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Il y a certains auteurs et artistes avec lesquels on a le plaisir d’avoir une relation de confiance, qui laisse la porte ouvertes à de longues discussions très franches, où la vanne côtoie des moments on ne peut plus sérieux. En 2019, nous avions eu le plaisir de réaliser une interview de ce genre, longue de 2h30, en compagnie du scénariste Joshua Dysart, auteur on ne peut plus talentueux et engagé. Six ans plus tard, bien des choses se sont passées, mais une est restée : l’envie de discuter. Aussi est-on on ne peut plus fier de vous proposer aujourd'hui une nouvelle interview d'anthologie !

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Joshua Dysart et Alberto Ponticelli étaient en effet invités par Bliss Editions en ce début d’année, pour le FIBD, afin d’accueillir la parution en France du très bon L’Île aux Orcs. C’est donc avec nos micros que nous nous sommes livrés à un exercice d’entretien fleuve, avec plus d’une heure en tête à tête avec Dysart pour évoquer tout ce qu’il a fait depuis la fin des années Valiant et ses débuts à Bad Idea, puis à trois avec Alberto pour parler spécifiquement de leur travail sur L’Île aux Orcs. Attention : la dernière partie de l'interview se concentre sur la fin du récit et le spoile complètement. Soyez prévenus (il y a une balise dans l'article). Et si vous souhaitez découvrir cet entretien bien plus épique à l'écoute et que vous n'avez pas peur de l'anglais, la version podcast via First Print est aussi disponible.

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Nous remercions chaleureusement Clément Boitrelle qui s'est occupé de la traduction et retranscription de l'interview.

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• Un propos politique frontal\r
• Le casting secondaire séduisant\r
• Une vraie remise en question chez Marvel Studios\r
• Le statut d'exception de Daredevil\r
• Charlie Cox et Vincent D'Onofrio","daredevil-born-again-critique1.jpg","https://assets.comicsblog.fr/images/news/crop_daredevil-born-again-critique1.jpg","https://assets.comicsblog.fr/images/news/crop2_daredevil-born-again-critique1.jpg","https://assets.comicsblog.fr/images/news/crop3_daredevil-born-again-critique1.jpg","https://assets.comicsblog.fr/images/news/crop4_daredevil-born-again-critique1.jpg","https://assets.comicsblog.fr/images/news/crop5_daredevil-born-again-critique1.jpg","Si l'on voulait appliquer un genre de parabole curieuse, en considérant que les super-héros sont des gosses dans une salle de classe et ...","Si l'on voulait appliquer un genre de parabole curieuse, en considérant que les super-héros sont des gosses dans une salle de classe et que l'éditeur ou le studio représentent tous deux leur ...","Si l'on voulait appliquer un genre de parabole curieuse, en considérant que les super-héros sont des gosses dans une salle de classe et que l'éditeur ou le studio représentent tous deux leur enseignant, leur formateur, celui qui doit se charger ...","

Si l'on voulait appliquer un genre de parabole curieuse, en considérant que les super-héros sont des gosses dans une salle de classe et que l'éditeur ou le studio représentent tous deux leur enseignant, leur formateur, celui qui doit se charger de l'avenir, alors on pourrait facilement identifier les chouchous du prof' sans trop de difficultés. Les têtes de classe, les délégués. Celles et ceux dont les parents savent qu'ils n'ont pas trop à se faire de souci : en cours, ça bosse, et même si on pourra toujours pointer du doigt une casserole ou deux sur le carnet scolaire, personne ne va réellement s'inquiéter de les voir dégringoler vers l'échec quand approche la date des examens. Chez DC Comics, on a Batman. Et chez Marvel, on a Daredevil.

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Et même sans avoir besoin de rentrer dans le jeu des comparaisons entre ces célèbres deux têtes cornues de l'imaginaire des super-héros, fédérées par une même figure paternelle (avec un chapeau et une dégaine de provocateur) et une période faste de grande réinvention survenue à la même période, les faits sont là. Capables d'agglomérer certains des plus grands talents de l'industrie des comics, Batman comme Daredevil ont été à l'origine de plusieurs révolutions dans la chronologie de la BD aux Etats-Unis. Lorsqu'il a fallu repenser les codes de fiction au moment du Bronze Age, Daredevil était déjà là. Lorsqu'il a fallu lancer Marvel Knights pour offrir une perspective plus adulte et autonome à certains personnages du catalogue local, Daredvil était encore là. Et lorsqu'il a fallu considérer la perspective de remettre en question ses propres présupposés en amont de la période Marvel Now!, Daredevil était toujours, toujours, toujours là. Définition alpha de ce que les médias spécialisés aiment qualifier de "joyau de la couronne", le personnage profite d'une certaine protection au sein de son appareil productif.

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Et il est presque amusant, pour les fans de comics, de voir que cette protection s'applique aussi à l'échelle des adaptation. En mettant de côté le tristement célèbre film de Mark Steven Johnson, les faits sont là : Daredevil était encore la meilleure série du pôle des productions Marvel Television sur Netflix jusqu'à sa conclusion, malgré quelques petites baisses de forme occasionnelles, en comparaison de ses cousines du coin. Chez Marvel Studios (ou "Marvel Television 2.0"), le bilan est le même. Si Kevin Feige s'était posé la question de relancer le héros, en reprenant sa routine de feuilletons lancés sans capitainerie autonome, avant la grève des scénaristes et des comédiens... ce sera bien la série Daredevil : Born Again qui signera sans le vouloir l'amorce d'une prise de conscience générale en interne autour de cette problématique des points de vue. Au moment de dresser un bilan de ce qui avait d'ores et déjà tourné par la première équipe en charge de cette production, Feige et son nouveau bras droit, Brad Winderbaum, en seront arrivés à la même conclusion : il était possible de faire mieux.

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Devil's Advocate

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Cette prise de conscience participera à la légende globale autour de Daredevil, un héros pour lequel on consent un degré d'effort supplémentaire, en comprenant certainement que cette propriété intellectuelle reste trop importante pour être traitée avec la paresse habituelle des adaptations de comics ordinaires. Un nouveau commandant a donc été nommé aux machines, Dario Scardapane, vétéran de la période des séries Netflix passé par la série Punisher, et trois nouveaux épisodes ont été commandés pour muscler cette première saison. De la même façon, de nombreuses séquences, de nombreuses nouvelles scènes ont été tournées dans l'idée de reprendre le montage des six épisodes tournés précédemment. Le résultat de ce travail de chirurgie a été diffusé lors de ces quelques dernières semaine sur la plateforme Disney+, et se pose alors la question fatidique, obligatoire : d'accord, c'est mieux. Mais est-ce que c'est bien ?

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La série Daredevil : Born Again reprend globalement là où Netflix s'était arrêté. Wilson Fisk a dû quitter la ville par peur de devoir renoncer à son mariage. Matt Murdock, Franklin Nelson et Karen Page ont poursuivi leurs activités d'avocats vengeurs au service des laissés pour compte de la ville de New York.

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Mais au moment où cette petite famille recomposée semble avoir trouvé une forme d'équilibre, l'impensable se produit : Bullseye déboule, assassine Foggy, et lorsque Daredevil manque finalement de tuer le super-vilain par vengeance, notre héros comprend qu'il n'est plus capable de porter le masque et de revendiquer cet avatar de justice sans l'appui et le soutien de son meilleur ami de toujours. Une année plus tard, le Kingpin est de retour et se présente à la Mairie de New York, une élection qu'il remporte facilement. Matt Murdock est redevenu avocat et entame même une nouvelle romance inattendue. Karen n'est plus là. Vanessa Fisk ne ressent même proximité avec son époux depuis que celui-ci a décidé de renoncer à ses activités criminelles. Les justiciers urbains se multiplient. L'orage gronde. Bienvenue dans Born Again.

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D'entrée de jeu, on remarque dans les interstices les bourgeons d'un discours social sur ce nouvel état des lieux. La série assume de donner la parole aux habitants de New York sous la forme d'un documentaire sous la forme d'un micro-trottoir, pour saisir l'esprit du peuple, la position de l'électorat sur la politique moderne, le sentiment d'insécurité... ou la gentrification du quartier de Hell's Kitchen, également évoquée. D'ailleurs, Matt Murdock a abandonné son ancien quartier au profit d'une intrigue qui s'étend plus généralement à toute la ville de New York. Ce n'est pas un accident : dans le présent, Hell's Kitchen a considérablement évolué et ne cadre plus vraiment avec la réalité sociale décrite par Frank Miller au moment de son propre Born Again dans les années quatre-vingt. En définitive, la série regarde plutôt du côté des volumes de Charles Soule et Chip Zdarsky en poussant la comparaison entre l'élection de Wilson Fisk et celle de Donald Trump, pour dénoncer cette prise de pouvoir des autoritaristes et des populistes corrompus.

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Une parabole qui passe par toute une série de détails plus ou moins subtils. Certaines déclarations sont citées dans le texte, la campagne électorale reprend les casquettes rouges des MAGA (troquées contre des casquettes bleues floquées du logo "Fisk Can Fix It"), la politique du spectacle, le soutien adressé aux policiers répressifs, l'instauration d'une autorité plus violente, etc. Des idées qui étaient déjà présentes à l'époque de l'histoire Mayor Fisk (2017) en comics, globalement pensée comme le miroir de la première élection de Donald Trump aux Etats-Unis. Les premiers épisodes installent cette impression de parabole gênante, presque suffocante, vis-à-vis de la réalité politique moderne des démocraties occidentales. Dans ce contexte, on comprend que Matt Murdock sert d'avatar direct aux réactions engendrées par ce genre d'élections : si le personnage commence par accorder le bénéfice du doute, il réalise rapidement que la situation devient de plus en plus préoccupante, au point de s'engager dans une action militante individuelle.

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Tout l'argument de cette première saison passe par une lente déconstruction des certitudes du héros suite à cet événement, en embarquant d'autres discours en chemin. Si Matt Murdock est généralement présenté comme un avocat vertueux, porté par une foi inviolable dans le bon fonctionnement du système et des institutions, celui-ci réalise en cours de route que quelque chose ne marche plus dans cet impeccable système de valeurs. L'avocat réalise que la justice est plus sévère en fonction des profils, et qu'il n'est pas capable d'aider celles et ceux qui en auraient besoin en utilisant la loi comme seul rempart concret. Et puis, celui-ci va se frotter à la problématique de la violence policière et de l'impunité des agents de la force publique, un sujet qui représente une énorme part de cette première saison. En l'occurrence, Marvel Television reprend à son compte une donnée du monde réel : les policiers qui s'emparent du symbole du Punisher, devenu le sigle d'une adhésion volontaire aux principes d'un certaine idéologie, pour la pratique répressive de la force, mais aussi pour s'affilier aux convictions de plusieurs mouvements d'extrême-droite aux Etats-Unis. En définitive, Murdock va rapidement comprendre que quelque chose s'est rompu.

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Incapable de croire dans cette nouvelle version du "système", le héros va devoir endosser le costume et le masque pour redevenir celui qu'il était autrefois et opérer à nouveau en dehors de la loi. De ce point de vue, Daredevil : Born Again est certainement la série la plus politique de Marvel Studios. Ou tout du moins, la plus frontale : celle qui ne s'embarrasse pas d'une allégorie pour pointer du doigt les sujets qu'elle évoque. Et sur les conclusions que le héros va tirer de cette évocation de données empruntées au monde réel, il s'agit même certainement de la production la plus radicale du groupe, tous formats confondus, aux côtés de la série animée X-Men '97. Avec une bonne tête d'avance. C'est un reproche que l'on a souvent pu faire aux aventures des justiciers sous la présidence de Kevin Feige : chez Marvel Studios, on peut caresser l'idée d'une action militante, on peut évoquer l'existence de problèmes réels, mais il est généralement important de boucler sur une bonne note qui ne chamboule pas les convictions fondamentales.

