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Sous quel angle doit-on encore interpréter les productions Marvel Studios ? Depuis le temps, la question pourrait presque passer pour une sorte de blague, et pas forcément récente, ni même captivante compte tenu de l'état de délabrement de l'empire dans cette petite fenêtre qui nous sépare encore du retour en grâce annoncé (ou espéré en interne, tout du moins) avec Spider-Man : Brand New day et surtout Avengers : Doomsday. Vous connaissez la formule : lorsque l'enseigne sort un produit sympathique, on compare avec la norme des autres films de la saga, des autres séries tombées récemment, et on se dit \"oui, bon, comme d'habitude\" ou bien \"ah, mieux, tiens donc.\" Le degré de satisfaction se situe généralement quelque part entre ces deux pôles.

Et puis, chaque sortie a sa propre vérité. Pour Daredevil : Born Again, on espérait peut-être mieux compte tenu de l'héritage du personnage sur le petit écran... et pour Thunderbolts*, on redoutait peut-être que le résultat serait moins bon, ou moins recherché, au point d'en ressortir avec un agréablement sentiment de surprise. En définitive, cette situation en dit sans doute plus long sur les méthodes de Kevin Feige et la fatigue constatée des formats super-héros que sur le travail concret des équipes créatives en charge de ces chantiers. C'est même factuel : les réalisatrices et les réalisateurs qui passent par la case Marvel Studios doivent accepter de se cadenasser dans un certain moule... et malgré tous les bons contre-exemples que l'on peut citer de tête, même les petites réussites occasionnelles (comme Doctor Strange in the Multiverse of Madness ou Eternals) ne compteront sans doute pas dans la filmographie de leurs auteurs une fois venu le moment de faire le bilan complet.

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Toutes les productions de l'enseigne doivent composer avec ce statut de relativité sempiternelle. Est-ce qu'on aime parce que c'est mieux que d'habitude, parce qu'on décide de tenter sans la moindre espèce d'espoir, parce que ça passe le temps, parce que ça ne ressemble pas forcément au modèle rigide qui nous a été imposé jusqu'ici ? Tout dépend des gens. Le cas de la série Agatha All Along fait foi de ce point de vue. Plutôt appréciée par une petite niche de fans, celle-ci est pourtant loin d'être exempte de défauts. Et c'est drôle, mais si l'on se fie aux retours d'expérience... les fans en question sont assez d'accord sur la liste des failles du projet. En somme, on pourrait dire que Marvel Studios est passé dans une nouvelle zone grise - où il est possible d'occuper un bon moment malgré d'authentiques problématiques techniques, artistiques, rythmiques... en ressortant les qualités de l'équation. Wonder Man se situe peut-être dans cette même zone de flottement critique.

Made in Hollywood

Cette nouvelle série, pilotée par le réalisateur Destin Daniel Cretton (Shang-Chi) n'entretient aucun rapport direct avec le Wonder Man des comics - les origines sont différentes, les relations aux autres héroïnes et héros de l'univers ne sont pas possibles compte tenu de l'historique de la saga, la famille du justicier a été intégralement revue et corrigée pour extirper tout le propos initial... et d'ailleurs, celui-ci n'est même pas vraiment un justicier. Au final, de Wonder Man, Cretton n'a retenu qu'un concept. Celui du comédien armé de super-pouvoirs. De l'acteur surhomme aux super-performances. Sur cette base, en compagnie du scénariste Andrew Guest (Community, Brooklyn Nine Nine), le réalisateur va développer un genre de discours protéiforme sur la dissimulation, l'anxiété, le schéma mental et la nécessité d'avancer masqué pour cacher son soi profond. En l'occurrence, ce petit discours fonctionne bien avec un héros qui doit (nécessairement) mentir pour vivre.

Dans cette version des faits, Simon Williams (Yahya Abdul-Mateen II), le héros, est donc un acteur professionnel, sinon obsessionnel, de la catégorie des comédiens \"méthode.\" Un consciencieux qui ressent le besoin de construire un rapport intime avec le script, pour se projeter dans le moindre élément, le moindre détail, la moindre parcelle de crédibilité... même lorsque son personnage occupe une fonction de simple figurant. Cette attention maladive n'est évidemment pas qu'une simple dévotion aux codes des arts dramatiques : depuis tout petit, Simon a simplement dû apprendre comment mentir pour dissimuler la réalité de sa nature profonde. En réalité, celui-ci est pourvu de puissants pouvoirs (extrêmement puissants, en l'occurrence), et a pleinement conscience que cette donnée pourrait l'empêcher de réaliser son rêve d'acteur professionnel. Voire même... le rêve de son paternel.

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Pour avoir entendu parler d'un projet de reboot de la franchise Wonder Man (un vrai faux héros de fiction dans la diégèse de l'univers Marvel Studios), Simon va tenter de candidater pour le rôle, en se rapprochant au passage de l'acteur renégat Trevor Slattery (Ben Kingsley). Revenu de la forteresse du Mandarin dans l'espoir de retrouver sa carrière là où il l'avait laissée, celui que les États-Unis auront longtemps pris pour le célèbre terroriste est désormais un homme sobre, qui a arrêté l'alcool et la drogue en comprenant qu'il était temps de reprendre sa vie en main. Sauf que, Slattery est aussi un agent-double, chargé d'obtenir des renseignements sur la dangerosité supposée des pouvoirs de Simon... pour le compte de l'organisation Damage Control. Rapidement, on comprend que la série va donc se construire sur cette curieuse amitié de circonstances, dans laquelle les deux personnages principaux avancent masqués. Au passage, le script du faux-film Wonder Man nourrit leurs interactions, en détaillant (avec l'ironie du texte) la réalité de leur situation : un héros valeureux trahi par son mentor... avec quelques épisodes d'avance.

Les trois premiers épisodes de la série donnent le ton : une bande-son plutôt inspirée, une photographie qui tente de se démarquer de la norme des productions Marvel Studios pour trouver sa propre esthétique, un humour un peu moins forceur et goguenard que d'habitude, et une ambiance posée qui n'entend pas réinventer la roue, raconter les origines, annoncer un vilain ou anticiper d'un potentiel combat final sur la traditionnelle panoplie de fonds verts. Wonder Man a le mérite de cerner rapidement ses propres enjeux. La série raconte simplement l'amitié de deux personnages qui ne trouvent pas leur place dans ce monde des rêves et des illusions que représente la grande machine du cinéma d'Hollywood... et qui tentent de se tirer par le haut, tout en acceptant que ceci est (encore une fois) une nouvelle illusion.

Abdul-Mateen II livre une prestation plutôt inspirée, en convoquant plusieurs idées susceptibles d'illustrer ses angoisses profondes - si Simon Williams cache quelque chose, le spectateur peut remplir lui-même les espaces vides pour charger l'allégorie des super-pouvoirs d'un sens plus réel. Un homme noir qui a peur de se mettre en colère par peur d'être qualifié d'ingérable par ses employeurs ? Un homme gay ou bisexuel qui dissimulerait cette identité par peur d'être catalogué par le système ? Un peu comme l'allégorie universelle des X-Men (qui incarnent toutes les diversités par le prisme du super-pouvoir), Williams et sa différence peuvent prendre plusieurs formes en fonction de celui qui regarde. Plusieurs scènes permettent de jouer sur ces pistes de réflexion, histoire de charger d'un peu de volume, d'un peu d'éléments, un personnage autrement plus unidimensionnel au demeurant. Sans ces bonnes idées, sur le papier, Wonder Man reste l'histoire d'un homme qui passe au casting, s'amourache un peu vite d'un mentor peu fiable, avant de se faire trahir et de comprendre que (au fond) le masque est une arme qui fait aussi partie de notre identité. Ce qui est vrai pour Simon... et pour Trevor Slattery. Jusque dans les derniers instants du feuilleton.

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Certaines autres séquences sont toutefois moins convaincantes : un épisode de casting en forme d'impro' géante avec de vrais faux morceaux de Jodorowski, une envie d'inverser les clichés sur les narcotraficants latinos de la banlieue de Los Angeles (l'idée est bonne mais l'exécution un poil longuette, et avec un humour façon braquage-qui-foire pas forcément du goût de tout le monde), et une fin précipitée qui gâche la conclusion de la série en refusant de voir plus loin. De nombreuses possibilités se perdent en chemin (surtout avec cette logique du faux-film : chez Marvel Studios, un moment pareil aurait pu être poussé beaucoup plus loin par simple humour autoparodique) et on sent que la seconde moitié de la série se paume dans son montage, avec une impression de ventre mou évidente.

Dans le même temps, on remarque aussi que l'enseigne a eu envie de tester quelques nouvelles idées, comme avec l'épisode de Doorman (qui évoque un peu la série The Twilight Zone de Jordan Peele, sur laquelle Andrew Guest avait aussi travaillé), une sorte de drame comique sur un pauvre videur devenu vedette d'un jour après s'être découvert un super-pouvoir inattendu, mais plutôt pratique. Entre d'autres mains, cet épisode aurait probablement pu trouver sa place dans une série de plus haute capacité, sur FX ou sur Hulu. Et il est même assez amusant de voir Wonder Man citer ouvertement American Horror Story, comme si Marvel Studios avait enfin conscience que ses productions n'évoluent pas dans un espace culturel vide, ou seulement guidé par les grosses productions que l'on peut facilement cloner ou dupliquer. De ce point de vue, Cretton et Guest ont même inséré une belle petite suite de références pour les geeks du cinéma des auteurs (qui pourra faire sourire, dans un produit de ce genre).

De la même façon, on pourra aussi s'amuser de voir que Kevin Feige n'a toujours pas été guéri de son péché originel dans Iron Man 3, encore obsédé par l'envie de rentabiliser la tripartition de l'identité du Mandarin si longtemps après les faits. Parfois, la caméra va même passer par certains des lieux de tournage du film de Shane Black pour évoquer ce souvenir (le Grauman's Chinese Theatre, un cinéma emblématique de Hollywood où avait lieu l'attentat commandé par Aldrich Killian). Et pour son grand retour, l'ancien porteur du costume va même ouvertement évoquer une vraie théorie du monde réel, selon laquelle la CIA aurait imposé un agenda idéologique aux oeuvres produites depuis les Etats-Unis (et au cinéma en particulier) pour imposer la philosophie capitaliste et la division des classes sociales... encore une fois, une trouvaille amusante - compte tenu de la compagnie qui produit cette série ! - pour une adaptation qui prend Hollywood comme toile de fond. Malheureusement, ce moment va un peu trop vite, mal servi par le montage, mais l'intention était tout de même sympathique.

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Dans le même style, d'ailleurs, la fin de la série passerait presque pour une note d'intention involontaire de la réalité de ce cinéma des super-héros encore cadenassé dans ses hangars, ses fonds verts et ses exigences de pyrotechnie. Pour clore les aventures de Wonder Man, le héros va effectivement se rapprocher d'un civil, dans la ruralité des Etats-Unis, au prétexte de préparer un rôle.

Nous découvrons alors un Simon Williams extrêmement humain, extrêmement dépouillé, dans une série d'interactions naturalistes, plutôt agréables, tendres, poétiques... et alors que s'écrit sous nos yeux cette petite parabole existentialiste, plus proche du cinéma vérité, de la vie des populations normales loin des fantasmes absurdes de l'imaginaire super-héros, subitement, tout s'arrête. Tout s'arrête, et Marvel Studios reprend le dessus, dans une prison mal éclairée, mal filmée, peu crédible, pour un ultime moment articulé autour des effets spéciaux. Comme si le réalisateur avait eu cette envie d'arracher le spectateur au réel. Curieux projet dans l'absolu.

Alors, bien sûr, sans doute que l'objectif était aussi de rendre hommage aux fans normaux de la marque. Celles et ceux qui vont encore voir les films en famille lorsque ceux-ci sortent au cinéma. Les salariés, pas forcément passionnés, pas forcément geeks, pas forcément sur les forums ou dans les commentaires des vidéos... mais toujours consommateurs, amateurs de sorties et de divertissement. Les vrais gens, quoi. D'ailleurs, la structure familiale est appliquée. Et les enfants reconnaissent Simon pour son personnage de Wonder Man comme n'importe qui pourrait reconnaître Robert Downey Jr. en l'identifiant au rôle d'Iron Man dans la rue.

Accessoirement, après une bonne pelletée d'épisodes globalement consacrés au sujet des vedettes, de la quête de gloire, du cinéma... et du microcosme de Hollywood au sens large avec ses codes et ses curiosités... cette petite périphérie respiratoire est plutôt agréable. Même si elle ne fait qu'accentuer l'effet de frustration lorsque l'on réalise que : oui, Marvel Studios aurait pu être capable de tourner toute une série dans cette esthétique, avec ce genre d'interactions bien plus naturelles, ce genre de direction artistique dépouillée, en décors naturels, en décors extérieurs, cette charge profondément humaine qui va même toucher du doigt un bout de discours social sur la réalité salariale des fameux \"gens normaux\"... mais en définitive choisit sciemment, et systématiquement, de ne pas le faire. De la même façon que pour Trevor Slattery, Kevin Feige nous propose de nous évader. Pas de parler du monde réel. Et Wonder Man est peut-être la série la plus paradoxalement honnête sur ce constat, en filmant cette idée au sens propre, tel quel, en place publique. D'un coup, une séquence quotidienne et normale alterne avec un hangar et des effets spéciaux. Voilà la méthode. Voilà l'honnêteté du réalisateur.

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En dehors de cet élément, quelques autres bonnes idées : Ben Kingsley contourne l'aspect agaçant des précédentes itérations de son personnage (en étant même parfois touchant), Joe Pantoliano adopte sa panoplie de traître habituel pour le plus grand plaisir des fans de Matrix et Memento, la créolité de la famille Williams est plutôt appréciée dans cet univers où la langue anglaise est généralement la seule norme dominante, et la blague finale sur la balle de tennis aurait presque de quoi suggérer une autocritique longuement attendue sur la dépendance du studio vis-à-vis de ses sempiternels effets visuels.

