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En ce début d'année, le scénariste Tom King était de passage en France. Auteur prolifique tant du côté de DC Comics que de ses nombreuses créations indépendantes, dont une bonne partie est généralement traduite en VF, le scénariste nous a accordé une bonne heure afin que nous puissions discuter de certains récents projets. Ne disposant que d'un temps réduit, et en ayant déjà eu l'occasion de discuter pas moins de trois fois avec King ces dernières années, nous avons choisi de nous concentrer sur deux oeuvres fortes, avec d'une part son Helen de Wyndhorn, publié l'an passé aux éditions Glénat, ainsi que sa série en cours Wonder Woman, en cours de publication chez Urban Comics. Deux héroïnes qui en disent beaucoup sur la façon d'écrire de son auteur et sa perception du monde.

Nous espérons que cette longue discussion vous plaira et vous invitons à la partager si c'est le cas afin de faire découvrir notre travail ainsi que celui de notre invité. Vous pouvez également retrouver cette interview à l'audio et en anglais via le podcast First Print.

Remerciements spéciaux à Laetitia Matusik de Glénat et à Clément Boitrelle pour la retranscription et traduction de l'interview.

\n\n

AK : Bonjour Tom, c’est\n vraiment un plaisir de vous avoir au micro de notre podcast. Nous avons déjà\n échangé auparavant mais c’est la première fois que nous nous rencontrons en\n chair et en os, c’est donc un très grand honneur !

TK : Avec grand\n plaisir ! Merci pour votre soutien durant toutes ces années et merci à vos\n auditeurs.rices / lecteurs.rices français.es qui écouteront / liront cet\n entretien ! Je crois avoir compris la moitié de votre introduction\n française [dans la version audio, ndlr], j’ai suivi neuf ans de cours de français et\n je connais sept mots dans votre langue, je crois d’ailleurs les avoir reconnus !\n J’ai compris que je travaillais « beaucoup, beaucoup, beaucoup » ce\n qui résume plutôt bien ma vie !

AK : Nous pouvons\n d’ailleurs aborder cet aspect si vous le voulez. Vous écrivez énormément de\n comics…

TK : Moins ces derniers\n temps que ce que je pouvais produire avant mais oui, c’est vrai.

AK : Vous êtes aussi\n occupé à gérer différents projets multimédias.

TK : Exact.

AK : Concernant votre\n travail d’auteur, a quoi ressemble une journée typique dans la vie de Tom\n King ?

TK : Hé bien, les gens\n peuvent avoir différentes addictions, il se trouve que la mienne c’est\n l’écriture ! J’adore ça ! Je ne suis pas content quand je n’écris\n pas… Non attendez il y a trop de négatif dans cette phrase : j’ai tout le\n temps envie d’écrire, c’est ce qui me rend heureux ! Inversement, je suis\n contrarié quand je ne travaille pas. Je suis très rigoureux en ce qui concerne\n mon organisation : je fais beaucoup d’erreurs mais je suis très strict en\n ce qui concerne les deadlines, il est très important pour moi de les respecter.\n Dans les comics, si vous ne respectez pas les deadlines, on risque de ne plus\n faire appel à vous. Il faut donc garder le rythme.

Généralement, j’arrive à\n écrire un script par semaine, que ce soit pour la télévision, un jeu vidéo ou\n que sais-je. J’essaie toujours de commencer un projet le lundi pour le terminer\n le vendredi. Comme le lundi il n’est pas rare de subir le syndrome de la page\n blanche, car se lancer c’est la partie la plus difficile, j’essaie toujours\n d’écrire quelques idées. Du moment que je peux griffonner quelques pistes…\n Puis, du mardi au jeudi j’écris le reste du script. Je dois toujours avoir\n terminé le jeudi soir comme ça je peux corriger et peaufiner le vendredi. Et\n j’envoie tout ça le vendredi soir. Grosso modo, il me faut quatre jours pour\n écrire un comics, comme ça je peux avoir un jour de libre dans la semaine au\n cas où les enfants sont malades, si je dois m’occuper du chien ou plus\n généralement si je dois m’occuper de ma famille. Cela me laisse un peu de flexibilité.\n Voilà comment je m’organise.

AK : Quand vous dites\n qu’il vous fait quatre jours pour écrire un comics, vous parlez bien d’un\n numéro en single issue ?

TK : Tout à fait oui. Si\n l’on prend l’exemple de Supergirl : Woman of Tomorrow -qui va\n d’ailleurs sortir en film cette année- il m’a fallu huit semaines car l’album\n fait huit numéros.

AK : Jonglez-vous d’un\n projet à l’autre quand vous travaillez ou bien vous vous concentrez sur un seul\n projet à la fois ?

TK : Il a fallu être sur\n plusieurs fronts à la fois au début de ma carrière, surtout quand je\n travaillais sur Batman. Il fallait donner du boulot à tous les artistes,\n car plusieurs dessinateurs travaillaient sur plusieurs arcs en même temps. J’ai\n dû par exemple écrire le numéro 15, puis le 25, ensuite le huitième etc.\n J’étais véritablement sur tous les fronts, c’était fou ! Puis arriva la pandémie de\n COVID durant laquelle j’ai été très productif, je me suis entièrement consacré\n à l’écriture. J’ai réussi à terminer mes projets en avance ce qui m’a permis de\n travailler sur des projets d’une traite. J’ai par exemple écrit Human Target\n d’un seul coup, de même pour Supergirl, Helen de Wyndhorn ou Danger\n Street. Tout ça a quelque peu changé ces derniers temps à cause de mes\n différents projets pour la télévision ou le cinéma ! [rires] Maintenant je\n me concentre avant tout sur la deadline la plus proche et je m’y consacre\n entièrement. Pour autant j’ai réussi dernièrement à consacrer une bonne partie\n de mon temps à écrire la série animée Mister Miracle.

AK : Si je comprends\n bien, vous n’arrêtez jamais ?

TK : Jamais. Je culpabilise\n un peu d’ailleurs, je suis à Paris depuis une semaine et je me sens coupable\n car je ne travaille pas sur Mister Miracle… J’ai des remords quand je ne\n suis pas en train de produire quelque chose de neuf, je culpabilise.

AK : Ne vous sentez pas\n coupable.

TK : J’étais justement en\n train de râler dans le taxi en venant, j’ai tellement de scripts à\n écrire ! Notre passage sur Terre est si court que vous devez laisser une\n marque, continuer à produire.

AK : C’est plutôt moi qui\n devrait me sentir coupable car je vous empêche actuellement de\n travailler ! Si votre nouveau comics ne sort pas, ce sera sans doute de ma\n faute !

TK : [rires] J’aimerais tant\n me balader dans Paris, écouter de la belle musique et trouver de l’inspiration\n pour le prochain projet…

AK : Vous avez prononcé\n LE mot : l’inspiration. Si vous passez la majeure partie de votre temps à\n écrire, comment faites-vous pour trouver l’inspiration ? J’imagine que\n vous avez parfois besoin de prendre le temps de respirer, de vous reposer pour\n trouver de nouvelles idées.

TK : C’est effectivement\n quelque chose que vous devez faire quand vous êtes créatif : il faut\n trouver de nouvelles obsessions, de nouveaux thèmes, de nouvelles manières pour\n entretenir cette flamme qui vous encourage à vous dépasser et à sortir de votre\n zone de confort. Vous savez, pas mal d’auteurs rêvent de faire ce métier depuis\n leur plus jeune âge. Ils étudient donc à la fac, obtiennent leur licence et\n écrivent leur premier bouquin. Je trouvais à l’époque que c’était une perte de\n temps. J’ai travaillé dix ans à la CIA et aujourd’hui je me sers encore de ces\n années pour trouver de l’inspiration. Il se trouve qu’après mon passage dans\n l’agence, je suis également devenu papa au foyer et c’est une expérience dont\n je me sers encore aujourd’hui dans mon travail.

Je suis constamment à la\n recherche de nouvelles sources d’inspiration, notamment dans l’art. Comment\n rendre cet élément plus magique, comment l’améliorer ? Qu’est-ce qui\n aiguise mon intérêt, pourquoi et qui est-ce qui s’y intéresse ?\n Typiquement, je vais être inspiré par ce qui n’intéresse pas vraiment le commun\n des mortels. « Je ne sais pas pourquoi mais je n’ai qu’une seule\n envie : lire les vieux comics Conan le Barbare ». Vous ne vous\n l’expliquez pas vraiment, vous vous perdez dans ces lectures. Et quelques mois\n après vous produisez Helen de Wydhorn. C’est souvent quand vous essayez\n de vous perdre dans un univers que l’inspiration vous revient. Ma femme me\n chambrerais à ce sujet, mais dans tout ce que je fais, j’essaie de trouver de\n nouvelles idées. Si je suis par exemple tranquillement en train de regarder une\n nouvelle série télé, je reste à l’affut au cas où elle m’inspirerait un nouveau\n concept. Si je voyage dans un nouvel endroit, j’essaie de repérer tout ce qui\n pourrait m’apporter de nouvelles idées. Je citerai Jason Aaron qui a\n déclaré quelque chose d’on ne peut plus vrai : quand vous êtes un auteur\n de comics freelance, la dernière chose que vous faites avant d’aller vous\n coucher, c’est de réfléchir à une nouvelle idée. Idem quand vous vous levez le\n matin, quand vous êtes aux toilettes : votre cerveau ne s’arrête jamais.

AK : Est-ce que c’est\n difficile de vivre ainsi ?

TK : Oh Grand Dieu\n non ! Il y a des gens dont le métier c’est d’être comptable, baristas, enseignant\n face à d’horribles gamins… Mon boulot c’est juste d’inventer des histoires, ce\n n’est pas si terrible !

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AK : Vous avez mentionné\n Conan le Barbare et Helen de Wydhorn. Que pouvez-vous nous dire des origines de\n ce projet ? J’imagine qu’il est lié aux travaux de Robert E. Howard.

TK : Ce fut d’abord la\n convergence de plusieurs choses. Avant toute chose, Bilquis Evely et\n moi-même avions terminé notre travail sur Supergirl. Je suis désolé si\n je l’ai déjà évoqué auparavant mais je pourrais en parler tout le temps !\n Bilquis est une des artistes les plus douées que Dieu ait mis sur Terre ! Nous\n terminions donc notre travail et je lui ai transmis une note lui disant que je\n serais prêt à travailler de nouveau avec elle sur n’importe quel projet :\n un superhéros chez DC, un album indépendant, ou même aller à la concurrence,\n chez Marvel, cela n’aurait pas été un problème. J’étais prêt à lui écrire\n n’importe quoi. Elle m’a alors répondu qu’elle voulait travailler sur un projet\n indépendant avec Matheus Lopes qui s’est chargé des magnifiques couleurs\n de l’album. Bilquis m’a alors envoyé un genre de mood-board pour me\n montrer les idées qu’elle avait en tête et qu’elle souhaitait dessiner.

Comme\n je vous l’expliquais plus tôt, vous vous retrouvez parfois plongé dans des\n obsessions : à l’époque je lisais énormément de vieux comics Conan comme\n ceux de Roy Thomas, Barry Windsor-Smith ou Joe Buscema.\n J’adorais ça. Assez étonnamment je lisais au même moment Les Hauts de\n Hurlevent, qui vient de sortir au cinéma à l’heure où je vous parle. Je me\n suis alors demandé pourquoi la Romance Gothique, qui fut si populaire à une\n époque, était tombé en désuétude ? Regardez à quel point la romance\n fantastique est à la mode aujourd’hui ! Les œuvres gothiques exploraient\n très souvent les mêmes thématiques : une femme explore une demeure étrange\n et découvre par la suite qu’il y a tout un mystère autour. Tout ça nous mène\n très souvent à une relation romantique. Evidement les sœurs Brontë furent à\n l’origine de ce genre et j’ai voulu retourner aux origines. J’étais donc plongé\n à l’époque à la fois dans la romance gothique des sœurs Brontë d’une part, mais\n également dans les comics Conan d’autre part. Bilquis m’a alors envoyé son\n board qui était plein d’illustrations d’Alex Raymond représentant des\n acteurs et actrices célèbres des années quarante… Il y avait donc cette\n ambiance rétro mêlée à une sorte de fantasy. Tous les éléments se mariaient\n plutôt bien, imaginez : Robert E. Howard + Alex Raymond + Brontë. Tout ça\n mélangé a donné Helen de Wyndhorn.

AK : C’est donc Bilquis\n qui a avant tout suggéré l’atmosphère générale de l’album ainsi que la\n direction artistique.

TK : A 100%.

AK : Est-ce quelque chose\n qui vous arrive souvent ? Je veux dire vous appliquer à respecter au\n maximum la vision d’un.e collaborateur.rice ?

TK : Absolument. Comme je\n vous le disais, l’album fait six numéros. J’ai donc dû travailler dessus\n pendant six semaines. Il aura fallu à Bilquis trois ans et demi pour tout dessiner.\n C’est donc sa vision qui doit primer ! Cela aurait été horrible de ma part\n d’imposer mes propres envies ! Elle y a passé beaucoup plus de temps que\n moi, je veux avant tout qu’elle dessine ce qui la rend heureuse ! Si elle\n est contente de travailler, elle fera de son mieux. Plus généralement, c’est\n une très bonne amie qui m’a toujours soutenu, je veux qu’elle s’éclate !\n Son opinion est plus importante que le mien. En tant qu’auteur, je ne veux pas\n qu’on me laisse de grand boulevard ou de grand espace pour travailler : je\n préfère qu’on me mette dans une case, que l’on me dise précisément ce que je\n dois faire. C’est tellement plus facile pour trouver une idée ou savoir dans\n quelle direction aller. Si un collaborateur me dit : j’aime ça, ça et ça,\n fais ça, vous avez les murs qui vont structurer le récit. Une fois les murs\n placés, il est ainsi plus facile de construire votre maison. Je demande\n toujours aux artistes ce qu’ils souhaitent dessiner, quel genre les stimule,\n comment travaillent-ils. À chaque fois.

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AK : Comment\n définissez-vous la longueur des projets sur lesquels vous allez travailler ?\n Prenez-vous en compte le temps que prendra l’artiste pour dessiner l’album dans\n son entièreté ou bien est-ce une question plus pragmatique ? Si\n l’histoire tient correctement en six numéros par exemple.

TK : C’est une question\n difficile… Nous avons entamé le travail sur Helen de Wyndhorn sans\n maison d’édition. J’aurais très bien pu proposer le projet à n’importe qui,\n mais ce n’est pas le choix que nous avons fait. Nous avons d’abord réalisé quelques\n numéros car une fois les dessins de Bilquis sur le papier, le projet aurait été\n très simple à vendre. En revanche, je ne voulais pas d’un projet trop long, je\n ne voulais pas que cela lui prenne trop de temps et c’est donc pour ça que\n l’album fait six numéros. Dans mes œuvres, les six premiers numéros\n correspondent toujours à une première partie, c’est pour cela que je réalise\n des histoires en douze numéros. Notre projet précédent, Supergirl,\n faisait huit numéros et je me suis dit qu’une histoire un peu plus courte\n serait une bonne idée et c’est pour cela que notre choix s’est porté sur six\n numéros de vingt-quatre pages chacun. Et je voulais lui pitcher un projet sur\n lequel elle ne serait pas engluée pendant trop de temps.

AK : Contrairement à vos\n autres travaux, cet album semble moins mettre l’accent sur un quelconque\n message social ou politique. C’est un titre qui semble plus se tourner vers\n l’évasion. A ce sujet, pensez-vous qu’à l’heure actuelle, nous pouvons encore nous\n évader via des œuvres ?

TK : Oh mon Dieu,\n j’espère ! Ça vous plait vraiment de vivre dans cette époque ? Pas\n moi en tout cas, je veux me perdre dans d’autres univers. Il suffit d’allumer\n les infos, c’est terrible.

AK : Je suis d’accord\n avec vous mais j’ai déjà eu des discussions avec d’autres auteurs qui estiment\n qu’il est illusoire de chercher l’évasion totale dans une œuvre, c’est une\n sorte de mirage, de rêve.

TK : Je trouve ça\n complètement absurde. Je veux dire, Samuel Beckett lui-même regardait\n énormément de matchs de football ! Si un type comme lui, très dépressif\n tout comme ses œuvres, pouvait s’abandonner en encourageant son équipe préférée,\n je crois alors qu’on peut tous aussi trouver un peu de répit dans nos vies. Je\n ne considère cependant pas Helen de Wyndhorn comme un récit qui met en\n avant l’évasion à 100%... Si vous êtes constamment à l’affut de ce qui se passe\n autour de vous, vous risquez très vite de vous fatiguer et ainsi ne plus avoir\n suffisamment d’énergie pour défendre votre propre vision du monde. Quand les\n infos vous bombardent 24h/24, c’est tout bonnement impossible. On a besoin de\n recharger nos batteries, de s’isoler. C’est quelque chose que j’arrive à faire.\n Je veux dire, vous avez le droit de scroller sur TikTok je m’en fiche,\n seulement vous n’êtes pas obligé d’y être tout le temps. Si vous ne trouvez pas\n d’espace dans lequel vous pourrez souffler et vous détendre, alors vous risquez\n vite de devenir inutile. C’est pour ça qu’il faut trouver des moyens de\n s’évader et selon moi certaines formes artistiques sont faites pour ça et les\n personnes qui les fournissent réalisent un travail très noble.

AK : Un des thèmes\n d’Helen de Wyndhorn est la transmission, l’héritage. Vous préoccupez-vous de ce\n que vous laisserez à vos enfants ou bien même à d’autres auteurs pour ce\n qui est de l’inspiration ? Ce n’est pas la première fois que cette thématique\n est présente dans vos travaux.

TK : Bien sûr. Ce qu’on\n laisse derrière nous est une des façons d’échapper à la mort, non ? C’est\n un des moyens que l’on a de laisser une empreinte de notre passage sur cette\n Terre, plutôt que d’envisager le vide qui nous attend tous. Cela nous\n réconforte également. La transmission est une sorte d’évasion pour être\n honnête. Je me raccroche très souvent à cette idée ; je me dis que si je\n pouvais laisser une trace de mon passage, rendre mes enfants heureux alors je\n me dirais que ma vie valait le coup !

AK : Je viens de plomber\n l’ambiance non ?

TK : [rires] Pas du\n tout ! C’est génial de pouvoir parler de sujets profonds dans un podcast\n français ! En vérité j’y pense souvent… Je ne pense pas qu’Hemingway se\n soucie de ce qu’il a transmis, il est mort ! Mais pour moi c’est très\n important de savoir ce que les gens vont penser de moi après ma mort, après ce\n sera trop tard… Enfin je ne sais pas, je n’ai pas la réponse à cette question…\n Personne ne l’a je crois et c’est tant mieux car cela veut dire qu’on peut\n encore écrire des histoires à ce sujet !

AK : Vous souciez-vous\n plus de ce qu’on peut dire de vos travaux que sur vous-même ?

TK : Je ne devrais pas… Votre\n travail peut vous donner du sens, mais ce n’est pas le seul moyen. Il y a votre\n famille, votre vie de tous les jours, votre chien… Disons que c’est un moyen\n parmi tant d’autres.

AK : Je pourrais vous\n répondre qu’à partir du moment où vous injectez vos obsessions dans vos\n travaux, chaque album est en quelque sorte une partie de vous-même ? Vous\n ne croyez pas ?

TK : D’un point de vue\n philosophique oui, mais concrètement je ne pense pas… Je veux dire je vais bien\n disparaître le jour où mon cœur arrêtera de battre… [rires] Je ne considère pas\n Helen de Wyndhorn comme ça ! C’est un truc très poétique et\n incroyable à déclarer. Regardez, vous pouvez lire Aristote et être encore\n inspiré par ce qu’il racontait il y a 2500 ans, il n’empêche qu’il est bien\n mort aujourd’hui ! C’est l’éternel débat… C’est un sujet qui peut très\n vite m’obséder, mais un peu comme tout le monde : il faut que je laisse\n une trace de mon passage. Mais d’un autre côté je suis bien conscient à quel\n point ce questionnement peut être absurde. Je me contredis, « je suis multitude\n » comme le dit si bien Walt Whitman.\n

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AK : Un autre élément\n intéressant dans vos séries est votre propension à donner des\n « gimmicks » à vos personnages, que ce soit quelque chose qu’ils vont\n répéter ou faire constamment. Dans l’album, Helen est obnubilée par les\n cigarettes, est-ce que cela a à voir avec votre propre relation à la\n cigarette ?

TK : [rires] C’est une très\n bonne question ! Je ne fume pas et n’ai jamais fumé. Mes parents étaient\n fumeurs en revanche. D’ailleurs, quand je repense au premier comics que j’ai eu\n dans les mains et qui m’a lancé dans cette carrière, il y a un rapport avec la\n cigarette. Comme beaucoup de petits américains de ma génération, je savais que\n quand ma mère allait s’acheter un paquet de cigarettes au kiosque, elle en\n profitait pour me prendre un comics. Mais selon moi, le fait qu’Helen fume\n symbolise deux choses. C’est une histoire qui se déroule dans les années 30 et\n fumer était bien plus acceptable à l’époque. Cela vous donne le cadre\n historique. Mais dans un deuxième temps, au début de l’histoire, Helen\n s’imagine être déjà une adulte. C’est en tout cas ce que son père l’a laissée penser\n d’elle : il ne s’est jamais vraiment occupé d’elle étant enfant, elle a dû\n grandir trop vite. C’est surtout ce que la cigarette dans l’album représente\n pour moi. Je suis un grand fan des classiques du cinéma et dans ces\n longs-métrages, la cigarette symbolise souvent la transition entre l’innocence et\n le monde des adultes. Helen s’imagine être une personne très expérimentée alors\n que dans les faits elle ne connait que très peu de choses du monde qui\n l’entoure. Elle est incapable de reconnaître que son père l’a mise de côté. Voilà\n ce que représente la cigarette : elle veut être une adulte mais ne l’est\n pas encore complètement.

AK : Vous expliquiez\n précédemment que c’est Bilquis qui a avant tout établi l’atmosphère et la\n direction artistique de l’album. Quand bien même ce n’est pas une série\n d’action ou d’aventure, il y a énormément de scènes de fantaisie à base de\n magie, qui sont incroyables soit dit en passant.

TK : Elles sont magnifiques.

AK : Avez-vous décidé\n avec Bilquis à quoi devaient ressembler ces scènes ou bien vous l’avez laissée\n dessiner quelque chose d’épique comme une créature marine gigantesque ?

TK : C’est à elle que\n revient tout le mérite. Je n’ai jamais rencontré en chair et en os Bilquis avant\n la fin de cet album. Nous ne nous sommes jamais parlé au téléphone, ni en\n visio.

AK : Jamais ?

TK : Elle m’a envoyé ses\n concepts, je lui ai dit que j’avais une idée, je lui ai envoyé un paragraphe\n avec mes pistes qu’elle a adoré. Puis je lui ai envoyé le script pour les six\n numéros d’un coup. Elle m’a ensuite renvoyé ses planches, elle ne m’a jamais\n rien demandé ni posé de questions. Mes descriptions de cases sont notoirement\n connues pour être très minimalistes ! J’avais juste à écrire « elle\n combat un monstre marin » et Bilquis dessinait la plus belle créature\n marine que j’avais jamais vu ! Mais beaucoup du world-building que vous\n voyez dans l’album provient uniquement d’elle, c’est pour ça que tout le mérite\n lui revient. L’inspiration vient évidemment d’un monde à la Conan mais elle a\n réussi à en faire un monde à la fois réaliste et magique, c’est absolument\n magnifique. C’est au-delà de ce que vous pourriez imaginer pour un monde qui\n s’inspire de Conan. Je fourni donc peu de description, mais il y en a quand\n même.