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Pour prendre l'exemple le plus évident : dans le film de Ryan Coogler, si le Black Panther partage une partie des convictions de Killmonger sur le racisme organisé, sur la façon dont le Wakanda a toujours refusé de venir en aide aux autres nations de l'Afrique pour profiter égoïstement du Vibranium, sans partager son savoir avec le reste du monde... il faudra tout de même que le spectateur sorte de la salle en comprenant qui est le gentil, et qui est le méchant. De la même façon, la série The Falcon & the Winter Soldier avait opté pour une solution du même genre : des adversaires avec des convictions politiques louables... mais que l'on doit nécessairement renvoyer au statut de terroristes pour éviter de brouiller les frontières conventionnelles du bien et du mal. Et c'est cette envie de ménager la chèvre et le chou, de tâtonner sur un discours social potentiellement intéressant, avant de laisser au public le constat d'un propos extrêmement modéré, extrêmement manichéen, que l'ont pointe généralement du doigt comme une limite concrète et manifeste dans le mode opératoire de Kevin Feige. Surtout face à un monde politique qui bouge de plus en plus vite et dans des directions de moins en moins attendues.

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En l'occurrence, voir un groupe de cette taille autoriser une telle réflexion, que l'on partage ou non les convictions développées par les scénaristes, assure d'un premier bilan évident : Marvel Television s'est enfin affranchi de certaines de ces limites. On peut critiquer la méthode, la structure, ou même terminer rapidement la comparaison avec le monde réel (Fisk ne ressemble pas réellement à Trump, et si les scénaristes ont visiblement envie de le castrer, l'idée qui sous-tend la série passe surtout par l'envie de rendre aux deux antagonistes leur part de noirceur comme une réflexion sur la sauvagerie inhérente aux humains en période de crise) mais pour parler exclusivement de production, de ce que l'on s'autorise lorsque l'on travaille chez Disney, le bilan reste intéressant au sein du modèle MCU. De ce point de vue, la série passe pour suffisamment courageuse pour mériter un coup d'œil, en tant que feuilleton développé par un conglomérat généralement plus timide. Et cette perspective s'applique dans le fond et la forme : Born Again est aussi la première série qui s'assume sur la violence graphique et verbale, même s'il reste encore quelques kilomètres d'escalade avant de pouvoir enfin caresser les sommets du genre.

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Le Diable est dans les Détails

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Difficile de savoir avec précision ce qui était déjà là au départ, avant la reprise de la série par les équipes de Dario Scardapane, et ce qui a été rajouté ensuite. La consigne qui avait été donnée au scénariste se résume apparemment en des termes très simples : il fallait que Daredevil : Born Again soit plus adulte et plus violente. En l'occurrence, la série aligne son lot d'exécutions sommaires, avec quelques bagarres, et le choix d'un antagoniste de milieu de saison susceptible de porter ce propos. En revanche, c'est malheureux mais le comparatif marche dans l'autre sens : si on peut facilement dire du bien de la série en la regardant sous le prisme des Moon Knight, des Secret Invasion ou même des films de Marvel Studios, on aurait tout de même du mal à dire que celle-ci assume une ambiance et une atmosphère aussi noire que la première saison de Daredevil à l'époque de Netflix. Voire même de la première partie de la seconde saison au moment de la première apparition du Punisher.

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Pourquoi ? Parce que les efforts sont là mais que la tonalité manque. Sans la consigne de baser l'intrigue dans la version standardisée du Hell's Kitchen des ghettos et des gangs, Daredevil : Born Again ressemble plutôt à une série policière de première partie de soirée pour une bonne partie des épisodes présents. Fouillez vos souvenirs et rappelez vous de cette première saison à l'époque : un Daredevil qui combat les trafiquants d'êtres humains sur les docks de New York, qui se retrouve piégé et blessé avec un mafieux russe dans un bâtiment abandonné, cet hôpital surchargé où les mafieux manquent de s'échanger des coups de couteaux, ce journaliste pugnace en imperméable qui bat le bitume à la recherche de petites affaires de corruption immobilière. Dans le choix des palettes de couleur, de l'esprit suffocant, haletant, du sentiment d'urgence, en somme, d'une série de genre qui regardait du côté des polars du Nouvel Hollywood, la première série Daredevil s'était lancée cette consigne de viser plus haut.

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En comparaison, Born Again semble s'être passablement gentrifiée dans la forme : moins de personnages proprement civils, au bas de l'échelle, moins de fatalité sur la réalité des conditions de vie des populations pauvres, un éclairage qui préfère les nuances de bleu ou de blanc, et une problématique de société qui se regarde d'en haut, depuis le bureau du maire ou le cabinet d'un avocat désormais loin de son statut de vengeur des plus petits. Même l'appartement de Matt Murdock a changé pour refléter cette condition, pour devenir un espace creux, sans forme de vie ou de tonalité définie.

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Bien sûr, on pourra répondre que c'est fait exprès. Que l'avocat qui a renoncé à sa part de noirceur occupe désormais un espace plus blanc, plus propre. Une situation à laquelle il doit renoncer en cours de route pour retrouver son combat légitime. Et le dernier plan de la série évoque peut-être justement ce retour au sentiment d'urgence, de la même façon que ce dernier épisode (globalement réussi) veut convoquer cette impression d'une jungle urbaine en proie au chaos.

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Sauf que, l'évolution graphique ne se retrouve pas forcément en chemin, comme si la série restait cantonnée dans un format limité sur la mise en scène, ou que la grande révolution des idées n'avait pas encore accouché d'une révolution des styles. Les moments de mise en scène signifiants cherchent surtout à mettre en accord la forme au fond, lorsque le montage superpose la vie de Murdock à celle de Fisk, comme symboliser le parallélisme de ces deux frères ennemis (lorsque l'un perd pied dans sa relation de couple au moment où l'autre la reconstruit par exemple). Et paradoxalement, on aurait pu s'attendre à ce que Born Again joue sur ses propres forces : l'épisode du procès de White Tiger passe pour l'un des meilleurs de la saison, et on ressent d'ailleurs la présence de Brian Bendis dans les consultants de la série, mais celui-ci n'enclenche pas d'autres exercices du même genre sur le versant judiciaire pur et dur. De la même façon que quand Murdock protège un témoin des représailles de police, on pense pouvoir enfin retrouver cette impression d'urgence... mais qui s'estompe ensuite au profit de scènes plus civiles, communes, avec beaucoup moins d'accélérations ou de sentiment de pression.

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Sur le milieu de saison, la technique est même assez accablante. Alourdie par un épisode de huis clos lors d'un braquage de banque à la Saint-Patrick (probablement le moment le moins intéressant de toute la série, et l'occasion d'une passe décisive manquée à l'adresse de Ms. Marvel) et un énorme gâchis autour du personnage de Muse (un vilain avec du potentiel, mais que l'on bâcle en allant trop vite, et en bâclant une révélation qui aurait pu être largement mieux traitée compte tenu de l'aspect terrifiant de ce personnage), on plisse les yeux et on se demande si l'on ne voit pas les coutures, les imperfections dans cette série raffistolée par une seconde équipe en mission pour ajouter du sang et des morts dans un produit qui misait sur une autre formule. Comme si quelqu'un avait voulu faire une série "procedural" avec un épisode et un sujet différent chaque semaine, et que quelqu'un d'autre était repassé derrière pour faire une série noire, pour adultes, en insérant de nouvelles couleurs sans parvenir à maîtriser parfaitement le dosage.

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Au global, les chorégraphies des combats n'impressionnent pas, et on a même le sentiment que certaines chorégraphies (celle du premier épisode notamment) auraient été plus réussies dans l'avalanche d'effets numériques, ou sans l'impression d'éclairages descendus qui brouillent la vision et la lisibilité des scènes. Le combat contre Muse est aussi un énorme raté, saccagé par le montage, l'évolution du personnage de Heather Glenn une catastrophe accidentelle que l'on a bien du mal à saisir, et si la série parvient généralement à raviver quelques lueurs d'espoir lorsqu'elle se reconnecte à son propos fondamental - la résurrection de Daredevil et du Kingpin des centres de Matt Murdock et Wilson Fisk - on peine à isoler un grand moment de mise en scène dans une série qui se contente de faire le boulot, correctement, proprement... mais sans folie. Et c'est dommage, dans la mesure où celle-ci profite d'un casting de grande qualité et d'un propos qui offre de réelles perspectives entre des mains plus compétentes pour l'exercice du "noir" en fiction.

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Daredevil : Reborn ?

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Maintenant, l'impression sera différente en fonction des attentes de chacun. Celles et ceux qui n'espéraient plus grand chose de Marvel Studios seront probablement heureux de ce sursaut inattendu, de cette charge plus adulte et qui assume un véritable coup de poing dans les habitudes de la compagnie. En revanche, celles et ceux qui consomment des productions plus variées pourront toujours se dire que les équipes de FX ou HBO n'ont pas de soucis à se faire dans l'immédiat. Même à l'échelle des adaptations de comics, une série comme The Penguin pouvait défendre des qualités dans la forme ou le propos, une caméra qui servait mieux les prestations impeccables de ses interprètes, et une envie de s'amuser largement supérieure (malgré le même problème de ventre mou, mais cette fois, en début de saison). On peut même trouver intéressant de comparer ces deux séries, équitablement nées de la grève des scénaristes. Comme deux produits bicéphales lancés sur des impératifs communs : aller chercher le super-héros dans la violence et le social, l'un dans le ghetto, l'autre à la mairie.

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En revanche, une chose est sûre : Daredevil : Born Again place une grande vitesse à ses propres petits-cousins de chez Marvel sur la plateforme Disney+. De la même façon, les actrices et les acteurs sont toujours capables de porter le produit, même dans ses mauvais moments. On apprécie de retrouver Charlie Cox dans le rôle de Matt Murdock, une performance qui colle à la peau du comédien comme son impeccable costume rouge. C'est la loi des bons acteurs chez les super-héros : le comédien embrasse toutes les subtilités du personnage depuis la voix jusqu'à la gestuelle, et se fond avec élégance dans cette identité comme s'il n'avait jamais abandonné le rôle. Même bilan pour Vincent D'Onofrio et sa diction saccadée, capable d'incarner la castration d'un Kingpin en plein échec marital, incapable de comprendre ou d'incarner son propre déséquilibre émotionnel dans cette quête de rédemption mensongère, mais surtout merveilleux lorsqu'il retrouve sa vraie nature profonde d'assassin bestial et tonitruant.

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Le bilan est tout aussi positif pour Michael Gandolfini ou Nikki James, et on apprécie au passage de retrouver un Tony Dalton en meilleure forme que dans la série Hawkeye. Du côté de Margarita Levieva, le bilan est plus mitigé - mais ce n'est pas de sa faute, celle-ci doit simplement composer avec un texte passablement plus limité, plus idiot, caricatural. Subitement opposée à l'action des super-héros, tombée dans l'escarcelle des discours autoritaires du Kingpin, le personnage s'efface lentement malgré des débuts convaincants. Quant à Jon Bernthal, que dire. Toujours à l'aise dans ses manières, ses mimiques exagérées et son tempo bougon, le comédien lâche immédiatement les chevaux dès sa première apparition, comme à son habitude, incapable d'être autre chose qu'un personnage de cinéma radical et séduisant. Sa présence se justifie (naturelement) par l'envie de Marvel Studios de lui produire un spin-off dans la foulée, mais ce n'est pas grave : on n'a pas l'impression d'un personnage forcé, et maintenant que l'enseigne a mis les choses au clair sur le symbole du Punisher, comment ne pas se réjouir de retrouver Big Pun dans une aventure en solitaire ?

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Et surtout : dans la mesure où Daredevil : Born Again a été rattrapée en vol, on peut surtout espérer que la prochaine saison osera proposer un ensemble plus compact et authentique, sans ces chutes de rythme ou ces quelques fautes notes certainement nées d'un processus créatif compliqué. Après tout, Marvel Studios n'en est qu'aux premiers pas de sa propre remise en question. Du côté des fans, on doit certainement considérer qu'il s'agit d'un processus itératif, que l'enseigne tente des choses et attend de voir jusqu'où elle peut s'autoriser à aller. Et compte tenu du pas de géant réalisé entre la série Echo et cette version de Born Again, les progrès sont déjà considérables. Reste maintenant à transformer l'essai.