Restent les défauts habituels. Un rythme qui se perd dans la seconde moitié, un humour en dents-de-scie, un casting secondaire que l'on perd souvent du regard, quelques répétitions, le ventre mou obligatoire... et une campagne de promo' qui aura largement baratiné autour de l'aspect méta' de toute l'aventure pour vendre une annexe de The Boys absolument pas prévue au programme. Dans le delta (voir paragraphes d'introduction), Wonder Man restera donc comme un produit pas inintéressant au regard de ce que nous avons l'habitude de trouver chez Marvel Studios. La panoplie des problématiques usuelles est évidemment au rendez-vous, mais, peut-être par habitude ou par endoctrinement, il est encore possible de passer entre les mailles du bilan technique pour percevoir les quelques idées que l'équipe créative a eu envie de faire passer dans ce curieux gloubiboulga. Loin devant les Secret Invasion et les Moon Knight de ce monde, le produit aurait probablement pu profiter d'un meilleur soin si la compagnie était enfin capable de complètement lâcher la bride... mais comme pour Daredevil : Born Again, on comprend surtout que le changement n'ira jamais aussi vite qu'on le souhaiterait.

- Corentin

Et de l'autre côté du spectre de la force...

À l'heure où Marvel Studios connaît une véritable crise tant créative que de relation au grand public, la venue de Wonder Man et son angle \"un super-héroos dans le monde du cinéma\" avait tout de la bonne idée pour se permettre un regard sur l'industrie et faire, ne serait-ce qu'à demi-mots, une forme d'auto-critique. Voire, se parodier de façon suffisamment poussée (comme dans l'épisode final de She-Hulk) pour faire illusion d'avoir compris quel est le réel problème du MCU aujourd'hui, sans forcément changer quoique ce soit à la façon de faire (parce que les changements chez Marvel Studios ne sont pas vraiment drastiques depuis l'épisode final de She-Hulk). Et quelque part, c'est cet angle méta qu'a choisi la production pour faire la campagne promotionnelle de Wonder Man. S'il ne faut pas forcément juger une oeuvre sur ce que l'on imagine qu'elle sera, force est de constater que Marvel Television a voulu vendre sa série d'une certaine façon, dans le sillage d'autres séries qui ont voulu aborder plus ou moins directement l'industrie moderne des blockbusters, super-héroïques ou non. On pense bien entendu aux segments parodiques de The Boys, mais aussi à d'autres séries telles que The Franchise ou The Studio.

Et justement, si on prend ces points de comparaison, force est de constater que Wonder Man est une série on ne peut plus creuse, qui s'est vendue sur une promesse mensongère. La scène d'introduction de Simon Williams donne pourtant envie, en montrant cet acteur trop impliqué dans son rôle qui en devient ingérable à force de vouloir réécrire un script pour un personnage qui n'aura que deux minutes de temps d'écran. Mais par la suite, Destin Daniel Cretton ne restera jamais qu'en surface de tout ce qui aurait pu être abordé en plaçant le héros dans le monde d'Hollywood. Alors qu'on nous parle de la \"fatigue des super-héros\" à tout bout de champ dans les bandes-annonces (et dieu sait qu'ici, nous n'apprécions ni ne reconnaissons particulièrement ce terme), le sujet n'est jamais esquissé sinon au gré d'une réplique du faux-réalisateur Von Kovac (débonnaire Zlatko Buric) lors d'un passage à la télévision. Et il ne sera jamais rien fait de plus ; il y aurait eu pourtant quantité de choses à dire, sur les difficultés de monter un tel reboot d'une franchise des années 1980 ; les ingérences des producteurs et les réécritures constantes de scripts ; la question des fonds verts contre les effets spéciaux en dur ; les tournées de presse ; et l'éléphant au milieu de la salle : le fait de choisir un acteur noir pour reprendre le rôle d'un personnage blanc, alors que Marvel Studios a été de multiples fois été confronté à des vagues de commentaires haineux pour ce genre de choix de casting. Rien. Il n'y aura rien de tout ça, comme une forme de lâcheté du studio à ne pas vouloir se mesurer aux problématiques d'un modèle de production dont ils sont complètement responsables.

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Au lieu de ça, Wonder Man se veut être une lecture tristement premier degré (et presque naïve) sur le métier d'acteur, censé être l'un des plus beaux métiers du monde, au service de la grande Magie du cinéma. Comme si Cretton et Guest avaient envie de rappeler au public que malgré leur fonctionnement industriel et formaté, Marvel avait pour but premier d'émerveiller (c'est une traduction littérale de leur marque) avec leurs personnages. La naïveté et le cynisme sont poussés à leur paroxisme lors d'un échange où Trevor Slattery rappelle à Williams, après que son ancien collègue explique qu'être acteur n'est qu'un métier, que non : c'est une vocation, et la plus belle qui soit. Alors on se contente de suivre la trame narrative en surface : un acteur (qui a des super-pouvoirs) veut intégrer le casting d'un grand remake de franchise... et y parvient. Les étapes s'enchaînent sans surprise, et avec un rythme assez lent - parfois abominablement lent d'ailleurs, pour que Williams puisse suivre la trajectoire qui lui est promise dès le premier épisode, dans une série qui n'a pas grand chose à raconter du milieu dans laquelle l'histoire se situe. Les acteurs ne sont pas spécialement bons (d'autant plus qu'on les aura déjà vus proprement excellents dans d'autres films ou séries), quand certains rôles secondaires sont même agaçants.

Oui, l'allégorie des pouvoirs est évidente, oui on se rend compte que tous les personnages principaux jouent littéralement un rôle, et la proposition aurait pu être réellement rafraichissante... il y a dix ans. On concèdera à Wonder Man d'avoir une approche différente de la majorité des autres séries Marvel Television et de se montrer un poil originale, du moins avant que le dernier épisode vienne rappeler aux spectateurs que le moule marqué d'un grand \"M\" est indestructible - pas comme les murs de la prison de Trevor. L'originalité doit donc cohabiter avec un ennui de plus en plus prégnant, qui s'efface sur le quatrième épisode de par sa forme, même si l'épisode souffrira évidemment de comparaisons évidentes (le flashback en noir et blanc ayant été utilisé de façon plus efficace dans d'autres adaptations de comics). C'est d'ailleurs peut-être le problème principal de Wonder Man : à ne rester qu'en surface de tout son potentiel, elle ne peut que pâtir de tout ce qui s'est déjà fait en dehors de chez Marvel. Dans le référentiel du MCU, le studio a sorti de telles horreurs qu'on ne peut qu'apprécier Wonder Man. Mais dès que l'on s'intéresse à ce qui s'est fait ailleurs, Simon Williams et ses pairs ne tirent jamais leur épingle du jeu. Au moins la série se laisse regarder (car relativement courte) et surtout ne se montre pas insultante envers son public comme Secret Invasion ou Moon Knight. Cela suffit-il à en faire une bonne série ? Vous aurez compris que de ce côté de la rédaction, on pense que non.

Note : 2,5/5

- Arno Kikoo

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La formule est presque devenue une sorte de cliché du point de vue des séries Marvel, et pourtant, celle-ci se vérifie jusque dans le présent : Jonathan Hickman comprend ses comics comme un architecte. Depuis sa prise de fonction sur l'ancien univers Ultimate Comics, son passage sur les Avengers, les Fantastic Four, la fondation de la civilisation de Krakoa et les fondations d'un nouvel univers Ultimate avec la Terre-6160, le scénariste vedette a toujours eu cette habitude de développer ses intrigues sous la forme de grands plans détaillés. Avec une liste des matériaux et des outils nécessaires, énumérés et posés sur la table, au grand jour, et avec une approche didactique des nécessités de chaque chantier.

Tout le monde ne se retrouve pas forcément dans les constructions obtenues (en particulier lorsque l'auteur se contente de poser le premier étage avant d'abandonner la construction du bâtiment aux équipes suivantes). Mais au moins, cette logique presque mathématique a l'avantage d'être rapidement comprise et admise pour ce qu'elle propose. Surtout lorsqu'il s'agit de taper dans la fourmilière. Or, depuis quelques années, dans la mesure où l'industrie repose encore sur la même mécanique cyclique, Jonathan Hickman s'est certes imposé comme un bâtisseur... mais aussi comme un démolisseur. Lorsque Marvel a besoin d'un peu de sang neuf pour secouer le prunier. Avec la mini-série Imperial, point de départ d'une nouvelle saga cosmique potentielle inscrite dans la continuité des lointaines péripéties interstellaires de Dan Abnett et Andy Lanning, le scénariste s'est donné pour lui-même une consigne toute bête : tout casser... pour tout recommencer comme avant.

Enfin disponible en France chez Panini Comics, cette grande introduction risque mécaniquement d'agacer toutes celles et ceux qui auront apprécié le nouvel ordre cosmique établi depuis le départ des deux anciens grands patrons de cette partie de l'univers Marvel... ou enchanter les autres, les nostalgiques des Gardiens de la Galaxie d'autrefois, des War of Kings et Realm of Kings. En somme, sortez la boule de démolition, oubliez Empyre, oubliez les aventures récentes de Star-Lord et de Captain Marvel. Il est temps pour les grandes civilisations de retrouver un axe de lecture plus horizontal, plus tentaculaire... il est temps de rouvrir la porte cosmique. Avec une nouvelle couche de peinture, des dorures ciselées, et un vernis plus moderne. Encore une fois, difficile de tricher lorsque l'écriture assume un certain degré de franchise.

Space Chessboard

Avec la mini-série Imperial, Jonathan Hickman avait tout de suite annoncé la couleur : de la même façon que pour House of X et Ultimate Invasion, l'objectif du moment sera de poser les fondations d'un nouveau statu quo utile. Pour un segment isolé du catalogue Marvel. En l'occurrence, pour les personnages de l'espace, donc, les grandes civilisations qui n'intéressent pas directement les populations de la Terre (sauf lorsque les peuples en question tentent d'envahir la planète bleue). Avec quatre numéros étendus, illustrés par Iban Coello et Federico Vincentini, le scénariste va lister les grandes puissances concernées, réintroduire certaines notions disparues, poser une base de travail qui fonctionne comme une sorte d'enquête de police... comme d'habitude, l'histoire s'ouvre sur une liste des éléments de construction, personnages, factions, intrigues de cour, conspirateurs extérieurs. A savoir que, quelqu'un (manifestement, les forces armées de l'Empire du Wakanda) ont prévu d'assassiner les grandes têtes couronnées de l'espace pour empêcher un projet d'alliance interplanétaire.

Le scénario va alors suivre différents points de vue dans cette intrigue pensée comme une grande partie d'échecs. Nova (Richard Rider), les Hulks (Banner et Amadeus Cho), le Wakanda (Black Panther et Shuri), l'empire Kree/Skrull (Ronan, Hulkling, le Super-Skrull), Star-Lord, Lilandra, Jason Spartax... et les deux vilains aux origines de tout le conflit. Ceux-ci sont introduits d'entrée de jeu, et on comprend globalement que Jonathan Hickman a pensé son intrigue comme un hommage de croisement. D'un côté, au cosmique théâtral, celui des aristocraties et des têtes couronnées de l'espace, celui de la période d'Abnett et Lanning. Et de l'autre, au cosmique plus ancien, plus ludique, celui des grandes forces immortelles, des Contest of Champions.

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Le scénario alterne les points de vue, en mesurant ses effets, dans des scènes de courte durée qui tentent de laisser un peu de place pour tout le monde. Forcément, même sur un format étendu, le résultat s'en ressent : avec beaucoup d'action (et une envie des dessinateurs de profiter de l'amplitude générale, avec beaucoup de puissants personnages et de gros affrontements de vaisseaux spaciaux pour s'amuser), le résultat pourra paraître un peu sec, un peu accéléré, pour tout tasser dans un espace restreint.

Hickman va donc charger la mule sur des dialogues, en maîtrisant les variations tonales nécessaires : les Krees parlent comme des Krees, les Skrulls comme des Skrulls, les méchants comme des méchants. Adroit de ses dialogues, le scénariste insuffle une sourche de profondeur par le texte pour étoffer son intrigue. Puisque, sur le papier, le scénario d'Imperial pourrait effectivement paraître un peu simpliste... mais en acceptant de prendre son sujet au sérieux, et de ne pas simplement le traiter comme un blockbuster de plus, l'auteur trouve sa pertinence, sa grandeur, son objectif de grand drame antique paumé dans l'espace des super-héros. Pour les vieux fans, le résultat sera au rendez-vous : enfin, un peu de noblesse, un peu d'épaisseur textuelle, qui brasse dans les religions, la nature bestiale des civilisations. Enfin, un peu de lourdeur, avec des morts qui se chargent d'une certaine densité. Quelques très belles scènes traversent l'album : les funérailles du fils de Banner, la révélation du véritable instigateur de tout le conflit (une belle revanche, en l'occurrence), le retour d'un Super-Skrull fanatique, etc.

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Nova passera certainement comme le héros le plus logique de cette introduction, seul véritable justicier intransigeant de cette parade de rois et de reines (accessoirement, Hickman charge le héros du poids de son passé, dans une caractérisation plutôt agréable pour les fans de Richard Rider). Le scénariste sait comment prendre son lectorat dans le sens du poil : dans la mesure où chaque scène reste plutôt courte, on s'assure de bien terminer sur une pose, une posture, une réplique qui frappe, et la mise en scène (en particulier du côté de Vincentini) appuie cette envie de régaler la pure lecture de divertissement tapageur.

En revanche, quelques critiques objectives vont forcément se poser : en sortie de lecture, on comprend que l'objectif de toute l'aventure était en réalité plus simple que ce qui avait été promis au départ, l'intrigue policière s'efface rapidement (au profit d'une révélation qui recompose sans effort les deux numéros précédents), et certains personnages manquent cruellement de place. Et aussi, cette impression d'avoir vécu une sorte de petite guerre en accéléré, pour un résultat qui se contente de quelques mots (on va vous la faire courte : \"c'est le retour du cosmique comme avant, oubliez tout ce que avez lu entre temps\") ne sera pas du goût de tout le monde. D'aucuns trouveront qu'il est un peu dommage de ne pas avoir sauvegardé certaines bonnes idées... d'autres applaudiront l'envie de Marvel de retrouver un peu de souffle, un peu d'énergie dans cette partie de son catalogue, plutôt maltraitée récemment.