AK : Est-ce que cela vous\n arrive souvent d’avoir une collaboration aussi efficace avec un.e\n artiste ? De ce que vous nous racontez, cela a dû être facile : vous\n envoyez le script, vous recevez les dessins, c’est tout !

TK : Je culpabilise un peu de\n dire à quel point ce fut facile, je devrais plus me plaindre ! La plupart\n des auteurs de comics viennent de milieux artistiques. Prenez Alan Moore, Grant\n Morrison, Scott Snyder, Steve Englehart… La plupart ont\n commencé leur carrière en tant que dessinateur et ont ensuite préféré devenir\n auteur. De même pour Brian Bendis. Ce ne fut pas mon cas. Je suis\n incapable de dessiner !

AK : Allons, vous êtes\n doué ! On a tous vu vos signatures avec votre Batman qui s’excuse !

TK : Et dans cette situation\n c’est le maximum que je puisse faire ! Je suis même incapable de tracer\n une ligne droite ! Aussi, je ne dirai jamais à un.e artiste si son dessin\n est bon ou pas. J’ai une confiance totale dans mes collaborateurs.rices. Une\n fois que j’ai terminé le script, je leur laisse les mains libres pour en faire\n quelque chose de beau. La seule chose que je vérifie, c’est s’ils ne dessinent\n pas quelque chose qui pourrait leur causer du tort. Mais quand vous travaillez\n avec les artistes que j’ai rencontrés, Mitch Gerads, Greg Smallwood\n ou Gabriel Walta il faut juste les laisser faire. Je ne travaille pas\n avec eux car ils savent ce que je veux et veulent le faire, mais plus car je\n veux voir ce qu’ils veulent faire. En tout cas je ne dessinerais jamais une\n série, je préfèrerais les embaucher eux.

AK : Je confirme je ne\n vous engagerais pas non plus… Ne le prenez pas mal.

TK : Hey ! J’ai dessiné\n une page dans Mister Miracle qui a gagné un Eisner, donc quelque part je\n suis un dessinateur récompensé !

AK : Effectivement !\n

TK : Et je l’ai gagné avant\n Bilquis, je pourrai la chambrer !

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AK : Etes-vous davantage\n intéressé par les personnages féminins ? Vous avez écrit Helen de Wyndhorn,\n vous êtes actuellement au travail sur une série Wonder Woman qui atteint les\n trente numéros. Préférez-vous écrire des personnages féminins ?

TK : Je m’en suis aperçu\n aussi mais je vous assure qu’il s’agit d’une coïncidence. J’ai travaillé sur Black\n Canary, Wonder Woman et Trinity. Il y a un protagoniste\n féminin dans Love Everlasting. Je ne saurais pas vous répondre... Je me\n suis dit il y a peu que je voulais que mon prochain personnage soit un\n garçon ! J’en ai un peu marre… J’ai adoré travailler sur Supergirl\n et j’avais l’intuition que la série serait un carton, ce qui ne fut pas le cas.\n Mais au fond de moi, j’étais persuadé d’être dans le vrai. Je voulais d’une\n série qui puisse être lu si vous avez également aimé Supergirl, j’ai\n toujours vu ces deux albums comme complémentaire. Aussi, j’y ai intégré de\n nombreux points communs : il y a un protagoniste féminin, il y a un point\n de vue extérieur, de nombreux monologues internes… Vous savez, j’adore ce\n sentiment quand vous terminez votre travail sur un album et vous êtes très\n heureux du résultat final, vous vous demandez ce que vous pourriez rajouter en\n plus. Mister Miracle est sans doute l’étape suivante mais si vous\n lisez Supergirl, Helen de Wydhorn est très clairement un récit\n qui prolonge ce dernier. Voilà pourquoi je me retrouve encore avec une\n protagoniste, j’essayais vraiment de rester dans le sillon de Supergirl.\n Une partie de mes projets chez DC s’explique par la présence d’une éditrice formidable,\n Brittany Holzherr, qui a travaillé sur tellement de projets. Cela fait\n dix ans que nous travaillons ensemble et je la suis partout ! On lui a\n confié beaucoup de personnages féminins et c’est comme ça qu’elle m’a proposé\n de travailler sur Black Canary, Wonder Woman… Je\n n’aime pas trop choisir les personnages sur lesquels je vais travailler, je\n préfère laisser cette décision aux autres.\n

AK : Vraiment ? Je\n me demandais justement comment vous étiez arrivé sur la série Wonder Woman.\n Corrigez-moi si me trompe, mais à ce stade, cela faisait un moment que vous\n n’aviez pas travaillé sur une série ongoing.

TK : Oui c’est vrai.

AK : Et donc aujourd’hui,\n on vous a remis aux commandes d’une telle série, comment cela s’est-il\n passé ?

TK : Pour faire court,\n quelqu’un m’a dit que ce serait difficile, j’ai donc accepté car je suis un\n idiot !

AK : [rires]

TK : J’avais surtout\n l’habitude d’écrire des séries en 12 numéros et cela commençait à devenir une\n sorte d’automatisme. J’adorais ça et je trouvais le rythme plutôt confortable,\n et quand un auteur commence à se sentir à l’aise, cela sent mauvais ! Quand\n vous savez dans quelle direction aller, quel personnage tertiaire intégrer,\n quel trauma développer c’est génial. Mais quand vous faites ça pour la\n quinzième fois d’affilé on se dit que Tom King est en train de se répéter. Il\n faut sortir de sa zone de confort et faire des choses différentes. C’est pour\n cela que je me suis lancé dans cette ongoing avec une héroïne qui n’a jamais\n vraiment été très populaire. Cela m’a semblé être un très bon challenge. Quand\n vous avez une montagne devant vous, vous la contourner. Moi je veux\n l’escalader.

AK : Ce fut donc un\n challenge pour vous ?

TK : Oh oui ! C’est une\n des séries les plus difficiles à écrire de ma carrière.

AK : Pourquoi ?

TK : Pour plusieurs raisons.\n C’est un personnage compliqué. Sa continuité est très floue, elle a été\n recommencée de nombreuses fois. Sa personnalité n’est pas forcément très claire\n non plus car elle a été écrite de pleins de manières différentes. Ses\n pouvoirs ne sont pas non plus bien définis : est-ce qu’elle peut voler ?\n Peut-elle repousser les balles ? Doit-elle utiliser ses bracelets ?\n Pour une héroïne qui existe depuis si longtemps, elle est très peu développée\n en termes de personnalité et de super pouvoirs, surtout quand on la compare à\n Batman ou Superman. Sans mauvais jeu de mots, ses origines non plus ne sont pas\n gravées dans le marbre…

AK : Ni dans l’argile…

TK : Il y a beaucoup\n d’auteurs qui ont cru savoir écrire Wonder Woman mais qui au final se sont\n trompés. C’est donc un personnage très compliqué.

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AK : Ce que vous décrivez\n comme un challenge peut également être perçu comme une source\n d’opportunités ? Si tout est si flou, vous pouvez choisir ce qui vous\n convient et ainsi faire votre version de Wonder Woman.

TK : C’est vrai mais les\n lecteurs voudront peut-être leur version… Quand vous travaillez sur une série\n en douze numéros, c’est comme si vous travailliez sur un roman graphique :\n vous proposez votre version du personnage. En revanche, quand vous travaillez\n sur la série officielle Wonder Women, vous devez avant tout proposer la version\n que les fans attendent. Je ne me vois pas prétendre apporter la version définitive\n de l’héroïne, ce serait idiot. Je veux proposer la version que les lecteurs\n apprécient le plus, mais avec un personnage comme Wonder Woman, c’est une tâche\n difficile.

AK : Quel a donc été\n votre processus créatif pour aborder un tel personnage ? Quels aspects\n vouliez-vous aborder ?

TK : Je retiendrai deux\n choses : tout d’abord, je voulais la différencier en termes de\n personnalité par rapport à Batman et Superman. Ce sont deux personnages\n fabuleux mais qui représentent selon moi l’establishment. Superman est un\n boy-scout qui maintient le status quo, c’est un idéal vers lequel on devrait\n aspirer. Batman est avant tout un détective, un flic. Il fait respecter la loi,\n il attrape les criminels. Wonder Women est avant tout une rebelle, elle est\n contre le système. C’est pour ça que je lui ai donné cette réplique :\n « Non, merci ». Elle refuse de prendre pour argent comptant ce qu’on\n lui propose ; je pense qu’elle préfèrerait casser plutôt que de devoir réparer,\n ce que Batman ou Superman feraient par exemple. Cet aspect fut très important\n pour moi, surtout à l’époque dans laquelle on vit. Le système me paraît\n défaillant, et il nous faut des figures rebelles. Dans un second temps, j’adore\n les personnages de John et Damian qui représentent un genre de\n nouvelle génération de super héros. J’ai beaucoup de respect pour Grant\n Morrison qui a inventé Damian Wayne, un personnage incroyable. Il\n m’a toujours paru bizarre de voir que deux membres de la Sainte Trinité avaient\n des enfants, mais pas la troisième. J’ai donc saisi l’opportunité de créer une\n fille pour Wonder Woman pour contribuer à cette nouvelle génération et explorer\n ce que cela signifie d’être maman. Voilà donc les deux éléments sur lesquels je\n me suis appuyé. Je lui ai donc confié cette petite Lizzy qui devient Trinity\n et j’ai travaillé son caractère rebelle qui me plaît beaucoup.

AK : A-t-il été difficile\n de convaincre DC de donner une fille à Diana ? Vous avez déjà essayé\n d’établir un nouveau status quo auparavant avec le mariage de Batman et\n Catwoman. Tout ne s’est pas passé comme prévu.

TK : [rires]

AK : Vous avez donc un\n peu d’expérience en la matière. Est-ce que la situation a été différente ?

TK : Ce fut assez difficile.

AK : On sait que de nos\n jours les principales maisons d’éditions n’aiment pas trop voir leur statu\n quo trop bousculé.

TK : C’est\n vrai. Mais j’ai tout de suite su à partir du moment où ils ont compris que John\n et Damian auraient une petite sœur, qu’ils allaient adorer l’idée. Vous pouvez\n déjà imaginer le dessin animé, tous les albums pour enfants. Ce n’est pas juste\n que l’avenir de DC ne repose que sur deux garçons. La dynamique des deux grands\n frères avec leur petite sœur est juste trop adorable pour qu’ils refusent.\n J’étais donc persuadé qu’ils allaient adorer l’idée. D’autant que je l’ai\n introduite de manière un peu sournoise dans une première histoire pour voir\n comment allait réagir le public. Il se trouve que le public a adoré, je n’avais\n plus qu’à leur dire « vous voyez, les lecteurs adorent ! ». J’ai\n également avancé le fait que la série Wonder Woman ne se vendait pas très bien,\n qu’elle n’intéressait pas vraiment le lectorat car il n’y avait jamais vraiment\n de prises de risque. L’évènement le plus marquant c’est quand elle se met à\n porter une veste en cuir... Si nous ne changeons pas le status quo, personne ne\n s’intéressera à la série. Il fallait faire quelque chose d’important, quelque\n chose qui bénéficierait à tout le monde. Ils ont été plutôt convaincus.

AK : Il\n est assez marquant de voir que dès le premier arc, vous décidez d’aborder des\n thèmes de société, contrairement à Helen de Wyndhorn.

TK : C’est\n vrai oui. [rires]

AK :\n Wonder Woman se retrouve à affronter un gang de masculinistes alpha et oméga,\n avec le personnage du Souverain. Avez-vous profité du fait que Wonder Woman\n soit un personnage moins populaire pour aborder de manière frontale ces\n thématiques ?

TK : Oui,\n c’est vrai que ce n’est pas la chose la plus subtile que j’ai écrite !\n [rires] Je voulais en effet créer l’exact opposé de ce que représente Wonder\n Woman, à savoir une puissante jeune femme. J’ai donc créé ce vieux roi secret\n des Etats-Unis, en faveur du status quo, totalement opposé à la moindre forme\n de contestation de l’ordre établi depuis le 19^ème siècle. La voir\n renverser cet énergumène fut vraiment la première thématique que je voulais\n aborder dans cette série. Je voulais vraiment écrire une relation à la Dr\n Fatalis et les 4 Fantastiques ou bien Superman contre Lex Luthor. Je voulais\n représenter l’opposé de Wonder Woman. Cette dernière représente le refus de se\n courber face à l’establishment, tandis que le Souverain incarne\n l’establishment.

AK :\n Très tôt au début de la série nous savons que le Souverain est vaincu par\n Wonder Woman. Or, l’ennemi principal de la série semble être la Matriarche, qui\n est évidemment un personnage féminin. Qu’est-ce qui vous a mené à cette\n idée ? Est-ce que le fait de faire s’affronter Diana et une figure\n masculine vous a paru un peu trop cliché ?

TK : Plusieurs\n facteurs m’ont amené à cette décision. Je savais qu’avec le Souverain,\n j’allais écrire un horrible personnage qui devrait dire des choses terribles et\n qu’il serait le narrateur. Je voulais malgré tout mettre mon lectorat à\n l’aise : rassurez-vous, il se prendra un pain à la fin ! Je voulais\n leur faire comprendre « je sais que ce personnage est horrible, mais il ne\n l’emportera pas ! ». Pour en revenir à la Matriarche, je\n savais que le Souverain ne serait pas une menace physique crédible, le\n type a plus de 90 ans ! Aussi, je voulais créer un personnage contre qui\n il serait incroyable de voir Diana se battre. Cheetah est son ennemie\n jurée mais quelque part également sa meilleure amie ! La Matriarche\n possède le même esprit de rébellion et la volonté de Wonder Woman. J’ai\n toujours aimé imaginer des personnages qui sont les reflets maléfiques des\n héros. C’est donc ce qui est entré en compte dans la création du personnage de\n la Matriarche : à quoi ressemblerait une princesse maléfique ?\n De plus, l’idée qu’un membre d’une minorité opprimée se retourne contre ce même\n groupe est quelque chose que l’on aperçoit très régulièrement en politique. La\n personne qui pourrait être la plus expérimentée car elle est originaire d’une\n minorité se retrouve être la pire version possible d’elle-même car elle rejette\n son identité. C’est ce que représente la Matriarche.

AK :\n C’est également un titre qui parle de vérité et de mensonges car vous inventé\n le Lasso du mensonge - est-ce que c’est son nom correct ?

TK : Tout à\n fait.

AK : Je\n trouve qu’il a une symbolique très forte : le Souverain impose son règne\n grâce au lasso du mensonge, ce qui fait également référence à ce qui se passe\n dans votre pays actuellement…

TK :\n [rires]

AK : Et\n dans le nôtre actuellement, soyons honnêtes. Nous observons une réécriture des\n faits en France ces derniers temps. J’imagine que vous avez voulu explorer le\n pouvoir que peuvent avoir les mots quand ils sont utilisés par nos dirigeants\n pour soit dire la vérité ou des mensonges.

TK : Je ne\n pense pas que dire « mentir à la population c’est mal » soit une\n déclaration politique fracassante…

AK : Ça\n ne devrait pas être le cas !

TK :\n Exactement ! Quand j’entends « Oh je n’aime pas ce méchant car il\n ressemble trop à cette figure politique que j’aime bien », j’ai envie de\n dire tant pis pour toi. Désolé si mon méchant ressemble à celui que tu\n supportes. Le Souverain n’est pas un personnage franchement politique.\n Il est condamnable de mentir, quel que soit le bord politique. Pour moi cela\n représente juste la pire manière de gouverner : imposer ses mensonges à la\n population ; faire croire aux gens que vous êtes puissant alors qu’en fait\n vous êtes faible, que vous êtes malin alors que vous êtes débile… Je ne\n supporte pas ça, comme c’est sans doute le cas pour beaucoup d’entre nous. Je\n veux vivre ma vie les yeux bien ouverts, sinon quel est l’intérêt ?

AK : Je\n ne pense pas que vous écriviez vos méchants en vous inspirant de personnes\n réelles. Disons que ce sont plutôt les dirigeants du monde réel qui ressemblent\n à des méchants de comics !

TK :\n [rires] C’est de leur faute, pas la mienne !

AK :\n Avez-vous des échanges avec l’équipe éditoriale chez DC quand vous incorporez\n des éléments qui pourraient avoir une résonnance avec l’actualité ?\n Devez-vous revoir vos ambitions à la baisse ? Est-ce que l’on vous invite à\n explorer une autre voie pour peut-être éviter d’énerver une partie de leur\n lectorat ?

TK : J’ai\n écrit beaucoup de personnages très exagérés et le Souverain en est\n un ! C’est un méchant ridicule ! Je n’ai donc jamais eu de limites\n imposées par DC.

AK : De\n notre point de vue français, DC semble être plus enclin à aborder des messages\n politiques que Marvel. La situation était bien différente il y a quelques\n années : plusieurs maisons d’éditions étaient prêtes à aborder des sujets\n comme la diversité ou l’inclusivité. Avez-vous perçu des changements ces deux\n dernières années ?

TK : C’est\n une situation compliquée qui, je pense, dépasse le cadre de ce podcast !\n [rires] Ce que je peux dire c’est que la direction chez DC, Jim Lee et Marie\n Javins, soutient beaucoup ses dessinateurs et ses auteurs et nous aide à\n faire perdurer cette vision. Je leur en suis très reconnaissant.

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AK :\n Revenons à un sujet plus léger ! Parlons de Trinity, Lizzy. Vous avez\n également réalisé les titres back-up de la série Wonder Woman. Ce sont des\n albums très différents en termes de tonalité, très drôles. Je ne savais pas que\n vous aviez un tel sens de la comédie pour être honnête.

TK :\n [rires]

AK : La\n plupart de vos albums ne sont pas vraiment très humoristiques ! Comment\n faire un comics drôle ? Est-ce plus dur d’écrire une histoire\n sombre ?

TK : Oh\n non, les histoires tristes sont plus faciles ! L’humour c’est difficile,\n tandis que le drame c’est facile. Vous pouvez très facilement dessiner\n quelqu’un qui regarde par la fenêtre sur neuf cases, cela aura l’air\n profond ! Vous savez, je suis un nerd des comics : j’ai grandi\n en lisant Watchmen, The Dark Knight Rises, Maus… Tous ces\n titres au sujet de types tristes très tristes. Et je les ai adorés ! Mais\n j’avais un deuxième amour : les comic-strips ! J’adorais Calvin\n and Hobbes, les Peanuts, Bloom County… Y compris ceux dont\n plus personne ne parle maintenant comme Hägar le viking, Foxtrot…\n Je pourrais en citer des milliers ! J’ai donc grandi en lisant ces\n histoires, je les lis encore aujourd’hui, elles m’amusent encore\n énormément ! Quand je veux me détendre, je me pose en lisant un de ces\n titres.

Pour moi, Charles Schulz est la plus grande personnalité du\n monde de la bande dessinée, loin devant tous les autres. J’apprécie donc\n beaucoup l’humour dans les comics et j’ai enfin trouvé l’occasion d’en intégrer\n dans un titre. Quand j’y repense, il y a certains passages dans Mister\n Miracle qui sont très drôles ! Scott est un personnage qui me fait\n rire. Ruthye dans Supergirl m’amuse beaucoup également quand elle dit des\n choses comme « Ce n’est pas facile de mentir à un cheval mais on peut s’en\n remettre. » Je trouve cette réplique très drôle ! Il est\n effectivement plus difficile d’être drôle en comics, mais la série sur Trinity\n fut très plaisante à écrire. A chaque fois que je travaillais sur un numéro\n j’avais l’impression de prendre une semaine de congés. J’adore écrire de la\n comédie car quand vous êtes au travail, vous vous amusez tellement ! Vous\n rigolez de vos propres blagues.

AK :\n J’imagine que vous pouvez jouer avec différents types d’humour via les\n dialogues ou les situations. La scène où John et Damian se retrouvent\n transformer en corgis est vraiment très drôle. Y-a-t-il un type d’humour que\n vous préférez ?

TK : Je ne\n sais pas, qu’entendez-vous par différents types d’humour ?

AK : Je\n pense par exemple au comique de situation, le grand guignol…

TK : Je les\n aime tous ! Les comédies des Marx Brothers sont incroyables mais\n j’aime aussi lire des comédies plus intellectuelles comme les articles de Steve\n Martin dans le New Yorker. J’aime tout ce qui peut me faire\n rire : le stand-up, les sketchs. Mes enfants et moi adorons les sitcoms\n que l’on regarde ensemble. Je pense également à Abbott et Costello, 30\n Rock… Tout ce qui me fait rire en définitive. Je n’ai pas de limites. Je\n vais trouver une blague de pet tout aussi drôle qu’une sur Saint Anselme et St Thomas\n d’Aquin !

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\n AK : Je faisais mention un peu plus tôt des gimmicks présents dans\n votre écriture, comme celui de Wonder Woman. Dans la série de cette dernière,\n nous venons de terminer un arc narratif sur une île peuplée de souris gouvernée\n par Mouseman et sa devise « Mouseman Knows ». Je crois que durant l’arc\n « Mon Nom est Bane » quand vous étiez sur la série Batman, ce dernier\n répète la même phrase durant tout le numéro quand il tabasse Bane. Avez-vous\n essayez de pousser ce concept plus loin avec Wonder Woman mais cette fois-ci\n durant tout un arc entier ?\n

\n\n

TK :\n [rires] Il y a un côté Orwellien là-dedans.

AK :\n C’est vrai, nous parlions plus tôt de l’idée de forger l’opinion et le\n comportement des gens en manipulant leur langage. On pourrait aussi très bien\n le prendre au premier degré et se dire qu’il s’agit juste de Tom en train de\n s’amuser à l’écriture.

TK : J’ai\n essayé de rendre mes dialogues moins répétitifs mais n’y voyez surtout pas un\n commentaire sur mon travail ! Dans les comics, vous pouvez parfois\n illustrer des extrêmes pour justement les dénoncer. Ici, il s’agissait de\n montrer que dans n’importe quelle société sous la coupe d’un régime dictatorial,\n la première chose à laquelle on s’attaque c’est le langage. Vous n’avez plus le\n droit de dire tel mot etc. Je voulais pousser l’idée plus loin en imaginant un\n endroit où la population ne serait autorisée qu’à prononcer deux phrases,\n phrases qui rappellent en plus aux habitants de vénérer leur leader. Cela me\n semblait être la suite logique d’une telle démarche. Ce fut également\n l’occasion de me poser un challenge : serais-je capable d’imaginer un\n langage que le lecteur pourrait comprendre : tout le monde répète la même\n chose, mais en fonction des expressions, des mots en gras et du contexte, vous\n comprenez que quand quelqu’un dit « Mouseman knows », cette personne\n exprime en réalité « Tu m’agaces vraiment » ou « Va-t’en ».

AK : J’adorerais\n voir à quoi ressemble le script de ces pages !