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La série Daredevil : Born Again doit se comprendre comme le résultat d'une équation compliquée. Coincées entre les nostalgiques de la période Netflix qui s'attendaient certainement à retrouver un résultat identique, entre les échecs de ces dernières années et les pudeurs naturels d'un groupe qui n'a jamais voulu aller trop loin dans l'effort politique ou les démonstrations de violence, les équipes de Marvel Studios ont, pour une fois, parié sur le risque. Et si le résultat n'est pas exactement parfait, on sort tout de même de ces neuf premiers épisodes sur un bilan globalement positif. Comme dans les comics, le personnage de Daredevil se présente comme l'avatar du changement, de l'ouverture des portes que l'on pensait définitivement fermées, et comme le prophète des temps nouveaux dans l'envie de proposer des super-héros plus adultes, plus complexes, plus engagés. Reste maintenant à tailler dans le gras et à s'entendre sur une direction artistique plus exigeante pour passer du prototype au produit fini. Tous les ingrédients sont là, avec de réelles qualités à défendre, un casting impeccable et un discours général à la hauteur des enjeux du présent. Maintenant, pour la consigne : il va falloir que le diable voie rouge.

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Bienvenue dans un nouveau numéro de la chronique des "critiques express". A intervalles réguliers, la rédaction vous propose de courtes reviews sur des numéros de comics VO sortis récemment. L'idée est de pouvoir à la fois vous proposer une analyse des sorties attendues du côté des éditeurs mainstream et indé', parler également de runs sur la durée, et essayer de piquer votre curiosité sur quelques titres moins en vue. En somme, tout simplement de mettre en avant le médium comics dans nos colonnes autrement que par le prisme pur de l'article d'actualités.

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Oui : c'est le grand retour. La rubrique des critiques express, réclamée à corps et à cris par une horde de fans (globalement composée du rédacteur en chef et de... et de pas grand monde, mais il criait vraiment très fort, alors on a voulu lui faire plaisir), repartent pour un nouveau tour de piste dans la même philosophie et en suivant le même objectif : défendre le format du single issue et les sorties importantes du marché des comics en mensuel. Pourquoi ? Parce que c'est le format originel. L'attente fiévreuse qui pousse le fan attentif à patienter quelques semaines pour découvrir la suite de l'aventure. Parce que les histoires sont architecturées selon cette logique de découpage en séquences de vingt à trente pas, parce que c'est encore là que le monde des comics se distingue, et parce que ça fait bien de les emballer sous blister. Si si. Faites le test. On se sent presque comme un collectionneur.

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Accessoirement, toutes les sorties n'ont pas forcément le bonheur de traverser l'Océan Atlantique pour finir empaquetées et embellies dans de beaux albums en version française. Ce qui ne sera pas le cas des titres évoqués cette semaine (en l'occurrence, beaucoup de super-héros) mais l'adage est vrai pour l'essentiel des productions indépendantes, et même pour certains projets mainstreams plus compliqués à soutenir du point de vue du lectorat potentiel en France. D'où l'utilité d'une chronique consacrée. Accessoirement, c'est le bon moment pour se remettre à acheter des singles. D'ici à ce que la crise géopolitique actuelle finisse par retomber sur le secteur de l'imprimerie (attention on touche du bois : ce n'est pas encore le cas à l'heure actuelle), vos précieux petits floppys finiront par devenir de véritables reliques d'un temps perdu d'ici quelques années. Et puis hey, la guerre commerciale, les conflits, le réchauffement, d'accord... mais quand même. Jeph Loeb et Jim Lee sont de retour sur Batman. Oh. Alors. On va se parler clairement : personne ne dit que ça rééquilibre la situation mondiale... mais en tout cas, ça ne la déséquilibre pas davantage.

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Et donc, on va s'en contenter.

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Amazing Spider-Man #1 - Joe Kelly, Pepe Larraz & John Romita Jr.

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On a compté : en l'espace d'à peine plus de dix ans, il y aura eu pas moins de cinq relaunches pour Amazing Spider-Man. Deux volumes pour Dan Slott, un pour Nick Spencer, un autre pour Zeb Wells, et voilà qu'il faut une nouvelle fois remettre les compteurs à zéro... enfin, pardon, à #1. Mettons que la méthode éditoriale a de quoi lasser mais qu'elle est devenue inhérente à la façon dont les Big Two fonctionnent depuis le Relaunch Age installé depuis 2011. Mettons aussi que les deux derniers runs n'ont pas laissé forcément de souvenirs impérissables. Aussi, contre toute attente, ce nouveau démarrage d'Amazing Spider-Man donnait malgré tout envie, particulièrement pour son équipe créative. Nul besoin de vanter les qualités de Joe Kelly à l'écriture, tant dans le registre super-héroïque (comment oublier son Deadpool ?) qu'en indépendant (I Kill Giants, Immortal Sergeant, s'il vous plaît). Encore que : Kelly s'est montré assez décevant sur la toute fin du volume précédent d'ASM avec The 8 Deaths of Spider-Man, mais on lui pardonnera en se disant que cet arc de transition n'était motivé que par l'éditeur, et pas forcément par le scénariste.

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En conséquence, si Kelly a les mains libres pour ce nouveau départ, qu'en est-il ? Hé bien, le tout se montre particulièrement bienvenu par cet apparent classicisme. Peter Parker est vu au travers de différentes scènes qui le voient a) galérer à trouver un nouveau travail b) galérer (mais un peu moins) avec sa vie sentimentale et c) se taper contre le Rhinocéros dans un affrontement absolument superbe dans la mise en scène de Pepe Larraz. Après des années passées à voir des auteurs vouloir absolument faire quelque chose de "neuf", quitte à s'aliéner le lectorat sur des propositions idiotes (arrêtez de défendre Paul, y a pas à se faire du mal comme ça), rester sur des bases plus sobres ne fait pas de mal. Le nouveau statu quo pour Peter et Norman Osborn fait que dans tous les cas, il y a des surprises à aller chercher, et une direction qui pourra sortir des sentiers battus. Joe Kelly et Pepe Larraz ont ici, je crois, plutôt la tâche de redonner confiance en ce qui devrait être la locomotive de Marvel, ce qui fait qu'on revient lire des comics tous les mois (ou toutes les deux semaines dans le cas présent).

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Le travail est ici plutôt accompli : la caractérisation de Peter Parker apparaît soignée dans sa simplicité, Joe Kelly ne fait pas table rase de l'héritage de Zeb Wells pour autant, on s'intéresse au premier fil rouge (pourquoi certains super-vilains se comportent de façon totalement anormale), et le back-up de John Romita Jr. reste lui aussi intéressant dans ce qu'il raconte. Il est toujours agréable de voir que le vétéran garde suffisamment d'énergie pour continuer d'illustrer du Amazing Spider-Man, mais il faut bien reconnaître que ses travaux récents divisent, au bas mot. Aussi, l'arrivée d'un Pepe Larraz fait du bien : le dessinateur espagnol a un style qui plaira à bien du monde, son association avec Marte Gracia fonctionne du tonnerre et il est assez évident qu'il s'approprie le script de Kelly pour rendre le récit le plus dynamique possible.

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L'un dans l'autre, le maître mot semble être celui de l'efficacité et si on ne rechigne jamais à avoir de l'expérimentation dans les comics de super-héros, il y a certaines séries qui demandent parfois à se poser sur des bases plus classiques, quitte à prendre les lecteurs au dépourvu par la suite. On pardonne avec ce premier numéro les errances récentes de Kelly sur 8 Deaths, avec l'espoir que Larraz puisse rester suffisamment longtemps sur ASM pour lui conférer son statut de blockbuster que la série mérite. Par contre, sérieusement, 5,99$ pour un numéro à pagination normale et sur du papier quelconque, on pourrait croire à une incitation à peine masquée pour promouvoir le numérique.

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Arno Kikoo

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- Vous pouvez commander Amazing Spider-Man #1 à ce lien !

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Batman #158 - Jeph Loeb & Jim Lee

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On reste sur la thématique du "classique" avec ce Batman #158, en flirtant même sur l'idée des comics "rétro-nostalgiques" puisqu'ici il s'agit de découvrir la nouvelle suite canonique à Batman : Hush, plus de vingt ans après la publication du premier arc. Moment historique surtout pour Jim Lee qui reprend un travail complet sur des planches intérieures, histoire de faire oublier l'affreux dernier souvenir qu'il nous avait laissés avec Suicide Squad de Rob Williams. On peut dire que l'entrée en matière se fait sur les chapeaux des roues. Batman affronte (une fois de plus) le Joker qui réussit à prendre l'ascendant et le laisse complètement sonné dans les eaux du réservoir de Gotham. Il cherche ensuite à retrouver sa némésis, alors que celui-ci a été fait prisonnier par Hush (ou du moins, un Hush), qui n'hésite pas à le torturer dans une séquence particulièrement violente.

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Il y a donc effectivement des airs d'Hush dans cette suite, à la fois parce que Loeb utilise les mêmes mécaniques du précédent volet, en faisant intervenir pas mal de personnages de l'univers Batman, mais aussi avec le côté spectaculaire des scènes d'action qui s'enchaînent sans beaucoup de temps mort. On peut apprécier ce retour en arrière, d'autant plus qu'il y a plusieurs indices qui laissent à penser que, contrairement à ce que Batman affirme en conclusion de ce numéro, ce n'est pas Tommy Elliott qui est de retour. Ce qui laisserait au scénariste la possibilité de se jouer de ses lecteurs qui s'attendraient à quelque chose de convenu ou d'une suite un peu trop balisée. Pour le moment, l'introduction remplit sa tâche en donnant envie d'en voir plus... encore que. On pourra être décontenancé par ce Chevalier Noir particulièrement fragile, qui se laisse mener par le bout du masque du début à la fin de ce chapitre, et qui apparaît bien plus faillible qu'à l'ordinaire, sans qu'on ne s'explique trop pourquoi. Il faudra aussi être d'accord sur le fait que le dessin de Jim Lee commence mine de rien à dater, et que la superstar de l'industrie n'est plus aussi précis qu'il a pu l'être. Difficile pour autant de croire que Hush 2 ne s'adresserait qu'aux (jeunes) nostalgiques des années 2000 et qu'il n'y a pas la possibilité avec ce genre de blockbuster de s'adresser aussi à des personnes assez novices dans leur lecture de comics.

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Ni déçu, ni hyper emballé : le bilan pour Batman #158 reste assez mesuré. Il est de toute façon toujours difficile de juger le seul numéro attendu que la direction de l'histoire (et la tenue des dessins de Jim Lee) ne pourront s'apprécier qu'au cours des prochains mois. Mettons que pour celles et ceux qui n'aiment pas Hush premier du nom, il n'y a pas de raison de se précipiter sur ce numéro puisqu'en apparence, on devrait rester dans la même recette. Dans le cas contraire, il y a des chances qu'un petit trip rétro-nostalgique, qui peut aussi comporter son lot de surprises, soit la lecture mensuelle "de réconfort" que vous recherchiez pas ces temps plus ou moins maussades. Du reste, le Detective Comics de Tom Taylor est super. Lisez le Detective Comics de Taylor.

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ArnoKikoo

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- Vous pouvez commander Batman #158 à ce lien !

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Absolute Green Lantern #1 - Al Ewing & Jahnoy Lindsay

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Vous avez dû remarquer : nous n'avons pas couvert sur le site les dernières sorties de l'univers Absolute dans des critiques plus complètes ou plus autonomes. Et si vous vous demandez pourquoi, c'est tout bête, mais ces numéros sont malheureusement un peu trop introductifs pour être étudiés dans les grandes largeurs. En comparaison, Absolute Batman, Wonder Woman et Superman avaient déjà posé une première brique sur les origines concrètes, jusqu'à aller plus loin (on avait déjà un point de vue sur l'enfance des personnages jusqu'à leurs débuts en tant que justiciers une fois devenus adultes). Ce n'est pas le cas de Flash ou de cette version des Green Lanterns. Quant à Absolute Martian Manhunter, mettons que l'on se réservera plutôt un bilan complet, plus tard, au vu du potentiel grandiose que promet cette autre série.

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Mais alors, Absolute Green Lantern #1, qu'est-ce que ça vaut ? Difficile à dire dans l'immédiat. La série a visiblement respecté la consigne d'usage : plutôt que de procéder étape par étape, on comprend qu'Al Ewing a préféré mettre toutes les Lanterns dans le même panier. L'essentiel des porteurs de bagues habituels (Hal, John, Jo, Guy) sont apparemment d'anciens collègues, d'anciens amis d'enfance, qui viennent tous de la même ville. Une petite communauté paumée des Etats-Unis où il ne se passe pas grand chose. On isole assez facilement les caractères des uns et des autres, et on comprend aussi rapidement que tout ne colle pas aux présupposés classiques. Hal Jordan n'est pas le courageux pilote d'autrefois, John Stewart n'est pas le dur à cuire que l'on connaît, et Jo Mullein n'est pas une étrangère dans ce groupe de héros. Et surtout, l'arrivée d'Abin Sur ne suit pas du tout la formule traditionnelle du canon. Ewing mise sur une science-fiction plus conceptuelle, plus paranoïaque, qui évoque les séries télévisées d'autrefois : un phénomène étrange, inexpliqué, qui frappe un petit groupe de personnes... lesquels vont obtenir leurs propres pouvoirs en fonction des caractères individuels. Serait-on en face d'une version des Green Lanterns façon Damon Lindelof ?