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Et au passage, même si le scénariste aime respecter le travail de ses copains, certains concepts seront forcément un peu tordus pour servir les besoins du scénario. Ce qui sera notamment le cas de l'Empire du Wakanda, une idée que tout le monde n'a pas forcément eu envie d'accepter au moment de son apparition et qui, dans ce contexte, pose d'autres questions sur la caractérisation du Black Panther (ou des Black Panthers, mettons). Bref, une lecture d'auteur, un peu nostalgique, un peu fanservice, mais qui accepte de faire du tri dans ce que les fans ont envie d'entendre ou de recevoir.

D'un point de vue purement technique, le résultat est réussi : rythmé, bien dessiné, extrêmement ludique dans sa bonne connaissance des différents éléments de l'univers Marvel, et pensé comme une déclaration d'amour aux travaux du passé (du point de vue de Planet Hulk, des Gardiens, de Nova, etc). Pour le sens profond, Jonathan Hickman livre aussi quelques pistes de réflexion : est-ce qu'un bon mensonge vaut mieux qu'une affreuse vérité, est-ce que la guerre ne ferait pas partie du tissu profond des civilisations, que peut-on encore croire lorsque les chefs d'état acceptent de composer avec la part d'ombre qui sert leurs intérêts... on attrape au passage quelques idées, même si la nature profonde du texte reste purement \"utile\".

Hickman casse et Hickman reconstruit. Comme pour Krakoa, l'objectif est autant d'écrire une histoire que de bâtir un nouveau bac-à-sable pour les équipes créatives suivantes. Une nouvelle porte cosmique que d'aucuns pourront alors ouvrir et exploiter, dans la mesure où le statu quo précédent n'avait pas forcément trouvé recette.

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Au global, néanmoins, difficile de bouder son plaisir : malgré la mission que le bonhomme s'est donné, Imperial reste une lecture franchement agréable, même en dehors de toute préférence personnelle. Surtout s'il s'agit bien d'un point de départ avec une conclusion déjà prévue, et pas seulement d'une simple commande éditoriale. Pourquoi bouder son plaisir ? Retrouver le Hulk de Sakaar, en particulier si l'on apprécie peu le travail récent de Phillip Kennedy Johnson et sa lecture du géant vert comme un membre du panthéon des monstres, fera forcément un peu d'effet pour les amateurs de cette lecture du héros. Surtout avec un pareil coup de crayon.

Dans le même temps, on comprend aussi que Jonathan Hickman avait envie de faire bouger Star-Lord de son éternel statut de prince renégat, de pilier du comptoir du cosmos, avec une évolution qui promet beaucoup pour l'ancien leader des Gardiens. Un autre peuple embarqué dans l'équation devrait aussi (beaucoup) profiter de toute l'affaire... et de ce point de vue, certains lecteurs devraient se satisfaire de ce retour de bâton (presque ironique) dans la tronche des éditeurs de chez Marvel. Beaucoup de question restent encore en suspens, et si la critique principale de tout le récit se niche dans cet aspect d'irrésolu (ce qui n'était pas forcément le cas des grands chapitres de la saga d'Abnett et Lanning, souvent pensés comme de véritables épisodes complets au sein d'une grande trame en perpétuel mouvement), beaucoup de questions se posent encore, et le plaisir de la découverte revient donc dans la foulée.

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Côté graphique, les deux dessinateurs livrent une copie séduisante, même si de sérieux problèmes de lisibilité se posent sur les scènes de bataille spatiale, ou dans des affrontements de couloir trop chargés. Les costumes sont réusis, et encore une fois, l'impression d'une histoire qui cherche un peu de grande (dans les choix de mise en scène) prédomine au sortir de l'expérience.

En somme, une formule qui reste proportionnelle aux autres (bons) travaux de Jonathan Hickman récemment : en bon expert de la cosmogonie Marvel, le scénariste aime bouger des éléments et tenter des expériences pour remuer un peu le prunier des super-héros, section par section. Après les X-Men, après l'univers Ultimate, celui-ci a donc posé ses valises dans les étoiles pour corriger une sorte d'oubli. Les anciens lecteurs qui regrettaient jusque-là de ne plus avoir de quoi manger dans le cosmique depuis que Marvel a changé la recette ont obtenu gain de cause : Imperial réétablit la logique des grandes guerres spatiales, des mécaniques dramatiques, des trahisons, des religions et des messies éparpillés dans cette sorte de grand paysage chaotique où tout peut arriver. Une écriture plus noble et une promesse de grand recommencent qui devrait aussi frustrer certains de par ses choix de caractérisation ou de tri sélectif dans la continuité... mais c'était aussi le cas de Krakoa : malgré le succès de cette période, certains regrettaient aussi les séries X-Men plus classiques, moins compartimentées. Mettons que l'approche trouvée par Marvel pour son versant cosmique profite au moins d'un regain d'ambition, et d'une envie de saga horizontale, sur plusieurs fronts et plusieurs lignes de fuite, pour redécouvrir cet univers sous l'angle de la générosité. Vite, la suite.

Imperial Tome 1, 152p, 16€, disponible chez Panini Comics

Imperial Tome 2 sera de sortie le 4 février 2026

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L'équipe créative de Dawnrunner que nous avions interviewée il n'y a pas si longtemps repartait à la rentrée dernière en tournée de dédidaces, à l'occasion de la sortie du premier tome de la série New Gods chez Urban Comics. La série, qui s'inscrit dans la continuité \"All-In\" de DC Comics (et la collection DC Prime pour la VF) est une nouvelle reprise des personnages et de la mythologie initiée par Jack Kirby il y a plusieurs décennies, et qui n'a pas eu droit à tant de nouveaux volumes que ça au fil du temps.

Nous sommes donc allés à la rencontre du duo afin de leur poser quelques questions sur leur façon de marcher dans les pas du King des comics, mais aussi assez spécifiquement sur les conditions de travail, attendu que New Gods est le premier travail d'Evan Cagle dans une série mainstream, avec tout ce que ça implique en termes de contraintes et des fameuses deadlines. Si vous êtes à l'aise avec l'anglais, on vous recommande vivement l'écoute du format podcast de cette interview pour profiter de la très bonne ambiance et des vannes, qui passent forcément mieux à l'audio.

Remerciements particuliers et spéciaux à Clément Boitrelle pour la retranscription et la traduction de cette interview.

Arnaud Kikoo : Comment\nvous portez-vous depuis notre dernier entretien Ram et Evan ?

Evan Cagle : Oh tout va\npour le mieux ! Je suis surtout très occupé, le rythme mensuel de New\nGods, ça ne rigole pas !

Ram V : Je dirai la même\nchose de mon côté… Occupé à écrire des comics, des projets en dehors de la BD…\nAh oui entre temps j’ai eu un enfant aussi, ce qui m’a pas mal occupé. D’autant\nque nous faisons construire une maison en même temps !

AK : Ce qui est plutôt\ndifférent que d’écrire des comics !

RV : Complètement !

AK : Nous nous retrouvons\ndonc aujourd’hui pour parler du premier volume de New Gods qui vient de paraître\nen France. Ma première question sera plutôt simple : comment avez-vous\ndécouvert l’univers du Quatrième Monde ? Etiez-vous fan plus jeune ou bien\nl’avez-vous découvert plus tard ?

RV : Eh bien c’est en\nlisant une interview que j’ai découvert qu’Alan Moore s’était intéressé au\ncomics grâce aux travaux de Jack Kirby. J’adore Alan Moore et je me suis donc\ndit qu’il fallait que je lise ce qui avait bien pu autant lui plaire chez\nKirby. J’ai donc lu tout l’omnibus du Quatrième Monde et j’ai très vite compris\nen quoi cette œuvre pouvait être une vraie drogue pour un auteur de\ncomics ! Chaque page foisonne d’idées qui individuellement pourraient\nservir de base pour une histoire. Je ne m’y intéressais pas trop plus jeune\nmais j’ai compris l’importance que cette œuvre a pu jouer dans le comics\naméricain.

AK : Si je ne me trompe\npas, vous avez grandi en Inde. Ce genre d’albums étaient peut-être aussi durs à\ntrouver.

RV : Absolument. Même si\nj’arrivais à percevoir à quel point cette œuvre a infusé dans la culture\npopulaire : je pouvais voir les points communs entre les comics Flash\nGordon que je lisais avec le personnage d’Orion, ce gars blond qui pilote un\ngenre de moto. Mais non les albums étaient difficilement trouvables en Inde.

AK : Vous concernant\nEvan, j’ai lu dans une interview que vous aviez plus jeune une collection\nd’albums de Jack Kirby, mais rien à voir avec les récits qui l’ont rendu\npopulaire !

EC : Effectivement !\n[rires] Rien qui ne ressemblait au Quatrième Monde ! J’avais beaucoup de\none-shot et d’histoires courtes. J’étais donc familier du travail de Jack Kirby,\njuste pas celui qui vient en tête chez la plupart des gens qui entendent son\nnom.

AK : Quand avez-vous donc\ndécouvert le Quatrième Monde ?

EC : Eh bien juste avant\nde travailler sur la série !

AK : Ce fut donc une\nvraie découverte pour vous ?

EC : Tout à fait. Je\nconnaissais déjà quelques-uns des personnages mais je n’avais pas lu la moindre\npage de cette série ! J’en ai donc appris beaucoup sur Jack Kirby en\npeu de temps !

RV : En parlant des\ntravaux de Kirby qui ne proviennent pas forcément des comics. J’ai rendu visite\nà un ami il y a peu, c’est un grand collectionneur de jouets entre autres. Il\navait une collection de jouets japonais distribués sur le sol américain…

EC : Basés sur les\npersonnages de Kirby ?

RV : Non non, les\npersonnages provenaient d’une autre licence mais c’est lui qui a réalisé les\nillustrations pour les emballages. Il existe donc une gamme de jouets\ncomplètement obscurs avec des illustrations de Jack Kirby sur leur boîte !

EC : Ouah ! Mais\nc’est trop cool ! Je n’en avais jamais entendu parler…

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AK : Quand est-ce que\nvous est venue l’idée de travailler sur une série New Gods ? C’est un\nprojet que vous aviez en tête depuis un moment déjà ?

RV : Oui et non. A\nl’époque je travaillais sur Detective Comics et mon éditeur d’alors m’a demandé\nsur quoi je voulais travailler suite à cette série. Vous savez, depuis que je\ntravaille dans les comics, j’ai toujours eu dans le coin de ma tête l’envie de\ntravailler sur d’anciens personnages un peu obscurs, les dépoussiérer et les\nréinventer, un peu comme les artistes chez Vertigo à la fin des années 80. Ça a\nété toujours un objectif. Après mon passage sur Detective Comics, je me suis\ndit que c’était le bon moment. Au final, si vous aspirez à être un artiste qui\ndécide de sa propre carrière, il y a deux possibilités…

AK : C’est au final assez\nrare comme situation, car la plupart du temps on vous propose de travailler sur\ntelle ou telle série et vous n’avez pas d’autres choix…

RV : Cela n’a jamais été\nmon cas, car je pouvais répondre « non » !

AK : Vous étiez en\ncapacité de dire non !

RV : Exactement.

EV : Il ne faut jamais\nsous-estimer l’importance de dire « non » !

[rires]

RV : Quoi qu’il en soit,\nj’étais bien conscient et chanceux d’être dans cette position. Mais plus\ngénéralement, ce qu’un auteur aurait pu faire une fois Detective Comics terminé\nc’est de vouloir se tourner vers une série plus importante comme Batman par\nexemple. En réalité, j’ai fait l’inverse ! Laissez-moi des personnages qui\nn’ont pas de série actuellement et laissez-moi faire ! Pour moi, passer de\nzéro lecteur à des milliers est tout aussi impressionnant que d’atteindre les\nchiffres de vente de Batman. Je voulais également travailler avec un grand\nnombre de personnages, il s’agit plus d’un challenge personnel : comment\ngérer un casting avec autant de personnages ? Comment jongler avec plusieurs\névènements qui se passent aux quatre coins de l’univers ? Il m’est donc\nparu logique de porter mon attention sur le Quatrième Monde : vous aviez\nlà un univers entier rempli de personnages dont DC ne se servait pas, si l’on\nexcepte bien sûr les apparitions de Darkseid. Mais même concernant ce dernier,\nj’ai un peu l’impression que DC en a eu marre de l’utiliser à chaque fois comme\nle grand méchant…

AK : Il a donc fallu\nconstruire une nouvelle intrigue avec ces personnages. Vouliez-vous l’inclure\ndans la continuité officielle DC ou vous aviez en tête quelque chose qui se rapprocherait\nplus d’une série Black Label, comme ce que vous avez fait avec Aquaman ?

RV : Je voulais inclure\nmon histoire dans la continuité. Je crois que c’est d’ailleurs pour ça que le\nQuatrième Monde prenait la poussière : personne n’a vraiment essayé de\nl’inclure dans la continuité officielle. Ce fut la meilleure chose à faire pour\nmoi. D’un autre côté, je trouvais ça plutôt stimulant de mélanger ces intrigues\nde dieux avec celles des humains et des super-héros.

AK : Evan, comment\nêtes-vous arrivé sur le projet ? J’imagine que puisque vous ne connaissiez\npas la série, la demande ne venait pas forcément de vous ?

EC : Non. Je crois que\nnous étions en train de terminer notre travail sur Dawnrunner et Ram… Ram aime\nbien glisser ici ou là des indices sur ses prochains projets « Tu sais,\nj’ai cette idée… » « ça va être super… ». Il fait souvent monter\nla mayonnaise pendant deux mois avant de finalement me pitcher son idée. Cette\nfois-ci, il m’a présenté son projet sur les New Gods. Comme je n’y connaissais\nrien, je n’y ai pas trop prêté attention… C’est peut-être moi qui a été un peu\nà la ramasse, mais je n’avais pas compris qu’il me proposait de travailler avec\nlui ! Car on parle souvent de ses projets sur lesquels je ne travaille\npas…

RV : On discute souvent\nde nos différents projets et on s’échange nos idées.

EC : Exactement. On a\ndéjà discuté de Leïla Starr, de Blue in Green : des titres sur lesquels je\nn’ai pas travaillé. Et donc pour New Gods je pensais qu’il s’agissait d’un\nprojet avec un autre artiste. Jusqu’au moment où tu as suggéré que je sois le\ndessinateur. J’ai répondu qu’il s’agissait d’une très mauvaise idée ! Je\nne connaissais rien de Jack Kirby et de cet univers. Je n’avais encore jamais\ntravaillé sur une série mensuelle. Le rythme me semblait très franchement\ninhumain, surtout en comparaison du rythme paisible avec lequel nous avons\npublié Dawnrunner. La perspective d’un rythme mensuel ne me plaisait pas\nforcément.