TK :\n Figurez-vous qu’on m’a demandé de le refaire ! Je venais de terminer la\n première version du script quand on m’a dit « Tom, il faudrait quand même intégrer\n des répliques pour Wonder Woman ». Je voulais vraiment tenir le concept\n jusqu’au bout, un peu comme un numéro sans aucun dialogue finalement.

AK : Ils\n ont dû se dire « Tom le dingo est de retour » !

TK : Comme\n pour le premier numéro, dans le cas de cet arc j’ai attendu la 18^ème\n page avant de faire intervenir Wonder Woman. A chaque fois que je commence un\n nouvel arc pour cette série, j’attends le dernier moment pour la faire\n apparaître et ainsi créer de l’anticipation. Mon idée au départ était\n d’agacer le lecteur avec la répétition de ces deux phrases, de sorte que lors\n de son apparition et qu’elle commence à parler normalement, il y a un vrai\n soulagement de la part du lecteur. Mais on m’a dit que je ne pouvais pas faire\n ça… Ce fut là ma seule limitation !

AK : Je\n suppose que vous avez également dû donner des indications à Daniel Sampere, pour\n qu’il s’y retrouve.

TK : Tout à\n fait, même si Daniel a très vite compris où je voulais en venir. Ce qui m’a\n beaucoup plu dans cette idée fut également de montrer qu’en fonction de votre\n niveau dans la société, il y aura des nuances dans ce que les personnes\n pourront dire ou non. Certains, en plus de « Mouseman knows », pourront\n ajouter « et » ou « qui ». Tandis que d’autres s’en\n tiendront aux compliments pour le leader. Tout ça réparti sur 5 niveaux. J’ai\n imaginé tout cette organisation de la société en fonction du langage, jusqu’à arriver\n au Mouseman qui, lui, peut dire ce qu’il veut. Cela m’a beaucoup amusé\n d’imaginer une telle société.

AK :\n Savez-vous combien de temps serez aux commandes de la série Wonder Woman ?\n

TK : Je ne\n sais pas mais sans doute plus pour très longtemps. Je pensais faire cent\n numéros mais je ne vais pas y arriver.

AK :\n Cent ?!

TK :\n C’était l’idée au départ mais je pense quitter la série bientôt.

AK :\n Parlons rapidement de La Fourrière des Animaux, qui va être publié en France\n très prochainement.

TK : Oh\n super, j’adore cet album !

$\"images/editeur/Arno/janvier-2026-2/Fourriere-01.jpg\"$

AK : D’autant\n que les équipes chez Panini Comics ont fait un bel effort dans la fabrication\n du livre.

TK : Je\n m’excuse auprès de la personne qui a dû traduire cette histoire qui est très\n bavarde !

AK : Que\n pouvez-vous nous dire au sujet de cet album ? Vous sembliez vouloir adapter la\n Ferme des Animaux dans un contexte plus contemporain, ou bien l’adapter au\n système politique américain ?

TK : Quand George\n Orwell écrit la Ferme des Animaux après la Seconde Guerre Mondiale, le\n communisme gagnait en influence après la victoire des Alliés sur les Nazis. La\n Russie s’était alliée à l’Angleterre et le communisme gagnait du terrain\n là-bas. Orwell, qui a par ailleurs beaucoup voyagé, a eu de grosses\n désillusions notamment après son séjour en Espagne. Il décida donc d’écrire ce\n livre pour servir d’avertissement : certes, ce système semble être une\n solution à nos problèmes, mais il risque de nous conduire au totalitarisme. Son\n histoire se déroule avec des animaux et commence comme une utopie pour se finir\n dans l’horreur. Quand je regarde le monde qui nous entoure, je ne suis plus\n vraiment inquiété par la montée du communisme, qui a connu des extrêmes\n horribles mais à l’heure actuelle, ce n’est vraiment pas ça qui devrait nous\n inquiéter. Le totalitarisme nous arrive via une autre perspective. Je voulais\n donc proposer une nouvelle interprétation de la Ferme des Animaux qui\n s’adresse aux menaces d’aujourd’hui, aux utopies qu’on nous promet et qui nous\n mèneraient finalement aux mêmes résultats que dans le roman initial. Pour moi\n c’est à la fois une suite, une mise à jour et un commentaire sur le travail\n d’Orwell. Sans oublier les dessins de Peter Gross qui a assuré, c’est\n sans doute son plus beau travail. C’est donc une fable moderne, une allégorie qui\n montre que les meilleures intentions peuvent mener au pire.

AK : Ce\n qui m’a beaucoup surpris c’est que vous avez adapté le système des Grands\n Electeurs, typique des Etats-Unis, via le poids des chiens dans la série. A-t-il\n été difficile de trouver un moyen suffisamment clair pour illustrer ce système\n particulier à votre pays ?

TK : Je me\n souviens du moment où j’ai commencé à réfléchir à cette idée : comment de\n petits compromis, nécessaires à la construction d’une société, laisse le champ\n libre à des personnes mal intentionnées ? Je voulais en faire une\n métaphore. Pour les lecteurs qui n’auraient pas lu la série, les chiens, les\n chats et les lapins renversent les dirigeants de la fourrière pour fonder leur\n propre société. Au début, ils veulent que chacun ait une voix, un vote\n équivalent. Ce à quoi les chiens remarquent qu’il y a tellement plus de chats,\n que ce sont ces derniers qui risquent de mener la danse. Les lapins\n représentent la minorité, la population opprimée. Les chats font alors\n remarquer qu’ils ne peuvent pas fonder une société sans chiens ; ils se\n feraient massacrer car les chiens sont plus forts physiquement. Il faut donc\n trouver un compromis : ils réalisent que malgré leurs différences en\n nombre, les chats et les chiens ont tous collectivement le même poids. Ils\n instaurent un système de vote selon le poids : les animaux les plus\n lourds, représenteront plus de voix. C’est un système plutôt similaire à celui\n que nous avons aux Etats-Unis. Lors de l’élaboration de notre Constitution, il\n a fallu faire des compromis vis-à-vis des Etats du Sud, les états\n esclavagistes : il a fallu leur accorder plus de voix sans quoi ils\n n’auraient pas rejoint l’Union. Quand on regarde l’histoire américaine, cette\n décision nous a plusieurs fois posé problème. Ce n’est pas de la démocratie,\n c’est seulement un symbole.

AK :\n Pensez-vous que la Fourrière des Animaux pourraient être utilisé en\n classe ?

TK :\n [rires] Orwell est un auteur incroyable, j’admire beaucoup son travail. Mais\n cela ne veut pas dire pour autant que nous ne devrions pas essayer de refaire aussi\n bien que lui. Si vous enseignez Orwell en classe, j’espère que vous parlerez de\n cet album également. Même si c’est terriblement arrogant de dire ça, c’est pour\n que ça que je n’ose pas trop le dire ! Mais tout le monde a de l’ambition…\n Je ne dis pas que j’ai fait mieux, mais je peux au moins essayer.

AK : Que\n pouvons-nous espérer dans le futur à votre sujet ? Vous avez été très\n occupé du côté de la télévision. Lanterns arrive très prochainement sur HBO\n Max, il y a la série animée Mister Miracle. C’est d’ailleurs incroyable de se\n dire qu’il y aura une série sur ce personnage, que vous écrivez en plus.\n Qu’est-ce qui nous attend de plus ?

TK : En\n effet, ces dix dernières années j’ai dû travailler à 90% pour des comics et 10%\n pour Hollywood. Aujourd’hui c’est l’inverse ! C’est fou, je suis\n littéralement en train de changer de carrière à mon grand âge ! Je ne sais\n pas du tout si cela va fonctionner, nous verrons bien. Je vais continuer à\n faire mon travail du mieux que je peux ! Prochainement, il y a la sortie\n du film Supergirl qui est basé sur mon roman graphique. Je ne l’ai pas\n encore vu, j’espère qu’il sera aussi spectaculaire et fantastique. J’adore cet\n album et j’essaie donc de le faire découvrir au plus de monde possible ! Lanterns\n sortira après Supergirl, c’est un projet que j’ai cocréé avec deux\n autres brillants auteurs, Chris Mundy et Damon Lindelof. Puis ce\n sera au tour de Mister Miracle, que j’écris seul. Je suis le showrunner\n de la série. C’est ce qui me prend le plus de temps en ce moment. Il y a\n d’autres projets en cours : je travaille sur un film Archie, je collabore\n avec Sony sur un film Love Everlasting. Tout ce travail pour Hollywood\n est une vraie nouvelle expérience. Comme je vous le disais tout à l’heure,\n c’est une nouvelle montagne à gravir.

AK :\n Question piège : en parlant de Love Everlasting, je dois vous poser la\n question. Que peut-on attendre de cette série en ce qui concerne sa publication ?\n Nous en sommes à la moitié, il y a quinze numéros de disponibles jusqu’à\n présent.

TK : J’ai\n une bonne et une mauvaise nouvelle. Commençons par la bonne : pour vendre\n le projet du film, il a fallu que j’écrive la seconde moitié. L’intrigue est\n bouclée numéro par numéro. Je connais la conclusion, la dernière réplique etc.\n La mauvaise nouvelle est que l’on doit se coordonner avec Elsa Charretier !\n Elle est très occupée, elle a de très beaux projets indépendants en cours.\n C’est la co-créatrice de cette série, il faut donc attendre qu’elle soit libre\n pour dessiner le reste.

AK :\n Merci beaucoup pour votre temps Tom.

TK : C’est\n toujours un plaisir Arno.

AK :\n J’espère que nous aurons la chance de discuter à nouveau ensemble.

TK : J’ai\n très hâte, merci pour vos questions super intéressantes !

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Sous quel angle doit-on encore interpréter les productions Marvel Studios ? Depuis le temps, la question pourrait presque passer pour une sorte de blague, et pas forcément récente, ni même captivante compte tenu de l'état de délabrement de l'empire dans cette petite fenêtre qui nous sépare encore du retour en grâce annoncé (ou espéré en interne, tout du moins) avec Spider-Man : Brand New day et surtout Avengers : Doomsday. Vous connaissez la formule : lorsque l'enseigne sort un produit sympathique, on compare avec la norme des autres films de la saga, des autres séries tombées récemment, et on se dit \"oui, bon, comme d'habitude\" ou bien \"ah, mieux, tiens donc.\" Le degré de satisfaction se situe généralement quelque part entre ces deux pôles.

Et puis, chaque sortie a sa propre vérité. Pour Daredevil : Born Again, on espérait peut-être mieux compte tenu de l'héritage du personnage sur le petit écran... et pour Thunderbolts*, on redoutait peut-être que le résultat serait moins bon, ou moins recherché, au point d'en ressortir avec un agréablement sentiment de surprise. En définitive, cette situation en dit sans doute plus long sur les méthodes de Kevin Feige et la fatigue constatée des formats super-héros que sur le travail concret des équipes créatives en charge de ces chantiers. C'est même factuel : les réalisatrices et les réalisateurs qui passent par la case Marvel Studios doivent accepter de se cadenasser dans un certain moule... et malgré tous les bons contre-exemples que l'on peut citer de tête, même les petites réussites occasionnelles (comme Doctor Strange in the Multiverse of Madness ou Eternals) ne compteront sans doute pas dans la filmographie de leurs auteurs une fois venu le moment de faire le bilan complet.

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Toutes les productions de l'enseigne doivent composer avec ce statut de relativité sempiternelle. Est-ce qu'on aime parce que c'est mieux que d'habitude, parce qu'on décide de tenter sans la moindre espèce d'espoir, parce que ça passe le temps, parce que ça ne ressemble pas forcément au modèle rigide qui nous a été imposé jusqu'ici ? Tout dépend des gens. Le cas de la série Agatha All Along fait foi de ce point de vue. Plutôt appréciée par une petite niche de fans, celle-ci est pourtant loin d'être exempte de défauts. Et c'est drôle, mais si l'on se fie aux retours d'expérience... les fans en question sont assez d'accord sur la liste des failles du projet. En somme, on pourrait dire que Marvel Studios est passé dans une nouvelle zone grise - où il est possible d'occuper un bon moment malgré d'authentiques problématiques techniques, artistiques, rythmiques... en ressortant les qualités de l'équation. Wonder Man se situe peut-être dans cette même zone de flottement critique.

Made in Hollywood

Cette nouvelle série, pilotée par le réalisateur Destin Daniel Cretton (Shang-Chi) n'entretient aucun rapport direct avec le Wonder Man des comics - les origines sont différentes, les relations aux autres héroïnes et héros de l'univers ne sont pas possibles compte tenu de l'historique de la saga, la famille du justicier a été intégralement revue et corrigée pour extirper tout le propos initial... et d'ailleurs, celui-ci n'est même pas vraiment un justicier. Au final, de Wonder Man, Cretton n'a retenu qu'un concept. Celui du comédien armé de super-pouvoirs. De l'acteur surhomme aux super-performances. Sur cette base, en compagnie du scénariste Andrew Guest (Community, Brooklyn Nine Nine), le réalisateur va développer un genre de discours protéiforme sur la dissimulation, l'anxiété, le schéma mental et la nécessité d'avancer masqué pour cacher son soi profond. En l'occurrence, ce petit discours fonctionne bien avec un héros qui doit (nécessairement) mentir pour vivre.

Dans cette version des faits, Simon Williams (Yahya Abdul-Mateen II), le héros, est donc un acteur professionnel, sinon obsessionnel, de la catégorie des comédiens \"méthode.\" Un consciencieux qui ressent le besoin de construire un rapport intime avec le script, pour se projeter dans le moindre élément, le moindre détail, la moindre parcelle de crédibilité... même lorsque son personnage occupe une fonction de simple figurant. Cette attention maladive n'est évidemment pas qu'une simple dévotion aux codes des arts dramatiques : depuis tout petit, Simon a simplement dû apprendre comment mentir pour dissimuler la réalité de sa nature profonde. En réalité, celui-ci est pourvu de puissants pouvoirs (extrêmement puissants, en l'occurrence), et a pleinement conscience que cette donnée pourrait l'empêcher de réaliser son rêve d'acteur professionnel. Voire même... le rêve de son paternel.

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Pour avoir entendu parler d'un projet de reboot de la franchise Wonder Man (un vrai faux héros de fiction dans la diégèse de l'univers Marvel Studios), Simon va tenter de candidater pour le rôle, en se rapprochant au passage de l'acteur renégat Trevor Slattery (Ben Kingsley). Revenu de la forteresse du Mandarin dans l'espoir de retrouver sa carrière là où il l'avait laissée, celui que les États-Unis auront longtemps pris pour le célèbre terroriste est désormais un homme sobre, qui a arrêté l'alcool et la drogue en comprenant qu'il était temps de reprendre sa vie en main. Sauf que, Slattery est aussi un agent-double, chargé d'obtenir des renseignements sur la dangerosité supposée des pouvoirs de Simon... pour le compte de l'organisation Damage Control. Rapidement, on comprend que la série va donc se construire sur cette curieuse amitié de circonstances, dans laquelle les deux personnages principaux avancent masqués. Au passage, le script du faux-film Wonder Man nourrit leurs interactions, en détaillant (avec l'ironie du texte) la réalité de leur situation : un héros valeureux trahi par son mentor... avec quelques épisodes d'avance.

Les trois premiers épisodes de la série donnent le ton : une bande-son plutôt inspirée, une photographie qui tente de se démarquer de la norme des productions Marvel Studios pour trouver sa propre esthétique, un humour un peu moins forceur et goguenard que d'habitude, et une ambiance posée qui n'entend pas réinventer la roue, raconter les origines, annoncer un vilain ou anticiper d'un potentiel combat final sur la traditionnelle panoplie de fonds verts. Wonder Man a le mérite de cerner rapidement ses propres enjeux. La série raconte simplement l'amitié de deux personnages qui ne trouvent pas leur place dans ce monde des rêves et des illusions que représente la grande machine du cinéma d'Hollywood... et qui tentent de se tirer par le haut, tout en acceptant que ceci est (encore une fois) une nouvelle illusion.

Abdul-Mateen II livre une prestation plutôt inspirée, en convoquant plusieurs idées susceptibles d'illustrer ses angoisses profondes - si Simon Williams cache quelque chose, le spectateur peut remplir lui-même les espaces vides pour charger l'allégorie des super-pouvoirs d'un sens plus réel. Un homme noir qui a peur de se mettre en colère par peur d'être qualifié d'ingérable par ses employeurs ? Un homme gay ou bisexuel qui dissimulerait cette identité par peur d'être catalogué par le système ? Un peu comme l'allégorie universelle des X-Men (qui incarnent toutes les diversités par le prisme du super-pouvoir), Williams et sa différence peuvent prendre plusieurs formes en fonction de celui qui regarde. Plusieurs scènes permettent de jouer sur ces pistes de réflexion, histoire de charger d'un peu de volume, d'un peu d'éléments, un personnage autrement plus unidimensionnel au demeurant. Sans ces bonnes idées, sur le papier, Wonder Man reste l'histoire d'un homme qui passe au casting, s'amourache un peu vite d'un mentor peu fiable, avant de se faire trahir et de comprendre que (au fond) le masque est une arme qui fait aussi partie de notre identité. Ce qui est vrai pour Simon... et pour Trevor Slattery. Jusque dans les derniers instants du feuilleton.

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Certaines autres séquences sont toutefois moins convaincantes : un épisode de casting en forme d'impro' géante avec de vrais faux morceaux de Jodorowski, une envie d'inverser les clichés sur les narcotraficants latinos de la banlieue de Los Angeles (l'idée est bonne mais l'exécution un poil longuette, et avec un humour façon braquage-qui-foire pas forcément du goût de tout le monde), et une fin précipitée qui gâche la conclusion de la série en refusant de voir plus loin. De nombreuses possibilités se perdent en chemin (surtout avec cette logique du faux-film : chez Marvel Studios, un moment pareil aurait pu être poussé beaucoup plus loin par simple humour autoparodique) et on sent que la seconde moitié de la série se paume dans son montage, avec une impression de ventre mou évidente.

Dans le même temps, on remarque aussi que l'enseigne a eu envie de tester quelques nouvelles idées, comme avec l'épisode de Doorman (qui évoque un peu la série The Twilight Zone de Jordan Peele, sur laquelle Andrew Guest avait aussi travaillé), une sorte de drame comique sur un pauvre videur devenu vedette d'un jour après s'être découvert un super-pouvoir inattendu, mais plutôt pratique. Entre d'autres mains, cet épisode aurait probablement pu trouver sa place dans une série de plus haute capacité, sur FX ou sur Hulu. Et il est même assez amusant de voir Wonder Man citer ouvertement American Horror Story, comme si Marvel Studios avait enfin conscience que ses productions n'évoluent pas dans un espace culturel vide, ou seulement guidé par les grosses productions que l'on peut facilement cloner ou dupliquer. De ce point de vue, Cretton et Guest ont même inséré une belle petite suite de références pour les geeks du cinéma des auteurs (qui pourra faire sourire, dans un produit de ce genre).

De la même façon, on pourra aussi s'amuser de voir que Kevin Feige n'a toujours pas été guéri de son péché originel dans Iron Man 3, encore obsédé par l'envie de rentabiliser la tripartition de l'identité du Mandarin si longtemps après les faits. Parfois, la caméra va même passer par certains des lieux de tournage du film de Shane Black pour évoquer ce souvenir (le Grauman's Chinese Theatre, un cinéma emblématique de Hollywood où avait lieu l'attentat commandé par Aldrich Killian). Et pour son grand retour, l'ancien porteur du costume va même ouvertement évoquer une vraie théorie du monde réel, selon laquelle la CIA aurait imposé un agenda idéologique aux oeuvres produites depuis les Etats-Unis (et au cinéma en particulier) pour imposer la philosophie capitaliste et la division des classes sociales... encore une fois, une trouvaille amusante - compte tenu de la compagnie qui produit cette série ! - pour une adaptation qui prend Hollywood comme toile de fond. Malheureusement, ce moment va un peu trop vite, mal servi par le montage, mais l'intention était tout de même sympathique.

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Dans le même style, d'ailleurs, la fin de la série passerait presque pour une note d'intention involontaire de la réalité de ce cinéma des super-héros encore cadenassé dans ses hangars, ses fonds verts et ses exigences de pyrotechnie. Pour clore les aventures de Wonder Man, le héros va effectivement se rapprocher d'un civil, dans la ruralité des Etats-Unis, au prétexte de préparer un rôle.

Nous découvrons alors un Simon Williams extrêmement humain, extrêmement dépouillé, dans une série d'interactions naturalistes, plutôt agréables, tendres, poétiques... et alors que s'écrit sous nos yeux cette petite parabole existentialiste, plus proche du cinéma vérité, de la vie des populations normales loin des fantasmes absurdes de l'imaginaire super-héros, subitement, tout s'arrête. Tout s'arrête, et Marvel Studios reprend le dessus, dans une prison mal éclairée, mal filmée, peu crédible, pour un ultime moment articulé autour des effets spéciaux. Comme si le réalisateur avait eu cette envie d'arracher le spectateur au réel. Curieux projet dans l'absolu.

Alors, bien sûr, sans doute que l'objectif était aussi de rendre hommage aux fans normaux de la marque. Celles et ceux qui vont encore voir les films en famille lorsque ceux-ci sortent au cinéma. Les salariés, pas forcément passionnés, pas forcément geeks, pas forcément sur les forums ou dans les commentaires des vidéos... mais toujours consommateurs, amateurs de sorties et de divertissement. Les vrais gens, quoi. D'ailleurs, la structure familiale est appliquée. Et les enfants reconnaissent Simon pour son personnage de Wonder Man comme n'importe qui pourrait reconnaître Robert Downey Jr. en l'identifiant au rôle d'Iron Man dans la rue.

Accessoirement, après une bonne pelletée d'épisodes globalement consacrés au sujet des vedettes, de la quête de gloire, du cinéma... et du microcosme de Hollywood au sens large avec ses codes et ses curiosités... cette petite périphérie respiratoire est plutôt agréable. Même si elle ne fait qu'accentuer l'effet de frustration lorsque l'on réalise que : oui, Marvel Studios aurait pu être capable de tourner toute une série dans cette esthétique, avec ce genre d'interactions bien plus naturelles, ce genre de direction artistique dépouillée, en décors naturels, en décors extérieurs, cette charge profondément humaine qui va même toucher du doigt un bout de discours social sur la réalité salariale des fameux \"gens normaux\"... mais en définitive choisit sciemment, et systématiquement, de ne pas le faire. De la même façon que pour Trevor Slattery, Kevin Feige nous propose de nous évader. Pas de parler du monde réel. Et Wonder Man est peut-être la série la plus paradoxalement honnête sur ce constat, en filmant cette idée au sens propre, tel quel, en place publique. D'un coup, une séquence quotidienne et normale alterne avec un hangar et des effets spéciaux. Voilà la méthode. Voilà l'honnêteté du réalisateur.

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En dehors de cet élément, quelques autres bonnes idées : Ben Kingsley contourne l'aspect agaçant des précédentes itérations de son personnage (en étant même parfois touchant), Joe Pantoliano adopte sa panoplie de traître habituel pour le plus grand plaisir des fans de Matrix et Memento, la créolité de la famille Williams est plutôt appréciée dans cet univers où la langue anglaise est généralement la seule norme dominante, et la blague finale sur la balle de tennis aurait presque de quoi suggérer une autocritique longuement attendue sur la dépendance du studio vis-à-vis de ses sempiternels effets visuels.