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Dans l'idée de renverser les structures classiques, la façon dont le personnage de Hal Jordan est abordé passe pour la plus grosse réinvention pour le moment. En dehors de ça, la Terre-Absolute a surtout l'air de vouloir orienter la mythologie des porteurs de bague vers quelque chose de plus sombre, de plus adulte et de plus localisé. Il serait assez étonnant de retrouver Oa et les patrouilleurs de l'espace dans ce contexte étrange, qui accepte de regarder l'idée du visiteur extra-terrestre comme quelque chose d'inexplicable ou de dangereux. De la même façon, cette parure de thriller très américain (avec les flics du bord de l'autoroute, les petits restaurants paumés, l'impression générale d'opérer loin des villes et de la civilisation) semblent réellement se démarquer des autres séries Absolute... à l'exception de Flash pour le moment. Il va falloir attendre un peu pour se faire un avis, mais la promesse fonctionne, comme une bonne boîte à mystère.

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Lancement façon Trilogie du Samedi pour cette nouvelle proposition de l'univers Absolute. Que sont les Green Lanterns ? Qu'est-ce qui va bien pouvoir se passer ? La perspective de casser tout ce que les fans connaissent de l'univers DC a encore une fois été appliquée à la lettre dans cette réinvention des porteurs de bague. Quelque reproches : on aurait pu s'attendre à un graphisme plus conventionnel pour la série. Si les effets de science-fiction proprement dit ont l'air d'être à niveau, les scènes civiles sont un peu plus vides avec un choix de couleurs étonnant et des encrages très légers, presque crayonnés, sur les détails des visages ou des objets. L'approche ne sera pas forcément du goût de tout le monde, mais on attendra quelque numéros pour laisser l'équipe créative trouver ses marques. Une chose est sûre : la fameuse "blackest night" sera au rendez-vous.

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Corentin

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- Vous pouvez commander Absolute Green Lantern #1 à ce lien !

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The City Beneath Her Feet #1 - James Tynion IV & Elsa Charretier

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"Mais on est en avril, Arno, pourquoi nous parler d'un titre sorti en fin d'année dernière ?" - hé bien tout simplement parce qu'à l'heure de rédaction de cet article, le numéro #2 de The City Beneath Her Feet n'est pas encore sorti (c'est pour juin, et le #3 pour septembre), ce qui vous laisse encore largement du temps pour démarrer ce qui sera sûrement l'un des petits bijoux de l'année. Il faut dire que l'une de nos dessinatrices préférées s'est une nouvelle fois (après Room Service) associée à l'un des auteurs les plus en vue des dernières années, James Tynion IV ; mais fort heureusement, pas pour un récit d'horreur, ce qui permet de sortir un peu du registre dans lequel le scénariste, tout aussi brillant soit-il, officie le plus souvent. Faites donc la rencontre de Jasper Jayne, une espionne à l'allure enjouée et menant une vie chaotique, qui va faire irruption telle une furie dans la vie de Zara, une écrivaine en panne d'inspiration à tendance alcoolique. De cette rencontre va émerger une idylle intense, mais qui va mener la vie de Zara là où elle ne l'attendait pas.

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On va reste le plus évasif possible puisque, à l'instar d'autres titres DSTLRY en trois numéros, le seul descriptif de l'intrigue qu'on retrouve en ligne est en fait un résumé de ce qui est présenté dans cette introduction. Il serait donc dommage de se gâcher la découverte, tant The City Beneath Her Feet a des qualités pour elle. Comme bien souvent avec Tynion IV, l'écriture est maîtrisée du début à la fin, Zara se faisant la narratrice de sa propre histoire - comme dans un film d'action moderne qui commence par une scène au milieu de l'intrigue avant de nous renvoyer aux débuts. Mais alors que le premier segment nous ferait croire que The City va vraiment nous faire vivre un récit d'espionnage et d'action assez sanglant, il y a une bifurcation bienvenue lorsque Jasper et Zara se rencontrent, où d'un coup le registre lorgne plutôt vers une version détournée par Tarantino de Coup de Foudre à Nothing Hill - et c'est le mélange des deux genres qui fait que l'ensemble fonctionne parfaitement. On a des dialogues (et des références très New Yorkaises) qui font mouche, deux protagonistes parfaitement reconnaissables et distinctes, dont le trait de Charretier épouse la personnalité, et une impression de folie généralisée particulièrement rafraichissante.

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Mention spéciale d'ailleurs à Elsa Charretier qui réalise une nouvelle prouesse en profitant des planches plus larges du format DSTLRY pour se lâcher (littéralement) dans son découpage. On appréciera retrouver un jour ou l'autre le gaufriers ciselés de Love Everlasting, mais pour le moment on profite d'un dessin qui respire dans l'espace qui lui est attribué, d'une mise en scène qui pense toujours au plaisir du lecteur dans ses différents angles, et d'une mise en couleurs de Jordie Bellaire pétillante et vive. Il s'en dégage une ambiance particulière qui fait de ce premier numéro une lecture assez unique.

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Autrement dit, si on met de côté la frustration de devoir attendre plusieurs mois pour pouvoir découvrir la suite, The City Beneath Her Feet est une entrée en matière réjouissante. On ne va pas se mentir, on avait peu de doutes sur le fait que l'association de James Tynion IV et Elsa Charretier ne puisse que faire des étincelles, notamment après Room Service, mais le fait de les voir opérer dans ce registre, qui alterne entre action/espionnage et comédie romantique queer, fait qu'on apprécie encore plus ce premier chapitre. Allez, ne reste plus qu'à être patient.

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ArnoKikoo

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- Vous pouvez commander The City Beneath Her Feet #1 à ce lien !

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Doctor Strange of Asgard #2 - Derek Landy & Carlos Magno

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Dans la longue liste des projets qui ont bourgeonné aux branches de l'arborescence One World Under Doom, la série Doctor Strange of Asgard aurait probablement pu mieux s'en sortir. L'idée de base est bonne : confronter deux versions du mysticisme, deux mondes de la magie, et déplacer un personnage que l'on a l'habitude de suivre dans un certain contexte. Généralement, ce genre de métissages ludiques ont plutôt tendance à fonctionner. Comme lorsque le Black Panther avait pris la place de Daredevil, ou que le Punisher avait été chasser les géants des places dans la mini-série Kill Krew. En tant que fans, on aime retrouver ce genre de petites récréations, ces déplacements amusants pour confronter deux concepts qui ne semblent pas avoir été pensés pour se répondre au départ. Sauf que, pour Doctor Strange of Asgard, le scénariste Derek Landy n'a pas forcément appliqué la consigne à la règle. D'abord, on n'a pas forcément l'impression que Strange mesure ce qui est actuellement en train de se passer sur Terre avec la prise de pouvoir de l'Empereur Dooom.

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Pendant que le dictateur décide de prendre le contrôle de la planète toute entière... Doctor Strange joue les médecins généralistes pour le peuple d'Asgard. En s'occupant au passage d'une quête secondaire (littéralement) autour de Loki. Si tout le projet n'est pas forcément mal écrit ou inutile jusqu'ici, on a tout de même le sentiment que la série a été validée pour donner quelque chose à faire à Strange en attendant son retour sur Terre... et peut-être aussi, lui confier de puissants pouvoirs au passage pour pouvoir affronter Doom dans la foulée. Mais c'est un peu le problème : ça se voit. L'écriture paraît totalement déconnectée de l'urgence du moment, Strange lui-même est un peu trop métallique pour porter le concept et la dramaturgie éventuelle du titre sur ses épaules de magicien. La gravité d'un meurtre, les complots internes, tout ceci paraît finalement très secondaire, très automatique. Et si vous faites partie des fans de continuité, ou des règles établies précédemment chez Marvel (comme celle qui veut que les Asgardiens sont naturellement beaucoup, beaucoup plus puissants que les humains normaux), cette série semble globalement ignorer certains préceptes pourtant figés dans le marbre. Même sans vouloir faire le fan obtus, on se demande bien pourquoi Landy hésite à ce point à utiliser la magie au moment des scènes de combat.

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On retiendra tout de même quelques points positifs : le peuple d'Asgard lui-même est traité sous le bon angle, avec cette parure quotidienne, civile, cette impression d'un petit monde qui grouille et qui existe sur un plan tangible. Ce qui n'est pas forcément toujours le cas dans les comics Thor, où les habitants de ce royaume sont généralement vus de loin, avec une intrigue qui se concentre essentiellement sur la royauté. Quelques blagues fonctionnent, le projet est plutôt sympathique au global... mais ne défend jamais réellement sa propre existence en tant que série autonome. Là où aurait pu s'attendre à retrouver un héros meurtri, qui part s'entraîner avec les sorciers des Neuf Royaumes pour revenir sur Terre plus fort, comme dans un bon manga de baston, au global, on a surtout l'impression de perdre du temps avec une intrigue interstitielle et un dessin plutôt terne, gris et sans grande noblesse. C'est dommage. Avec Strange et Asgard, on aurait pu au contraire espérer quelque chose de plus coloré.

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En définitive, un projet qui sent bon le tie-in pour le tie-in. Oui, tout ceci sera certainement utile lorsque le sorcier reviendra sur Terre avec de nouvelles capacités, et oui, on apprécie cette petite plongée dans partie civile d'Asgard, à défaut de respecter l'échelle de puissance traditionnelle. Mais malheureusement, Derek Landy confirme son statut de scénariste à la commande, ni bon ni mauvais, pour des titres qui se suivent par habitude mais qui n'accrochent pas réellement le regard. Et lorsque l'on sort du Doctor Strange de Jed MacKay, autrement plus intéressant à tous les points de vue, on comprend globalement la problématique : le scénariste qui a œuvré sur cette mythologie pendant les dernières années est actuellement trop occupé pour piloter son magicien préféré, et a donc certainement dû confier un objectif, un point de chute, et les équipes à l'éditorial ont probablement dû se débrouiller pour bricoler une série pour passer le temps avant que cet élément ne finisse par se produire. Tant pis, le résultat aurait pu être meilleur.

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Corentin

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- Vous pouvez commander Doctor Strange of Asgard #2 à ce lien !

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Parmi les nombreux invités comics présents au Festival International de la Bande Dessinée (FIBD) d'Angoulême, les éditions 404 Graphic ont pu nous faire profiter de la présence, en début d'année, du talentueux Lisandro Estherren. Fort de son travail sur Apparition dans le Ciel de Berlin Est, l'auteur s'est aussi illustré sur d'autres titres sortis en VF, comme Redneck (chez Delcourt) ou Catch & Release (chez Akiléos).

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Comme à notre habitude, nous avons profité de l'occasion pour aller discuter avec Estherren et lui poser quelques questions, que ce soit sur sa carrière de façon générale, mais aussi avec un focus particulier sur Apparition, de l'auteur Jeff Loveness. Nous avons le plaisir de vous présenter cette interview au format écrit ci-dessous, et remercions Emilie Hurel des édition 404 Graphic pour avoir permis qu'elle ait lieu.

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AK : Nous sommes très content de vous avoir, Lisandro.

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LE : Merci de m'inviter.

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AK : Dans la mesure où c'est la première fois que nous nous parlons, pouvez-vous vous présenter un peu aux gens qui ne vous connaissent pas ?

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LE : Oui, oui. Je suis un artiste argentin, dessinateur de BD. J'ai principalement travaillé avec des éditeurs basés aux Etats-Unis depuis huit, dix ans. C'est un bon résumé.

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AK : Si on regarde un peu plus loin en arrière, étiez vous fan de comics avant de devenir dessinateur ?

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LE : Bien sûr, bien sûr. J'ai toujours adoré la BD américaine, la BD argentine. Nous avons une longue tradition dans ce secteur en Argentine, et nous avons même produit certaines des plus grandes œuvres - en tout cas, celles que moi je préfère. Notre répertoire couvre beaucoup de choses. Comme Mafalda, ou The Eternaut (ndlr : El Eternauta). J'ai découvert ces titres dès mon plus jeune âge.