AK : Mais vous avez fini\npar accepter.

EC : C’est vrai.

AK : Qu’est-ce qui vous a\nfait changer d’avis ?

EC : Je crois que quelque\npart Ram m’a eu à l’usure ! Mais il a également réussi à me rendre ces New\nGods intéressants.

RV : Je crois que le\nterme que tu cherches c’est le « pouvoir de la persuasion » !

EC : [rires] Tu as réussi\nà m’hypnotiser oui !

AK : Il y a eu peut-être eu un peu de torture dans cette histoire...

[rires]

EC : Il y a eu des\nmenaces, des pleurs ! Non plus sérieusement, il a été plus facile de me\nconvaincre à faire Dawnrunner : j’adore les mechas et la science-fiction,\nça ne fut pas dur de me vendre le projet. Ce qui n’a pas été le cas pour New Gods. Je ne\ncomprenais pas ce que moi je pouvais apporter comparé à des dizaines d’autres\ndessinateurs.

AK : On pourrait pourtant\nvous répondre que New Gods correspond également à votre univers : on a de\nla hard science mélangée à de la fantasy.

EC : C’est justement sous\ncet angle que Ram m’a présenté le projet. Je m’intéresse également à\nl’ésotérisme, la mythologie. C’est la première fois que quelqu’un me présentait\nles New Gods à l’aube de ces deux facettes, c’est-à-dire ce mélange de\nscience-fiction et de mythologie. Pour moi qui n’était pas très familier avec\ncet univers, cela se résumait à des personnages en costumes bariolés à la Jack\nKirby et je n’avais aucune idée de l’intrigue. C’est seulement quand j’ai\ncompris en quoi cela pourrait m’intéresser, que je me suis lancé dans le\nprojet.

AK : Vous avez donc dû\nlire tout l’omnibus du Quatrième Monde en deux jours ?

EC : Pas en deux jours\nnon ! Mais oui il a fallu que je me plonge dedans et Ram avait également\nquelques lectures bien spécifiques pour me familiariser avec toutes les folies\ndes mondes de Kirby !

AK : Est-ce facile de se\nréapproprier des personnages que vous n’avez pas créés vous-même ? D’autant\nque l’on parle de personnages imaginés par le grand Jack Kirby, ce qui n’est\npas rien.

EC : Je ne sais pas si\nl’on pouvait parler d’imprudence de ma part mais je ne m’en souciais pas\nvraiment.

RV : Si je peux me\npermettre d’intervenir, c’est justement la raison pour laquelle j’ai suggéré à\nEvan qu’il devait me rejoindre sur New Gods. Je savais que tu ne t’en ferais\npas trop.

EC : Ce dont je me suis\nrendu compte lors d’une interview précédente, juste avant la sortie du livre, c’est\nque Kirby avait prévu à l’origine de créer ce casting de personnages pour que\nd’autres artistes s’en emparent. Aussi, j’ai moins eu cette impression d’être\nle sale gamin qui vient mettre le bazar dans le travail des autres, mais\ndavantage devoir faire ce qui était prévu par Kirby lui-même ! C’est-à-dire\nnous emparer de ses idées, cet univers et en faire ce que l’on veut !

RV : De toute façon tout\nappartient aux Grands Patrons de DC !

EC : [rires] C’est vrai\noui ! Mais au final, je pense que Kirby n’aurait jamais voulu que son\nunivers soit figé, comme conservé dans la naphtaline. C’est d’ailleurs pour\néviter cela qu’il l’a imaginé ainsi.

RV : Je serais très\nsurpris de voir un quelconque auteur digne d’intérêt considérer son univers\nainsi… Comme quelque chose de sacré, que l’on doit garder dans de l’ambre\npendant des décennies pour que rien ne change… Pour que rien ne soit raconté à nouveau. Car\nvous savez, raconter, réinventer quelque chose à nouveau, c’est forcément\nchanger.

AK : [rires] Alors je\nvais juste vous laisser finir de manger votre tranche de jambon !

RV : Nota Bene :\nmerci de couper ce passage lors de la retranscription !

AK : Mais cela fait\npartie du charme de cette interview, c’est la sincérité ! Pour les\nlecteurs, Ram et Evan mangent du fromage et du jambon pendant\nl’interview !

RV : Comme le veut la\ntradition quand vous êtes de passage à Paris !

AK : Vraiment ? Je\nn’ai pas le souvenir de ce rituel lors de notre dernier entretien !\n[rires]

EC : Laissez ce passage.\nC’est de l’interview-vérité !

AK : Plus sérieusement.\nVous expliquiez avoir à votre disposition un grand nombre de personnages. Il y\na donc les choix évidents mais peut-être ceux qui le sont un peu moins. Comment\navez-vous choisi les personnages qui interviendraient dans votre série ?

RV : Pour être honnête, ils\nétaient tous intéressants et je compte bien me servir de tous ces\npersonnages !

EC : Les 2000\npersonnages ?

RV : Même ceux qui\nn’apparaissent que le temps d’une case ou deux dans l’omnibus auront droit\négalement à une apparition dans cette série ! En tout cas, j’avais déjà en\ntête le début de l’intrigue et la relation entre Scott et Orion me semblait\nêtre le point de départ parfait. Je savais que la relation entre ces deux\npersonnages pouvait intéresser les lecteurs. Il y a donc Scott et Orion, puis leurs\ngéniteurs et à partir de là le cercle plus étendu des autres personnages\ns’écrit de lui-même ! D’une part car il s’agit de personnages qui m’ont\nplu dans l’omnibus original, et d’autre part car ce sont des personnages qu’il\na fallu créer en quelque sorte.

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AK : Avez-vous présenté\nvos choix de personnages à Evan en lui demandant de les réinventer ?

EC : Pas tous non.\nCertains gardent les designs de Kirby. Concernant les deux plus importants,\nBarda et Miracle, il n’y a eu quasiment aucun redesign. Je veux dire à ce\nniveau, il n’y a que quelques variantes stylistiques, un peu comme quand Walt\nSimonson les dessine ou Kirby lui-même. En ce qui concerne les designs, je\ncrois que nous les avons surtout passé en revue en se demandant si cela collait\navec l’univers. Orion a été le premier gros morceau sur lequel je me suis\npenché. Quand je regarde mes premières ébauches sur Orion, il a l’air tellement\nmaigrichon ! Il a juste l’air d’un petit gars avec un gros casque !

RV : Il est devenu de\nplus en plus baraqué !

EC : Je me souviens que\ntu n’arrêtais pas de me demander de le faire plus costaud ! Comme nous\nétions au début du projet, je ne percevais pas bien encore comment Orion\ns’inscrivait en termes de morphologie, comparé aux autres New Gods, à quoi\nressemblerait sa silhouette. C’est seulement quand j’ai compris qu’il\ns’agissait de l’armoire à glace du groupe que j’ai eu le déclic. C’est une\narmoire à glace avec un casque et des jambes !

RV : [rires] Quelqu’un\nm’a demandé récemment quelle voix avaient mes personnages, avec quelle voix je\nles entends s’exprimer dans ma tête ? Pour Orion j’ai répondu que\nj’entendais l’acteur Vladimir Kulich, dans le 13^ème Guerrier évidemment !

EC : [rires]\nEvidemment !

RV : L’armoire à glace\nviking !

AK : J’ai été vraiment\nimpressionné par les premières planches de la série quand elle a été annoncée, en\nparticulier votre interprétation de Néo-Génésis. Combien de temps cela vous\na-t-il pris ?

EC : Je crois que j’ai\npassé bien trop de temps sur le premier numéro !

RV : Nous avions le\ntemps !

EC : En effet ! Je\ncrois que nous avions au départ 6 semaines pour chaque numéro et j’ai en ai\npassé 8 juste pour le premier…

RV : Et tu t’es très vite\nrendu compte au deuxième numéro ce que cela impliquait ! [rires]

EC : Nous avions\négalement une tournée durant la production du deuxième numéro ce qui a rendu le\nprocédé encore plus difficile.

RV : Une tournée qui\nrestera dans les annales…

EC : Mais cela en valait\nla peine car il a fallu que je trouve mon rythme pour New Gods. Vous pouvez\ntrès bien envisager une certaine approche visuelle, mettre sur pied un genre de\nmood board pour vous donner des références visuelles et de l’inspiration mais\nen réalité, tout ça prend de l’air quand vous réalisez une planche…

RV : Planifier c’est une\nchose, se jeter à l’eau c’en est une autre.

EC : Exactement, il faut\nse confronter à la réalité. Il y a une grande différence entre étudier un\nscript et imaginer les différentes actions et être concrètement en train de\ndessiner ces actions… Aussi, prendre ce temps supplémentaire pour le premier\nnuméro m’a permis de comprendre quel langage visuel nous pourrions utiliser\npour que les lecteurs découvrent ce fameux Quatrième Monde. Ce fut très\nimportant.

$\"images/editeur/Arno/Novembre$

AK : Vous aviez déjà\ncollaboré auparavant sur Dawnrunner. Y a-t-il eu des discussions avec l’édito\nchez DC ou bien avez-vous eu davantage de liberté comme quand vous travaillez\nsur vos projets plus personnels ?

RV : Je pense qu’une des\nraisons majeures pour lesquelles je continue à harceler DC de me laisser\ntravailler avec d’anciens collaborateurs, c’est qu’au fond de moi je suis\nconvaincu qu’une grande partie du travail est issue de la collaboration entre\nauteur et artiste plutôt que via les éditeurs. Je pense qu’aujourd’hui, pour le\nmeilleur et pour le pire, la partie éditoriale dans le milieu du comics\ns’intéresse plus à l’organisation et l’optimisation qu’à la création artistique.\nJ’aimerais que les éditeurs soient davantage impliqués dans le processus\ncréatif, dans la rédaction du script, la réalisation des pages… Malheureusement\nles choses ne se goupillent pas vraiment en ce sens. Entendre quelqu’un qui\nn’est pas impliqué dans ce que vous faites au quotidien vous donner des\nconseils sur ce qui semble être le mieux à faire dans votre série me paraît un\npeu bizarre. C’est pour ça qu’il est très important pour moi de travailler avec\ndes gens avec qui je partage une vraie alchimie créative. Cela se ressent quand\nvous avez le livre en main. C’est d’autant plus important avec un projet pour\nlequel les éditeurs seront plus intéressés à gérer la bonne publication des\nnuméros que par ce qu’il y a concrètement dans chaque numéro.

AK : Ma question sera plus sur le plan technique. Vous expliquiez avoir pris plus de temps pour le premier numéro,\nce qui a eu des répercussions sur les numéros suivants. Plusieurs artistes sont\négalement présents dans certains de ces numéros. Est-ce quelque chose qui a été\nprévu dès le début de la série ?

EC : Cela faisait partie\nde notre intention première. A l’époque où j’étais encore un peu frileux à\nl’idée de me lancer dans le projet, j’expliquais à Ram que je n’étais pas assez\nrapide pour tenir le rythme d’un comics mensuel. Aussi, Ram a eu l’excellente\nidée de faire appel à des artistes extérieurs tous les trois numéros je crois.\nAinsi, je m’occupe des premières pages, et ils prennent le relais. Cela m’a\nainsi permis de réduire ma charge de travail, je n’ai donc pas à me tuer à la\ntâche ! D’autant que cela a aussi pour avantage de rajouter aux côtés de\nmes dessins de superbes travaux qui illustrent des histoires satellites à\nl’intrigue principale. Le tout sert également à alimenter la mythologie et\ndonner du relief à cet univers, en tout cas c’est ma vision des choses.

AK : Vous n’avez donc pas\nà connaître le script de vos collègues pour reprendre le train de\nl’histoire ?

EC : Je sais sur quoi ils\ndevront travailler.

RV : Evan a un regard sur\nl’ensemble des scripts.

EC : Ce n’est pas une\ncontinuité parfaite, je n’ai pas à me soucier où s’est arrêté tel collègue pour\nreprendre la suite.

RV : C’est déjà arrivé\ncela dit. Tu t’es déjà retrouvé surpris\nde voir qu’un collègue n’avait pas encore dessiné un élément particulier, et\nvice versa d’ailleurs.

EC : Mais on fait\navec !

RV : Mais oui ! Ce\nsont des comics, inventez des trucs !

AK : Je crois que dans le\nnuméro 5 ou 6, Superman fait une apparition. Pour rappel, l’histoire s’inscrit\ndans la continuité de l’univers DC. Est-ce que cela vous a fait quelque chose\nde devoir dessiner un personnage aussi culte que Superman ? Ou bien comme\nvous le disiez plus tôt, cela ne vous a pas particulièrement touché ?

EC : J’ai d’abord pensé\nque cela ne me ferait rien… Vraiment, je ne suis pas un grand fan de Superman,\nça ne me parle pas vraiment.

RV : Si je peux ajouter,\ntu en avais une certaine vision cependant.

EC : C’est vrai oui. Mais\némotionnellement, je ne me suis pas dit « Enfin je peux dessiner\nSuperman ! ». Ce fut également le cas pour mes couvertures pour\nDetective Comics, je ne me suis pas réjoui car j’ai pu enfin dessiner Batman. Et\npourtant… En le dessinant j’avais dans le coin de ma tête mon moi de 6 ans qui\ncriait de joie ! Il y a eu une\nconnexion émotionnelle à laquelle je ne m’attendais pas !

AK : Comment trouvez-vous\nl’équilibre entre les segments dessinés par Evan et ceux plus mythologiques,\nles flash-backs ? Est-ce que c’est quelque chose que vous aviez prévu dès\nle départ ? Aussi, comment avez-vous choisi les artistes invités ? Il\ny en a certains avec qui vous avez déjà travaillé, comme Filippe [Andrade] par\nexemple. Mais on retrouve aussi Andrew McLean… Vous l’avez convaincu à venir\npour une série DC.

RV : Il y a également\nJesse Lonergan, Jorge Fornés…

$\"images/editeur/Arno/Novembre$

AK : Comment avez-vous\nfait pour avoir cet ensemble d’artistes talentueux dans un même album ? Et\ns’il vous plaît, ne me répondez pas que vous leur avez juste envoyé un\nmail ! Donnez-moi un peu de magie !