Restent les défauts habituels. Un rythme qui se perd dans la seconde moitié, un humour en dents-de-scie, un casting secondaire que l'on perd souvent du regard, quelques répétitions, le ventre mou obligatoire... et une campagne de promo' qui aura largement baratiné autour de l'aspect méta' de toute l'aventure pour vendre une annexe de The Boys absolument pas prévue au programme. Dans le delta (voir paragraphes d'introduction), Wonder Man restera donc comme un produit pas inintéressant au regard de ce que nous avons l'habitude de trouver chez Marvel Studios. La panoplie des problématiques usuelles est évidemment au rendez-vous, mais, peut-être par habitude ou par endoctrinement, il est encore possible de passer entre les mailles du bilan technique pour percevoir les quelques idées que l'équipe créative a eu envie de faire passer dans ce curieux gloubiboulga. Loin devant les Secret Invasion et les Moon Knight de ce monde, le produit aurait probablement pu profiter d'un meilleur soin si la compagnie était enfin capable de complètement lâcher la bride... mais comme pour Daredevil : Born Again, on comprend surtout que le changement n'ira jamais aussi vite qu'on le souhaiterait.

- Corentin

Et de l'autre côté du spectre de la force...

À l'heure où Marvel Studios connaît une véritable crise tant créative que de relation au grand public, la venue de Wonder Man et son angle \"un super-héroos dans le monde du cinéma\" avait tout de la bonne idée pour se permettre un regard sur l'industrie et faire, ne serait-ce qu'à demi-mots, une forme d'auto-critique. Voire, se parodier de façon suffisamment poussée (comme dans l'épisode final de She-Hulk) pour faire illusion d'avoir compris quel est le réel problème du MCU aujourd'hui, sans forcément changer quoique ce soit à la façon de faire (parce que les changements chez Marvel Studios ne sont pas vraiment drastiques depuis l'épisode final de She-Hulk). Et quelque part, c'est cet angle méta qu'a choisi la production pour faire la campagne promotionnelle de Wonder Man. S'il ne faut pas forcément juger une oeuvre sur ce que l'on imagine qu'elle sera, force est de constater que Marvel Television a voulu vendre sa série d'une certaine façon, dans le sillage d'autres séries qui ont voulu aborder plus ou moins directement l'industrie moderne des blockbusters, super-héroïques ou non. On pense bien entendu aux segments parodiques de The Boys, mais aussi à d'autres séries telles que The Franchise ou The Studio.

Et justement, si on prend ces points de comparaison, force est de constater que Wonder Man est une série on ne peut plus creuse, qui s'est vendue sur une promesse mensongère. La scène d'introduction de Simon Williams donne pourtant envie, en montrant cet acteur trop impliqué dans son rôle qui en devient ingérable à force de vouloir réécrire un script pour un personnage qui n'aura que deux minutes de temps d'écran. Mais par la suite, Destin Daniel Cretton ne restera jamais qu'en surface de tout ce qui aurait pu être abordé en plaçant le héros dans le monde d'Hollywood. Alors qu'on nous parle de la \"fatigue des super-héros\" à tout bout de champ dans les bandes-annonces (et dieu sait qu'ici, nous n'apprécions ni ne reconnaissons particulièrement ce terme), le sujet n'est jamais esquissé sinon au gré d'une réplique du faux-réalisateur Von Kovac (débonnaire Zlatko Buric) lors d'un passage à la télévision. Et il ne sera jamais rien fait de plus ; il y aurait eu pourtant quantité de choses à dire, sur les difficultés de monter un tel reboot d'une franchise des années 1980 ; les ingérences des producteurs et les réécritures constantes de scripts ; la question des fonds verts contre les effets spéciaux en dur ; les tournées de presse ; et l'éléphant au milieu de la salle : le fait de choisir un acteur noir pour reprendre le rôle d'un personnage blanc, alors que Marvel Studios a été de multiples fois été confronté à des vagues de commentaires haineux pour ce genre de choix de casting. Rien. Il n'y aura rien de tout ça, comme une forme de lâcheté du studio à ne pas vouloir se mesurer aux problématiques d'un modèle de production dont ils sont complètement responsables.

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Au lieu de ça, Wonder Man se veut être une lecture tristement premier degré (et presque naïve) sur le métier d'acteur, censé être l'un des plus beaux métiers du monde, au service de la grande Magie du cinéma. Comme si Cretton et Guest avaient envie de rappeler au public que malgré leur fonctionnement industriel et formaté, Marvel avait pour but premier d'émerveiller (c'est une traduction littérale de leur marque) avec leurs personnages. La naïveté et le cynisme sont poussés à leur paroxisme lors d'un échange où Trevor Slattery rappelle à Williams, après que son ancien collègue explique qu'être acteur n'est qu'un métier, que non : c'est une vocation, et la plus belle qui soit. Alors on se contente de suivre la trame narrative en surface : un acteur (qui a des super-pouvoirs) veut intégrer le casting d'un grand remake de franchise... et y parvient. Les étapes s'enchaînent sans surprise, et avec un rythme assez lent - parfois abominablement lent d'ailleurs, pour que Williams puisse suivre la trajectoire qui lui est promise dès le premier épisode, dans une série qui n'a pas grand chose à raconter du milieu dans laquelle l'histoire se situe. Les acteurs ne sont pas spécialement bons (d'autant plus qu'on les aura déjà vus proprement excellents dans d'autres films ou séries), quand certains rôles secondaires sont même agaçants.

Oui, l'allégorie des pouvoirs est évidente, oui on se rend compte que tous les personnages principaux jouent littéralement un rôle, et la proposition aurait pu être réellement rafraichissante... il y a dix ans. On concèdera à Wonder Man d'avoir une approche différente de la majorité des autres séries Marvel Television et de se montrer un poil originale, du moins avant que le dernier épisode vienne rappeler aux spectateurs que le moule marqué d'un grand \"M\" est indestructible - pas comme les murs de la prison de Trevor. L'originalité doit donc cohabiter avec un ennui de plus en plus prégnant, qui s'efface sur le quatrième épisode de par sa forme, même si l'épisode souffrira évidemment de comparaisons évidentes (le flashback en noir et blanc ayant été utilisé de façon plus efficace dans d'autres adaptations de comics). C'est d'ailleurs peut-être le problème principal de Wonder Man : à ne rester qu'en surface de tout son potentiel, elle ne peut que pâtir de tout ce qui s'est déjà fait en dehors de chez Marvel. Dans le référentiel du MCU, le studio a sorti de telles horreurs qu'on ne peut qu'apprécier Wonder Man. Mais dès que l'on s'intéresse à ce qui s'est fait ailleurs, Simon Williams et ses pairs ne tirent jamais leur épingle du jeu. Au moins la série se laisse regarder (car relativement courte) et surtout ne se montre pas insultante envers son public comme Secret Invasion ou Moon Knight. Cela suffit-il à en faire une bonne série ? Vous aurez compris que de ce côté de la rédaction, on pense que non.

Note : 2,5/5

- Arno Kikoo

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Si nous connaissons assez bien et rédigeons depuis des années sur l'édition de comics aux États-Unis ainsi que leur publication en France, nous n'avons pas souvent l'occasion d'aller regarder comment sont publiées les bandes dessinées dans d'autres pays du monde. Aussi, lorsque nous avons pu rencontrer en début d'année dernière l'éditeur Stepan Shmytinsky, qui édite depuis plus de dix ans des comics en Russie, l'occasion était trop belle pour ne pas aller aborder les rouages de l'édition de BD dans ce pays lointain. Stepan est éditeur pour son pays natal, mais ne vit plus là-bas (il réside aujourd'hui en France) pour des raisons assez évidentes. C'est au cours du printemps 2025 que nous avons pu nous retrouver, après un premier contact au FIBD, pour enregistrer cette longue interview.

Sont abordées de nombreuses choses : le paysage éditorial en Russie, le nombre de comicshops que l'on peut retrouver, la place de la bande dessinée d'un point de vue culturel et national, mais aussi la façon dont les comics et les BD françaises sont éditées, jusqu'aux problématiques de censure et des contenus. On parle même du débat souple/cartonné qui a aussi lieu en Russie. Un entretien profondément enrichissant que nous sommes fiers de vous proposer, et que vous pouvez aussi écouter en podcast si vous êtes anglophones, via le podcast First Print. Ne manquez pas de partager et réagir à cet article si le travail fourni vous plaît.

Un immense remerciement à Clément Boitrelle qui s'est occupé de la traduction et retranscription de ce long entretien.

Bonjour Stepan ! Nous\nallons discuter de votre travail d’éditeur et de la publication de comics\nen Russie. Comment vous présenteriez-vous ? Comment êtes-vous arrivé à\ntravailler dans le comics ?

Hébien sur ma carte\nprofessionnelle figure un terme que j’ai inventé : je suis un\nprofessionnel du comics multi-tâches ! Cela fait déjà 13 ans que je\ntravaille dans le milieu du comics, ce qui est une longue période en\nRussie ! J’ai commencé ma carrière comme assistant dans un comic-shop. A\ncette époque, en 2012, nous avions également une toute petite maison d’édition qui\nétait rattachée au magasin. Nous publiions des licences très différentes. Vous\nsavez en Russie nous devons traduire tous les textes mais également les\nonomatopées en cyrillique, il faut redessiner tous les\n« BOOM ! », « SCRATCH » etc. Je me souviens que le\npremier album sur lequel j’ai travaillé en tant que re-designer fut Lost\nat Sea de Brian Lee O’Malley [ndt : A la Dérive, tout juste sorti chez HiComics].

Nos autres publications à l’époque\ncomportaient également Life of Che par Alberto et Enrique\nBreccia, Arrival par Shaun Tan, Le Chat du\nRabbin de Joann Sfar. Notre patron publiait vraiment tout ce qui\nlui tombait sous la main. Quand j’ai rejoint la maison d’édition, nous\ncommencions déjà à nous intéresser à des titres un peu plus mainstream. Je\ncrois que c’est en 2013 où nous avons tous économisé pour acheter notre\npremière grosse licence qui fut le Adventure Time de Bryan\nTurner. Je ne sais pas comment se portait la licence en France à cette\népoque, mais en Russie elle était très populaire. On trouvait évidemment des\ntraductions pirates sur internet mais nous avons décidé d’en réaliser une\nofficielle avec la publication, et ce fut un tremplin vers le succès !

Je\ncrois bien que l’année d’après nous avons démarché Marvel, entre temps\nje suis devenu l’éditeur en chef de la ligne Tortues Ninjas etc. Il y a\neu un véritable effet boule de neige. J’ai été amené à devoir vendre des\nalbums, j’ai fait un peu de traduction. Je suis devenu gérant de licences, j’ai\nfait également un peu de managing. J’ai travaillé sur les séries Walking\nDead, un peu de Transformers et même sur Spider-Man.

$\"images/editeur/Arno/Janvier$

A vos débuts, vous avez donc\ntravaillé dans un comic-shop. Combien y en-a-t-il en Russie ? Est-ce\nfacile de trouver des comics quand vous n’habitez pas St Pétersbourg ou\nMoscou ?

Vous savez, nous vivons\nactuellement à l’époque des boutiques en lignes et des livres numériques. Nous\navons par exemple notre propre Amazon, qui s’appelle d’ailleurs Azon. C’est\ndonc plutôt facile aujourd’hui mais en 2012, et même avant, il n’y avait que\ntrès peu de boutiques de comics. Je viens de St Pétersbourg, c’est la deuxième\nplus grande ville et la capitale culturelle de Russie. Il n’y avait qu’une\nseule boutique à cette époque et vous ne trouviez qu’une seule table dédiée aux\ncomics lors des marchés du livre. Les années 2016 et 2017 sont considérées\ncomme l’âge d’or de l’édition de comics en Russie et c’est à cette période que\nbons nombres de boutiques spécialisées virent le jour dans tout le pays, on en\ncomptait quelque chose comme 400 je crois. Un de mes amis qui s’avère être le seul\njournaliste spécialisé dans les comics du pays a vérifié il y a quelque temps\nlesquelles étaient encore en activité ; il est arrivé au nombre de 150-200 maximum. On\nparle en plus de toutes petites boutiques qui ne vendent pas que des comics\nmais également des mangas et des récits de super-héros. C’est donc à ça que\nressemble le marché à l’heure actuelle. En 2012, nous vendions principalement\ndes comics en anglais. Nous les achetions directement sur Amazon et à l’époque\npersonne ne savait s’en servir ! Une fois arrivés en magasin, nous les\nrevendions…

Vous n’utilisiez donc pas de\nsystème de distribution classique ?

C’est justement assez insolite\ncar quand j’ai commencé à travailler dans ma maison d’édition, nous avions\nsigné un contrat avec Diamond. Nous avons essayé de travailler avec eux\nmais comme nous sommes en Russie, le système bureaucratique est tellement\nlourd, qu’amener des comics par des voies officielles vous casse vraiment le\ncul ! Et en plus c’est très cher ! A bien des aspects, en termes de\ndistribution, la Russie est au même niveau que \"le tiers monde\". Nous avons donc\nfait le choix de procéder ainsi : nous faisions livrer par Amazon les\ncomics en Finlande (St Pétersbourg est à environ 400 kilomètres d’Helsinki). Nous\nprenions un gros van direction la Finlande, on réceptionnait nos commandes, et\non traversait la frontière à nouveau en expliquant aux douaniers qu’il\ns’agissait là de notre propre collection de comics. On peut parler de marché\nnoir à ce stade !

J’imagine que même avant la\nguerre en Ukraine, il était difficile d’importer directement des Etats-Unis ou\nd’Union Européenne des comics. Après avoir publié des licences comme les\nTortues Ninjas, étiez-vous intéressé par la publication d’œuvres\nfrançaises ?

Comme je vous le disais, nous\navions déjà publié quelques œuvres par des artistes français comme Joann\nSfar ou par exemple 3 Secondes de Marc Antoine Mathieu.

C'est vrai, oui, et un album très expérimental…

Tout à fait ! Aujourd’hui\nnotre maison d’édition s’appelle KOMILFO, qui est une expression\nfrançaise d’ailleurs ! Nous étions, et sommes encore d’ailleurs, une\nmaison d’édition grand public aux côtés d’une autre compagnie qui s’appelle Bumkniga,\ndans laquelle travaille mon ami Dmitry Yakovlev. Cette maison était\nd’abord spécialisée dans l’édition d’albums un peu plus\n« artistiques » comme ceux de Marjane Satrapi, Marc Antoine\nMathieu et beaucoup d’autres dont les noms m’échappent ! Dmitry\na réussi à monter plusieurs projets culturels grâce à des subventions fournis\npar certaines ambassades ou des programmes culturels ce qui lui a permis\nd’amener un album Marc Antoine Mathieu en Russie. Comme nous sommes bons\namis, nous avons publié ensemble ce premier album. En 2017 nous avons également\npublié Wilfrid Lupano ainsi qu’un autre… C’est un album muet…

Vous savez, je suis surtout\nspécialisé en bande dessinée américaine !

En tout cas, comme je vous le\ndisais, nos publications étaient vraiment très variées. Et pour vous dire la\nvérité, en 2014 lors des tensions politiques avec la Crimée, le taux de change\npour la rouble Russe a véritablement chuté. Ce fut un vrai challenge que de\nsurmonter ces difficultés. Cela dit, il est vite devenu beaucoup plus logique\npour nous d’acheter directement des licences, de les traduire et les imprimer\ndirectement en Russie que de faire venir les livres de Finlande, car il faut\nchanger de devise pour faire la transaction ! Aussi ramener toute la\nproduction en Russie était une meilleure alternative.

A-t-il été difficile d’entrer\nen contact avec des éditeurs américains ?

Pas vraiment non. De 2012 à 2022,\nc’était même plutôt facile. Certaines maisons d’éditions avaient déjà des\nreprésentants en Russie qui les aidaient pour gérer leurs licences. Si l’on\nprend l’exemple des Tortues Ninjas… La maison d’édition Umnitsa Masha,\nqui se traduit par « Masha la Maligne ». Est-ce que vous connaissez\nce dessin animé un peu stupide qui s’appelle « Masha et\nl’Ours » ?

Euh non… Je crois que je suis\ntrop vieux…

Il est très populaire en Russie !\nEnfin bref, cette maison d’édition était très forte pour acquérir des licences et\nc’est grâce à eux que nous avons réussi à acheter la licence Tortues\nNinjas à Nickelodeon et Viacom. Marvel travaillait\ndéjà avec Panini et il a alors été facile de travailler avec eux. Nous\nétions même parfois en contact direct, comme avec Dark Horse par\nexemple. C’était donc plutôt facile à cette époque.

Panini travaillait déjà avec\ndes éditeurs russes ?

Tout à fait oui… Dans le monde\nd’avant, tous les pays travaillaient main dans la main [rires] ! Il était\ndonc beaucoup plus simple de signer des contrats, acheter des licences, faire\ndes traductions… Même inviter des artistes en Russie !

C’était effectivement une\nautre de vos activités : vous organisiez des conventions et des évènements\nautour de la culture comics.

Nous avons commencé avec une\npetite manifestation qui s’appelait « Le plus grand comic-shop de la\nville » ou quelque chose comme ça, et qui est rapidement devenu la « Micro\nComic Con » ! C’était un petit évènement local qui se déroulait tous\nles ans. Evidemment à Moscou il y avait la Moscou Comic Con, qui n’était\nd’ailleurs qu’une partie d’une plus grosse convention dédiée aux jeux-vidéo, la\nIgroCon. De notre côté, nous arrivions à faire venir quelques auteurs à\nnos conventions. Notre tout premier invité fut Simon Hanselmann à\nl’époque où il vivait encore en Australie ! Comme nous publiions Howard\nthe Duck à l’époque, nous avons également reçu Chip Zdarsky (il\nme semble d’ailleurs qu’il s’agissait du principal titre de son répertoire que\nnous publiions !). Nous avons ensuite décidé d’organiser notre propre\nfestival à Saint Pétersbourg que nous avons appelé le « Big\nFestival ». Nous avons pu inviter par exemple des animateurs comme Patrick\nMc Hale qui a travaillé sur Over the Garden Wall ou Alex\nHirsch qui a créé Gravity Falls. Nous avons également\nreçu Mateus Santolouco…

Que nous connaissons bien en\nFrance.

Oh d’ailleurs Kevin Eastman\na été notre invité une année !

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Un p’tit gars qui a fait deux\ntrois trucs dans son coin !

C’était une période très chouette,\nnotre petit festival avait du succès. Vous savez, beaucoup d’américains se\nplaignent de la Comic Con qui n’existe que pour vendre des jouets et du\nmerchandising, eh bien c’est la même chose pour la version Russe : il\ns’agit avant tout de vendre des jeux-vidéo. Notre festival avait pour objectif\nde rencontrer les artistes, voir comment ils travaillaient à l’étranger, organiser des\nconférences etc. Je tiens également à mentionner Dmitry Yakovlev qui,\nquelques années avant la création de notre festival, a créé l’équivalent Russe\ndu festival d’Angoulême, le BoomFest ! Cela se déroulait à Saint\nPétersbourg, il y avait des expositions et pleins de visiteurs du monde\nentier ! Son festival s’intéressait surtout aux dessins et à la bande\ndessinée plus généralement.

Si je comprends bien, ce genre\nd’évènements se déroulaient surtout à Saint Pétersbourg, que vous avez\nd’ailleurs qualifié de capitale culturelle, plutôt qu’à Moscou. S’agissait-il\nd’une question de distance entre ces deux villes ?

Eh bien, il aurait toujours été\nplus économique d’aller à Moscou car la ville est tellement grande qu’il y a\ntoujours des vols, il y a trois aéroports ! Mais vous savez à Moscou, tout\nest question d’argent alors qu’à Saint Pétersbourg, c’est la culture qui est au\npremier plan, que ce soit dans la ville ou bien dans l’esprit des habitants. Il\ny avait de grosses maisons d’édition qui publiaient un peu tout et n’importe\nquoi, tandis qu’à St Pétersbourg, les éditeurs savent ce qu’ils font et se\ndémènent pour le faire bien. D’ailleurs, quelques années avant la crise du\nCOVID, une des plus grosses maisons d’édition, EKSMO, qui est un peu le Hachette\nrusse, a acheté KOMILFO. Mais à cette époque j’avais déjà été viré de KOMILFO\net je travaillais en indépendant ! Après le rachat, KOMILFO m’a\nelle-même repris ! Aujourd’hui vous avez beaucoup d’éditeurs qui ont été\nracheté par des grosses compagnies moscovites, tandis qu’à Saint Pétersbourg,\nil reste quelques petites maisons d’édition.

Donc aujourd’hui vous faites\ntechniquement partie du groupe EKSMO ?

C’est ça oui.

Faites-vous toujours partie de KOMILFO ou bien vous êtes un affilié à cette dernière ?

Je vais faire de mon mieux pour\nvous raconter l’histoire de façon la plus simple ! [rires] J’ai été viré\nen 2016 de mon poste chez KOMILFO pour des raisons personnelles. Certaines\nde mes connaissances m’ont très gentiment aidé à retrouver du travail dans une\ntoute petite maison d’édition appelée KOMFEDERATION où je suis devenu\néditeur en chef. Cette maison d’édition s’occupait surtout de publier des\ntitres beaucoup plus underground par des auteurs russes. C’est ainsi que j’ai\npublié Prison Pit de Johnny Ryan, Fante Bukowski et\nbeaucoup des titres publiés chez Fantagraphics et chez Drawn and\nQuarterly. Et bien évidemment j’ai publié beaucoup d’artistes russes, ce\nqui a permis de développer une culture comics propre à la Russie. Il faut\nsavoir que je travaillais seul, j’étais donc soumis à beaucoup de stress et\nj’étais quasiment en burn-out.

Nous avons également ce genre\nd’éditeurs en France où il n’y a qu’une seule personne. Ce genre de maisons\nd’édition ne peuvent subsister que si vous avez l’énergie pour le faire.

Aussi en 2019, alors que je\nvenais d’avoir 30 ans, mon ancien patron m’a contacté et m’a demandé si j’étais\nintéressé par un rachat. Je lui ai répondu : « Faites ce que vous voulez,\nachevez-moi ! ». Je suis donc devenu rattaché au département comics\nd’EKSMO pendant un moment. Puis le COVID est arrivé et il fut très\ndifficile de travailler dans l’édition, et ce dans le monde entier. Cela dit,\nce fut extrêmement compliqué pour les éditeurs indépendants russes. Je\ntravaillais de la manière suivante : je publiais environ 1000 exemplaires\nd’une œuvre indépendante. Vous savez, 1000 livres, c’est beaucoup pour le\nmarché russe. A titre d’exemple, un trade paperback de Spider-Man tourne\naux environs de 3000 exemplaires pour 145 millions d’habitants, ce qui n’est\npas grande chose.

D’autant que quand on parle de\n3000 albums, cela ne comprend que les livres imprimés, et non le nombre\nd’exemplaires vendus.