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AK : Quand avez vous dessiné de devenir dessinateur ?

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LE : Aux alentours de mes vingt, vingt-cinq ans, je pense. A l'époque j'étais étudiant à l'université, et c'est là que j'ai découvert que l'on pouvait aborder les comics comme une véritable discipline, un art à part entière, avec sa propre histoire. C'est quelque chose qui m'a beaucoup intéressé, et c'est là que je me suis reconnecté à mes lectures de jeunesse.

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OC : Comment êtes-vous arrivé aux Etats-Unis ?

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LE : Comme beaucoup de dessinateurs, j'ai produit beaucoup d'échantillons et de planches de présentation. J'en ai montré beaucoup, à travers des mails, à travers des entretiens en personne. Et j'ai fini par être mis en contact avec des éditeurs américians.

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OC : Votre travail évoque beaucoup le paysage classique des Etats-Unis, comme pour Redneck ou The Last Contract.

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LE : Oui.

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OC : Comment avez vous approché ces séries très américaines, vous qui venez d'un pays différent ?

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LE : A chaque fois que je commence un projet, je m'attaque à une phase de recherches. Le fait d'avoir travaillé sur ces projets était une expérience assez drôle, assez intéressante, parce que je m'intéresse à ces thèmes, à ces genres en particuliers. L'horreur, le polar. C'est ce qui m'a motivé vers ces projets.

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OC : Vous diriez que vous êtes influencés par José Muñoz ?

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LE : C'est le maître incontesté des artistes de comics. J'adore son travail, c'est une énorme inspiration.

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OC : Dans quel sens ?

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LE : L'utilisation des palettes d'obscurité, avec un trait plus expressif. J'aime toujours mener de petites expériences sur chaque projet, même si je ne suis pas toujours content du résultat.

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OC : Vous appréciez cette esthétique des Etats-Unis des rednecks, avec les flingues et les grands chapeaux ?

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LE : Je ne sais pas. (rires) J'essaye de faire de mon mieux. Je pense que le public apprécie la façon dont j'illustre cette culture.

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OC : Comment avez vous transitionné de ces environnements à la vieille Europe pour Apparitions dans le Ciel de Berlin Est ?

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LE : Tous les artistes doivent procéder à une phase de recherches, s'appuyer sur des références, pour comprendre l'arrière-plan de chaque scénario. Et c'est agréable, parce que c'est votre métier : vous devez savoir tout dessiner. Donc à chaque fois, c'est comme si vous appreniez quelque chose de nouveau.

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OC : C'est ça qui vous a poussé à accepter le projet ?

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LE : En partie. J'aimais bien le projet, le scénariste et ses idées, et le mélange des genres.

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AK : Et d'une manière générale, comment s'est passée la rencontre ? On vous a contacté ou c'est vous qui vous êtes rapprochés de Jeff Loveness ?

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LE : En général, dans des festivals comme le FIBD, on rencontre souvent des collègues. On se met à discuter et c'est comme ça que les projets naissent. Mais dans le cas présent, c'est surtout l'éditeur qui m'a contacté pour me proposer cette idée. Et j'ai accepté.

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AK : Mais pourquoi celui-ci en particulier ?

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LE : Parce que c'était une histoire très sombre. (rires) Et parce que je n'avais jamais eu l'occasion de dessiner ce genre de paysages. J'étais enthousiaste à l'idée de représenter le Berlin des années soixante-dix. Mais bon, de toutes façons l'essentiel de l'histoire se passe dans un bunker. (rires) C'était rigolo en ce qui me concerne.

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OC : Vous avez dû changer votre style pour cette histoire ?

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LE : Oui et non. A chaque projet, je tente de nouvelles choses, avec les encres, les peintures. En ce moment je travaille surtout avec les crayonnés par exemple.

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AK : Comme sur Catch & Release ?

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LE : Oui, mais une variation de ce style là. Sauf que je commence par dessiner en gris avant de passer au noir et blanc avec le crayon. C'est un peu différent.

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OC : Berlin paraît plus impressionniste dans son approche des effets.

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LE : Oui, le coloriste Patricio Delpeche a fait un superbe travail, très différent de ce que l'on retrouve dans les couleurs des comics mainstreams actuels. Je suis très content d'avoir pu travailler avec lui. Lui aussi est Argentin d'ailleurs.

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AK : Comment on s'y prend pour créer un monstre comme celui qui apparaît dans la bande dessinée ? Pour faire peur avec le dessin ?

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LE : Je pense qu'il faut aller chercher au fond de soi-même.

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AK : Vous avez un alien au fond de vous même ?

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LE : Oui. (rires) Non, on en a beaucoup discuté avec le scénariste, qui m'a conseillé d'aller étudier certains artistes comme base de référence.

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OC : Par exemple ?

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LE : Ah, je n'arrive plus à me souvenir du nom de ce gars... C'est un artiste italien connu pour ses sculptures très longilignes. C'est de lui qu'on s'est inspiré. (ndlr : probablement Alberto Giacometti)

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OC : Vous disiez que vous aviez envie de dessiner Berlin dans les années soixante-dix.

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LE : Oui.

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OC : Qu'est-ce qui vous plaît dans cette esthétique ?

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LE : Surtout l'architecture de la ville. Sur chacun de mes projets, j'essaye de travailler les arrière-plans en particulier. De dessiner les villes. Et j'aime beaucoup l'architecture du passé, surtout celle des années soixante-dix. C'est quelque chose qui m'avait parlé.

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OC : Bizarrement, ce titre passe aussi pour plus réaliste que Redneck dans les expressions des personnages. Vous aviez envie de baser l'ambiance dans une atmosphère plus crédible ?

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LE : Oui, je pense que j'avais surtout envie de quelque chose de différent. Parce que j'avais travaillé sur Redneck pendant trois ans et demi avant d'attaquer ce projet. Et il a fallu que je fasse les deux simultanément.

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AK : C'est à chaque fois alors, cette envie de systématiquement vous renouveler ? Vous avez peur de finir par vous répéter dans votre travail ?

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LE : Non, non, je ne pense pas. Vous savez, c'est difficile de s'ennuyer avec ce travail. Il y a toujours de nouvelles choses à apprendre, à découvrir. C'est un peu comme ici au FIBD, avec l'espace Nouveau monde, il y a tellement de talent, tellement de nouveaux gars qui ont quelque chose à proposer, qui publient leurs projets. Et certains sont formidables. C'est une source de motivation de voir ce genre de choses.

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AK : Et comment est-ce que vous décidez de l'identité graphique d'un projet au milieu de tout ce que vous expérimentez en amont ?

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LE : J'essaye pas mal de choses, mais vous savez, c'est plus une sorte d'instinct au final.

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AK : J'allais vous demander justement, est-ce que le style vient avant l'histoire ?

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LE : Il faut d'abord lire l'histoire pour capter son atmosphère. Et ensuite, vous êtes libre de vous lancer, de tenter des choses sur le plan graphique. C'est comme ça que ça marche pour moi en tout cas.

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OC : Vous aimeriez donc poursuivre les expériences de ce genre dans le futur.

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LE : Evidemment. Et par exemple, j'aimerais en apprendre davantage sur la couleur. J'aimerais être capable de mettre mes propres projets en couleurs.

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OC : Vous regardez un peu ce qui se passe dans la BD européenne pour vos recherches ?

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LE : Oui.

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OC : Le personnage principal ressemble un peu à Tintin avec sa coupe de cheveux.

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LE : Et pourtant, c'est quelque chose de très accidentel, ça s'est fait comme ça. Je n'ai même pas la moindre idée de pourquoi il a fini par avoir cette allure au final. Mais peut-être que c'est lié à l'Europe oui.

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OC : Est-ce que vous auriez envie d'aller plus loin dans l'horreur d'ici vos prochains projets ?

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LE : Oui, mais dans le même temps, j'apprécie aussi certains autres genres. Donc au sortir de ces quelques à dessiner des BDs qui font peur, j'aimerais bien alterner avec autre chose.

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OC : Vous allez faire de la romance maintenant.

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LE : Voilà. (rires) Je suis quelqu'un de très romantique.

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AK : Est-ce que vous avez déjà un projet sur lequel vous travaillez en ce moment ?

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LE : Oui, je développe une mini-série en six numéros chez BOOM! Studios (ndlr : qui ne sera pas une romance, finalement). Ca sort d'ici la fin du printemps. Et c'est encore l'occasion de tenter de nouvelles choses, avec davantage de crayonnés.

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OC : Encore un polar ?

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LE : Non, plutôt de l'horreur rurale (ndlr : folk horror). De l'épouvante, mais avec des motifs bibliques, et des personnages en souffrance.

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AK : C'est un choix conscient de votre part de vous restreindre aux mini-séries en ce moment ? Pour pouvoir continuer à évoluer d'un point de vue graphique sans vous piéger dans un projet de long terme ?

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LE : Oui, il y a un peu de ça. J'aime bien expérimenter, mais c'est vrai que ça peut être effrayant parce que, si vous essayez quelque chose pour une série qui dure longtemps, vous allez vous retrouver coincé dans ce style pendant plusieurs mois, voire plusieurs années. On apprend en cours de route, même si on aime bien tenter de nouvelles choses.

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AK : Vous vous intéressez aussi à l'écriture de scénarios ?

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LE : Bien sûr, bien sûr. J'ai déjà écrit quelques petites choses, et j'aimerais effectivement poursuivre une vocation "d'auteur" complet plus tard. Mais pour le moment, j'ai encore besoin de maîtriser certaines choses.

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AK : Parce que j'allais vous proposer, par exemple, de tenter une série en six numéros, avec un style différent à chaque numéro !

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LE : (rires)

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OC : Et puisque Berlin Est ressemble aussi à une oeuvre de cinéma, est-ce que travailler pour cette industrie vous intéresserait dans la foulée ?

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LE : Bien sûr, pour toute la partie artistique en tout cas. Et aussi pour m'essayer à d'autres genres de narration. Ceci dit, j'aime beaucoup les comics, mais je pense que tout ce que je fais ne se traduirait pas forcément bien au cinéma ou à la télévision. C'est pour ça que j'aime beaucoup les comics : c'est un support essentiellement graphique. Ce qui se passe sur la page est plus intéressant pour moi que ce que ça pourrait donner en film ou en série télévisée.

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OC : Vous pensez que c'est un art supérieur ?

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LE : Chaque média a ses forces et faiblesses. Mais moi, je préfère les comics, évidemment.

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AK : Vous savez pourquoi ?

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LE : Je ne sais pas, je dirais que c'est plus organique en ce qui me concerne. Bien sûr, j'ai grandi avec le cinéma et la télévision, mais j'ai ce rapport très intime vis-à-vis du papier. Faire quelque chose de concret, mettre les mains dans le cambouis, dessiner, peindre, c'est quelque chose de très organique.

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AK : Vous avez besoin de sentir le crayon qui passe sur le papier.

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LE : C'est quelque chose que j'adore. Mon utilisation du numérique se résume à scanner mes planches pour passer un coup de propre dessus, mais jamais plus que ça.

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AK : Très bien. Je vous remercie de nous avoir accordé ce temps Lisandro !

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LE : Merci à vous, merci de m'avoir reçu.

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Actuellement en plein tournage, la série Daredevil : Born Again accueille une autre tête connue de la période des séries Marvel Television sur Netflix. L'annonce était tombée la semaine dernière : pour la prochaine saison, l'actrice Krysten Ritter s'apprête à retrouver le rôle de Jessica Jones, détective privée de New York et ex vedette de sa propre série autonome pendant la période des Defenders. Or, tandis que les fans du héros Iron Fist se réunissent à l'église tous les dimanches pour prier, en implorant les puissances supérieures pour qu'un nouvel acteur occupe le rôle de Danny Rand, Charlie Cox et Krysten Ritter ont été aperçus sur les plateaux de tournage récemment. C'est le retour de la fine équipe.