[rires]

EC : Le pouvoir de la\npersuasion !

RV : Je les ai appelés\nune nuit de pleine lune en les menaçant de maudire leurs familles sur des\ngénérations s’il ne collaboraient pas avec nous !

AK : Je suis sûr que ce\nn’est pas si éloigné de la vérité.

[rires]

RV : Quand j’ai étudié\nleurs dessins, je me suis dit que ces dessinateurs avaient dû être influencés\npar Kirby. Ce fut juste une supposition de ma part. Aussi, cela m’a vraiment\nfait chaud au cœur quand, en contactant Jesse Lonergan, ce dernier m’a déclaré :\n« Je suis un énorme fan de Jack Kirby ». Pareil pour Andrew McLean.\nJe crois que nous l’avons contacté via Instagram et pareil, il nous a fait part\nde sa joie à l’idée de dessiner des personnages créés par Kirby. Et vous voyez,\nil y a des dessinateurs qui se sont lancés après avoir lu Hellboy de Mignola.\nVous pouvez voir que certains ont un dessin très proche de Mignola et d’autres\nont trouvé leur propre style. Dix ou quinze ans plus tard, vous pourrez voir\ndes artistes qui ont de l’ADN de Mignola, mais ce sera pourtant un dessin\ndifférent. C’est vraiment sous cette perspective que nous avons sélectionné les\nartistes invités. Pour revenir à votre question sur l’équilibre entre les\nséquences, j’apprécie particulièrement les intrigues avec des interruptions\ndans leur déroulé. Par exemple, un flash-back ne doit pas forcément faire\nréférence à un élément qui se déroule dans l’histoire. En revanche, ce\nflash-back va davantage vous impliquer dans les potentiels changements que\nprendra l’intrigue.

Prenons un exemple (spoilers d’ailleurs) : comme\nvous savez que Lightray a toujours été fasciné par ce qu’il se passe après la\nmort, son propre décès résonne différemment. Aussi, cela a été plutôt aisé de\ntrouver l’équilibre entre les séquences quand vous envisagez la narration sous\ncette perspective. La vraie difficulté a plus été de savoir comment réussir à\nraconter l’histoire que je veux raconter en seize pages. C’est de cette donnée\nque découle l’intrigue en tant que telle. Mais de savoir que l’histoire se\ndéroule depuis la création de cet univers la rend plus riche je trouve. Il faut\nsavoir sacrifier des choses pour en réaliser d’autres, et les faire très bien.

AK : Est-ce que DC a été\nquelque peu effrayé par le projet ? C’est une chose que de proposer une\nsérie avec vous et Evan, mais c’en est une autre que de proposer une série avec\nune équipe créative et des artistes invités, qui sont d’ailleurs brillants mais\nqui ont un style très différent de ce que pourrait proposer l’éditeur en temps\nnormal. Pensez-vous que cette perspective aurait pu refroidir certains\nlecteurs ?

EC : Je ne l’ai jamais\nperçu…

RV : Je ne pense pas que\nDC ait eu peur…

AK :\n« Effrayé » est peut-être un terme un peu fort…

RV : Je vois ce que vous\nvoulez dire. Je pense qu’il y a toujours une certaine inquiétude mais il faut\nfaire avec. Je ne crois pas qu’il faille toujours avoir en tête la potentielle\nréaction des gens quand vous proposez un projet…

EC : D’autant qu’une fois\nplongé dans le récit, au bout de trois ou quatre numéros, vous êtes vraiment\npris dedans.

RV : Je pense que je serais\nplus inquiet si le choix des artistes était fait pour uniquement réaliser des\nfill-in, pour juste rajouter des pages. Notre décision est avant tout une\ndécision artistique, il y a une volonté derrière cette dernière. Si cette\nvolonté ne vous plaît pas, tant pis pour vous ! Mais en tout cas ce choix\na été fait pour une raison bien précise. Nous ne nous sommes pas demandé\n« est-ce que les lecteurs achèteront notre série si nous faisons ainsi ? ».\nJe pense que si vous abordez chacune de vos décisions sans le moindre cynisme,\nalors vous pouvez bien vous moquer des conséquences.

EC : C’est une belle\nvision des choses.

RV : Nous avons fait avec\ncette série ce que nous nous étions promis de faire. Et au final, la série a\nété suffisamment vendue pour que ce soit un succès. Je suis sûr qu’il y a des\nlecteurs déçus de ne pas avoir plus de pages dessinées par Evan, mais il doit\nbien y en avoir autant qui ont acheté le deuxième numéro juste parce que Jesse\nLonergan réalise les premières pages. C’est le genre de chose que vous ne\npouvez pas prédire… Je suis sûr qu’il y a quelqu’un dans un bureau qui étudie\nles chiffres de vente, mais ce n’est pas moi en tout cas.

EC : Et ça ne devrait\npas l’être d’ailleurs !

AK : C’est peut-être\nfinalement quelque chose que l’on peut percevoir comme un « bonus »\nplus que comme un fill-in…

EC : Je crois bien que\nnous n’avons jamais considéré ces pages comme des fill-in…

AK : Effectivement, je ne\nles considérerais pas non plus comme tel, car on ne parle pas de pages que vous, Evan, auriez dû réaliser et que vous n’avez pas pu. Vous avez spécifiquement\ntravaillé pour ces artistes.

RV : Exactement. J’ai une\nanecdote un peu parallèle qui vient d’une interview de Michael Mann qui\nrevenait sur le tournage de Heat. Le journaliste qui l’interviewe lui explique\nqu’il a fait des choix intéressants en utilisant la caméra à main, « On a\nl’impression d’y être ! ». Le journaliste lui demande quelles ont été\nles raisons d’un tel choix. Mann répond alors : « Nous avions trente\njours pour tourner. Manipuler une caméra avec toute son installation aurait été\ntrop compliqué. J’ai donc juste posé ma caméra sur mon épaule et c’était\nparti ! ». Les choix sont parfois faits à cause des contraintes qui\nse présentent à vous et cela vous permet parfois d’obtenir des résultats\nintéressants. La planification peut être bénéfique, mais aussi un peu\nennuyeuse…

AK : Quel est votre\nregard sur la publication mensuelle ? Avez-vous fini par aimer ça ?

RV : Les lecteurs doivent\nsavoir que je suis en train de rigoler en silence !

EC : C’est difficile au\nquotidien… Mais je ne dirai pas que c’est rédhibitoire…

AK : Vous saviez dans\nquoi vous vous lanciez.

EC : En quelque sorte\noui… Ce que je peux vous dire c’est qu’il a fallu que je fasse des concessions\nen termes stylistiques, j’étais bien conscient de ça, pour me rendre la tâche\nplus facile, pour que mon rythme soit tenable. Et je pense avoir réussi ces\nconcessions sans pour autant renier mon style.

RV : J’aime beaucoup ce\nque tu as dit dans l’interview avec David Harper : « Tu as passé les\nbons pactes avec les bons diables ! »

AK : Il y a pourtant les\nscènes de bataille sur Apokolips et Neo-Génésis. Avez-vous maudit Ram en\ndécouvrant le script ?

RV : La raison pour\nlaquelle je collabore avec des artistes comme Evan c’est que je crois que\nquelque part, ils sont un peu masochistes ! Quand j’aborde le sujet des\nscènes de bataille, je dis toujours à Evan « Tu sais, tu peux cacher tout\nça derrière un brouillard de guerre ! ». Je le vois m’écouter avec\nattention et quand il me rend son dessin, il a tout dessiné en détails !

EC : Est-ce que tu te\nsouviens quand tu m’as montré le script de la bataille sur Apokolips ce que je\nt’ai dit ? Je savais que je n’allais faire que trois pages et donc je\nvoulais faire ces pages en gravure…

RV : Je lui ai\nrépondu : « S’il te plaît, ne fais pas ça ! ».

[rires]

EC : Au départ je me\ndisais « oh chouette ! J’ai trois mois devant moi, je vais pouvoir me\nsurpasser ! » mais Ram a vraiment insisté pour que je change\nd’avis !

RV : Aussi, je connais\nEvan. Si je l’avais laissé faire et que nous aurions dû faire d’autres pages du\nmême style plus tard dans la série mais avec moins de temps, il se serait dit\n« Ah si seulement j’avais pu les faire en gravure !! ».

EC : C’est vrai… C’est le\nproblème quand vous perdez une journée à faire une planche incroyable, il faut\nque les autres soient du même acabit.

RV : Ceci étant dit, je\nne sais pas si tu le remarques, mais je trouve que tu abordes tes pages d’une\nmanière un peu différente qu’avant. Tu as gagné en assurance notamment dans ce\nque tu veux et peux dessiner et je pense que c’est quelque chose que tu vas\ngarder à l’avenir, peu importe les contraintes de temps. Quand on parle de\nstory-telling, je pense que le cerveau doit développer des genres de raccourcis.\nCe n’est pas quelque chose qui peut se développer quand on a aucune contrainte\nde temps.

EC : Quand on y pense, il\ns’agit là vraiment de mon deuxième vrai gros projet… Le premier étant\nDawnrunner. Je suis peut-être en train de trouver mon rythme de croisière… J’essaie\nd’adapter mon style pour que le rythme de travail soit vivable.

RV : Je ne pense pas\nqu’il s’agisse d’adapter ton style… Je te vois faire des choix plus rapides\nconcernant tes planches, mais ces choix ne résultent plus forcément de\ncompromis stylistiques. Cela est sans doute dû à ta première expérience sur\nDawnrunner. Mais devoir faire des choix car tu as la pression du calendrier t’aides\nà développer ton instinct.

EC : Il faut faire des\nchoix plus censés oui.

RV : Imagine si l’on\nrepartait sur une série où il n’y aurait aucune contrainte de calendrier, tu\naurais toute une année pour travailler sur un énorme projet…

EC : Voyons grand !

RV : … si l’on devait\nrepartir sur un projet de ce type, être conscient des choix que tu peux faire\nen termes de style, c’est quelque chose de très précieux pour un artiste.

EC : Je pense que si tu\nme proposais de refaire Dawnrunner dans les mêmes conditions que la première\nfois, nous pourrions le faire en neuf mois seulement. Nous communiquons mieux,\nje suis capable dorénavant d’aller à l’essentiel sans me tuer à dessiner le\nmoindre grain de sable… Je sais maintenant quels grains doivent être\nprésents !

AK : C’est vraiment super\nde voir comment votre regard sur votre façon de travailler change et que vous\npuissiez mettre des mots dessus. Je vous ai posé la question il y a quelques\nminutes et c’est plaisant de vous écouter en discuter ensemble !

RV : Nous n’avons plus qu’à\ninviter Arno sur nos discussions WhatsApp !

AK : Ma prochaine\nquestion sera peut-être un peu superficielle mais n’êtes-vous pas frustré de\nvoir votre travail sur le petit format qu’est le single-issue ? Je pense\nnotamment aux premières planches sur Neo-Genesis où j’imagine que le dessin\nd’origine est bien plus grand.

EC : J’imagine que c’est\nun peu la même chose pour les mangakas, mais inconsciemment vous devez bien\nsavoir que votre dessin terminera la taille d’un timbre-poste ! Il ne faut\npas trop s’en faire je pense… Parfois la réduction de taille rend votre dessin\nun peu plus fouillé, plus épais.

RV : Je ne regarde jamais\nles albums une fois imprimés.

AK : Pardon ?

[rires]

RV : Je ne lis jamais mes\ncomics.

AK : Vous n’avez pas\nforcément besoin de les lire, mais ne serait-ce que de voir ce que cela\ndonne ? C’est d’ailleurs ce que l’on fait, on ne lit pas on regarde juste\nles images !

[rires]

RV : Je crois qu’il est\ntemps pour moi de partir merci !

[rires]

EC : C’est pour ça que tu\nes si populaire Ram ! [rires]

RV : Plus sérieusement, je\nsuis incapable de voir ce que donne mes séries en single-issue… Je ne lis même jamais\nles trade paperback avant un bon moment car je ressens une sorte de désintérêt\ntrès brutal envers un projet une fois qu’il est terminé.

EC : En ce qui me\nconcerne je jette toujours un œil pour voir ce que les dessins donnent.

AK : Ram, vous êtes juste\nlà pour écrire finalement ?

RV : Une fois que le\nprojet a été envoyé en pdf et envoyé chez l’imprimeur, je m’en fiche.

EC : C’est ici que nous\ndifférons toi et moi. Pour moi, quand le projet est chez l’imprimeur, le\ntravail ne fait que commencer ! J’enfile ma casquette de designer car cet\naspect m’importe beaucoup. Cela dit, une fois que l’album est imprimé, je te\nrejoins. Cela devient comme de la kryptonite pour moi. Quand je vois Dawnrunner\ndans les rayons d’un comic shop, je ne m’en approche pas à moins de trois\nmètres !

RV : Je suis\nd’accord ! Une fois que le projet est terminé, on ne peut rien faire\nd’autre ! Voilà pourquoi je n’ai jamais cette déception de voir mon comics\nen petit format. Pour moi, un dessin est le plus beau quand il apparaît sur\nl’écran géant que j’ai dans mon bureau. Je peux alors zoomer sur chaque détail,\nvoir où Evan a dirigé le regard d’Orion dans les ombres… J’ai toujours ce\nnarcissisme un peu bizarre à l’idée de lire mes propres comics une fois\nterminés, à tel point que d’anciens collaborateurs sont déjà revenus vers moi\ncar ils voulaient refaire le lettrage par exemple avant la sortie du trade\npaperback. Je leur répond toujours « Super, vas-y je m’en\nmoque ! ». [rires]

AK : Vous avez également\ncréé un nouveau personnage pour cette série, un personnage qui vient d’Inde.\nEst-ce quelque chose que vous avez pris l’habitude de faire ? C’est\nquelque chose que vous avez fait dans Swamp Thing, il y a un encrage plus\noriental dans Detective Comics. Est-ce important pour vous d’avoir ces\npersonnages dans des œuvres très américaines ?