Exactement. Je publiais donc un\nmillier d’exemplaires d’une œuvre d’un artiste local qui seraient vendus lors\nd’un évènement, une séance de dédicace par exemple. Si je parvenais à en vendre\n300, c’était un jeu d’enfant de vendre le reste. Mais à cause du COVID, on ne\npouvait plus organiser de rencontres, donc plus de dédicaces etc. A ce sujet,\nappartenir à l’entreprise qui détient le monopole a été bénéfique durant cette\npériode. Nous avons donc survécu durant deux ans jusqu’à ce que la guerre en\nUkraine éclate. Dès lors ce fut de plus en plus compliqué de travailler,\nnotamment en rapport avec la liberté d’expression. Et évidemment, la grande\nmajorité des comics underground abordent ce sujet ! Nous avons donc décidé\nd’arrêter la marque KOMFEDERATION, nous l’avons d’ailleurs arrêtée dès\nmon départ de la Russie pour l’Europe. A l’heure actuelle, KOMILFO est\nencore en activité et je suis en quelque sorte l’éditeur en chef de toute la\nsection « BD étrangère ».

Avant cet entretien vous\nm’expliquiez que la publication de comics en Russie est très différente qu’en\nFrance ou en Europe. Pouvez-vous nous expliquer comment cela fonctionne ?

Alors, dans un premier temps il\nfaut savoir qu’en Russie, le comics n’est pas du tout populaire ! Si on\ncompare avec les pays de l’ex Yougoslavie, ces derniers possèdent une culture\nde la bande dessinée bien plus ancrée, alors qu’en Russie ce type de livre n’a\njamais été populaire. Evidemment nos parents lisaient des comics mais cela\nn’était jamais appelé comme tel, on parlait de « smeshnye kartinki »,\nc’est-à-dire des « images rigolotes » que l’on trouvait dans des\nmagazines pour enfants. J’ai également suivi des cours sur l’histoire des\ncomics en Russie, donc je connais la raison sous-jacente mais ce sera sans\ndoute pour la prochaine fois ! [rires] Les comics n’ont donc jamais été\npopulaires. Je crois que le premier effort pour publier des comics à\ndestination d’un large public s’est passé un peu après la chute de l’Union\nSoviétique et l’abolition du rideau de fer. J’étais enfant à l’époque et je me\nsouviens que les franchises disponibles étaient très variées comme Indiana\nJones, Jurassic Park et les Tortues Ninjas.

Déjà à cette époque !

Hé oui déjà ! Oh et il y\navait Elf Quest également ! Je me suis toujours demandé ce\nqui avait poussé quelqu’un à vouloir publier ce comics en Russie ! Si vous\nnous lisez, merci à vous ! Grâce à Elf Quest, le moi de huit\nans a connu ses premiers fantasmes ! [rires]\nEnfin bref… Les crises économiques se sont succédé… Aussi quand je suis arrivé\ndans le milieu, vers le début des années 2010, il n’y avait que quelques\néditeurs indépendants qui essayaient de publier par eux-mêmes des albums. Il\nn’y avait aucune grosse maison d’édition. De temps à autres, de grosses enseignes\ncomme Azbooka ou Amphora mettaient la main sur des licences suite\nà la sortie d’un film par exemple. C’est ainsi que furent par exemple publié Watchmen,\n300 ou Sin City de Frank Miller.\nCela dit leurs ventes furent très faibles car personne ne s’y intéresse…

Vraiment ?! Pourtant tout\nce qu’a pu faire Frank Miller est considéré comme un chef d’œuvre dans le reste\ndu monde ! Il est très apprécié en occident ! Il est intéressant\nd’observer que malgré les films, il n’attire pas plus que ça en Russie.

Disons que les ventes furent\nconvenables. Il y avait bien quelques éditeurs indépendants qui tentaient de\npublier du Marvel en single issue à cette époque, ce qui est plutôt\nbizarre quand on y pense mais c’est malgré tout grâce à ces albums que je suis\nrentré dans le métier. Je voulais faire la même chose ! Cela dit, grâce\naux films Marvel, les comics ont commencé à devenir de plus en plus\npopulaires. Je crois bien qu’à l’heure actuelle, notre plus gros best-seller\nreste Deadpool Kills the Marvel Universe, nous avons dû en vendre\nquelque chose comme 90 000… Ou peut-être 60 000… Je ne me souviens\nplus du nombre exact…

Cela reste énorme !

Tout à fait. Il n’y a pas\nbeaucoup d’autres exemples du même type. Peut-être Rick et Morty,\nmais je n’en ai pas d’autres qui me viennent à l’esprit.

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Quand vous éditiez ces albums,\ncomment faisiez-vous pour choisir quels titres vous alliez publier ? Pourquoi\navoir choisi Deadpool Kills the Marvel Universe quand il existe tant\nd’autres titres Deadpool, et de récits chez Marvel ? Spider-Man est par\nexemple très populaire, tout comme Avengers ou X-Men… Pourquoi les lecteurs\nrusses seraient plus intéressés par un type qui tue l’univers Marvel ?

C’est intéressant car je ne pense\npas que Spider-Man est aussi populaire que Deadpool en Russie !

C’est peut-être une question\nde culture ?

Sans doute oui…

Vous ne pouvez pas trop\nl’expliquer de manière rationnelle ?

Je pense pouvoir l’expliquer… Évidemment,\nles lecteurs de mon âge associent Spider-Man à leur enfance. Nous n’avions\ncertes pas de comics mais il y avait le dessin animé de 1994.

Et peut-être aussi des jouets\nà son effigie ?

Quelques-uns oui. Au sein de\nnotre maison d’édition, nous essayions de publier les titres que nous aimions\nle plus. En tant qu’éditeur, c’est toujours une bonne chose de publier deux\ntitres pour votre lectorat et un pour vous ! Aussi les premiers titres que\nnous avons acheté furent des albums Marvel, c’était l’idée de mon ancien\npatron et de mes collègues. Les trois premiers titres que nous avons publiés\nfurent Deadpool Kills the Marvel Universe, Hawkeye de\nMatt Fraction et David Aja ainsi que le Daredevil\nde Mark Waid. Ce furent donc nos trois premiers « pas »\ndans l’édition ! Nous avons ensuite acheté de plus en plus de titres\nSpider-Man. Certaines de ces histoires avaient d’ailleurs déjà été publié\nauparavant par une maison d’édition davantage spécialisée dans les ouvrages\ndits « classiques », tels que des romans. Ils avaient par exemple\nédité Secret Invasion mais bien avant que toute l’industrie du\ncomics n’apparaisse en Russie.

Civil War également ?

Tout à fait, toujours par cette\nmaison d’ailleurs appelée « Comic books limited » ou quelque\nchose du genre. Mais encore une fois, ces albums sont parus bien avant\nl’émergence de toute l’industrie comics en Russie. Je me souviens avoir acheté\nces titres durant des soldes sur Amazon pour moins d’un euro !

Mais il s’agissait bien de\ntitres publiés de manière officielle ?

Oui oui, j’ai d’ailleurs eu droit\naux coulisses de leur publication grâce au type qui y travaillait et qui était\nen charge de l’édition. Si vous vouliez acheter un titre Spider-Man, il\nfallait également acheter un titre des 4 Fantastiques. Il était\nen effet important pour Marvel et Panini d’avoir des titres 4\nFantastiques présents sur le marché russe, mais en Russie tout le\nmonde se moque de ces personnages !

Surtout si l’on prend en\ncompte l’origine des 4 Fantastiques dans le contexte de la course à l’espace\nentre les Etats-Unis et l’URSS à l’époque. Nous parlions des différences en\ntermes de publication, et vous m’expliquiez que les comics n’étaient pas forcément\ntrès populaires en Russie.

Parlez-vous des comics étrangers ou\nbien de l’ensemble du marché ?

Nous pouvons parler des comics\nétrangers puis parler de la production locale.

Très bien. Comme je vous le\ndisais, il y a très peu de comic-shop en Russie. A Moscou et à Saint\nPétersbourg il y a deux boutiques très sympas avec des employés qui peuvent\nvenir vous conseiller et vous aiguiller sur les titres à lire. En ce qui\nconcerne le reste du pays, et je vous rappelle que la Russie est un pays\nimmense, vous ne pouvez pas trouver ce genre de services en boutique. Vous avez\ndonc la possibilité d’utiliser internet. Mais pour vous dire la vérité, je\ncrois bien que nous ne savons pas encore faire la promotion et vendre nos\npropres albums ! Nous n’en sommes qu’à nos premiers pas dans ce\nmilieu !

Je me souviens qu’à l’époque nous avions sur l’équivalent Russe\nde Facebook, VKontakte, des groupes locaux sur lesquels nous annoncions\nles titres que l’on venait de publier, et c’est tout ! Il n’y avait pas de\ncommunauté en tant que telle, nous nous contentions de faire le déplacement\nlors d’évènements locaux où nous essayions de vendre nos titres. Il n’y avait\npas d’industrie à proprement parler. Comme je vous le disais plus tôt, il y\navait bien une Comic Con mais je crois bien que sa première édition remonte à 2015\nou 2016 et le comics ne représentait qu’une toute petite partie de l’évènement.\nIl y avait bien un autre festival à Moscou dédié à la bande dessinée, KomMissia,\nmais qui n’était pas centré sur la vente de comics étrangers. Il s’agissait\nplus pour des artistes russes de rencontrer d’autres artistes russes. Ce qui\nest d’autant plus bizarre c’est que par exemple Brian Bolland a\nété invité lors de ce festival, alors qu’aucun de ces albums n’étaient édités\nen Russie à l’époque ! Il est donc venu dire bonjour, faire quelques\nconférences, et il est rentré chez lui !

Killing Joke n’était\npas édité non plus ?

Hé non… A l’heure actuelle, il\nexiste une édition de Killing Joke. Oh ce qui me\nfait penser à la place de DC en Russie !

Effectivement nous avons\nsurtout parlé de Marvel jusqu’à présent.

Nous étions spécialisés dans\nl’édition de titres Marvel, mais notre némésis était spécialisée dans l’édition de titres DC ! Ils avaient une philosophie\ndifférente dans leurs échanges avec DC. Marvel était prêt à\nvendre leurs licences à n’importe qui, même aux plus petits éditeurs, ils\npouvaient leur vendre par exemple trois singles issues sans aucun problème. Je\npense que c’est d’ailleurs pour ça que Marvel s’est effondré sur le\nmarché russe : il y avait trop de titres publiés chez onze maisons\nd’édition différentes ! Je pense par exemple à Foolkiller, Spider-Gwen…

Spider-Gwen\nétait plutôt populaire, ce qui n’est pas le cas pour Foolkiller… En\nFrance et dans la plupart des pays Européens, il n’y a qu’une seule maison qui\npossède les droits de publications des titres Marvel, il s’agit de Panini. On\nles retrouve même au Brésil. Mais donc en Russie, si par exemple je voulais\néditer un titre Spiderman, je pouvais rentrer en contact avec Marvel pour\nnégocier les droits ?

Avant la guerre en Ukraine oui.\nCe qui est amusant c’est qu’ils essayaient de garder les mêmes héros chez les\nmêmes éditeurs. Vous aviez par exemple Spider-Man, Daredevil et Deadpool\nchez tel éditeur, Thor chez un autre etc. Les plus petits éditeurs\ntentaient de grapiller les miettes. Je me souviens qu’un éditeur avait réussi à\nacquérir les droits pour les Marvel Original Graphic Novels qui\ncomprenaient Spider-Man, le Surfeur d’Argent etc. C’était\nfou ! Un autre éditeur qui avait obtenu les droits de la série Ultimates\ns’est mis à éditer Ultimate Spider-Man. C’était le Far West !\nJe me souviens que mon ancien patron achetait des titres pour éviter qu’ils ne\ntombent dans les mains de potentiels concurrents !

Est-ce que vous finissiez par\nles publier quand même ?

Oui oui, nous éditions tout. En\nce qui concerne DC, ils ont eu pendant très longtemps un seul partenaire :\nAzbooka. Je n’étais vraiment pas en accord avec leur manière de\ntravailler. La philosophie que nous partagions avec mes collèges et mon patron\nétait la suivante : la Russie ne dispose pas d’une culture comics en tant\nque tel. Pour la créer, il faut la développer. Et pour la développer, il faut\nrendre les comics abordables. Il faut qu’un lecteur lambda qui vient en\nlibrairie pour s’acheter un roman comme du Tolkien par exemple, puisse voir des\ncomics et se dire « Tiens, si j’essayais ? ». Les livres en\nRussie coutent beaucoup moins cher qu’en Europe, même maintenant avec toutes\nles sanctions économiques ! Pour mille roubles, ce qui correspond\naujourd’hui à environ dix euros, vous pouviez acheter à l’époque trois\npaperbacks.

Ok… Ça fait beaucoup\neffectivement !

Le taux de change était différent\nà l’époque mais grosso modo, 10-15 euros vous donnaient accès à trois albums.

Aujourd’hui c’est tout juste\nun livre en France !

C’était donc notre philosophie à\nl’époque : il fallait que les gens puissent risquer d’investir une dizaine\nd’euros. Si vous achetiez par exemple Deadpool Kills the Marvel Universe,\nHawkeye et Daredevil, si le premier ne vous plaisait\npas, vous aviez le deuxième qui vous touchait peut-être davantage. A l’inverse,\nnotre ancien concurrent publiait des éditions très chères, comme des éditions\ncollectors par exemple avec un dos toilé, des bonus à l’intérieur. Killing\nJoke par exemple a été publié avec le script, les crayonnés etc. Ce qui\nrendait ces ouvrages très chers. Ils se concentraient forcément sur les\npersonnages les plus populaires comme Batman ou Superman. Ils\navaient donc de très bonnes ventes car tout le monde aime Batman, ce que\nje ne comprends pas mais bon…

Vraiment ?

Je n’aime pas vraiment Batman…

Comment ça ?!

C’est sans doute parce que je\nsuis de gauche ! [rires] Les récits sont intéressants et les dessins\nsuperbes mais quand même…

Vous n’aimez pas l’idée d’un\nmilliardaire qui se déguise en chauve-souris pour tabasser des pauvres…

C’est ça oui.

Je comprends, c’est une vision\nplutôt commune du personnage.

Tenez, c’est un peu hors sujet,\nmais vous savez qu’en Russie, les comics ne sont jamais dénommés\n« comics » en tant que tel ? Il y a une raison derrière ça, et\ncette raison s’explique à cause de Batman et Superman. Après la\nfin de la Deuxième Guerre Mondiale, vers la fin des années 40, début des années\n50, un des auteurs russes pour enfants les plus célèbres se rendit aux\nEtats-Unis dans le cadre d’un échange culturel. Nous étions juste avant\nl’apparition du Comics Code américain et il y avait de très nombreux\ncomics d’horreur, de crimes etc. Aussi, quand ce vieux bonhomme soviétique a\ndébarqué aux Etats-Unis et vit ce qu’il se passait…

Il fut scandalisé ?

Exactement ! Une fois rentré\nen URSS, il écrivit un long article intitulé… Je ne me souviens plus trop de la\ntraduction mot à mot mais le titre ressemblait à quelque chose comme : « Comment\nles comics ravagent l’esprit des jeunes américains ».

Vous avez donc eu votre propre\nFredric Wertham.

Tout à fait. Il explique dans son\narticle qu’en substance, les comics illustrent le fait que la société ne peut\nrien faire contre le crime et que la solution ne peut provenir que d’un\nscientifique ou d’un milliardaire. La police ne pourra jamais vous venir en\naide, vos amis ou votre famille ne pourra pas vous aider non plus. Et pour un\nsoviétique qui était convaincu que la communauté peut tout régler, c’était la\nchose la plus stupide imaginable. Ce que je trouve drôle c’est qu’aux États-Unis dans le même temps, si je me souviens bien, les parents pensaient\nque les comics n’étaient que de la propagande communiste ! Mais revenons au\nsujet principal !

Vous expliquiez que les\npublication russes DC étaient plus chères. Gardez à l’esprit que si vous n’avez\npas de lectorat, vous ne pouvez pas avoir d’édition collector. Est-ce que ce\ngenre d’édition trouvait suffisamment preneur pour être rentable ?

Je ne sais pas si vous avez le\nmême débat en France mais en Russie il y a ce clivage très fort entre les gens\nqui préfèrent les éditions en « hardcover » et ceux qui préfèrent le\nformat souple.

C’est le cas en France aussi.

Mais en France vous pouvez avoir\nles deux formats ?

Pas vraiment car certains\néditeurs il y a un peu plus de dix ans, vers 2012, et je pense notamment à\nUrban Comics, ont décidé de publier leurs titres DC en cartonné uniquement. A\nl’époque, cela était plus économique de les publier ainsi et vous pouviez les\nvendre à un prix plus raisonnable, ce qui n’est plus le cas aujourd’hui. Mais\nbien avant ça, le format souple était la norme. Depuis l’arrivée d’Urban sur le\nmarché, tous les autres éditeurs ont arrêté la publication de format souple au\nprofit du cartonné. Pour autant, nous observons aujourd’hui un retour du\nformat souple car c’est un format qui redevient plus économique. Nous avons\ndonc bel et bien ce débat aussi en France. Certains préfèrent le dur car\nles albums s’abîment moins, d’autres le souple car c’est moins cher… C’est un\néternel débat…

Je vois ce que vous voulez dire\ncar pas plus tard qu’hier je suis passé chez Aaapoum Bapoum et j’ai\naperçu Preacher en format souple…

Ah mais c’est en format\npoche ! Vous pouvez avoir l’édition cartonnée pour environ 30 euros et\nla version poche pour 10.

En ce qui concerne la Russie,\nvous ne pouvez avoir que des formats trade paperback ou bien des hardcover.\nPendant très longtemps, les titres Marvel étaient édités en trade paperback, et\nDC en hardcover. Cependant, depuis 2019, nous avons commencé également à publier\nnotre propre édition collector que nous avons appelé la « Marvel Golden\nCollection » dans laquelle nous rééditons d’anciens récits édités\navant notre entrée sur le marché comme Civil War…

Y-a-t-il une industrie dédiée\nà l’impression en Russie, ou bien faites-vous appel à des sous-traitants\nétrangers ?

Non nous imprimons tout en Russie.\nC’est un pays très grand avec beaucoup d’arbres ! L’entreprise\nd’impression avec laquelle nous travaillions était super mais peu d’entreprises\npouvaient réaliser par exemple une couverture en relief ou ajouter un effet de\nbrillance… Mais nous n’avions jamais trop de problèmes en temps normal. A cause\ndes sanctions actuelles, c’est devenu plus coûteux. Aux premiers jours de la\nguerre en Ukraine, nous avons découvert avec surprise que la plupart des\nproduits utilisés pour rendre le papier blanc venaient de Finlande, et de\nnombreux pays avaient décidé de stopper leurs relations avec la Russie. Et donc\nau début du conflit, le papier blanc est devenu tellement cher que maintenant\nnous utilisons du papier recyclé un peu marron… Il serait cependant possible et\nplus économique d’imprimer en Chine mais comme la Russie est un pays très\nbureaucratique, mes collègues et moi-même ne voulons pas nous frotter à ce\ngenre de casse-tête.

Sans oublier la distance qui\nsépare Saint Pétersbourg de la Chine…

Je sais que les gros éditeurs\ncomme EKSMO ont établi des réseaux entre les deux pays et vous n’êtes\npas sans savoir qu’en ce moment la Russie et la Chine sont très amis !\nMais cela représente beaucoup trop de paperasse et comme tout bon Russe, je\nhais la paperasse administrative ! C’est dans nos gênes ! Oh et en\nparlant d’héritage, de hardcover etc. Durant l’époque soviétique, ce débat sur\nle format faisait déjà rage. De nombreux livres étaient édités en Russie ;\nje pense à Hemingway et tant d’autres qui furent publiés à des millions\nexemplaires en format rigide. J’ai en tête mon grand-père qui possédait des\ncentaines de romans d’aventures en hardcover. Mais dans le même temps, comme\nil y avait de la censure, tous les auteurs interdits comme Soljenitsyne qui\ncritiquaient l’Union Soviétique mais qui y résidaient, étaient publiés dans des\néditions plus artisanales par des particuliers, ces livres étaient publiés en\nformat souple. Après la chute de l’URSS, beaucoup de russes ont gardé en tête\ncette conception : si vous voulez quelque chose de sérieux et d’officiel, il\nfaut que votre livre soit en format cartonné. Si c’est du format souple, cela\nrelève plus de l’underground, de l’illégal.

Revenons au sujet qui nous\nintéresse…

Désolé c’est mon côté\nhyperactif !

Ne vous inquiétez pas, ces détours\ndans la conversation sont très intéressants et c’est aussi le but de ce type\nd’entretien. Si nous revenons au sujet de l’édition de licences, nous avons\ndonc vu qu’il y avait de grandes différences entre Marvel et DC. Qu’en est-il des\nautres éditeurs comme IDW ou Dark Horse ? Est-ce que cela fonctionne de la\nmême manière pour les Tortues Ninjas par exemple ? Je suppose que vous\navez les droits pour la série de Tom Waltz, mais est-ce également le cas des\ndifférents spin-offs ?

Concernant les Tortues Ninjas,\nnous avons effectivement acheté l’ensemble de la série. Avez-vous déjà entendu\nparler de cette hypothèse selon laquelle les idées flottent autour de nous et\nque parfois elles traversent l’esprit de différentes personnes au même\nmoment ? Quand nous sommes entrés en contact avec notre interlocuteur chez\nNickelodeon pour acquérir les droits de la série de Tom Waltz,\non nous a averti qu’un autre éditeur avait déjà acheté les droits de la série originelle,\ncelle de [Peter] Laird et [Kevin] Eastman. Ce qui est drôle c’est\nque nous avons sorti le premier numéro de notre série en même temps que la\nleur ! Il y avait donc un peu de concurrence mais sans animosité. Cela dit\nil y a eu une bonne raison pour laquelle nous avons arrêté de publier les Tortues\nNinjas : l’intermédiaire qui gère les licences s’occupe également\ndes produits dérivés. La personne avec qui nous travaillions au début était\ntrès compréhensive de la complexité du marché et des difficultés que l’on\npouvait rencontrer. Sa remplaçante n’avait pas la même vision, il fallait\nsurtout vendre des jouets, des livres pour enfants et pleins d’autres produits\ndérivés.

On nous a fait comprendre que si l’on voulait continuer à publier les Tortues\nNinjas, il fallait leur faire une nouvelle offre à disons, deux millions de\nrouble. Ce n’est clairement pas possible d’amasser une telle somme en Russie\ndans le comics, et c’est ainsi que nous avons dû arrêter la publication. Concernant\nImage, nous avons acheté la série Walking Dead en entier\nmais d’ordre général, j’essaie de rester prudent quand nous achetons des\ntitres. J’essaie toujours de voir si les premiers albums se vendent\ncorrectement, au risque de laisser tomber telle ou telle série. C’est toujours\nle risque quand vous éditez des séries ongoing, les Américains peuvent annuler une\nsérie au bout de quelques numéros. Je parle en état de cause car j’étais\néditeur de Manhattan Projects et Sex Criminals.

Sex Criminals n’a\njamais été terminé en France non plus… Glénat n’a publié que la moitié de la\nsérie…

Oh d’accord… En ce moment par\nexemple nous éditons Last Man. Nous publions les\nsix premiers volumes pour voir si l’on parvient à vendre du manga français sur\nle marché russe, ce qui reste très dur. Nous nous en sortons plutôt, nous avons\nréalisé une campagne de crowdfunding et avons réussi à vendre cinq cents\ncoffrets comprenant les six tomes. Pour ce genre de publication, c’est un franc\nsuccès ! C’est ainsi que nous fonctionnons : on en achète quelques\nvolumes, on regarde comment ils se vendent et décidons de continuer ou non.

