. C'est alors qu'il faudra développer le folklore, le propos et les idées, une fois posée cette introduction somme toute assez scolaire, quoi que déjà poétique, pour ne pas trop varier des habitudes locales.

Un accent de réflexion sur la répétitivité du travail, un discours implicite qui fonctionne par touche, un regard plutôt intéressant sur la féminité dans le prisme de cette allégorie du totalitarisme futur ou moderne, les premiers ingrédients semblent plutôt encourageants pour cette création originale de deux géants du milieu. Le fait est que Crowbound aura mis un certain temps avant de se monter, et que les fans de longue date du duo espéraient depuis longtemps retrouver l'ascension du Descender d'autrefois (sans doute parce que Little Monsters n'avait pas forcément tenu toutes ses promesses). Croisons les doigts donc, en espérant que tout le monde s'en sortira indemne.

Corentin

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