RV : Au-delà de vouloir\nabsolument faire apparaître ces personnages dans un médium très américain, je\ntrouve un peu bizarre que les histoires les plus populaires à l’heure actuelle ne\nreprésentent pas le monde tel qu’il est. Regardez, on a bien un type qui vole en\ncollant bleu et avec une cape rouge. Vous n’avez donc pas à romancer le commun\ndes mortels qui peuple cet univers, mais alors dans ce cas, pourquoi n’y a-t-il\npas de personnages noirs, métis ? Si vous regardez les séries qui étaient\npubliées lors de mes débuts, et qui ont encore du succès aujourd’hui, vous avez\ncette version aseptisée plutôt bizarre de la société. Aussi je me suis toujours\nefforcé de représenter une forme de pluralité. Vous vous doutez bien qu’une\nsérie sur des dieux ne peut pas faire l’impasse sur des divinités qui viennent\nd’Inde par exemple, vous voyez ce que je veux dire ? Tout cela vient d’un\nbesoin de montrer ce que à quoi ressemble vraiment le monde dans lequel on vit,\nquitte à remuer un peu certaines personnes réfugiées dans leur microcosme où\nleurs comics doivent représenter la banlieue américaine des années 80.

AK : Evan, quelle a été\nla partie que vous avez le plus apprécié dessiner ?

RV : Je suis sûr qu’il\ns’agit de la partie en Inde avec tous les panneaux publicitaires !

EC : Ça m’a pris\ntellement de temps !

RV : C’est pour ça que je\nla mentionne ! [rires]

EC : J’aime beaucoup\ndessiner les paysages…

RV : Est-ce que je peux\ndire ce que je préfère voir Evan dessiner ?

EC : Vas-y pourquoi\npas ! [rires]

RV : Metron.

EC : Oh oui, j’adore ce\npersonnage.

RV : Pour moi, le Metron\nd’Evan incarne tout ce que ce personnage devrait être. Tout chez lui est\nsuspect : comment il se déplace, comment il vous regarde…

EC : C’est vraiment un\ntype bizarre c’est vrai. C’est typiquement un personnage que je ne m’attendais\npas à autant apprécier. Attention, je ne pensais pas aller jusqu’à le détester\ncar je ne déteste aucun des personnages que je dessine… Mais la première\nplanche que j’ai dessinée dans laquelle il apparaît… Cela a du déclencher un\ntruc dans mon cerveau, mais à chaque fois que je le dessinais je prenais\nplaisir à représenter son étrangeté… Son rictus, ses narines… Je ne sais pas\ncomment l’expliquer mais j’ai beaucoup aimé le dessiner !

RV : Et vous voyez, c’est\nça la magie quand on collabore ! J’ai l’impression que Metron est le\npersonnage le mieux écrit de mon script… J’ai déjà entendu dire que dans les\ngrands récits d’ensemble, il y a toujours un personnage qui représente\nl’auteur. Prenez Game of Thrones, Tyrion Lannister est une pure représentation\nde George Martin…

EC : Ce n’est pas Cersei\nplutôt ? [rires]

RV : Quelque part, Metron\nc’est moi !

AK : C’est pour ça que\nvous êtes si bizarre ? [rires]

RV : Effectivement !\nEt je manipule les vies de tous les personnages qui m’entourent !

EC : Quand tout se\ndéroule bien, il récolte les lauriers. Quand tout part en vrille, il l’avait\négalement calculé ! [rires]

AK : Vous ne faites\nqu’utiliser votre pouvoir de persuasion pour convaincre les artistes !

RV : Je leur susurre à\nl’oreille quand ils dorment !

EC : « J’ai une\nprophétie ! Ta carrière fera du sur-place tant que tu ne travailleras pas\navec moi ! »

RV : Vous me faites\npasser pour Ben Kingsley dans Sexy Beast ! « Non Ram, je ne peux pas\ndessiner ta nouvelle série New Gods … Oui Ram, je vais dessiner ta\nnouvelle série New Gods ! ».

[rires]

AK : Pensez-vous qu’il\ns’agira d’une longue série ? Avez-vous déjà une fin de prévue ?

RV : A l’heure actuelle\nnous avons sorti douze numéros et nous prenons une pause. J’ai par ailleurs\nplusieurs idées qui nous emmèneraient sur plusieurs années mais je crois que ce\nne serait pas médicalement responsable de continuer au format mensuel ! J’avais\ntrente-six ans quand j’ai commencé à travailler dans les comics. J’en ai\nquarante-trois maintenant, j’ai un enfant etc. Je me dis que rester debout\njusqu’à trois heures du matin toutes les nuits n’est peut-être pas l’idéal.\nNous faisons une pause, nous allons chacun travailler sur des projets qui n’ont\npas toutes ces contraintes de temps et qui sait, peut-être que la série\nreprendra d’ici quelques mois, nous verrons.

AK : Et pour vous\nEvan ? Souhaitez-vous continuer à travailler sur des single-issues ?

EC : C’est tout l’intérêt\nde cette pause ! [rires] J’ai hâte de reprendre un carnet de croquis pour\npouvoir dessiner des choses sans deadline !

AK : Nique les\ndeadlines !

RV : Il faudra sans doute\nque tu édites ce passage !

AK : Vraiment ? Vous\nn’avez pas bronché ! Merci beaucoup Ram et Evan, j’espère que nous aurons\nl’occasion d’échanger à nouveau !

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En parallèle d'une série régulière qui se pense comme une réinvention moderne et survitaminée de l'univers du Chevalier Noir, Absolute Batman s'offre cette semaine un numéro Annual. Une friandise à la saveur particulière, puisque le sommaire se décompose sur deux récits servis par des auteurs parmi les plus intéressants du marché des comics actuels, Daniel Warren Johnson (Wonder Woman : Dead Earth) d'un côté et James Harren (Ultramega) de l'autre. En particulier pour qui aime : la violence.

Or, c'est surtout l'histoire du premier de ces deux prodiges qui risque de faire - beaucoup - parler d'elle. Surtout compte tenu de son propos. Et aussi, pourquoi pas, d'un \"courage\" éventuel de la part de DC Comics, dans la mesure où l'éditeur a accepté de publier pareille histoire dans une période politique particulièrement chargée aux Etats-Unis (mais pourquoi se mentir ? En Europe également). Sur le papier, rien de choquant, sauf si l'on se place du point de vue d'une part précise de la population - celle qui ne supporte plus l'altérité, qui se pense ostracisée quand elle tient en réalité l'essentiel du pouvoir poltique entre ses mains... et qui aime placarder l'adjectif de son choix pour terrasser toute opinion contraire. Bref, pour celles et ceux qui ne veulent pas de \"politique\" dans les comics, soyez prévenus : Absolute Batman Annual #1 n'est pas pour vous.

(la réponse à la question, c'est : oui)

On pourrait résumer l'intrigue de Daniel Warren Johnson en quelques lignes. L'histoire se base dans le passé d'un Bruce Wayne venu récupérer un stock d'armes armes non-létales (ou \"pas trop létales\") en bordure de Gotham City. Dans cette communauté plus rurale que sa métropole de résidence, le jeune homme, qui débute tout juste son aventure dans le rôle de Batman, tombe sur un campement de sans-abris, des laissés-pour-compte sans espoir de vie meilleure lorsqu'une grande entreprise qui avait promis de développer l'économie de la région a finalement abandonné le chantier de construction prévu au départ. Sur place, une horde de suprémacistes blancs compte bien se passer les nerfs sur les résidents de ce campement de fortune. Sauf que voilà : une chauve-souris est venue se poser au sommet de ces ruines.

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Alors ? \"Batman contre les nazis\" ? Si on veut. Il convient déjà d'attester la façon dont Daniel Warren Johnson profite de la dimension extravagante d'Absolute Batman pour pousser les potards plus haut. Ce qui veut dire, simplement, que le scénariste ne compte pas prendre la moindre pincette dans cette lecture plus permissive (et déjà ouvertement politisée par Scott Snyder dans la série principale) en appelant un chat un chat. Johnson ne laisse aucune place au doute sur la cible de cette histoire courte, par le prisme de son récit, l'iconographie très inspirée du réel... il n'est pas possible d'interpréter ce message différemment. Les méchants de l'histoire se revendiquent d'une mouvance suprémaciste blanche, adoptent l'iconographie nazie (même si le \"n-word\" n'est pas utilisé dans le numéro) et sont fans des salut \"romains\", en plus de vouloir tabasser des personnes sans défense dont le seul crime est d'exister, ou plutôt, d'exister différemment.

En face de cette sorte de crime d'un genre nouveau, Batman ne compe pas éduquer, raisonner ou entendre l'argumentaire d'en face. Pour lui, la seule méthode de dialogue constructif dans ce cas de figure, ce sera le bourre-pif. Les bras se font casser en page pleine, les coups de poings et de genoux démontent les faciès des nazis avec toute la démesure que le dessin de Daniel Warren Johson peut avoir de tonitruant. Un concentré démentiel d'action (qui explique de façon amusante comment ce Batman ci a obtenu sa \"Batmobile\") pour faire l'étalage d'une brutalité résolument \"Absolute\", d'une colère sourde sur laquelle l'auteur ne manque pas de proposer un peu du recul.

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Alors pourquoi attaquer la paragraphe précédent par un \"si on veut\" ? Pour cette même raison, justement. C'est l'une des forces du bonhomme depuis ses débuts : Daniel Warren Johnson aime l'action spectaculaire... et l'introspection dépouillée. Et donc, l'auteur en profite pour interroger les actions de son justicier en le posant en face de plusieurs figures diverses, d'aures gens qui lui proposent différentes façons de réagir aux gens armés d'intentions violentes. Un jeune Bruce Wayne se retrouve par exemple amené à discuter avec son père, qui lui explique que l'éducation permet d'éviter aux gens de tomber dans les affres de la haine de l'autre. Plus tard, adulte, Bruce se confronte aussi aux paroles d'un prêtre qui préfère user de compassion... même face à celles et ceux qui ont pourtant tenté de l'agresser auparavant.

Avec ces personnages secondaires, DWJ démontre (non sans cruauté) pourquoi la solution proposée par Batman ne peut pas se terminer sur une bonne note... pour autant qu'elle pourrait parfois paraître nécessaire. Un sentiment a priori partagé par l'essentiel du lectorat : dans un monde où l'extrême-droite prend de plus en plus de place, d'importance et de pouvoir, où ses discours laminent le débat public dans l'essentiel des sociétés occidentales, il apparaît évident que, de fait, la lutte contre le facisme ne pourra pas se faire que par les mots. Pour autant, personne n'a envie de cette provoquer l'escalade de la violence, qui ne fait qu'entraîner tout le monde que dans un cycle perpétuel. La tristesse qui se dégage de la lecture de cet Absolute Batman Annual #1 provient du fait qu'il n'existe pas - hélas - de Batman du monde réel our venir en aide aux gens de notre monde. Et qu'on ne peut donc que se reposer sur ce soutien imaginaire.

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Reste que l'histoire est cathartique pour quiconque n'aime pas le racisme (dans un monde sain, ce devrait être la norme supposée, mais vous pourrez sans doute nous surprendre dans les commentaires) et que DC Comics adopte une certaine forme de courage en publiant ce numéro. Qui ne rencontrera pas - et c'est une garantie - l'adhésion de tous. À l'heure où l'on voit comment les grands studios, les maisons d'édition, les grands groupes de presse, céder aux sirènes du fascisme moderne, l'éditeur accepte de publier une histoire qui n'a pas peur de montrer d'où vient le danger.

Ni de mettre face les acquointances bien réelles entre les milices fascistes et les forces de l'ordre. Daniel Warren Johnson développe un discours très clair sur ce sujet (celles et ceux qui ont pu apercevoir son dessin d'un Absolute Batman aux prises avec un agent des terribles forces ICE ne seront donc pas surpris, et l'image en question avait déjà largement agité la toile en amont de ce numéro) et n'a pas peur de les exprimer. On peut parier sur une \"polémique\" du même genre autour d'Absolute Batman Annual #1, un comics pensé pour irriter... les personnes qui se reconnaîtront dans les ennemis affrontés par le chevalier. Avec les codes et les stigmates pourtant bien crantés dans une certaine iconographie. On peut se douter que, comme d'habitude, cette tentative de signal d'alerte ne provoquera pas de réflexion, de prise de conscience ou de débat. On peut aussi se douter que l'auteur sera ciblé par différentes attaques, et DC Comics par la même occasion.

Par ici aussi, on aura souvent été accusés de \"moralisateur\" en écrivant des choses aussi banales que \"le racisme et le sexisme, c'est pas bien\". De façon curieuse, des gens qui se reconnaissent dans des personnages fictifs qui arborent tous les mimiques visuelles des nazis, vont s'offusquer de voir un super-héros leur taper dessus. Ou bien diront que c'est trop facile de dépeindre \"les blancs suprémacistes\" en vilains, que le récit manquerait de subtilité et serait donc \"trop politique\". Pardonnez-nous, il est assez amusant de vouloir de la subtilité dans un monde où le président d'une des nations les plus puissantes au monde poste des vidéos en IA où il décharge des excréments par avion de chasse sur les manifestants qui font valoir leur droit à pouvoir s'exprimer contre sa politique. Absolute Batman Annual #1 exprime ce sentiment de ras-le-bol dans un monde qui perd tous ses repères, où l'on fait dire aux oeuvres le contraire de ce que les auteurs voulaient exprimer. Ce qui ne sera pas possible ici.

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Le segment de James Harren se veut un peu plus simple dans son propos (une histoire d'un braquage dans une maison où Batman intervient, comme une forme de légende urbaine). Mais il n'en reste pas moins réjouissant dans son approche graphique, le dessinateur d'Ultramega confirmant encore s'il le fallait son sens de la mise en scène. Là aussi, économe sur les onomatopées, il laisse vivre l'action par elle-même en mettant l'accent sur l'impact des coups et la violence des affrontements. Une histoire qui a aussi droit à une touche d'émotion en conclusion. Elle reste néanmoins, dans son statut de back-up, une simple friandise qui fera plaisir en premier lieu aux fans de l'artiste. Quant au segment de deux pages de Meredith McClaren, il est amusant mais il sera difficile d'avoir grand chose de plus à écrire dessus.