Vous fonctionnez donc de la\nmême manière avec les éditeurs américains qu’européens comme Casterman qui\npossède les droits de Last Man.

Tout à fait. Mais comme je\nl’expliquais, les éditeurs américains à l’heure actuelle ne travaillent plus\navec la Russie et ce depuis la guerre.

Donc depuis février 2022 ?

Exact.

Vous ont-ils notifié le jour\nsuivant où ont-ils tout simplement coupé les ponts ?

Hé bien ils ont coupé les ponts…

Ils savent pourtant bien que\nvous n’êtes pas responsable du conflit ?

C’est vrai mais vous savez c’est\nle business, je les comprends. Evidemment quand le conflit a éclaté, tout le\nmonde était abasourdi qu’une telle chose puisse se produire. Dans un premier\ntemps nous avons attendu de voir comment les choses allaient se passer mais\nc’était silence radio de la part de nos partenaires mais ils ont fini par nous\ncontacter en nous disant qu’ils ne pouvaient plus travailler avec nous. A ce\nsujet j’ai deux manières de voir les choses : d’un point de vue personnel,\nje ne pense pas que cela soit très juste de leur part car nous restons les\nmêmes malgré tout, nous sommes les mêmes personnes. Il n’y a pas énormément de\nrusses qui soutiennent ce conflit… Mais d’un point de vue professionnel, je les\ncomprends. Je comprends par exemple que Disney ne veuille pas être discrédité\ncar l’entreprise travaille avec la Russie. Au moins nos partenaires ont bien\nvoulu que nous continuions à publier les séries pour lesquelles nous avions\ndéjà signé des contrats, c’est ainsi que des titres Marvel ont pu être\npubliés en Russie jusqu’à fin 2023. Merci Panini et Marvel !\nEn revanche, d’autres sont restés silencieux malgré la signature de contrats,\net le sont encore d’ailleurs ! [rires]

Comme je voyage un peu partout et\nque je vais dans des foires aux livres, j’en rencontre certains qui me\nrépondent souvent que cela ne vient pas d’eux mais de leur hiérarchie. Ce que\nje comprends car j’ai aussi un patron… IDW s’est d’ailleurs manifesté\nl’an dernier, ce qui fut un petit miracle en soi ! [rires] Nous avons pu\nacquérir les droits de quelques séries. Nous publions en ce moment Dark\nSpaces et d’autres titres sont en production. DSTLRY a\nbien voulu que nous devenions leur distributeur en Russie. Somna\net Gone ont déjà été publiés et nous en sommes très fiers !\nC’est d’ailleurs une des raisons pour lesquelles je continue à travailler pour\nun éditeur russe. Comme je vous le disais, quand j’étais plus jeune, un type a\ndécidé de publier Elf Quest qui a construit une grande partie de\nmon imaginaire !

Vous voulez donc être ce type\npour une autre génération ?

Tout à fait ! A l’heure\nactuelle, nous sommes peut-être l’un des rares éditeurs à être en mesure de\npublier des œuvres étrangères traduites. Et je sais que les œuvres que nous\nallons publier ensuite seront lues par nos lecteurs. J’essaie de publier des\nhistoires qui permettront peut-être à nos lecteurs d’échapper un moment à la\nréalité brutale qui les entoure, ou bien leur permettre d’adopter un autre\nregard sur ce qui se déroule autour d’eux. Un des ouvrages que nous publions, Journal\ninquiet d'Istanbul, est un livre important selon moi. Je suis très fier\nd’avoir réussi à le publier en Russie, car cette histoire ne parle pas tant de\nla Turquie, mais plus de ce que l’on peut ressentir en vivant en Russie\nactuellement. Le récit se déroule dans les années 80 qui furent une période\nétrange et très conservatrice en Turquie puis dans les années 90 qui furent\ntrès violentes. Le livre parle également d’un chef d’état très puissant, qui\nest arrivé au pouvoir avec le soutien d’un pays mais qui finit par transformer\nla société en une entité très conservatrice. Je ressens la même chose en\nRussie !

Quand j’ai lu l’album, je savais que je voulais le publier en\nRussie. Vous savez nous avons cette blague en Russie : un Américain et un\nRusse parlent de la liberté d’expression. L’américain dit : « Je peux\naller sur la place centrale dans ma ville et crier ‘JE HAIS LE PRESIDENT DES\nETATS-UNIS !’ ». Le Russe répond : « Moi aussi je peux\naller sur la place centrale pour crier ‘JE HAIS LE PRESIDENT DES\nETATS-UNIS\nAUSSI !’ ». Vous voyez ? C’est pourquoi publier ces livres est\nimportant. Si on ne le fait pas, il n’y aura plus que de la propagande de\ndisponible pour les lecteurs, ceux pour qui je travaille depuis 13 ans\nmaintenant.

Vous y avez peut-être déjà\nrépondu mais cela m’amène à une autre question : y a-t-il une quelconque\nforme de contrôle dans ce que vous publiez ?

Il n’y a pas de censure\ngouvernementale à proprement parler. Je dirais qu’il y a plus une forme\nd’auto-censure à l’heure actuelle en Russie. Il y a énormément de lois très restrictives :\nla manière dont elles sont formulées reste très vague et incertaine. Il y a par\nexemple cette loi qui interdit toute « propagande trans », mais\nqu’est-ce qu’ils entendent par « propagande » ? Ce n’est pas\nclairement défini. C’est également le cas pour toute représentation de relation\nLGBTQIA+, en Russie vous ne pouvez pas faire de \"propagande\" pour promouvoir ce\ngenre de relation. Mais encore une fois, il n’y a aucune définition claire de\nce qu’ils entendent par propagande.

Imaginez que vous avez un\npersonnage gay dans une série -et cela peut tout simplement être deux femmes\nqui s’embrassent par exemple- si jamais quelqu’un du gouvernement mal luné ce jour-là\ntombe sur votre série, cette dernière sera envoyée aux autorités et vous\nrisquez de gros problèmes ! Je vous parle de ça car nous avons eu un\nexemple récemment : en 2019, nous publiions la série Gennady the\nPigeon, par une artiste ukrainienne se faisant appeler Koro. Il\ns’agissait juste d’une série humoristique sur un pigeon misanthrope. Vous aviez\nce gag par exemple qui montre que tous les pigeons chient sur une statue, mais\nil n’y a que Gennady qui le fait pour des raisons politiques. Sur une autre de\nces pages, on nous explique que tous les pigeons se ressemblent, peu importe\nleur sexe, et que donc parfois, il se passe ce qui doit se passer ! Sur la\npage, on voit un beau pigeon tout blanc que Gennady drague. A la question\n« Tu t’appelles comment ? », le pigeon en question\nrépond : « Dmitry ». La dernière phrase de la page est donc\nla suivante : « C’est pourquoi Gennady préfère penser qu’il est\npansexuel ». Vous voyez, ce n’est qu’une blague stupide sur les pigeons,\non ne parle pas d’êtres humains. L’an dernier, une folle a envoyé une\nlettre au gouvernement se plaignant d’une soi-disant propagande homosexuelle\nsur cette page… Ils ont donc fait des recherches au sujet de l’autrice qui est ukrainienne\net qui soutient l’armée de son pays. Cette affaire à fait grand bruit et notre\nmaison d’édition a écopé d’une amende d’environ 9000€, juste pour une blague…\nC’est pourquoi dorénavant nous préférons ne prendre aucun risque.

Ndlr : deux semaines après l'enregistrement de ce podcast, onze personnes de la maison d'édition Eksmo étaient arrêtées par le régime russe pour \"propagande LGBT\".

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Sans compter\nle fait que chaque mois, de nouvelles lois apparaissent. La plus récente\nstipule que toute représentation de drogues est interdite. Vous ne pouvez même plus\nles mentionner. Ce qui veut dire que tous les livres de Kerouac, tous les\nlivres par des auteurs beatniks sont interdits dorénavant. Nous avons par\nexemple édité un livre sur Basquiat. C’est quelqu’un qui a eu un rapport à la\ndrogue très important. Il faut donc que d’ici le mois de septembre, nous ayons\nvendu tous nos exemplaires avant que la loi ne soit promulguée. Encore\npire : nous avons cette loi qui va interdire toute promotion des couples\nsans enfants. Par exemple, parler des complications après une grossesse. Ainsi,\ncette loi va rendre illégal un grand nombre de livres féministes. Nous éditions\npar exemple l’album Single Mothering qui explique à\nquel point cela est difficile d’élever un enfant quand vous êtes une mère\ncélibataire. Si ce livre tombe entre les mains de la mauvaise personne, il\nrisque d’être lui aussi interdit. Voilà comment cela se passe en Russie… Si\njamais nous récupérons les droits pour des séries de super-héros, nous nous\nporterons mieux ! [rires] Elle seront moins compliquées à publier !

Mais si vous ne pouvez plus\nparler de genre, de drogues, de sexe, quel genre de livre pouvez-vous\npublier ? C’est comme un nouveau Comics Code…

C’est vrai. D’autant que cela ne\ns’applique pas qu’aux livres mais également à la musique, à l’audiovisuel etc.\nPour vous dire, même Scott Pilgrim est interdit en\nRussie à cause de thématiques LGBTQIA+. Cela dit, un éditeur a trouvé le\nmoyen de le publier au Kazakhstan (qui faisait partie de l’Union Soviétique). C’est\nun marché intéressant car 80% des habitants de ce pays parlent russe et\nbeaucoup d’exilés russes s’y sont installés depuis le début de la guerre. Nous\nverrons comment cela fonctionne, d’autant qu’ils n’ont pas toutes ces lois\nabsurdes.

Qu’en est-il de la publication\nd’artistes russes ?

Il y a trois cas de figure en ce\nqui concerne les artistes russes. Il y a les indépendants avec qui j’ai une\ncertaine proximité ! Il y a les auteurs un peu plus mainstream ainsi qu’un\nmouvement assez récent en Russie : les influenceurs qui se lancent dans la\nbd. Avez-vous la même chose en France ?

Oui c’est le cas ici aussi. D’ailleurs,\nun des mangas les plus vendus en France l’an dernier est un manga réalisé par\nun influenceur.

Est-ce qu’il est bien ?

Je ne sais pas je ne l’ai pas\nlu. Ce n’est pas forcément ce qui m’intéresse le plus, c’est un manga de type shonen\nneketsu… Je suis trop vieux pour ce genre de manga et cela ne\nm’intéresse pas vraiment. Mais c’est chouette si cela aide de jeunes lecteurs à\nlire leur premier manga, ce n’est juste pas pour moi. Je l’aurais sans doute\nadoré étant ado…

C’est ce genre de publication qui\nse vend le mieux. En Russie, le best-seller en termes de bande-dessinée est un\nalbum pour enfants réalisé par un artiste également animateur, qui est plutôt\nbon dans son domaine mais concernant sa bd… Elle n’est pas géniale mais il en a\npourtant vendu quelque chose comme 270 000 exemplaires. C’est le plus gros\nchiffre de vente dans l’histoire de l’édition de bande dessinée russe. Il\nexiste également quelques artistes sur Instagram qui vendent plutôt bien, mais\nc’est vraiment le seul à atteindre ce genre de chiffre.

Mais cet artiste est-il\naffilié au gouvernement russe ? Pensez-vous qu’il dispose d’une certaine\nliberté de ton ?

À l’heure actuelle il vit en\nItalie ! C’est le point commun entre beaucoup d’artistes…

Ils vivent à l’étranger…

Et vous savez, on parle d’un\nlivre pour enfants donc bon…

Il pourrait très bien aborder\nla question de l’amitié entre deux garçons par exemple.

Eh bien figurez-vous que l’on\npeut trouver dans son album un léger commentaire sur le fonctionnement de la\npolitique et un message concernant la dictature. Connaissez-vous l’œuvre Cipollino ?\nC’est une œuvre italienne plutôt populaire qui parle d’un petit garçon oignon\nqui combat la dictature des tomates et des citrons ?

Pas du tout.

C’est une histoire très populaire\nen Russie par Gianni Rodari, ce fut d’ailleurs mon premier conte pour\nenfant préféré. La bande dessinée en question a à peu près le même ton mais\nn’est pas ouvertement anti-Poutine, elle n’a donc pas trop de problème. Passons\naux œuvres plus indépendantes. Elles se vendent difficilement mais les\nhistoires sont géniales. Certaines autrices que l’on peut considérer comme\nindépendantes ont même été édité en France. Je pense notamment au magnifique\nrécit d’Olga Lavrentieva, Sourvilo, qui a été édité par Actes\nSud. C’est un peu le Maüs russe. C’est l’histoire plutôt\ntriste de la grand-mère de l’autrice qui se remémore la Révolution russe, la\nrépression de Staline, les deux guerres mondiales et la chute de l’Union\nSoviétique. C’est absolument formidable même si je ne suis pas forcément\ntoujours en accord avec les prises de position de l’autrice… Mais nous ne\nsommes pas là pour parler des opinions des autres ! [rires]

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Une autre\nartiste intéressante, Julia Nikitina, a également été éditée chez La Boîte à\nBulles. Son récit, Enfant de la nuit polaire, aborde la vie\nau Nord de la Russie. C’est très chouette également. Enfin, une artiste qui\ntravaille avec moi, Masha Protas a été publiée dans Métal Hurlant, le numéro 8\nje crois avec un peu de mon aide ! Comme il n’y a pas beaucoup de\nconcurrence sur ce marché de l’indépendant, il n’y a pas de présentation\nformelle de votre planning de publication. Encore une fois c’est une question\nde culture. Il faut être chanceux et faire jouer son réseau. Malgré tout\nj’essaie de rester en contact avec ces artistes talentueux. Enfin, il existe\nune sorte de maison d’édition pour les titres plus mainstream, Bubble Comics.\n

C’est un nom bien trouvé car\nil se trouve que l’entreprise qui possède le site Comicsblog s’appelle\négalement Bubble !

Cette maison se spécialise dans\nl’édition de comics plus grand public en Russie depuis 2012 je crois. Ils ont\ncommencé avec quatre personnages, puis en ont rajouté, ont procédé à des\nrelaunch, un peu comme les New 52 de chez DC, le tout avec des\nhéros russes. Le personnage principal de cet univers est le Major Grom,\nqui est un major de police de Saint Pétersbourg qui combat le crime. Ils ont\nmême tourné trois films autour du personnage que vous pouvez sans doute\nretrouver sur Netflix. Ce qui est intéressant c’est que cette série\nprojette au monde entier une image fantasmée du pays. C’est une comédie policière\navec de l’action. C’est d’ailleurs de bien meilleure qualité que les derniers\nfilms Marvel pour être honnête… En tout cas en ce qui concerne le\npremier film. Je crois qu’ils ont également réussi à publier des éditions\nanglaises…

En 2017 ils ont lancé une campagne de financement participatif pour\néditer les récits les plus populaires. Ils font du plutôt bon travail. A leurs\ndébuts, ils collaboraient avec le gouvernement pour des questions d’argent je\ncrois. Je pars du principe que tant que l’argent est là et que vous faites du\nbon travail, il ne faut pas trop se poser de question. Le patron de cette\nmaison, Artiom Gabrielanov, avec cet argent a pu s’entourer d’une très\nbonne équipe d’auteurs, et ils publient de très bons récits d’action. Il a\nl’œil pour savoir ce qui marche en comics. Même si l’une de ses premières\nproductions, Red Fury, virait clairement dans la\n« sexploitation ». Ils ont néanmoins réussi à faire venir beaucoup\nd’artistes en Russie. C’est le cas par exemple de Mateus Santolouco qui\na réalisé des variant cover lors de conventions. Ils ont réussi à regrouper de\ntrès bons artistes et auteurs. Ils ont même leur propre festival maintenant.\nIls se débrouillent plutôt bien !

Quand vous éditez des artistes\nindépendants, est-ce que vous les payez en avance ? Comment cela se\npasse-t-il ?

Quand je suis arrivé sur le\nmarché de l’indépendant en 2017, j’ai pris l’habitude de payer mes artistes en\navance avant la première impression. Je me souviens que durant un festival,\nplusieurs représentants d’autres maisons d’édition sont venus me voir à mon\nstand et se sont offusqué de ce que je faisais. « Qu’est-ce que tu\nfais ? Arrête de piétiner nos plates-bandes ! ». Evidemment je\nne comprenais pas ce que l’on me reprochait. On m’a demandé pourquoi je payais\nmes artistes. Eh bien parce qu’ils travaillent, non ? Forcément je ne\npouvais pas les payer énormément, surtout concernant les royalties. En Russie,\nelles représentent 15% du prix d’un album, ce qui est très peu. Quoi qu’il en\nsoit, ces types m’ont expliqué qu’au lieu de payer les artistes avec de\nl’argent, je pouvais leur donner l’équivalent en albums ! C’est donc à eux\nque revient le boulot de vendre leurs albums, d’en faire la promotion etc.\nC’est comme ça que fonctionnait l’édition en Russie avant mon\narrivée !

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Soyons bien clairs : vous\nne payiez donc pas vos artistes, mais à la place vous leur confiiez\nl’équivalent en nombre d’albums pour qu’ils les vendent eux-mêmes et ainsi\nrécupérer 100% des profits sur les ventes ?

C’est ça.

Wow…

Cela fonctionnait comme ça chez\ncertains éditeurs en 2017 en tout cas. Je suis sûr que certains étaient réglos\net payaient leurs artistes, peut-être même très bien on ne sait jamais ! A\nl’heure actuelle la situation s’est améliorée mais les sommes que touchent les\nartistes pour leur travail restent encore très faibles : elles plafonnent\nencore à 15% environ. Evidemment, certains artistes russes réalisent des\ntravaux pour l’étranger et ils peuvent se permettre de demander plus d’argent\npar page. Je pense notamment à Artyom Trakhanov. En temps normal, une\npage coûte 50€ : si vous payez plus, le livre n’en sera que plus cher et\npersonne ne l’achètera…

Est-ce difficile de faire la\npromotion d’artistes russes à l’étranger, surtout en ce moment ?

Je dirais même que personne\nn’essaie à l’heure actuelle ! [rires]

Mais ce n’est pas ce que vous\nessayez de faire en Europe ?

Effectivement j’essaie… Je voyage\ndepuis un an et demi maintenant, j’observe le marché à l’étranger. Je\nm’aperçois que bon nombre d’éditeurs et de lecteurs sont un peu frileux à\nl’idée de travailler avec les Russes. C’est d’ailleurs l’avantage d’une revue\ncomme Métal Hurlant car ils mettent en avant des artistes russes\n(qui vivent à l’étranger eux aussi évidemment !). Vous savez, nos artistes\nsont très talentueux et sont même moins chers ! [rires] J’ai observé\nquelque chose d’autre, en France notamment. Vous avez déjà des séries qui\nparlent de la Russie. J’ai en tête notamment Slava, éditée chez Casterman.

Nous avons même eu chez\nDelcourt une bande dessinée qui parle de l’arrivée au pouvoir de Poutine qui le\nqualifie ouvertement de dictateur. C’est typiquement le genre d’album que vous\nne pourriez pas importer en Russie.

En effet, un jour\npeut-être ! Quoi qu’il en soit, ces albums abordent la Russie du point de\nvue de la France. Evidemment, ma vision est celle d’un natif de Russie et elle\npeut-être plus difficile à appréhender pour un éditeur étranger. Quand j’ai\nquitté le pays en 2022, j’ai lancé mon propre site internet, stepan.cool.\nJ’ai décidé de monter ma propre agence car je connais des artistes…

Vous avez un sacré réseau, déjà !

Certains éditeurs sont juste\nintéressés par des illustrations, mais pas pour des séries car le contexte ne\ns’y prête pas. Pour autant, j’ai quelques idées pour publier certaines séries\nen tant qu’éditeur indépendant, via un fanzine etc. mais cela demande beaucoup\nde ressources et je dois encore tâter le terrain. Ce qui me fait penser, nous\névoquions Poutine un peu plus tôt. Parfois, le temps nous donne raison !\nIl y a une quinzaine d’années, Actes Sud a publié l’album Le\nMaître et Marguerite, qui est une adaptation en bd de l’œuvre de Boulgakov.\nVous en avez peut-être entendu parler ?

Pas du tout…

C’est un romancier russe qui a\nréalisé des œuvres très mystiques qui parlent de Jésus, du Diable dans le\nMoscou des années 30. C’est absolument génial. Nous avons donc des artistes\nrusses de bande dessinée qui réalisent cette adaptation et à l’époque, personne\nn’en a voulu en Russie. C’est pourquoi l’album s’est retrouvé édité en premier\nsur le sol français. Ce n’est que dix ans plus tard que l’album fut enfin\npublié en Russie. Pendant une décennie, cette formidable adaptation d’un\nclassique de la littérature russe se trouvait donc dans les étagères des\nlibrairies françaises parce que personne n’en voulait en Russie. Il aura fallu\nattendre que le marché de la BD se développe un tout petit peu en Russie pour\nenfin trouver cet album. Un autre exemple, celui d’Igor Baranko\net de L’Empereur Océan, publié chez les Humanoïdes Associés.\nC’est un auteur Ukrainien et sa série est incroyable. Il y dépeint une Russie\nqui va à l’encontre de la vision utopique de la nation, dans un style très\npsychédélique. Je vous conseille vraiment de le lire, c’est formidable. Je\ncrois que l’album a été publié fin 90, début des années 2000 mais on y retrouve\ntellement d’éléments qui font la Russie d’aujourd’hui ! La série dépeint\ndes évènements qui se déroulent à l’heure actuelle ! De nouveau, cet album\nfut publié pour la première fois en France tandis qu’il aura fallu attendre\n2017 pour voir une édition Russe. Et donc vous voyez, même si à l’heure\nactuelle certains albums ne peuvent être édité à cause de nos lois, il faut se\ndire qu’une dictature à quand même un bon côté : elle finit toujours par\nprendre fin.

Quels sont vos projets à\nl’heure actuelle ? Vous éditez encore des albums en Russie tout en vivant\nà l’étranger. Comptez-vous retourner en Russie, attendez-vous la fin de la\nguerre ou même la mort de Poutine ?

C’est une question un peu\ncompliquée pour moi mais néanmoins plutôt intéressante à se poser. J’ai eu le\ntemps de beaucoup y réfléchir durant ces deux dernières années d’exil. Vous\nsavez, ma famille et mes amis vivent encore en Russie, peut-être ont-ils besoin\nde mon soutien sur place ? Mais d’un autre côté, j’ai visité la Serbie et\nla Croatie et j’ai donc pu voir comment se débrouillaient les pays libérés du\njoug impérial… Ce qui me plaît plutôt ! J’espère que la même chose pourra\nse passer en Russie… Je suis retourné au pays pour y voir mes amis… Bon\npeut-être 50% d’entre eux car l’autre moitié est dispersée autour du\nmonde ! Le pays a beaucoup changé en deux ans… Où en suis-je donc dans ma réflexion\naujourd’hui ? Je m’interroge encore beaucoup sur la Russie et cette idée\nd’empire russe. Il y a énormément de personnes talentueuses dans ce pays. Mais\nprenez par exemple Dostoïevski ou Boulgakov : ils eurent\ntous les deux des ennuis à cause de leurs idées. Et tenez, Dostoïevski\nest un bon exemple car il a dans le même temps travaillé pour la Russie en\ntemps qu’agent de la propagande ! Il jouait sur les deux tableaux, tout\ncomme Tolstoï. Enfin bref.