Tête Rousse et Chevelure Brune

Le président de Marvel Television, Brad Winderbaum, avait déjà confirmé à mots couverts cette stratégie de long terme pour la série Daredevil : Born Again lors d'une entrevue accordée à la presse en février dernier. A l'époque, celui-ci avait bien évoqué \"les autres Defenders\" et pas seulement Jessica Jones. Ceci étant, l'expérience de ces différentes séries (en particulier pour Luke Cage et Iron Fist) devrait probablement bloquer la possibilité de spin-offs officiels dans un premier temps. De fait, les productions en question s'étaient globalement cassées les dents sur la durée, et le grand public n'a pas forcément retenu la série crossover Defenders pour les bonnes raisons. En revanche, l'idée de les circonscrice aux prochaines saisons de Daredevil : Born Again pour habiller cette lecture street de New York devrait probablement se concrétiser d'ici les prochains épisodes. D'autant plus que les acteurs Mike Colter et Finn Jones ont été aperçus à New York également ces derniers jours.

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Dans les faits, la série Alias de Brian Bendis et Michael Gaydos n'a pas vraiment été adaptée sur le petit écran pour le moment. Seuls quelques éléments disparates avaient été utilisés lors de la série Jessica Jones sur Netflix, et avec des coudées un poil plus franches (en pouvant enfin utiliser le reste de l'univers Marvel Studios comme base de travail), Winderbaum serait bien inspiré de tenter le coup, dans la mesure où Ritter était au départ un excellent choix pour ce genre de productions plus noires, plus adultes. Dans le même temps, le Punisher va déjà avoir droit à son propre spin-off... on peut rêver.

Daredevil : Born Again fera son grand retour sur Disney+ d'ici le mois de mars 2026. A voir.

Source

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Paradoxalement, s'il n'est pas forcément connu pour cette préférence à l'exception de son rôle dans la série Walking Dead, le parcours de Jeffrey Dean Morgan a longtemps été associé au monde des adaptations de comics. Un petit rôle dans Jonah Hex, une présence plus importante dans Watchmen, une posture de héros plutôt adéquate dans The Losers, et puis sans oublier, bien sûr, ses apparitions dans les feuilletons The Boys et Invincible plus récemment. Sans oublier au passage la série Supernatural, une création d'Eric Kripke connue pour avoir emprunté quelques unes de ses idées aux comics Hellblazer (à défaut d'avoir adapté au sens strict les aventures John Constantine). A l'instar de David Dastmalchian ou d'Alan Tudyk, le genre de comédien équipé d'un passe gratuit dans le réseau des Comic Con pour le reste de sa vie.

Flash(point) of No World

En l'occurrence, Jeffrey Dean Morgan avait aussi eu l'occasion d'appraître (furtivement) dans l'ancien univers des productions DC Comics à l'occasion du film Batman V Superman : Dawn of Justice de Zack Snyder. En interprétant le personnage de Thomas Wayne lors de la scène d'ouverture, en compagnie de sa camarade de la série Walking Dead, Lauren Cohan, embauchée pour le rôle de Martha Wayne. \"Ah bon ?\" Oui : c'est rigolo, le multivers, blablabla. Au moment où cette première marche vers le projet Justice League avait été amorcée, chez Warner Bros., l'idée d'un film Flash était encore en pleine gestation. Et même si ce chantier chaotique mettra finalement plus longtemps que prévu avant de se monter (au point de perdre Zack Snyder entre temps), l'idée de retrouver Jeffrey Dean Morgan était alors considérée comme une piste logique. Surtout au moment où le film Flash avait encore pour nom de code \"Flashpoint\".

Pour celles et ceux qui ne seraient pas au courant : dans le comics éponyme de Geoff Johns et Andy Kubert (qui servira bel et bien de base au projet Flash chez Warner Bros., malgré une longue hésitation sur le sujet), l'intrigue se déroule en effet dans un monde passablement différent du canon traditionnel. Au moment où le personnage de Barry Allen décide de remonter en arrière dans le temps pour empêcher la mort de sa mère, celui-ci provoque l'apparition d'une continuité temporelle déformée. Et justement, dans cette version des faits, ce n'est pas Bruce Wayne qui endosse le costume de Batman après la mort de ses parents. En réalité, pour cette fois, le braqueur à l'origine du drame n'a pas tué Thomas et Martha Wayne dans la célèbre ruelle sombre... mais bien leur enfant, Bruce, qui se retrouve donc privé de son rôle et de son destin classique. Et c'est finalement un père en deuil qui décide d'endosser le rôle de la chauve-souris, plutôt que l'inverse. Donc, pour résumer ça simplement, Jeffrey Dean Morgan aurait été légitime pour reprendre le rôle de Thomas Wayne en cas de film Flashpoint, dans la mesure où celui-ci avait déjà incarné le personnage à l'époque de Batman V Superman.

L'acteur se sera plusieurs fois exprimé sur le sujet, en témoignant son intérêt pour le réel, dans le cas où cette perspective finira par s'appliquer. Résultat des courses : chez Warner Bros., on penchera finalement pour une tactique différente, en allant chercher l'acteur Michael Keaton pour lui proposer d'incarner cette lecture grisonnante de la chauve-souris. Bref, un coup de poker sur la nostalgie des anciens fans (c'était la mode à l'époque) qui écartera mécaniquement Morgan de son grand retour tant attendu.

Récemment, lors d'une entrevue accordée à la rédaction de Den of Geek, le comédien a finalement confirmé que, selon lui, le plan de Zack Snyder était bien parti pour le faire revenir dans cette posture de grand remplaçant de la chauve-souris (en compagnie de Lauren Cohan d'ailleurs - Thomas et Martha s'étant donc retrouvés pour évoquer ensemble ce lointain souvenir) au moment du film Flashpoint.

\"Zack avait prévu de faire d'autres films, et je pense qu'il y aura bien eu ce moment où le personnage de Batman Flashpoint aurait pu interagir avec les autres personnages dans une plus grande capacité. Ca faisait partie du monde que Zack Snyder avait conçu. Mais il n'a pas eu la possibilité de continuer malheureusement. C'était aussi la première fois que j'ai rencontré Lauren. Je me souviens qu'elle venait de commencer, et moi qui était un grand fan, j'avais beaucoup de questions à lui poser sur Walking Dead. On a eu cette chance d'avois été mis ensemble, je ne sais pas pourquoi ni comment.\"

Avec du recul, Zack Snyder avait finalement eu le nez creux pour les équipes de chez AMC. Et au passage, le film The Flash d'Andy Muschietti ne remportera pas son pari de la nostalgie sélective : échec conséquent au box office, pas forcément bien reçu du côté des critiques (avec quelques nuances), le projet marquera la mort canonique de l'ancien univers DC avant la reprise des travaux pas James Gunn dans le feu croisé des passations de pouvoir. Ceci étant, George Clooney avait au moins eu droit à une porte de sortie méta' pour son propre Batman manqué. On ne peut pas faire plaisir à tout le monde ?

Source

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Depuis l'arrivée du printemps, on aurait comme le sentiment d'être entré dans le dur pour les campagnes publicitaires des deux plus grosses sorties de cette année du point de vue du cinéma des super-héros. Fantastic Four : First Steps et Superman ont dégainé les premiers éléments utiles du répertoire : une grosse bande-annonce, quelques posters, des réalisateurs qui commencent doucement à répondre aux questions des journalistes. Et dans les interstices, ont également été prévus de tout petits contenus occasionnels éparpillés au compte-goutte pour occuper le terrain. C'est traditionnel dans ce genre de plans de promotion : il faut bien parler du film, mais on ne peut pas non plus dégainer une bande-annonce par semaine, et donc, il convient de morceler les éléments.

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Superman Rebirth

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En l'occurrence, l'image du jour serait une exclusivité accordée à la rédaction du site ScreenRant, une enseigne spécialisée dans le cinéma américain et la culture pop' (qui s'est développée récemment sur un axe plus interactif, d'ailleurs). Celle-ci présente Superman, l'un des robots de la Forteresse de Solitude, et Krypto, le célèbre super-chien qui occupe le devant de l'affiche depuis les premiers éléments concrets de la communication officielle autour de ce projet.

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Sans blague : le fidèle quadrupède de Krypton était déjà là avant même la sortie de la première bande-annonce, et depuis lors, celui-ci cavale aux côtés de son maître dans l'essentiel des contenus publicitaires tombés entre temps. A se demander si James Gunn ne serait pas un énorme fan du film League of Super-Pets de Jared Stern. Oh, et puis de qui on se moque ? Evidemment qu'il a adoré.

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ScreenRant is proud to debut an exclusive first-look image from James Gunn’s #Superman movie!
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David Corenswet’s Man of Steel stands tall in the Fortress of Solitude alongside Krypto the Super-Dog.
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In theaters July 11. https://t.co/T9Eb9lgo60 pic.twitter.com/zN1wPXWZ4U
— Screen Rant (@screenrant) May 9, 2025

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Au passage, le président de DC Studios n'a pas encore validé la sortie d'une nouvelle bande-annonce officielle. Les fans avaient toutefois pu découvrir une vidéo des coulisses du projet lors du Superman Day tombé le mois dernier, mais pour le moment, la campagne de promo' semble surtout ronronner tranquillement en attendant l'arrivée de nouvelles images.

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Superman est prévu pour le 9 juillet 2025 dans les salles de cinéma françaises.

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Dans la liste des productions Marvel Studios, le film Thunderbolts* passe légitimement pour le dernier kilomètre parcouru avant de sortir du tunnel de production mis en place à la suite du couple Avengers : Infinity War et Avengers : Endgame. Effectivement, dans l'idée de se décrocher lentement mais sûrement de la première génération des super-héros qui auront porté l'essentiel de la saga pendant toute la période du combat contre Loki, Ultron et Thanos, Kevin Feige avait effectivement validé plusieurs nouvelles pistes. Des équipes inédites (Eternals, The Marvels), des personnages inédits (Moon Knight, Shang-Chi) ou des héritiers directs et indirects (Sam Wilson, She-Hulk, Kate Bishop), comme une suite de nouvelles propositions balancées au spectateur dans l'espoir d'attirer son attention et de renouveler l'écurie générale.

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Retour aux Fondamentaux

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Avec le recul de ces quelques années, l'expérience passe globalement pour un échec. Avec les bourrasques des vents contraires à considérer (la pandémie, l'absence d'une ligne fédératrice, le retour des idéaux réactionnaires aux Etats-Unis), on remarque rapidement que seuls les films basés sur les plus vieilles franchises ont réellement fonctionné : Doctor Strange in the Multiverse of Madness, Black Panther : Wakanda Forever, Thor : Love & Thunder, Spider-Man : No Way Home... l'afflux de nouveaux personnages n'a pas permis de générer une seconde vague d'enthousiasme pour cet univers dans la foulée d'Avengers : Endgame. L'essentiel des franchises montées entre temps n'auront pas trouvé leur public, en dehors d'une cohorte de fans irréductibles (qui représenterait globalement l'équivalent de 400 à 500 millions de dollars pour la norme du box office sur les dernières sorties, voire moins). Et même si Thunderbolts* pourrait briser ce plafond de verre, il faudra certainement attendre Fantastic Four : First Steps et les deux prochains Avengers pour se reconnecter aux performances d'autrefois.

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Du point de vue de Bob Iger, cet échec éparpillé sur une période de cinq ans s'explique surtout par les choix stratégiques de son prédécesseur. Selon lui, lorsque Bob Chapek a pris la présidence du groupe Disney, celui-ci aurait simplement exigé un afflux constant de productions inédites pour alimenter la plateforme Disney+, sans se poser la question du contrôle qualité ou de l'incapacité des équipes de chez Marvel Studios à tenir un tel rendement. En somme, l'explication consensuelle d'un grand patron qui défend les intérêts de son conglomérat, et qui élude évidemment toute une variété de paramètres. Mais la formulation est plutôt intéressante si on choisit de se concentrer sur la dernière phrase :

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"Nous avons pêché par excès de zèle dans notre envie d'alimenter la plateforme de streaming avec toujours plus de contenu. Pour ce faire, nous avions actionné tous les leviers du côté des créatifs, chez Marvel Studios notamment, en leur demandant de produire plus de contenu que d'habitude. Mais surtout, nous avons appris au fil du temps que la quantité n'était pas nécessairement synonyme de qualité. Et très franchement, il faut bien admettre que nous avons perdu en consistance à force de multiplier les projets. En insistant sur la consolidation, et en replaçant Marvel sur la priorité du cinéma, nous pensons que la qualité sera bientôt de retour.

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Je pense que le meilleur exemple - voire même le premier exemple - reste le film Thunderbolts*."