Daniel Warren Johnson ne déçoit jamais, c'est la règle, et ce n'est même pas nous qui l'avons pas fixée. Même sur une simple histoire comme celle présentée dans ce numéro Annual, dans la droite lignée des commentaires politiques tout aussi clairs de Scott Snyder sur la série en canon, le dessinateur fou remplit le contrat tacitement formé avec son lectorat - leur offrir : des dingueries visuelles - tout en se permettant une réflexion plus globale sur l'idéal du super-héros face au monde réel. En l'occurrence, un propos explicite sur un aspect particulier de ce que ce monde est devenu, et dans lequel un Batman n'a plus d'autre choix que d'agir comme il le fait, malgré le constat d'échec évident posé d'entrée de jeu. Si l'on prend un plaisir cathartique à voir ces nazis modernes se prendre d'énormes parpaings dans la courge, difficile de ne pas évacuer l'idée que, dans un monde où l'humanité chercherait réellement à s'élever, il n'y aurait pas ce besoin d'avoir un Batman, Absolute ou pas. Reste à voir désormais comment Fox News et ses suiveurs arriveront à s'exciter sur ce numéro, qui fera à n'en pas douter le beurre des \"antiwokistes\".

- Absolute Batman Annual #1 sortira ce mercredi 29 octobre, et vous pouvez le commander par ici !

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Quelques nouvelles supplémentaires - et de dernière minute - concernant le Salon de la BD de Sevrier qui se tiendra ce weekend aux abords du (beau) lac de la ville d'Annecy. Si Ram V a dû annuler sa venue, Evan Cagle sera bien présent, mais on sait désormais aussi que l'éditeur Komics Initiative sera sur place, qui plus avec trois auteurs maison. Et ça, ça fait toujours plaisir.

Komics Initiative à Annecy

La maison d'édition indépendante est habituée des festivals de BD français où elle peut exposer à la fois les créations originales faites par des auteurs du pays - mais qui empreinte pour certaines très généreusement aux codes des comics - en plus des albums venus de l'étranger.

Pour la prochaine édition du Salon de la BD de Sevrier, l'éditeur amènera avec lui Bones (Dessous), Josselin Billard (Les Contes du Givre, Gregory Sand) ainsi que Tony Émeriau (Parias, Papi Génial) - soit au moins trois bonnes raisons d'aller leur rendre visite sur leur stand et d'aller rencontrer les auteurs en question.

Si vous êtes donc du coin d'Annecy, on ne pourra donc que vous encourager à vous rendre au festival qui se tiendra du 27 au 29 mars tout proches, surtout qu'ils ont une très belle affiche et de chouettes invités dans l'ensemble - on vous invite à parcourir les détails par ici.

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Le jeu de combat en 3 vs 3 Invincible VS poursuit tranquillement sa campagne de communication, en publiant à intervalles réguliers des vidéos de gameplay pour chacun des combattants présents dans le jeu. Et à force, tout cela commence à faire du beau monde, alors qu'une bêta ouverte du jeu doit ouvrir ses portes le 9 avril prochain. Le dernier ajout se fait du côté des personnages \"gris\" des comics de Robert Kirkman, Cory Walker et Ryan Ottley avec Titan.

Patate de caillasse

Apparu très tôt dans les comics Invincible (et par conséquent, tôt aussi dans sa dérivation animée - c'était l'épisode 4 de la saison 1), Titan est un chef de gangs qui agit en premier lieu pour mettre sa famille à l'abri. Ceci étant dit, il se permet parfois d'être particulièrement cruel, même si Invincible en vient parfois à l'aider dans un but commun. Un personnage capable d'endosser une carapace pierreuse lui conférant une force et une protection sur-humaine - et cet aspect là sera bien traduit dans le gameplay du personnage pour Invincible VS.

Titan pourra en effet activer sa \"peau de pierre\" tout en enchaînant des attaques au corps à corps pour porter des coups plus puissants, mais aussi attaquer à distance en jetant de gros morceaux de caillasse. Du reste, tout a déjà été dit sur le jeu (remontez nos articles précédents) et il ne reste donc qu'à attendre la bêta de début avril pour se faire une première idée du résultat !

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La quatrième saison de la série animée Invincible a récemment démarré sur Prime Video. Si les fans des comics de Robert Kirkman, Cory Walker et Ryan Ottley ne sont pour le moment pas dépaysé, en reconnaissant une trame fidèle au matériel de base (avec quelques ajustements), le prochain épisode se montrera plus surprenant. En effet, les équipes de Skybound ont profité de l'adaptation pour inclure un morceau totalement inédit.

Invincible en enfer

C'est la liberté et le pouvoir de l'adaptation : en se repenchant sur une histoire publiée vingt ans auparavant, Robert Kirkman a profité d'Invincible pour moderniser certains aspects et personnages de son histoire, mais aussi inclure quelques segments supplémentaires - notamment en ce qui concernait un personnage extrêmement secondaire de l'intrigue, Damien Darkblood. Il semblerait qu'on se tourne de nouveau de son côté avec le quatrième épisode de la saison 4, puisqu'un teaser vidéo nous indique l'intrigue ira se localiser loin des enjeux spatiaux et des Viltrumites pour aller en Enfer, au plus profond de la Terre.

Pour celles et ceux à jour, Darkblood a invoqué une entité puissante (doublée en VO par ni plus ni moins que Bruce Campbell) pour l'aider à retrouver sa gloire d'antan, et Mark Grayson sera donc amené à aller en Enfer comme le montre le court teaser vidéo ci-dessous. Un segment d'Invincible inédit vis-à-vis des comics, que les jeunes fans comme les plus vieux pourront apprécier cette fois à égalité (et sans risquer de se faire spoiler par les seconds). Le teaser est à retrouver ci-dessous.

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Quelques petits matériels vidéos de dernière minute sont venus ponctuer la fin de la campagne de communication de Marvel Television pour la deuxième saison de Daredevil : Born Again, qui démarrera dans une grosse poignée d'heures au moment de publier cet article. Au cours des derniers jours, on aura vu une featurette vidéo arriver en ligne ainsi qu'un dernier extrait vidéo, les deux misant sur la même chose : l'accentuation de la brutalité de la série et de ses nombreuses bastons.

Bagarre, bagarre

La featurette vidéo est un matériel promotionnel assez classique qui permet de distiller des images déjà vues dans les bande-annonces, certaines inédites, ainsi que des séquences de coulisses de tournages, en plus des prises de paroles des acteurs et actrices concernés. En l'occurrence, on retrouvera dans la vidéo en question Charlie Cox (Matt Murdock), Vincent d'Onofrio (Wilson Fisk) ainsi que Krysten Ritter (Jessica Jones), cette dernière constituant évidemment une forte plus-value pour toutes celles et ceux qui avaient apprécié suivre ses aventures sur Netflix. Une façon aussi de continuer de ramener les personnages du Defenders-verse, en attendant des nouvelles de Mike Colter (Luke Cage) et Finn Jones (Danny Rand).

Du reste, Marvel Studios s'est acoquiné avec les pontes de la WWE pour diffuser un extrait d'un affrontement de Daredevil contre les soldats de la milice de Fisk agissant dans New York, la AVTF (Anti Vigilante Task Force) ; on voit à un moment le Diable de Hell's Kitchen menacer les soldats avec leur propre arme, ce qui explique le curieux sourire affiché sur son visage que l'on avait déjà aperçu dans d'autres matériels vidéo.

New clip from ‘DAREDEVIL: BORN AGAIN’ Season 2 in collaboration with @WWE pic.twitter.com/paGwjDrBqX
— Daredevil Shots (@_DaredevilShots) March 20, 2026

Daredevil : Born Again saison 2 démarrera ce 25 mars sur Disney+.

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Après Wonder Woman, Captain Marvel, et le récent film Birds of Prey, mais aussi avec la venue proche de Black Widow, Wonder Woman 1984 et un casting très diversifié pour The Eternals, les super-héroïnes se font de plus en plus présentes sur grand écran. Une jolie mise en avant qui soulève quantité de discussions et débats dans les sphères pop-culturelles, avec notamment les messages féministes que peuvent porter avec eux ces films, et la façon dont les personnages féminins y sont traités.

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Ces questions, nous avions déjà pu les aborder au cours des podcasts enregistrés pour les films nommés, mais il faut aussi savoir se remettre en question, et se demander si deux mecs (ou plus) sont forcément les personnes les mieux placées pour parler de féminisme ou du traitement des héroïnes sur grand écran, voire de l'importance que peuvent avoir certains films au delà de toute considération artistique ou marketing.

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Et puisque nous trouvons également que dans le milieu comics, il n'est pas toujours facile d'avoir des voix féminines à ce sujet, est venue l'idée de vous proposer un podcast composées uniquement d'intervenantes, afin d'avoir une discussion et des points de vues différents, et aborder des sujets sous un autre angle. Océane (du podcast Lemon Adaptation Club) nous a fait l'honneur d'animer cette émission, en compagnie de Phobos (des podcasts Outrider et Actioner) et Maud (qui joue le rôle de la spectatrice "non experte), pour une discussion qui, on l'espère, saura vous intéresser et éclairer avec un autre regard ces sujets d'actualité.

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Comme toujours, les retours seront les bienvenus, tant sur le sujet que sur l'émission, avec l'espace commentaire fait spécialement pour cela. Une fois encore également, les partages sur les réseaux sociaux, les commentaires et bonne notes sur nos plateformes d'hébergement sont autant d'outils (gratuits) pour soutenir nos émissions, celle-ci en particulier. Merci d'avance, et bonne écoute à vous !

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Au cours du weekend passé se tenait le DC Fandome, premier évènement intégralement en ligne et 100% consacré aux univers de DC, avec un angle définitivement axé sur les adaptations filmiques et les jeux vidéo. Quelques comics s'y cachaient malgré tout.

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Dans une année de disette importante en ce qui concerne les conventions, le programme se montrait particulièrement alléchant avec quelques oeuvres très attendues - et il fallait donc en faire un bilan en podcast histoire de débriefer tout ce qu'on nous a présentés. C'est donc chose faite !

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Comme toujours, les commentaires et retours seront les bienvenus, et on vous demandera comme toujours de partager nos émissions si notre travail vous plaît et vous importe. Bonne écoute !

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A l'occasion de la récente édition de Comic Con Paris, les équipes d'organisation ramenaient avec elles l'illustre Roy Thomas, scénariste vétéran de l'industrie, ancien éditeur en chef de Marvel, créateur de Conan en comics, et ainsi de suite.

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Il était donc impossible pour nous de passer à côté de Roy Thomas, histoire d'avoir un regard actuel sur les comics de son point de vue, de parler d'engagement dans les histoires et de l'évolution du paysage à l'heure des nombreuses adaptations Marvel sur tous les écrans. Une petite entrevue que nous sommes ravis de vous présenter, et qu'on vous invite à partager sans modération !

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Comme chaque année, le dimanche du 8 mars 2026 venait célébrer la Journée Internationale des Droits des Femmes, une date consacrée depuis plus d'un siècle aux luttes féministes, depuis les premiers mouvements de libération autour du droit de vote, du combat pour l'égalité des genres et des revendications ouvrières initiées par les idéaux socialistes apparus pendant cette période.

La journée en question se décline généralement sur plusieurs angles dans le présent : mobilisation, débats, spectacles, ateliers, expositions ou événements sportifs, dans l'idée de traiter les modalités modernes de ce combat pour l'égalité selon des points de vue plus variés. Or, pour certains experts plus spécialistes, dans des catégories moins représentées, cette date est aussi l'occasion de revenir sur le cas spécifique de certains microscosmes. Comme celui des comics, par exemple.

L'histoire du Frigo

Paradoxalement méconnue du grand public, l'histoire des artistes professionnelles de l'industrie, ou le traitement réservé au corps féminin en général sur le secteur des super-héros, aura inspiré deux modules de réflexion populaires pour parler de culture pop' : d'un côté, le Test de Bechdel, une idée de l'autrice Alison Bechdel parue dans les pages du comic strip Dykes to Watch Out For, et de l'autre, les Women in Refrigerators, théorisées par la scénariste Gail Simone. Ces deux concepts se sont largement répandus dans le champ de la critique artistique standardisée pour évoquer, commenter ou critiquer la façon dont les personnages féminins, en fiction, sont utilisés comme des outils par les auteurs (souvent masculins) au détriment de leurs valeures intrinsèques.

Dans un cas, Bechdel a pu pointer du doigt la façon dont les personnages féminins sont parfois incapables de fonctionner individuellement sans se référer au protagoniste masculin comme matrice orbitale... et de l'autre, Simone nous expose comment les femmes qui entourent le super-héros sont utilisées comme de simples motifs pour faire avancer sa vie et son récit, généralement violemment. En dressant la liste des partenaires romantiques assassinées, traumatisées ou violées qui composent cette chronologie morbide, la scénariste avait été capable de provoquer une réflexion de fond au sein de cette industrie, comme une sorte d'équivalent d'avant-garde du mouvement #MeToo en fiction.

Or, ça tombe bien : le vidéaste Bolchegeek, chroniqueur et théoricien de la culture pop et des luttes sociales, s'est justement penché sur ce sujet dans le cadre des célébrations du 8 mars 2026. Le bonhomme livre une tribune documentée et conséquente qui revient précisément sur le cas des femmes de l'industrie de la bande-dessinée aux Etats-Unis, des deux côtés de la page, pour composer une vidéo documentaire intelligente et fournie, qui brasse large, entre passé et présent. Une bonne occasion de vulgariser l'une des problématiques ancestrales de notre petit secteur pour un public plus généraliste, avec des exemples modernes, et même quelques morceaux de Trina Robbins et de Garth Ennis pris dans la tambouille. C'est ici :

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Avec le retour de Spider-Man sur les écrans de cinéma cet été, les éditions Panini Comics ont prévu une nouvelle collection d'albums proposés pour un prix réduit en amont des grandes vacances. Encore une. Mais avec une accroche relativement différente pour débloquer quelques nouveautés réelles en dehors des grands classiques habituels. En effet, cette fois, l'opération commerciale, présentée sous le titre \"Web of Heroes\", semble vouloir se concentrer sur l'envie de proposer des tomes dans lesquels l'homme-araignée fait cause commune avec certains des autres grands héros du catalogue local. En tout, ceci représentera un ensemble de dix tomes dans un format comics standard.