De mon côté, j’aime l’aventure et je cherche\ntoujours à faire quelque chose d’intéressant pour la culture. Je n’aurais\njamais pensé être un exilé russe, mais j’ai toujours été en faveur des échanges\nculturels. J’avais en tête de voir comment se faisaient les choses à l’étranger\npour les apporter en Russie. Je suis tombé amoureux des comics en 2012 lors de\nma première visite au magasin Album, à l’époque où il y avait deux\nétages : le rez de chaussée et le sous-sol. J’avais déjà lu quelques albums\nauparavant, quelques Deadpool mais j’ai surtout été choqué de voir à\nquel point la culture comics pouvait être riche et intéressante. J’ai donc\ndécidé de l’importer en Russie, ce que j’ai réussi ! Ma première mission\nen tant qu’éditeur indépendant fut de rendre mes premiers albums aussi\néconomiques que possible, il a donc fallu éditer de petits albums. Je me suis\nalors posé devant ma bibliothèque pour voir s’il y avait quelque chose\nd’intéressant. Je suis tombé sur ce petit fanzine que j’avais acheté en 2012\nlors de ma visite à Paris, Héros sur Canapé, dessiné par Wandrille\nLeroy, qui est devenu un ami depuis. J’ai donc décidé de l’éditer, j’ai mis\nla main sur un traducteur franco-russe. J’ai contacté Wandrille pour lui\ndemander son accord, qu’il m’a donné. J’ai toujours cru que mon métier\nfonctionnerait ainsi.

Aujourd’hui, je suis exilé. Pas complètement isolé car je\nreviens d’un séjour de deux mois en Russie pour gérer quelques problèmes\npersonnels. Je peux traverser la frontière quand je le souhaite même si je dois\nrépondre à des questions à chaque fois. Où est-ce que je suis allé ? Comment\nj’ai pu avoir de l’argent ? Prouver que je ne suis pas un espion, quand\nbien même je travaille dans une maison d’édition russe pour rendre la culture\nplus riche ! Je suis persuadé que la guerre finira bien un jour et que l’échiquier\npolitique sera renversé. Je suis né pendant l’Union Soviétique, même si j’étais\nencore très jeune quand elle s’est effondrée. Les années 90 furent plus libres\net folles pour au final revenir à cette quasi-dictature. L’histoire se répète\nvous savez, tout peut changer à nouveau. Je ne peux pas vous dire si je\nreviendrais en Russie un jour, tout ce que je veux faire pour l’instant c’est\nla chose pour laquelle je suis le plus doué : les comics ! Que ce soit dans l’édition ou l’impression… Je\nprends d’ailleurs des cours d’écriture en ce moment. L’aspect créatif me\nmanque : je jouais dans un groupe de punk en Russie, je gribouillais\nquelques dessins. Peut-être qu’une maison d’édition française ou américaine\naura besoin d’une personnalité comme la mienne ! Je suis ouvert à toutes\nles propositions ! C’est intéressant de voir comment le marché de la bande\ndessinée fonctionne dans d’autres pays. J’ai des amis en ex-Yougoslavie et il\nest très curieux de voir comment cela marche. Vous connaissez ?

Pas du tout, je suis surtout\nspécialisé du marché français qui est déjà vaste et qui diffère en fonction\ndes formats. Nous ne sommes pas très au fait de ce qui se passe dans d’autres\nmarchés européens, y compris dans des pays voisins.

En Croatie par exemple, il y a\ntous les volumes de Dylan Dog et de Zagor.\nIl y a même eu des cross-overs entre Flash et Zagor ou bien Batman\net Dylan Dog. Vous le saviez ça ?

Nous en avons entendu parler, oui.

Dans ces pays, toutes les BDfrançaises les plus populaires sont éditées par une maison qui s’appelle Fibra.\nTous les titres sont publiés dans une même collection qui dépasse les deux\ncents numéros ! Je n’avais jamais vu ça auparavant. Après la Révolution,\nde nombreux artistes russes ont fui et migré en Turquie, en Serbie, en\nAllemagne ou en France. C’est pourquoi dans ces pays, vous avez une forte\nculture de la bande dessinée. Une des figures emblématiques de la BD à Belgrade\nétait un artiste russe qui a réalisé de nombreuses adaptations en bande\ndessinée des œuvres de Gogol et Pushkin. Ce qui n’est pas\nrien ! Je crois d’ailleurs que ces BD n’ont jamais été publiées en France…\n

En tout cas à l’heure actuelle, j’ai mon visa pour travailler et vivre en\nFrance. J’attends que mon responsable me donne l’accord pour pouvoir continuer\nà travailler à l’étranger. Je veux avant tout travailler pour les lecteurs\nrusses. Ce n’est pas tant que je ne veux pas que mes impôts aillent à Poutine,\ncar quoi qu’il arrive il aura de l’argent ! Il lui suffit d’aller vendre\ndu pétrole je ne sais-où ! Pour moi il s’agit d’éduquer la prochaine\ngénération à toujours réfléchir à deux fois car nous vivons tous dans le même\nmonde !

C’est une conclusion\nparfaite ! Merci beaucoup pour votre temps Stepan !

Je vous en prie !

",5,"Indé","Actu VO","09 Janvier 2026 - 00:00","09 Janvier 2026","09/01/2026","00:00","09 Jan","2026-01-09T00:00","2026-01-09T00:00:00.000Z",2,{"_9":149,"_11":150,"_13":151,"_15":152,"_17":153,"_19":154,"_20":155,"_21":-5,"_22":23,"_24":25,"_26":-5,"_27":23,"_28":-5,"_29":-5,"_30":156,"_32":157,"_34":158,"_36":159,"_38":160,"_40":161,"_42":162,"_44":163,"_46":164,"_48":165,"_50":105,"_52":106,"_54":107,"_56":106,"_57":166,"_59":167,"_61":-5,"_62":63,"_64":65,"_66":168,"_68":169,"_70":170,"_72":171,"_74":172,"_76":173,"_78":118,"_80":119,"_82":-5,"_83":174,"_85":86,"_87":-5},51390,"/51390-imperial__une_relance_cosmique_reeussie_de_lunivers_Marvel_pour_une_nouvelle_guerre_de_monarchies","https://www.comicsblog.fr/51390-imperial__une_relance_cosmique_reeussie_de_lunivers_Marvel_pour_une_nouvelle_guerre_de_monarchies","Imperial : une relance cosmique réussie de l'univers Marvel (pour une nouvelle guerre de monarchies)","Imperial : une relance cosmique réussie de ...","Imperial : une relance cosmique réussie de l'univers Marvel (pour une nouvelle guerre de ...","• Jonathan Hickman dégaine tous les outils nécessaires\n• Le retour d'un cosmique généreux et sérieux\n• Une histoire rythmée et qui alterne bien les dessinateurs\n• Certaines données perdues qui refont surface\n• La promesse d'une nouvelle saga","imperial-panini-comics_185.jpg","https://www.comicsblog.fr/images/news/crop_imperial-panini-comics_185.jpg","https://www.comicsblog.fr/images/news/crop2_imperial-panini-comics_185.jpg","https://www.comicsblog.fr/images/news/crop3_imperial-panini-comics_185.jpg","https://www.comicsblog.fr/images/news/crop4_imperial-panini-comics_185.jpg","https://www.comicsblog.fr/images/news/crop5_imperial-panini-comics_185.jpg","La formule est presque devenue une sorte de cliché du point de vue des séries Marvel, et pourtant, celle-ci se vérifie jusque dans le ...","La formule est presque devenue une sorte de cliché du point de vue des séries Marvel, et pourtant, celle-ci se vérifie jusque dans le présent : Jonathan Hickman comprend ses comics comme un ...","La formule est presque devenue une sorte de cliché du point de vue des séries Marvel, et pourtant, celle-ci se vérifie jusque dans le présent : Jonathan Hickman comprend ses comics comme un architecte. Depuis sa prise de fonction sur l'ancien ...","

La formule est presque devenue une sorte de cliché du point de vue des séries Marvel, et pourtant, celle-ci se vérifie jusque dans le présent : Jonathan Hickman comprend ses comics comme un architecte. Depuis sa prise de fonction sur l'ancien univers Ultimate Comics, son passage sur les Avengers, les Fantastic Four, la fondation de la civilisation de Krakoa et les fondations d'un nouvel univers Ultimate avec la Terre-6160, le scénariste vedette a toujours eu cette habitude de développer ses intrigues sous la forme de grands plans détaillés. Avec une liste des matériaux et des outils nécessaires, énumérés et posés sur la table, au grand jour, et avec une approche didactique des nécessités de chaque chantier.

Tout le monde ne se retrouve pas forcément dans les constructions obtenues (en particulier lorsque l'auteur se contente de poser le premier étage avant d'abandonner la construction du bâtiment aux équipes suivantes). Mais au moins, cette logique presque mathématique a l'avantage d'être rapidement comprise et admise pour ce qu'elle propose. Surtout lorsqu'il s'agit de taper dans la fourmilière. Or, depuis quelques années, dans la mesure où l'industrie repose encore sur la même mécanique cyclique, Jonathan Hickman s'est certes imposé comme un bâtisseur... mais aussi comme un démolisseur. Lorsque Marvel a besoin d'un peu de sang neuf pour secouer le prunier. Avec la mini-série Imperial, point de départ d'une nouvelle saga cosmique potentielle inscrite dans la continuité des lointaines péripéties interstellaires de Dan Abnett et Andy Lanning, le scénariste s'est donné pour lui-même une consigne toute bête : tout casser... pour tout recommencer comme avant.

Enfin disponible en France chez Panini Comics, cette grande introduction risque mécaniquement d'agacer toutes celles et ceux qui auront apprécié le nouvel ordre cosmique établi depuis le départ des deux anciens grands patrons de cette partie de l'univers Marvel... ou enchanter les autres, les nostalgiques des Gardiens de la Galaxie d'autrefois, des War of Kings et Realm of Kings. En somme, sortez la boule de démolition, oubliez Empyre, oubliez les aventures récentes de Star-Lord et de Captain Marvel. Il est temps pour les grandes civilisations de retrouver un axe de lecture plus horizontal, plus tentaculaire... il est temps de rouvrir la porte cosmique. Avec une nouvelle couche de peinture, des dorures ciselées, et un vernis plus moderne. Encore une fois, difficile de tricher lorsque l'écriture assume un certain degré de franchise.

Space Chessboard

Avec la mini-série Imperial, Jonathan Hickman avait tout de suite annoncé la couleur : de la même façon que pour House of X et Ultimate Invasion, l'objectif du moment sera de poser les fondations d'un nouveau statu quo utile. Pour un segment isolé du catalogue Marvel. En l'occurrence, pour les personnages de l'espace, donc, les grandes civilisations qui n'intéressent pas directement les populations de la Terre (sauf lorsque les peuples en question tentent d'envahir la planète bleue). Avec quatre numéros étendus, illustrés par Iban Coello et Federico Vincentini, le scénariste va lister les grandes puissances concernées, réintroduire certaines notions disparues, poser une base de travail qui fonctionne comme une sorte d'enquête de police... comme d'habitude, l'histoire s'ouvre sur une liste des éléments de construction, personnages, factions, intrigues de cour, conspirateurs extérieurs. A savoir que, quelqu'un (manifestement, les forces armées de l'Empire du Wakanda) ont prévu d'assassiner les grandes têtes couronnées de l'espace pour empêcher un projet d'alliance interplanétaire.

Le scénario va alors suivre différents points de vue dans cette intrigue pensée comme une grande partie d'échecs. Nova (Richard Rider), les Hulks (Banner et Amadeus Cho), le Wakanda (Black Panther et Shuri), l'empire Kree/Skrull (Ronan, Hulkling, le Super-Skrull), Star-Lord, Lilandra, Jason Spartax... et les deux vilains aux origines de tout le conflit. Ceux-ci sont introduits d'entrée de jeu, et on comprend globalement que Jonathan Hickman a pensé son intrigue comme un hommage de croisement. D'un côté, au cosmique théâtral, celui des aristocraties et des têtes couronnées de l'espace, celui de la période d'Abnett et Lanning. Et de l'autre, au cosmique plus ancien, plus ludique, celui des grandes forces immortelles, des Contest of Champions.

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Le scénario alterne les points de vue, en mesurant ses effets, dans des scènes de courte durée qui tentent de laisser un peu de place pour tout le monde. Forcément, même sur un format étendu, le résultat s'en ressent : avec beaucoup d'action (et une envie des dessinateurs de profiter de l'amplitude générale, avec beaucoup de puissants personnages et de gros affrontements de vaisseaux spaciaux pour s'amuser), le résultat pourra paraître un peu sec, un peu accéléré, pour tout tasser dans un espace restreint.

Hickman va donc charger la mule sur des dialogues, en maîtrisant les variations tonales nécessaires : les Krees parlent comme des Krees, les Skrulls comme des Skrulls, les méchants comme des méchants. Adroit de ses dialogues, le scénariste insuffle une sourche de profondeur par le texte pour étoffer son intrigue. Puisque, sur le papier, le scénario d'Imperial pourrait effectivement paraître un peu simpliste... mais en acceptant de prendre son sujet au sérieux, et de ne pas simplement le traiter comme un blockbuster de plus, l'auteur trouve sa pertinence, sa grandeur, son objectif de grand drame antique paumé dans l'espace des super-héros. Pour les vieux fans, le résultat sera au rendez-vous : enfin, un peu de noblesse, un peu d'épaisseur textuelle, qui brasse dans les religions, la nature bestiale des civilisations. Enfin, un peu de lourdeur, avec des morts qui se chargent d'une certaine densité. Quelques très belles scènes traversent l'album : les funérailles du fils de Banner, la révélation du véritable instigateur de tout le conflit (une belle revanche, en l'occurrence), le retour d'un Super-Skrull fanatique, etc.

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Nova passera certainement comme le héros le plus logique de cette introduction, seul véritable justicier intransigeant de cette parade de rois et de reines (accessoirement, Hickman charge le héros du poids de son passé, dans une caractérisation plutôt agréable pour les fans de Richard Rider). Le scénariste sait comment prendre son lectorat dans le sens du poil : dans la mesure où chaque scène reste plutôt courte, on s'assure de bien terminer sur une pose, une posture, une réplique qui frappe, et la mise en scène (en particulier du côté de Vincentini) appuie cette envie de régaler la pure lecture de divertissement tapageur.

En revanche, quelques critiques objectives vont forcément se poser : en sortie de lecture, on comprend que l'objectif de toute l'aventure était en réalité plus simple que ce qui avait été promis au départ, l'intrigue policière s'efface rapidement (au profit d'une révélation qui recompose sans effort les deux numéros précédents), et certains personnages manquent cruellement de place. Et aussi, cette impression d'avoir vécu une sorte de petite guerre en accéléré, pour un résultat qui se contente de quelques mots (on va vous la faire courte : \"c'est le retour du cosmique comme avant, oubliez tout ce que avez lu entre temps\") ne sera pas du goût de tout le monde. D'aucuns trouveront qu'il est un peu dommage de ne pas avoir sauvegardé certaines bonnes idées... d'autres applaudiront l'envie de Marvel de retrouver un peu de souffle, un peu d'énergie dans cette partie de son catalogue, plutôt maltraitée récemment.

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Et au passage, même si le scénariste aime respecter le travail de ses copains, certains concepts seront forcément un peu tordus pour servir les besoins du scénario. Ce qui sera notamment le cas de l'Empire du Wakanda, une idée que tout le monde n'a pas forcément eu envie d'accepter au moment de son apparition et qui, dans ce contexte, pose d'autres questions sur la caractérisation du Black Panther (ou des Black Panthers, mettons). Bref, une lecture d'auteur, un peu nostalgique, un peu fanservice, mais qui accepte de faire du tri dans ce que les fans ont envie d'entendre ou de recevoir.

D'un point de vue purement technique, le résultat est réussi : rythmé, bien dessiné, extrêmement ludique dans sa bonne connaissance des différents éléments de l'univers Marvel, et pensé comme une déclaration d'amour aux travaux du passé (du point de vue de Planet Hulk, des Gardiens, de Nova, etc). Pour le sens profond, Jonathan Hickman livre aussi quelques pistes de réflexion : est-ce qu'un bon mensonge vaut mieux qu'une affreuse vérité, est-ce que la guerre ne ferait pas partie du tissu profond des civilisations, que peut-on encore croire lorsque les chefs d'état acceptent de composer avec la part d'ombre qui sert leurs intérêts... on attrape au passage quelques idées, même si la nature profonde du texte reste purement \"utile\".

Hickman casse et Hickman reconstruit. Comme pour Krakoa, l'objectif est autant d'écrire une histoire que de bâtir un nouveau bac-à-sable pour les équipes créatives suivantes. Une nouvelle porte cosmique que d'aucuns pourront alors ouvrir et exploiter, dans la mesure où le statu quo précédent n'avait pas forcément trouvé recette.

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Au global, néanmoins, difficile de bouder son plaisir : malgré la mission que le bonhomme s'est donné, Imperial reste une lecture franchement agréable, même en dehors de toute préférence personnelle. Surtout s'il s'agit bien d'un point de départ avec une conclusion déjà prévue, et pas seulement d'une simple commande éditoriale. Pourquoi bouder son plaisir ? Retrouver le Hulk de Sakaar, en particulier si l'on apprécie peu le travail récent de Phillip Kennedy Johnson et sa lecture du géant vert comme un membre du panthéon des monstres, fera forcément un peu d'effet pour les amateurs de cette lecture du héros. Surtout avec un pareil coup de crayon.

Dans le même temps, on comprend aussi que Jonathan Hickman avait envie de faire bouger Star-Lord de son éternel statut de prince renégat, de pilier du comptoir du cosmos, avec une évolution qui promet beaucoup pour l'ancien leader des Gardiens. Un autre peuple embarqué dans l'équation devrait aussi (beaucoup) profiter de toute l'affaire... et de ce point de vue, certains lecteurs devraient se satisfaire de ce retour de bâton (presque ironique) dans la tronche des éditeurs de chez Marvel. Beaucoup de question restent encore en suspens, et si la critique principale de tout le récit se niche dans cet aspect d'irrésolu (ce qui n'était pas forcément le cas des grands chapitres de la saga d'Abnett et Lanning, souvent pensés comme de véritables épisodes complets au sein d'une grande trame en perpétuel mouvement), beaucoup de questions se posent encore, et le plaisir de la découverte revient donc dans la foulée.

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Côté graphique, les deux dessinateurs livrent une copie séduisante, même si de sérieux problèmes de lisibilité se posent sur les scènes de bataille spatiale, ou dans des affrontements de couloir trop chargés. Les costumes sont réusis, et encore une fois, l'impression d'une histoire qui cherche un peu de grande (dans les choix de mise en scène) prédomine au sortir de l'expérience.

En somme, une formule qui reste proportionnelle aux autres (bons) travaux de Jonathan Hickman récemment : en bon expert de la cosmogonie Marvel, le scénariste aime bouger des éléments et tenter des expériences pour remuer un peu le prunier des super-héros, section par section. Après les X-Men, après l'univers Ultimate, celui-ci a donc posé ses valises dans les étoiles pour corriger une sorte d'oubli. Les anciens lecteurs qui regrettaient jusque-là de ne plus avoir de quoi manger dans le cosmique depuis que Marvel a changé la recette ont obtenu gain de cause : Imperial réétablit la logique des grandes guerres spatiales, des mécaniques dramatiques, des trahisons, des religions et des messies éparpillés dans cette sorte de grand paysage chaotique où tout peut arriver. Une écriture plus noble et une promesse de grand recommencent qui devrait aussi frustrer certains de par ses choix de caractérisation ou de tri sélectif dans la continuité... mais c'était aussi le cas de Krakoa : malgré le succès de cette période, certains regrettaient aussi les séries X-Men plus classiques, moins compartimentées. Mettons que l'approche trouvée par Marvel pour son versant cosmique profite au moins d'un regain d'ambition, et d'une envie de saga horizontale, sur plusieurs fronts et plusieurs lignes de fuite, pour redécouvrir cet univers sous l'angle de la générosité. Vite, la suite.

Imperial Tome 1, 152p, 16€, disponible chez Panini Comics

Imperial Tome 2 sera de sortie le 4 février 2026

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Bonne nouvelles pour celles et ceux qui n'ont pas la chance d'avoir un Ludo Lullabi dans leurs environs (du côté de Lyon) : l'artiste sera tout prochainement en déplacement dans la capitale pour venir signer sa série en creator-owned, Ghost Pepper, sortie ce printemps aux éditions Delcourt. Deux dates et deux librairies sont concernées - de quoi varier les plaisirs en fonction de vos affinités et disponibilités !

Saveur poivre

Si vous n'avez pas encore eu l'occasion de découvrir Ghost Pepper, alors peut-être que la venue de son auteur vous y encouragera ? Le récit se situe dans un lointain futur, après que l'humanité a échappé de peu son extinction. Dans un monde post-apocalyptique dangereux, Loloi s'en sort en tenant son food truck, de bien belle réputation. Mais son quotidien change du tout au tout quand un mystérieux homme du nom d'Ash débarque un jour... et se voit aussitôt pourchassé par les autorités en place, entraînant avec lui Loloi dans une aventure hautes en couleurs. Le dessin de Lullabi et sa mise en scène qui mêle le meilleurs du découpage du manga et du comics participent grandement à la réussite de la série, et le lectorat de la région parisienne pourront donc aller à sa rencontre.

Le vendredi 19 juin, de 17h à 20h, Ludo Lullabi sera en dédicace chez Central Comics Paris ; puis le lendemain, samedi 20 juin, à partir de 15h, l'auteur sera présent chez Pulp's Comics, la boutique mettant à profit sa jaquette exclusive, disponible pour l'achat de l'album chez eux. Dans les deux cas, la dédicace se fait sur inscription et nous vous recommandons vivement de prendre contact avec les librairies concernées pour vous inscrire et prendre connaissance de toutes les modalités !

- Vous pouvez commander Ghost Pepper chez Pulp's par ici !

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Dernière ligne droite pour la campagne d'affichage du film Supergirl. Aux Etats-Unis, les préventes sont actuellement ouvertes pour cette adaptation de l'héroïne imaginée par Otto Binder et Al Plastino, ce qui signifie que les équipes chargées d'assurer la promotion du long-métrage doivent désormais occuper le plus d'espace possible. Les éléments publicitaires devraient donc se multiplier d'ici les prochaines semaines, avec la panoplie traditionnelle d'extraits, d'interviews et de featurettes éventuelles, dans l'idée de transformer l'essai. Pour l'heure, le projet semble avoir été capable de piquer la curiosité des fans (tout en agglomérant quelques critiques valides, surtout pour ce qui concerne la direction artistique). Il va donc falloir enfoncer le clou.

is he with you ?

Pour occuper le weekend, DC Studios a donc commencé par quelques extraits. Or, justement, en accord avec le canon des comics, le film de Craig Gillespie et Ana Nogueira devrait respecter l'origine traditionnelle de Kara Zor-El pour cette version cinéma. En sachant qu'il existe généralement deux versions de cette histoire : dans un cas, un morceau de Krypton aura survécu au désastre, et une partie de la population (parmi lesquels se trouvaient les parents de Kara) survivra pendant un temps depuis cet environnement de fortune. L'héroïne sera ensuite transportée vers la Terre pour rejoindre son cousin et devenir le personnage que l'on connaît.