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Sur le papier, le président du groupe Disney estime donc que Thunderbolts* serait le premier film réussi dans cette correction de tir, cette nouvelle stratégie qui consisterait donc à prioriser le cinéma au détriment de l'effort consenti pour alimenter Disney+. Et la phrase est presque comique, dans la mesure où le produit sort pourtant dans le cadre d'une année record chez Marvel Studios : avec les séries télévisées (Daredevil : Born Again, Wonder Man, Ironheart), les séries animées (Your Friendly Neighborhood Spider-Man, Eyes of Wakanda, Marvel Zombies) et les films (Captain America : Brave New World, Thunderbolts*, Fantastic Four : First Steps). Autant de productions développées simultanément, pour la plupart, en accord avec cette logique d'expansion permanente et d'occupation de terrain sur tous les fronts. En définitive, si Thunderbolts* incarne cet effet de changement, est-ce que la réponse ne serait pas à chercher... ailleurs ?

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Au hasard : dans le fait de ne pas avoir eu de production "canonique" l'an dernier dans les salles de cinéma par exemple ? D'avoir pu profiter de cette pause de respiration (pendant que Ryan Reynolds assurait l'opératoire sur Deadpool & Wolverine) pour avancer sur le gros chantier Fantastic Four : First Steps ? De repartir sur la formule d'un film qui assume enfin de servir un plan de développement global, avec Avengers : Doomsday en ligne de mire, pour mobiliser l'attention d'un grand public en mal de saga bien connectée ? Ou bien encore, d'avoir été plus économe sur le tournage additionnel, contrairement à Captain America : Brave New World, pour s'assurer d'une rentabilité plus certaine et éviter de se retrouver en face d'un film qui sent le rafistolage et les changements d'avis ? Qui peut savoir.

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En définitive, casser du sucre sur le dos des séries Disney+ reste une solution un peu facile pour justifier certaines des erreurs récentes. D'ailleurs, Kevin Feige l'a admis lui-même. Le problème de ces productions reposait surtout sur un manque global de vision. Maintenant que le groupe a rouvert un pôle consacré (Marvel Television) avec son propre président (Brad Winderbaum) et réinstauré la logique des capitaines (showrunners) pour assurer le travail, la marque serait au contraire en bonne voie pour développer de véritables séries intéressantes.

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Espérons que la présidence du groupe Disney tirera de meilleures leçons des prochains succès, dans la mesure où, lorsque les deux films Avengers seront passés, le problème du renouvellement de la marque risque de se poser pour la seconde fois. Et il ne suffira plus de dire "c'est la faute à Bob Chapek" d'ici cet intervalle. En s'inspirant de ce que Kevin Feige a l'air d'avoir bien compris avec le développement de Fantastic Four : First Steps, Marvel Studios pourrait peut-être enfin briser sa propre routine des productions de milieu de gamme... et refaire ce que l'entreprise a toujours fait jusqu'ici : déplacer le grand public vers les salles de cinéma pour des personnages qu'ils ne connaissent pas.

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Ces questions, nous avions déjà pu les aborder au cours des podcasts enregistrés pour les films nommés, mais il faut aussi savoir se remettre en question, et se demander si deux mecs (ou plus) sont forcément les personnes les mieux placées pour parler de féminisme ou du traitement des héroïnes sur grand écran, voire de l'importance que peuvent avoir certains films au delà de toute considération artistique ou marketing. \r
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Et puisque nous trouvons également que dans le milieu comics, il n'est pas toujours facile d'avoir des voix féminines à ce sujet, est venue l'idée de vous proposer un podcast composées uniquement d'intervenantes, afin d'avoir une discussion et des points de vues différents, et aborder des sujets sous un autre angle. Océane (du podcast Lemon Adaptation Club) nous a fait l'honneur d'animer cette émission, en compagnie de Phobos (des podcasts Outrider et Actionner) et Maud, pour une discussion qui, on l'espère, saura vous intéresser et éclairer avec un autre regard ces sujets d'actualité.\r
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Comme toujours, les retours seront les bienvenus, tant sur le sujet que sur l'émission, avec l'espace commentaire fait spécialement pour cela. Une fois encore également, les partages sur les réseaux sociaux, les commentaires et bonne notes sur nos plateformes d'hébergement sont autant d'outils (gratuits) pour soutenir nos émissions, celle-ci en particulier. Merci d'avance, et bonne écoute à vous !",349,"super-heroines1.jpg","https://assets.comicsblog.fr/images/news/crop_super-heroines1.jpg","https://assets.comicsblog.fr/images/news/crop2_super-heroines1.jpg","https://assets.comicsblog.fr/images/news/crop3_super-heroines1.jpg","https://assets.comicsblog.fr/images/news/crop4_super-heroines1.jpg","https://assets.comicsblog.fr/images/news/crop5_super-heroines1.jpg","Après Wonder Woman, Captain Marvel, et le récent film Birds of Prey, mais aussi avec la venue proche de Black Widow, Wonder Woman 1984 et ...","Après Wonder Woman, Captain Marvel, et le récent film Birds of Prey, mais aussi avec la venue proche de Black Widow, Wonder Woman 1984 et un casting très diversifié pour The Eternals, les ...","Après Wonder Woman, Captain Marvel, et le récent film Birds of Prey, mais aussi avec la venue proche de Black Widow, Wonder Woman 1984 et un casting très diversifié pour The Eternals, les super-héroïnes se font de plus en plus présentes sur ...","

Après Wonder Woman, Captain Marvel, et le récent film Birds of Prey, mais aussi avec la venue proche de Black Widow, Wonder Woman 1984 et un casting très diversifié pour The Eternals, les super-héroïnes se font de plus en plus présentes sur grand écran. Une jolie mise en avant qui soulève quantité de discussions et débats dans les sphères pop-culturelles, avec notamment les messages féministes que peuvent porter avec eux ces films, et la façon dont les personnages féminins y sont traités.

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Ces questions, nous avions déjà pu les aborder au cours des podcasts enregistrés pour les films nommés, mais il faut aussi savoir se remettre en question, et se demander si deux mecs (ou plus) sont forcément les personnes les mieux placées pour parler de féminisme ou du traitement des héroïnes sur grand écran, voire de l'importance que peuvent avoir certains films au delà de toute considération artistique ou marketing.

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Et puisque nous trouvons également que dans le milieu comics, il n'est pas toujours facile d'avoir des voix féminines à ce sujet, est venue l'idée de vous proposer un podcast composées uniquement d'intervenantes, afin d'avoir une discussion et des points de vues différents, et aborder des sujets sous un autre angle. Océane (du podcast Lemon Adaptation Club) nous a fait l'honneur d'animer cette émission, en compagnie de Phobos (des podcasts Outrider et Actioner) et Maud (qui joue le rôle de la spectatrice "non experte), pour une discussion qui, on l'espère, saura vous intéresser et éclairer avec un autre regard ces sujets d'actualité.

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Comme toujours, les retours seront les bienvenus, tant sur le sujet que sur l'émission, avec l'espace commentaire fait spécialement pour cela. Une fois encore également, les partages sur les réseaux sociaux, les commentaires et bonne notes sur nos plateformes d'hébergement sont autant d'outils (gratuits) pour soutenir nos émissions, celle-ci en particulier. Merci d'avance, et bonne écoute à vous !

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Dans une année de disette importante en ce qui concerne les conventions, le programme se montrait particulièrement alléchant avec quelques oeuvres très attendues - et il fallait donc en faire un bilan en podcast histoire de débriefer tout ce qu'on nous a présentés. C'est donc chose faite ! \r
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Au cours du weekend passé se tenait le DC Fandome, premier évènement intégralement en ligne et 100% consacré aux univers de DC, avec un angle définitivement axé sur les adaptations filmiques et les jeux vidéo. Quelques comics s'y cachaient malgré tout.

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Dans une année de disette importante en ce qui concerne les conventions, le programme se montrait particulièrement alléchant avec quelques oeuvres très attendues - et il fallait donc en faire un bilan en podcast histoire de débriefer tout ce qu'on nous a présentés. C'est donc chose faite !

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Comme toujours, les commentaires et retours seront les bienvenus, et on vous demandera comme toujours de partager nos émissions si notre travail vous plaît et vous importe. Bonne écoute !

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A l'occasion de la récente édition de Comic Con Paris, les équipes d'organisation ramenaient avec elles l'illustre Roy Thomas, scénariste vétéran de l'industrie, ancien éditeur en chef de Marvel, créateur de Conan en comics, et ainsi de suite.

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Il était donc impossible pour nous de passer à côté de Roy Thomas, histoire d'avoir un regard actuel sur les comics de son point de vue, de parler d'engagement dans les histoires et de l'évolution du paysage à l'heure des nombreuses adaptations Marvel sur tous les écrans. Une petite entrevue que nous sommes ravis de vous présenter, et qu'on vous invite à partager sans modération !

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Tradition oblige, la série des Honest Trailers est de retour pour une nouvelle dissection de cadavre cinématographique. En l'occurrence, les équipes de la chaîne Screen Junkies n'ont pas forcément eu besoin de chercher trop loin : au début de l'année, Marvel Studios a dégainé le film Captain America : Brave New World, un produit de plus dans la longue liste des œuvres du milieu de gamme qui constituent aujourd'hui l'essentiel des sorties de la marque. Et de ce point de vue, mettons que le pire est derrière nous. Avec Fantastic Four, Spider-Man et deux Avengers en ligne de mire, cette consigne des petits produits sans lendemain devrait théoriquement être mise en pause (pour le moment) après la sortie du film Thunderbolts*. Lequel aura d'ailleurs droit à son propre Honest Trailers d'ici quelques mois... et probablement dans la même tonalité.

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Cap ou pas Cap ?

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Force est d'admettre que Marvel Studios a grandement facilité la vie aux humoristes du web avec Captain America : Brave New World. Si le projet n'est pas spécialement insultant ou terriblement mauvais, celui-ci a toutefois été parasité par une campagne de promo' exclusivement articulée autour du combat final, une intense période de tournage additionnel coûteuse, l'élection d'un nouveau président aux Etats-Unis et la reprise du conflit israélo-palestinien, deux éléments du monde réel qui n'ont pas forcément servi le discours (ou l'absence de) politique au sein du scénario. Sans même évoquer le design du vilain.

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Pas besoin d'avoir fait l'école du rire (mais si, la fameuse) pour bricoler des blagues sur un tel charnier de circonstances atténuantes. En l'occurrence, Honest Trailer frappe là où ça fait mal : sur la fatigue, sur les limites du modèle, et sur le bon gros tas de poussière qui recouvre désormais la chronologie de Marvel Studios.

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Sans plus attendre :

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Une terrible nouvelle, une de plus. L'année 2025 n'épargnera pas le monde de la bande dessinée américaine, en témoignent déjà les trop nombreuses disparitions qui ont émaillé les cinq premiers mois de l'année, comme celles de Jules Feiffer, Art Nicholson, Jim Silke, et encore tout récemment Butch Guice. C'est désormais le nom du grand Peter David qui vient s'ajouter à cette triste liste.

Adieu au géant

C'est par ses réseaux sociaux que la femme de Peter David, Kathleen O'Shea David, a fait part du décès de son mari dans la nuit du 24 mai 2025. Le scénariste souffrait depuis plusieurs années de divers problèmes de santé, dont la prise en charge financière était même devenue particulièrement difficile. Les problèmes en question auront eu raison de la combativité de l'auteur, qui a quitté ce monde à l'âge - comme bien souvent trop jeune - de 68 ans.

Peter David a démarré sa carrière en tant qu'auteur et journaliste avant d'intégrer Marvel au cours des années 1980 et d'y travailler ses premières années au département des ventes. Passionné de bande dessinée depuis l'âge de cinq ans selon ses propres déclarations, il est remarqué lorsque l'éditeur Jim Owsley lui commande de premières histoires pour la série The Spectacular Spider-Man - dont The Death of Jean DeWolff, qui tranchait alors à l'époque par sa tonalité sombre, en comparaison des histoires habituellement plus légères concernant Spider-Man. L'auteur ne restera pas longtemps sur le titre (pour causes de conflits d'intérêt puisqu'il travaillait encore aux ventes chez Marvel), mais Bob Harras lui confiera ensuite The Incredible Hulk, série alors en perte de vitesse, qu'il va revitaliser tout au long d'un run de douze années, considéré encore aujourd'hui comme un moment parmi les plus importants pour le colosse de jade. Il sera récompensé d'un Eisner Award en 1992 pour cette série, en compagnie de Dale Keown. On lui doit aussi la création du Maestro, version terrifiante futuriste et alternative d'un Hulk qui aura succombé à la soif de pouvoir, imaginée dans le chef d'oeuvre Future Imperfect.