Brand New Summer Day

En vogue pendant un temps, avant la démocratisation des petits formats en souple, ces opération petit prix s'étaient multipliées chez Panini Comics autour de grands motifs fédérateurs (sous l'appelation de Printemps des comics) : Spider-Man, notamment, mais aussi les grandes sagas de l'univers Marvel, les super-héroïnes du catalogue local, le multivers, etc. Ceci étant, la réalité de la mécanique économique se sera finalement imposée, et ces collections, au sortir de quelques concessions sur le nombre d'albums concernés et sur le choix des standards d'édition proprement dits, auront fini par disparaître des habitudes de la maison sur la durée. Ceci étant, Spider-Man reste Spider-Man, et il fallait bien que Panini se greffe sur le nouveau film de Marvel Studios et Sony Pictures d'une manière ou d'une autre.

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En l'occurrence, avec cet ensemble d'albums publiés sous pavillon \"Web of Heroes\", la compagnie compte manifestement s'inspirer de la variété des personnages présents dans Spider-Man : Brand New Day (puisque celui-ci embarque effectivement Hulk et Frank Caslte) pour justifier cette liste de projets façon \"team-up\". En accord avec les anciennes opérations petit prix, une même charte graphique a été observée pour la couverture, avec différentes illustrations de Giuseppe Camuncoli (qui forment une fresque complète une fois mises bout-à-bout).

Pour ce qui concerne le détail des tomes concernés, nous retrouverons :

Spider-Man & les Quatre Fantastiques, un album basé sur la mini-série en quatre numéros Spider-Man/Fantastic Four (2010) de Christos Gage et Mario Alberti. Victor Von Fatalis est invité pour donner une conférence dans une grande université des Etats-Unis, et invoque la protection de la famille Richards pour se déplacer légalement dans le pays. Namor finit par prendre d'assaut l'événement, et Peter Parker se retrouve embarqué malgré lui dans toute cette histoire.

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Spider-Man & les X-Men, un album qui reprend la mini' X-Men & Spider-Man (2009), toujours en quatre numéros, toujours par Christos Gage, toujours par Mario Alberti. Pris d'une nouvelle obsession vengeresse, Kraven le Chasseur décide de se lancer sur les traces de Spider-Man... mais aussi, cette fois, des mutants de l'équipe des X-Men. Ce qui n'est pas un hasard, dans la mesure où le bonhomme collabore en secret avec un certain Mr Sinister.

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Spider-Man & Hulk, un album qui brasse dans plusieurs numéros de la série Amazing Spider-Man (1963) avec les épisodes #119 et #120, mais aussi #381 et #382, ainsi que Marvel Team-Up (1972) avec les chapitre #53 et #54. Au programme : Bill Mantlo, John Byrne, John Romita Sr., etc.

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Spider-Man & Punisher proposera un brassage du même genre, avec des épisodes piochés dans Amazing Spider-Man (1963) pour les numéros #201 et #202, mais aussi Avenging Spider-Man #6 et Punisher (2011) #0 et #1. Marv Wolfman, Greg Rucka, Marco Checchetto, etc.

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Spider-Man & Black Cat se présentera comme une nouvelle opération de collection de morceaux éparpillés, avec des rencontres exclusivement issues de la série Amazing Spider-Man (et c'est normal : l'héroïne fait partie de l'entourage direct du héros et ne rentre pas spécialement dans la définition de \"team-up\" classique) : #194, #194, #227, #227, #606, #607. Roger Stern, Joe Kelly, John Romita Jr., etc.

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Spider-Man & the Avengers proposera un assemblage plus homogène en reprenant les cinq premiers numéros de la série Avenging Spider-Man (2012) de Zeb Wells, Joe Madureira, Greg Land et Leinil Yu. Les moloïdes fondent sur New York ! Peter Parker va devoir s'associer avec le Red Hulk pour sauver J. Jonah Jameson, et pour survivre dans les entrailles d'une grosse bête qui vient tout juste de les dévorer tous les deux. Olalah. Qu'est-ce qui va se passer ensuite ? Hein ?

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Spider-Man & Deadpool reprendra, comme son nom l'indique, les cinq premiers numéros de la série Spider-Man/Deadpool (2016) de Joe Kelly et Ed McGuinness. Bagarre, dialogues, blagues, action, dialogues, action, bagarre, dialogues... bref, beaucoup de dialogue. En même temps, quand on met deux pipelettes pareilles dans la même pièce...

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Spider-Man & Wolverine, de son côté, se base sur les six numéros de la mini-série Astonishing Spider-Man & Wolverine (2010) de Jason Aaron et Adam Kubert. Propulsés en arrière dans le temps suite aux machinations d'un adversaire mystérieux, le grimpeur et le griffu vont devoir faire cause commune pour survivre... et provoquer un paradoxe temporel en insufflant un peu trop de puissance entre les mains de l'un des chaînons manquants du genre humain. Au point de bousculer l'ordre naturel des choses. Fans de la Planète des Singes, des dinosaures robots et des dictateurs d'Europe de l'Est réinventés en grosse planète alien, ceci est pour vous.

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Spider-Man & Daredevil rentabilisera les numéros de la mini' en quatre de Paul Jenkins et Phil Winslade (2001). Dans ce projet, publié chez Marvel Knights, le Hibou tente de prendre le contrôle du crime dans la ville de New York, au point de tenter d'éliminer le Kingpin dans la foulée. Peter Parker et Matt Murdock vont donc s'associer pour empêcher de nuire le vilain gangster-piaf.

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Enfin, Spider-Man & Venom se proposera de synthétiser l'événement Venom Inc. (2018), un crossover éparpillé sur les séries Spider-Man (#792-793) et Venom (159-160) et deux one-shots Venom Inc. (alpha et omega) par Mike Costa, Ryan Stegman, Mark Bagley et Dan Slott. Eddie Brock vient tout juste de retrouver son symbiote préféré et décide donc de reprendre ses activités de vengeur masqué dans les rues de New York. En retrouvant les copains au passage, pas forcément ravis de son retour.

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L'ensemble de ces albums seront commercialisés au prix fixe de 6,99 euros et dans un format de 17 par 26 centimètres. En théorie, tous devraient aussi être disponibles d'ici le 29 juillet 2026, soit pile pour la sortie de Spider-Man : Brand New Day. C'est bien fichu hein ? On dirait presque que c'est fait exprès. Folie.

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Et si Peter Pan, l'esprit de la jeunesse, perpétuelle allégorie du refus de grandir, main tendue vers le royaume merveilleux de l'imagination des plus petits, n'était rien d'autre... qu'un kidnappeur d'enfant ? La question peut se poser. En tous cas, mettons surtout que Steve Orlando se l'est posée. Dans la grande tradition des relectures morbides de contes pour enfants, le scénariste s'est donné pour objectif de composer une fresque plus noire autour de l'oeuvre développée par le dramaturge James Matthew Barrie. Et, sur la base de cette étude biscornue, le bonhomme s'est rendu coupable d'un comics qui présente les données officielles sous un angle neuf : et si, plutôt que les studios Disney, Peter Pan avait été pris en main par les productions Blumhouse ? Qu'est-ce que ça aurait donné ? En l'occurrence, le projet s'appelle Land of Never.

Un pays merveilleux

Dans la tradition des représentations scéniques de Peter Pan, la coutume impose généralement que les rôles du Capitaine Crochet (James Hook) et du père de l'héroïne (Mr. Darling) soient interprétés par le même comédien. Ce qui permet d'insister sur l'angle purement onirique du conte : comme si l'héroïne, Wendy Darling, projetait dans cette figure de vieil homme violent et aigri, perdu dans un monde d'enfants sauvages, libres et menés par une créature fantastique qui refuse les normes imposées, l'image de son propre paternel en accord avec l'introduction du récit. Et : oui, si vous vous posiez la question, cette tradition avait bien été respectée dans le film de Walt Disney avec un même comédien de doublage pour les deux personnages (en VO comme en VF d'ailleurs, tout du moins pour la seconde version qui avait été validée au moment de la réédition sur support VHS).

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En partant de ce principe, Steve Orlando a donc eu envie de revenir précisément sur la figure du père (qui s'appelle ici \"Jim Hoke\", en hommage au nom du célèbre capitaine, James Hook). Dans un contexte plus réaliste, le scénariste a voulu imaginer ce qui se passerait si, en sortant de l'équation la poussière de fée, le pays imaginaire et la nounou canine, un papa découvrait que sa fille avait été enlevé par une mystérieuse créature toute droit sortie d'un rêve... ou plus exactement, d'un cauchemar.

En somme, dans cette version des faits, Peter Pan passerait davantage pour un monstre de slasher que pour un farfadet volant. Or, si l'on regarde la couverture officielle, on a même l'impression que le kidnappeur en question embarque ses victimes dans un parc d'attraction, équivalent naturel du pays imaginaire et de l'espace naturel des enfants... mais aussi, une zone qui s'associe plutôt bien aux fictions portées sur l'horreur et l'envie de casser l'innocence associée aux sorties en famille.

La mini-série Land of Never a donc été annoncée sur cette base, avec Steve Orlando au scénario et l'artiste Miguel Mora aux dessins, sur une mise en couleurs de Fares Maese. De quoi alimenter les caves de Mad Cave, toujours en bel état de forme depuis un peu plus de deux ans, avec quelques productions originales ambitieuses et l'envie d'aller concurrence les fournisseurs classiques du marché indépendant. Pour le descriptif officiel :

\"Il y a six mois, Wendy, la fille du docteur Jim Hoke, a disparu. Son a seulement pu apercevoir une silhouette massive en train d'enlever son enfant, vision ténébreuse qu'il aura longtemps pris pour pour une hallucination. Personne ne le croit quand il en parle, tout le monde pense que l'enfant a fugué. Six mois plus tard, cet ancien médecin attend désespérément que quelqu'un veuille bien l'écouter.

Jim tente désespérément de rassembler des preuves... maissa parole ne pèse pas lourd, compte tenu de plusieurs erreurs médicales commises par le passé. Accessoirement, beaucoup pensent aussi qu'il a simplement assassiné sa fille lui-même avant de se débarrasser du corps. Impossible de quitter la ville, il ne peut pas oublier ce qu'il a vu, et les cauchemars l'empêchent de dormir. L'affaire de la disparition de Wendy a été classée sans duite, mais le héros refuse d'accepter le deuil de son enfant. Dans sa poche, celui-ci trimballe encore une vieille carte de la fête des pères pour se rappeler qu'il doit toujours faire de son mieux. Il faut insister. Il faut poursuivre les recherches.

Alors, à force de rencontres, à force de tracts, à force de rofums... sa propre enquête lui permet de découvrir qu'il n'est pas le seul dans ce cas. D'autres parents ont vécu la même situation. Puis d'autres encore. En réalité, il existe toute une communauté de parents en deuil qui ont perdu l'un de leurs enfants aux mains d'une créature, décrite comme un monstre presque folklorique, que les victimes désignent sous le titre de l'Homme Flottant. La description de ces autres victimes correspond avec ce que Jim avait vu dans la chambre de Wendy. Il peut enfin mettre un nom sur ce visage : l'Homme Flottant. Et l'obsession de Jim a désormais un but. Il doit le retrouver, mettre au jour ses crimes, et libérer non seulement sa fille Wendy, mais aussi tous ceux qui ont disparu.\"

Taken, Halloween, True Detective... Peter Pan ? C'est formidable, l'industrie des comics, quand même. Land of Never #1 est attendu pour le 17 juin 2026 avec une couverture variante de Sebastian Piriz. Comme quoi, il est encore possible de réinventer certaines oeuvres pourtant largement surexploitées par le passé... du moment qu'on a l'esprit suffisamment tordu.

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Pour le secteur des comics de super-héros, le printemps apparaît souvent comme une période de pause. Ou de respiration. Les deux grandes enseignes attendent généralement le Free Comic Book Day (ou son nouvel équivalent chez Penguin Random House, présenté sous le titre de Comics Givewaday Day) pour faire la publicité de leurs grosses productions estivales, premiers bourgeons d'une floraison commerciale qui tire généralement tout le marché vers le haut. Or, dans l'intervalle, les enseignes concernées en profitent aussi pour pousser du pied des concepts moins forts, moins intéressants, moins défendables parfois. Comme Spider-Verse vs Venomverse l'an dernier par exemple. Ou Spider-Man/Venom : Death Spiral cette année.

Nostalgie de la Guerre Civile

Or, dans cette catégorie, les éditions Marvel ont encore décidé de frapper fort avec une mini-série pensée pour revenir sur l'héritage glorieux de l'événement Civil War, pour saluer les vingt ans de la série originelle. Mais sans l'équipe créative de l'époque, malheureusement (encore une fois, l'objectif est surtout d'occuper le terrain, pas d'investir de l'argent dans des propositions ambitieuses). En l'occurrence, Christos Gage et Edgar Salazar ont été mandatés pour composer une sorte de carte postale de cette période de l'historique local avec le projet Civil War : Unmasked. Le titre devrait revenir sur certains éléments éparpillés dans la topographie de la guerre civile des vengeurs masqués (ou démasqués, pour le coup) dans l'espoir de déterrer quelques secrets enfouis depuis tout ce temps, ou suffisamment pour alimenter cinq numéros de fiction.

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De ce point de vue, le principe n'est pas tellement différent de ce qui avait été proposé dans Marvel Super-Heroes Secret Wars : BattleWorld, d'ailleurs, une autre promenade dans le passé pour piller la tombe des gloires d'autrefois. A ceci près que l'enseigne avait tout de même eu le bon goût d'aller chercher Tom DeFalco pour s'assurer d'une petite crédibilité. De son côté, Christos Gage est au contraire en train de se spécialiser dans les comics de flux pensés pour faire les poches des nostalgiques, comme nous avions pu nous en rendre compte avec l'indispensable (\"HAHAHA\" oh waouh, on se calme, c'était pas si drôle) série Battleworld de l'an dernier.

Quelques planches ont été présentées récemment, au détour d'une couverture variante en fresque de la famille des \"connecting covers\" par Paolo Siqueira. Il aurait effectivement été dommage de ne pas en profiter, surtout quand l'enseigne table aussi sur un mois thématique Civil War pour continuer de fêter les vingt ans de l'événement en parallèle. Autant en profiter. C'est vrai ? Non ? Si ? Non ? D'accord.

Civil War : Unmasked #1 est attendu (du moins, on le suppose) pour le 6 mai 2026.

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