Parmi d'autres hauts faits d'une longue carrière faite de romans, de scénarios de séries TV, et même de jeux vidéo (Spider-Man : Edge of Time), on compte à son CV un run culte sur Aquaman, une soixantaine de numéros de Captain Marvel répartis sur deux volumes, la co-création de Spider-Man 2099, un run démentiel sur X-Factor, ou encore sa participation au crossover DC vs. Marvel. Jusqu'à ces dernières années, Marvel continuait d'employer David pour des mini-séries \"nostalgiques\", se déroulant dans la continuité passée, avec les titres Symbiote Spider-Man, Maestro ou Genis-Vell : Captain Marvel. Il laisse derrière lui une importante bibliographie qui compte bon nombre d'immanquables. Toutes nos pensées vont à sa famille, ses proches, et à tout le lectorat endeuillé par sa disparition.

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Triste nouvelle pour la médiation de la pop-culture en France. Après neuf années d'existence, l'émission Blockbusters de Frédérick Sigrist, diffusée chaque été en quotidienne sur France Inter et à intervalles ponctuels le restant de l'année en format podcast, s'arrêtera passé la saison estivale 2025. Toutefois, l'animateur compte bien faire les choses en grand pour cette ultime saison, en invitant auditeurs et auditrices passionnés à faire savoir quels sujets ils voudraient voir abordés dans l'émission.

Baroud d'honneur pour Blockbusters

Diffusée sur France Inter depuis l'été 2017, l'émission Blockbusters a eu pour but depuis ses débuts de parler de pop-culture au sens le plus large du terme, dans un format de discussion entre passionné(e)s animé par un Frédérick Sigrist touche-à-tout et on ne peut plus éclectique, capable de parler des plus grandes licences de cinéma des années 1980 (Die Hard, Rocky) à des phénomènes culturels propres à nos dernières années (la fulgurance de la K-Pop) en passant par le jeu vidéo (Final Fantasy, Dark Souls) à la musique (ABBA, Jean-Jacques Goldman) et la littérature (Stephen King) et la télévision (Game of Thrones). Bien entendu, la bande dessinée (Astérix, le manga (Akira, Naoki Urasawa) et les comics ont fait partie des festivités de l'émission au cours des neuf dernières années. Un premier numéro sur Spider-Man était sorti à l'été 2017, et c'est d'ailleurs depuis 2018 avec son émission sur la Trinité de DC Comics que nous avions pu faire partie des intervevants réguliers des Blockbusters dédiés à la bande dessinée américaine. Alan Moore et ses Watchmen, Wonder Woman, Walking Dead, Invincible, les X-Men, Black Panther, She-Hulk ou encore Daredevil : ils ont été nombreux à être décortiqués sur la \"première radio de France\".

C'est donc avec une grande tristesse que nous avons découvert via les réseaux sociaux de l'animateur Frédérick Sigrist (qui était venu nous parler de son travail sur Blockbusters) que Blockbusters prendra fin cet été. Voici ce que l'animateur a écrit :

\"L'été 2025 sera donc l'ultime saison de Blockbusters sur France Inter après neuf années d'existence. J'ai toujours vu cette émission comme un moyen de faire partager ses goûts éclectiques au plus grand nombre. Installer l'idée que d'autres formes de culture existent et que sans forcément y adhérer, on peut néanmoins les accepter. Je suis extrêmement fier d'avoir pu faire ça durant 10 ans dans un média généraliste et sur le service public. C'est pourquoi, pour cette ultime saison, je tiens à partager avec des passionné(e)s la programmation de ce baroud d'honneur. Ça a toujours été une émission du kiff et de la joie de lire, jouer, regarder. Donc si vous abez un sujet que vous voulez voir traité et qui nous aurait échappé en une décennie; dites-le moi ici même ! Afin que cette dernière saison soit une fête des voisins sympas, sans le rosé tièdre et le taboulé trop sec ! J'attends vos retours et je vous le redis, ça aura été un plaisir de partager ma et vos passions avec le plus grand nombre aussi longtemps !\"

Dans la foulée, un formulaire a été mis en ligne afin de participer à la sélection des derniers sujets de Blockbusters, et il est à retrouver par ici ! Pour ne pas avoir de doublons, allez aussi jeter un oeil à l'ensemble des sujets déjà traités (pendant que nous allons batailler pour un spécial Ambush Bug de notre côté). La dernière saison sera diffusée sur France Inter au cours des mois de juillet et août 2025, tandis que l'on est déjà sûr qu'on retrouvera Frédérick Sigrist parler de pop-culture sur d'autres plateaux prochainement (hé, Nova, vous avez un nouveau coup à jouer).

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Nouvelles annonces de créations originales chez BOOM! Studios. Entre deux comics pensés pour exploiter la marque Power Rangers, l'éditeur reste en bonne position dans la liste des enseignes capables d'alimenter un flux régulier de nouvelles propositions, comme en témoignent les sorties du moment : Bronze Faces, The Last Boy, When I Lay My Vengeance Upon Thee, etc. Dans la même veine, BOOM! accueillera prochainement les deux scénaristes de la série Kill Your Darlings. Un transfert depuis les éditions Image Comics pour un projet en forme d'exploration de la mémoire, du traumatisme et de l'amour perdu. La série en question s'appelle Blink and You'll Miss It et a été annoncée récemment pour cet été.

Remember Me

Pour celles et ceux qui seraient passés à côté, Kill Your Darlings se basait sur le principe de l'imagination projetée. Ou plus simplement, sur une héroïne qui s'était bâtie tout un petit monde imaginaire dans sa tête depuis l'enfance, et qui, une fois devenue adulte, réalisait que ce monde était bien réel, tangible et dangereux. Et c'est justement en reprenant ce motif de la réalité que l'on se façonne dans son propre cerveau que les deux scénaristes, Ethan S. Parker et Griffin Sheridan, ont développé l'idée du comics Blink and You'll Miss It. A une différence près : cette fois, ce n'est pas l'imagination qui sert de motif principal, mais bien la mémoire.

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Pour résumer :

\"Il y a bien longtemps, Melody Nelson et Jesse Harmon sont tombés amoureux dans la petite ville de Perennial Harbor. Et ensuite ? Jesse a quitté cet endroit. Le petit patelin était alors devenu un véritable cauchemar à ciel ouvert. De longues années plus tard, toutefois, Jesse aura fini par perdre le sommeil en repensant à celle qu'elle a abandonnée sur place, toujours prisonnière de cet endroit maudit. Et le fait de revenir sur place pour la sauver ne servira plus à rien : la fabrique de la réalité toute entière s'effondre lentement autour de Melody, en la ramenant chaque jour un peu plus loin dans le passé. Ce voyage serait peut-être de nature à révéler la terrible malédiction qui l'entoure depuis toute petite... mais il s'agit vraisemblabment d'un simple éloge funèbre avant que celle-ci ne disparaisse pour de bon.\"

Synopsis vaporeux ? Synopsis vaporeux. Ceci étant, en étudiant les visuels, il est tout de même possible de former une ébauche d'interprétation : manifestement, la série devrait se baser dans un contexte futuriste, et que la fameuse ville maudite dans laquelle les deux femmes ont grandi est visiblement occupée par une énorme cathédrale noire, comme le château de Dracula des jeux Castlevania. Ou autre référence plus cultivée. Dites nous dans les commentaires. Dans le même temps, les designs évoquent des monstres cosmiques (avec des créatures visiblement formées sur la base de trous noirs), pour un récit qui s'annonce donc largement surréaliste et pas seulement basé dans le contexte quotidien d'un drame romantique. Peut-être quelque chose de plus proche des jeux Silent Hill ?

En tout les cas, un projet qui s'annonce plutôt allégorique, et qui sera cette fois mis en images par l'artiste Keith Browning sur une mise en couleurs de Brad Simpson. De leur côté, les variantes seront assurées par le grand Christian Ward, par Rebeca Puebla, mais aussi par notre talentueuse Elsa Charretier nationale. Et bah oui. Et bah voilà.

Blink and You'll Miss It #1 est attendu pour le 6 août 2025 chez BOOM! Studios.

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A l'occasion du salon MCM London Comic Con, les équipes responsables de l'enseigne Mechanical Cakes (une sorte d'enclave de développement basée sur l'idée trilogie de romans graphiques en partenariat avec la société de production Scott Free) ont eu l'occasion d'évoquer quelques premiers détails sur l'avancée de ce chantier. Les trois albums en question avaient été évoqués rapidement en octobre dernier, sans plus d'informations sur le mode de publication ou l'esthétique convoquée. En l'occurrence, l'éditeur à l'origine de cette initiative, Dave Elliott, en a donc profité pour revenir sur quelques points importants. Et notamment, le fait que Ridley Scott ne sera pas directement le scénariste de cette gamme de romans graphiques. Le réalisateur occupera plutôt un rôle de simple consultant artistique.

Il est libre Scott

Pour rappel, la liste des titres prévus comprend Modville (Hendry Prasetya et Eko Puteh), un récit de science-fiction sur le thème de l'intelligence artificielle, Hyde (Gary Erskine, Chris Weston), un comics d'horreur qui reprend les personnages du Docteur Jekyll et de son double maléfique Mr Hyde, et enfin Nick (Gary Gastoni, Mark Nelson), une relecture du mythe du Père Noël basée dans la mythologie scandinave, entre les vikings et les traditions rituelles du solstice d'hiver chez les peuplades nordiques. En l'occurrence, les scénaristes pour ces deux derniers projets n'ont pas encore été évoqués, mais les annonces ne devraient pas tarder à tomber de ce point de vue. Elliott promet que la communication officielle devrait s'accélérer d'ici le mois prochain.

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Pour ce qui concerne Modville, le roman graphique serait d'ores et déjà terminé et prêt à l'emploi. Celui-ci a été annoncé pour une sortie alignée sur les dates du salon San Diego Comic Con (24 juillet 2025), dans un format de 120 pages avec une couverture de l'artiste Bill Sienkiewicz. Et en ce qui concerne le résumé officiel : \"Modville est un drame policier de science-fiction gothique basé dans le Sud des Etats-Unis. L'intrigue implique des humains basés sur l'intelligence artificielle (« mods ») dans une version futuriste de la Nouvelle Orléans.\" De leur côté, Hyde et Nick seront commercialisés plus tard. A chaque fois, il s'agira de romans graphiques de 120 pages sur des tirages extrêmement limitées : seulement 500 à 1000 exemplaires pour les premières impressions. Radical Comicsstan compte privilégier la commercialisation sur les points de vente des stands de conventions (même si l'achat en ligne sera bien sûr possible pour le public généraliste). Ce qui signifie que Hyde sera prêt pour la New York Comic Con et Hyde pour la L.A. Comic Con.

Dans le même temps, Mechanical Cakes devrait également accueillir une première campagne de financement participatif pour soutenir l'effort de guerre et faire la démonstration de ses équipes créatives (au sens large). A savoir : d'ici cet automne, l'enseigne présentera sur Kickstarter le numéro spécial Double Feature Mechanical Cake (avec une couverture de Chris Weston), une sorte de note d'intention pour l'avenir de cette ligne et l'occasion de présenter certains des titres actuellement prévus à l'agenda. On remarque déjà que les personnages de Modville, Hyde et de Nick sont utilisés pour servir de façade, mais dans le même temps, Dave Elliott semble vouloir indiquer que cette publication comprendra quelques surprises. Probablement du côté des créateurs conviés.

A date de rédaction, il est encore difficile d'évaluer avec précision l'impact du partenariat entre Mechanical Cakes et la société Scott Free sur le plan purement créatif. Techniquement, les comics en question sont bien floqués du logo officiel du studio de Ridley Scott, et il reste encore deux scénaristes à annoncer pour les trois premiers romans graphiques, mais l'éditeur ne mentionne pas le moindre plan d'adaptation dans l'immédiat. Pas plus que l'envie d'adapter certaines des productions originales de Scott Free au format comics. Il s'agit peut-être bêtement d'un effort de mécénat... à confirmer d'ici les mois prochains.

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