Et dans un second cas (celui des New 52, en l'occurrence), Kara était en réalité une adolescente plus âgée que son cousin (qui n'était alors qu'un bébé au moment du départ vers la Terre). Mais par le truchement compliqué des trous noirs et des voyages spatiaux, celui-ci arrivera le premier, aura le temps d'être adopté par les Kent, de devenir adulte et d'endosser le costume avant que le vaisseau de sa cousine ne s'écrase sur la planète bleue. En théorie, le film de DC Studios devrait respecter le canon original des comics antérieurs aux New 52, si l'on se fie aux images présentées dans les bandes-annonces.

Pour l'heure, la compagnie a donc présenté la rencontre des deux cousins (et du chien Krypto, un autre rescapé de la civilisation alien) en vidéo. Sympathique. Même si, bon. Ils auraient quand même pu dresser un vrai toutou.

Supergirl est attendu pour le 1er juillet 2026.

Source

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Alors que certains jeux en attente depuis belle lurette comme The Wolf Among Us 2 refaisait parler de lui au cours de la soirée du Summer Game Fest 2026, d'autres arlésiennes ont également été tout récemment mises sous les feux des projecteurs. Vous rappelez-vous de Marvel 1943 : Rise of Hydra ? Le jeu développé par Skydance avait présenté sa première bande-annonce il y a maintenant plus de deux ans, et avait décalé sa sortie initiale, prévue pour fin 2025. Alors que certains pouvaient s'attendre à ce que 2026 voit le jeu arriver sur consoles (et PC), il faudra visiblement se montrer un poil plus patient.

Tout vient à point...

C'est dans une interview accordée à IGN que Shawn Kittelsen de l'éditeur Paramount Game Studios a donné quelques nouvelles de Marvel 1943 : Rise of Hydra. En somme, il déclare que le développement du jeu se poursuit et que celui-ci est bel et bien jouable, mais que les équipes prennent leur temps pour paufiner leur bébé.

\"C'est un jeu. Ça arrive. Il est jouable [...]. Je peux jouer au build présent. Nous poursuivons le développement, mais Amy et l'équipe ont de grandes ambitions pour le niveau de qualité qu'ils veulent atteindre.\" Puis lorsqu'une fenêtre de sortie lui est demandé, il explique simplement \"Je ne pense pas que ce sera 2026\".

Et à raison : même du seul côté de Marvel, l'horizon de l'année est déjà bien occupé avec Marvel Tokon : Fightins Souls durant l'été et Marvel's Wolverine à la rentrée. Skydance New Media et Amy Hennig n'ont donc pas vraiment d'intérêt à sortir leur jeu tant que la marque Marvel est bien représentée - d'autant plus si l'objectif est de soigner le rendu final. Pour rappel, le jeu se déroule (comme son titre l'indique) en 1943 et met en scène à la fois Steve Rogers et Azzuri, le Black Panther de l'époque (et grand-père de T'Challa) dans un monde en guerre contre les forces nazies. Il ne reste pour le moment qu'à patienter en attendant de futures nouvelles, mais comme nous le disions quelques phrases plus tôt, si vous êtes joueurs/joueuses et en manque de Marvel, vous aurez déjà de quoi vous occuper prochainement.

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Tout récemment sorti sur consoles (strictement) de salon et PC, le jeu vidéo Lego Batman : l'Héritage du Chevalier Noir a depuis le départ été prévu sur la console Nintendo Switch 2 (mi-salon, mi-portable). Les joueurs et joueuses n'auront que l'été à patienter pour pouvoir jouer en nomade aux aventures du Batman de briques, avec une date de sortie tout récemment annoncée pour la rentrée.

Lego Batman où que vous soyez

Les équipes de Warner Bros. Games France ont en effet mis en ligne une courte bande-annonce pour annoncer la date de sortie de leur Lego Batman : l'Héritage du Chevalier Noir sur Nintendo Switch 2. Tout était déjà dans le titre, mais si vous avez besoin d'un rappel, alors sachez que vous pourrez faire l'acquisition de cette version du jeu vidéo à compter du 18 septembre 2026.

La date coincidera par ailleurs avec la sortie du DLC \"Collection Chaos\" qui permettra de jouer le Joker et Harley Quinn dans un \"mode chaos\" qui reste encore à découvrir pour le moment. Les précommandes sont d'ores et déjà ouvertes et les personnes qui choisissent l'édition Deluxe du jeu auront accès au contenu de base ainsi que les DLC (Collection Chaos compris) au jour de la sortie. Pratique, n'est-ce pas ?

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Après Wonder Woman, Captain Marvel, et le récent film Birds of Prey, mais aussi avec la venue proche de Black Widow, Wonder Woman 1984 et un casting très diversifié pour The Eternals, les super-héroïnes se font de plus en plus présentes sur grand écran. Une jolie mise en avant qui soulève quantité de discussions et débats dans les sphères pop-culturelles, avec notamment les messages féministes que peuvent porter avec eux ces films, et la façon dont les personnages féminins y sont traités.

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Ces questions, nous avions déjà pu les aborder au cours des podcasts enregistrés pour les films nommés, mais il faut aussi savoir se remettre en question, et se demander si deux mecs (ou plus) sont forcément les personnes les mieux placées pour parler de féminisme ou du traitement des héroïnes sur grand écran, voire de l'importance que peuvent avoir certains films au delà de toute considération artistique ou marketing.

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Et puisque nous trouvons également que dans le milieu comics, il n'est pas toujours facile d'avoir des voix féminines à ce sujet, est venue l'idée de vous proposer un podcast composées uniquement d'intervenantes, afin d'avoir une discussion et des points de vues différents, et aborder des sujets sous un autre angle. Océane (du podcast Lemon Adaptation Club) nous a fait l'honneur d'animer cette émission, en compagnie de Phobos (des podcasts Outrider et Actioner) et Maud (qui joue le rôle de la spectatrice "non experte), pour une discussion qui, on l'espère, saura vous intéresser et éclairer avec un autre regard ces sujets d'actualité.

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Comme toujours, les retours seront les bienvenus, tant sur le sujet que sur l'émission, avec l'espace commentaire fait spécialement pour cela. Une fois encore également, les partages sur les réseaux sociaux, les commentaires et bonne notes sur nos plateformes d'hébergement sont autant d'outils (gratuits) pour soutenir nos émissions, celle-ci en particulier. Merci d'avance, et bonne écoute à vous !

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Au cours du weekend passé se tenait le DC Fandome, premier évènement intégralement en ligne et 100% consacré aux univers de DC, avec un angle définitivement axé sur les adaptations filmiques et les jeux vidéo. Quelques comics s'y cachaient malgré tout.

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Dans une année de disette importante en ce qui concerne les conventions, le programme se montrait particulièrement alléchant avec quelques oeuvres très attendues - et il fallait donc en faire un bilan en podcast histoire de débriefer tout ce qu'on nous a présentés. C'est donc chose faite !

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Comme toujours, les commentaires et retours seront les bienvenus, et on vous demandera comme toujours de partager nos émissions si notre travail vous plaît et vous importe. Bonne écoute !

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A l'occasion de la récente édition de Comic Con Paris, les équipes d'organisation ramenaient avec elles l'illustre Roy Thomas, scénariste vétéran de l'industrie, ancien éditeur en chef de Marvel, créateur de Conan en comics, et ainsi de suite.

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Il était donc impossible pour nous de passer à côté de Roy Thomas, histoire d'avoir un regard actuel sur les comics de son point de vue, de parler d'engagement dans les histoires et de l'évolution du paysage à l'heure des nombreuses adaptations Marvel sur tous les écrans. Une petite entrevue que nous sommes ravis de vous présenter, et qu'on vous invite à partager sans modération !

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Comme chaque année, le dimanche du 8 mars 2026 venait célébrer la Journée Internationale des Droits des Femmes, une date consacrée depuis plus d'un siècle aux luttes féministes, depuis les premiers mouvements de libération autour du droit de vote, du combat pour l'égalité des genres et des revendications ouvrières initiées par les idéaux socialistes apparus pendant cette période.

La journée en question se décline généralement sur plusieurs angles dans le présent : mobilisation, débats, spectacles, ateliers, expositions ou événements sportifs, dans l'idée de traiter les modalités modernes de ce combat pour l'égalité selon des points de vue plus variés. Or, pour certains experts plus spécialistes, dans des catégories moins représentées, cette date est aussi l'occasion de revenir sur le cas spécifique de certains microscosmes. Comme celui des comics, par exemple.

L'histoire du Frigo

Paradoxalement méconnue du grand public, l'histoire des artistes professionnelles de l'industrie, ou le traitement réservé au corps féminin en général sur le secteur des super-héros, aura inspiré deux modules de réflexion populaires pour parler de culture pop' : d'un côté, le Test de Bechdel, une idée de l'autrice Alison Bechdel parue dans les pages du comic strip Dykes to Watch Out For, et de l'autre, les Women in Refrigerators, théorisées par la scénariste Gail Simone. Ces deux concepts se sont largement répandus dans le champ de la critique artistique standardisée pour évoquer, commenter ou critiquer la façon dont les personnages féminins, en fiction, sont utilisés comme des outils par les auteurs (souvent masculins) au détriment de leurs valeures intrinsèques.

Dans un cas, Bechdel a pu pointer du doigt la façon dont les personnages féminins sont parfois incapables de fonctionner individuellement sans se référer au protagoniste masculin comme matrice orbitale... et de l'autre, Simone nous expose comment les femmes qui entourent le super-héros sont utilisées comme de simples motifs pour faire avancer sa vie et son récit, généralement violemment. En dressant la liste des partenaires romantiques assassinées, traumatisées ou violées qui composent cette chronologie morbide, la scénariste avait été capable de provoquer une réflexion de fond au sein de cette industrie, comme une sorte d'équivalent d'avant-garde du mouvement #MeToo en fiction.

Or, ça tombe bien : le vidéaste Bolchegeek, chroniqueur et théoricien de la culture pop et des luttes sociales, s'est justement penché sur ce sujet dans le cadre des célébrations du 8 mars 2026. Le bonhomme livre une tribune documentée et conséquente qui revient précisément sur le cas des femmes de l'industrie de la bande-dessinée aux Etats-Unis, des deux côtés de la page, pour composer une vidéo documentaire intelligente et fournie, qui brasse large, entre passé et présent. Une bonne occasion de vulgariser l'une des problématiques ancestrales de notre petit secteur pour un public plus généraliste, avec des exemples modernes, et même quelques morceaux de Trina Robbins et de Garth Ennis pris dans la tambouille. C'est ici :

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Débarquée chez DC Comics au début des années 2010 avec les DC Bombshells et la série Sugar & Spike abritée dans l'anthologie Legends of Tomorrow, la dessinatrice Bilquis Evely est certainement aujourd'hui plus connue pour son travail d'orfèvre sur Supergirl : Woman of Tomorrow et Helen de Wyndhorn, deux récits tous deux scénarisés par l'auteur à succès Tom King. Nous avons eu le plaisir de discuter avec le scénariste de ces deux maxi-séries au début du printemps dernier, et puisque Bilquis Evely était récemment de passage en France, il était on ne peut plus logique de se ruer à sa rencontre.

Nous avons donc eu le temps de pouvoir retracer le parcours de la dessinatrice brésilienne, parler de ses débuts dans l'industrie et revenir de façon plus spécifique sur Helen de Wyndhorn et Supergirl : Woman of Tomorrow. Une plongée dans le processus créatif de l'artiste qui, nous l'espérons, vous plaira si vous connaissez déjà son travail, et vous donnera envie de le découvrir au cas contraire. Pour celles et ceux qui sont anglophones et qui veulent profiter de la voix de notre invitée, vous pouvez également profiter de cette interview au format audio via le podcast First Print.

Remerciements spéciaux à Laetitia Matusik de Glénat, Clémentin Guimontheil (agence L2RS) et à Clément Boitrelle pour la retranscription et traduction de l'interview.

AK :\n Je suis très heureux de vous recevoir Bilquis Evely. Comme il s’agit de notre\n premier entretien, nous devons revenir aux origines ! Je ne sais pas si\n beaucoup de personnes en France connaissent tout votre travail. Tout d’abord,\n pouvez-vous nous dire s’il était facile de mettre la main sur des comics au\n Brésil, dont vous êtes originaire ?

BE : Ce n’était\n vraiment pas évident ! La seule bande dessinée brésilienne que\n j’ai lue enfant, c’est Turma da Mônica (Monica), qui était très connue et faite\n pour les enfants. En\n dehors de ça, j’ai toujours adoré dessiner et ce depuis toute petite. J’ai\n toujours aimé imaginer des histoires via les images. J’ai découvert les comics\n durant mon adolescence en allant dans un kiosque à journaux. Mes yeux se sont\n arrêtés sur la couverture d’un album Supergirl qui a tout de suite capté mon\n attention : je trouvais les dessins vraiment intrigants, notamment l’usage des\n couleurs et des encrages. J’ai commencé à le feuilleter et quelque chose dans\n cet album m’a tout de suite parlé. J’ai donc lentement commencé à m’intéresser à\n ce genre de séries.

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AK :\n Avez-vous eu accès à des récits super-héroïques, des bandes dessinées\n européennes ? Est-ce que les bandes dessinées brésiliennes sont faciles à\n trouver ?

BE :\n On pouvait en trouver un peu, surtout dans certains kiosques mais\n principalement dans les beaux quartiers. C’était d’autant plus compliqué pour\n les œuvres françaises, elles étaient davantage destinées aux personnes plus\n âgées je pense. Je n’ai par exemple découvert la bande dessinée française que lors de mes débuts en tant\n que dessinatrice professionnelle. Je vous avoue que je ne sais même plus pour\n quelle raison je suis tombée sur ces œuvres mais je sais que cela fut un vrai\n choc pour moi. J’adore la variété\n des styles que l’on peut y trouver. Les dessinateurs français font\n véritablement partie de mes références et c’est sans doute pourquoi mon dessin\n diffère de ce que l’on peut trouver dans les comics américains.

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AK :\n C’est une transition parfaite : quelles sont vos références ? Comment\n avez-vous trouvé votre style ?

BE : Adolescente j’ai étudié les arts graphiques dans\n une école et l’un de mes enseignants était un grand amateur des dessinateurs\n « classiques » de la première moitié du 20^ème siècle comme\n Alex Raymond ou Al Williamson. Il m’a ainsi montré leurs dessins,\n j’ai étudié la façon dont ces derniers étaient à la fois fluides et organiques.\n Je suis moi aussi tombée très vite sous le charme de ce style de dessins ! J’ai\n eu la même réaction en voyant les dessins d’Alex Raymond que lors de ma\n première rencontre avec cet album de Supergirl. J’ai tout de suite voulu\n m’inspirer de ce style en utilisant divers outils tels que des pinceaux ou des\n stylos.

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AK :\n Vous avez donc suivi des courts en école d’art, mais qu’est-ce qui vous plaît\n le plus dans la bande dessinée en tant qu’art ?

BE :\n C’est une bonne question ! J’aime\n imaginer des histoires dans mon coin. Je pense cependant être plus à l’aise\n avec les images qu’avec les mots. Enfant, je m’amusais à dessiner et jouer avec mes propres\n personnages. Et dans un sens, c’est un peu ça aussi la bande dessinée.\n Je suis toute seule, dans mon studio, à imaginer des mondes et des personnages.\n Je peux jouer avec leurs émotions, leurs expressions et les faire interagir\n avec l’environnement qui les entoure. C’est un moyen pour moi d’être à la fois\n indépendante et créative.

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AK :\n Il existe d’autres grands dessinateurs [sud-américains], le plus connu étant Eduardo\n Risso. A-t-il été difficile pour vous de vous lancer et de vous faire une place\n sur le marché américain ? J’ai cru\n comprendre que vous aviez d’abord été publiée au Brésil ?

BE :\n C’est exact. Ce fut très compliqué, en particulier apprendre les arcanes de la\n bande dessinée. J’ai d’abord étudié pendant trois ou quatre ans. Je savais\n plutôt bien dessiner lorsque j’ai commencé à apprendre les différentes\n techniques que ce soit l’anatomie ou la perspective. Mais les difficultés sont\n arrivées quand il a fallu apprendre à structurer mes pages et le storytelling.\n C’était tellement différent que de faire une simple illustration ! Il\n fallait apprendre à concevoir une page et des cases pour raconter une histoire\n qui a du sens, tout en étant joli graphiquement. Cette partie fut difficile et\n ce fut encore plus dur de trouver un boulot ! J’ai donc progressivement fait ma\n place : j’ai commencé en réalisant des illustrations pour un livre\n anglais, puis j’ai travaillé sur une bande dessinée brésilienne Luluzinha Teen e sua Turma qui\n est une sorte de manga brésilien pour les ados. Ce fut une très bonne expérience\n où j’ai beaucoup appris, que ce soit le timing entre chaque page ou approfondir\n la science du storytelling. J’ai dû ensuite attendre trois ou quatre ans avant\n de décrocher mon premier boulot sur le marché américain chez Dynamite.\n Cela m’a demandé beaucoup d’efforts, de temps et d’apprentissage. Ce fut dur\n mais cela en valait vraiment la peine !

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AK :\n Vous avez fait mention de votre apprentissage du storytelling et de sa\n difficulté. Selon-vous, qu’est-ce qui est le plus difficile ? Le choix et\n le respect des angles de vue entre chaque case ? Le décalage temporel d’une\n case à une autre ?

BE :\n Il faut avant tout que je réfléchisse à plusieurs éléments avant de me lancer\n dans le dessin. Il faut avoir en tête le rythme de la page. Si j’utilise un\n angle de vue dans une case, il faut que dans la suivante je respecte le rythme\n et la cohérence de la page. Et quand il faut connecter tous ces éléments, c’est\n un peu comme essayer de résoudre un puzzle très complexe ! Quand je\n travaille sur un album, j’essaie de planifier chaque numéro et je peux parfois\n passer des heures la tête entre les mains à essayer de résoudre ce gigantesque\n puzzle, c’est assez difficile ! C’est donc très différent de l’illustration : chaque\n case doit être compréhensible et apporter quelque chose à l’histoire. D’autant\n que je dois garder à l’esprit dans quelle direction les personnages doivent\n regarder, quels sont leurs costumes… Pour Helen de Wyndhorn, j’ai fait\n des recherches sur les vêtements des années trente, l’ameublement,\n l’architecture. Il faut donc aussi avoir ces éléments en tête. Au même titre\n que la posture des personnages, je dois réfléchir à l’angle de vue avec lequel\n je veux les montrer. Il faut donc avoir en tête tous ces éléments en même temps\n et c’est pour cela selon moi que la bande dessinée est si difficile.

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AK :\n J’imagine qu’un autre élément difficile à maîtriser est la dernière case de la\n page de droite : vous avez certes le script avec vous mais comment\n faites-vous pour savoir quel sera le dessin qui donnera envie au lecteur de\n tourner la page ?

BE :\n Quand vous travaillez avec quelqu’un comme Tom King, vous travaillez\n avec un auteur qui a un sens aiguisé du rythme et de la séquentialité. Aussi,\n je lui fais entièrement confiance pour rythmer les pages car je sais qu’il y a\n déjà réfléchi, cela se sent. Comme je réalise mes crayonnés numéro par numéro, je peux voir comment l’histoire\n se déroule et si l’enchainement entre chaque page fonctionne correctement. Mes\n crayonnés sont toujours très détaillés pour me faciliter la tâche, tout est une\n question d’organisation.

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AK :\n Vous avez évoqué vos débuts\n chez Dynamite, je crois que juste après vous avez également signé chez DC ?

BE :\n Tout à fait.

AK : Vous souvenez-vous comment vous en êtes venue\n à travailler pour l’un des « Big Two » ?

BE :\n Lors de mon passage chez Dynamite, une de mes collègues éditrices, Molly\n Mahan, est partie travailler chez DC. A l’époque, j’allais terminer Shaft,\n ma deuxième série chez Dynamite et une fois cette dernière achevée, elle\n est partie chez DC. Ils travaillaient à l’époque sur une nouvelle série,\n Bombshells. Molly a soufflé mon nom à l’éditeur qui s’occupait de cette\n série et c’est comme ça que DC\n m’a demandé de réaliser deux numéros pour cet album. C’est ainsi qu’a commencé ma collaboration avec eux.

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AK :\n Aviez-vous de l’appréhension à l’idée de vous attaquer à des personnages que\n tout le monde connaît depuis des dizaines d’années ou bien étiez-vous juste\n contente de rejoindre la grande famille des comics de super-héros ?

BE :\n J’étais un peu stressée oui car ce fut avant tout une nouvelle étape dans ma\n carrière. Je ne connaissais pas grand monde chez DC ni comment ils\n fonctionnaient. Mais au final, tout le monde fut très gentil avec moi, les\n éditeurs sont toujours à votre écoute. On s’assure toujours que vous êtes\n suffisamment à l’aise. Aussi, j’ai très vite pris confiance en moi. J’essaie\n toujours de me concentrer sur l’histoire que je dois raconter via mes dessins\n aussi j’essaie de ne pas trop me soucier d’autres choses ! C’est\n déjà suffisamment difficile de travailler sur les planches ! Et au final,\n tout s’est bien passé.

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AK :\n A l’inverse, quand vous avez œuvré sur la série Sugar and Spike, vous avez eu\n la chance de travailler sur deux personnages très peu connus et qu’il a fallu\n moderniser. Comment vous-y êtes-vous prise ? Avez-vous eu carte\n blanche ?

BE :\n Laissez-moi me rappeler…

AK :\n Cela commence à remonter effectivement.

BE :\n Je travaillais donc sur Bombshells, série pour laquelle j’ai réalisé\n quelques numéros. DC\n m’a alors proposé de participer à cette série qu’ils étaient en train de\n planifier. J’ai eu des discussions très intéressantes avec l’éditrice à\n l’époque. Elle avait en tête plusieurs directions vers lesquelles je pouvais me\n diriger. Nous avons donc réfléchi à plusieurs concepts ensemble, j’ai par la\n suite envoyé plusieurs croquis pour qu’ils soient approuvés. Néanmoins, j’avais pas mal de liberté.\n J’ai par exemple essayé d’adopter un style plus classique, avec des traits plus\n simples. Je me suis dit que cela collerait mieux avec le ton de l’histoire qui\n se veut légère. Ce fut une très bonne expérience d’autant que chez Dynamite,\n j’avais déjà eu l’occasion de travailler sur des personnages un peu plus\n « pop ». Pour Shaft qui se déroule dans les années 70, j’ai dû\n faire pas mal de recherches sur le style vestimentaire, l’architecture. Ce fut\n plus ou moins la même chose pour Sugar and Spike mais l’expérience a été\n plutôt chouette.

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AK :\n Par la suite, vous avez travaillé sur votre plus gros projet : Supergirl –\n Woman of Tomorrow. Comment avez-vous rencontré Tom King et comment s’est\n passée votre collaboration ?

BE :\n Eh bien, une fois mon album précédent terminé, The Dreaming, je me suis\n demandé ce que je voulais faire ensuite. J’échangeais avec mon éditeur chez DC\n car je souhaitais continuer à travailler avec eux. Dans l’entre- fait, j’ai reçu un mail d’un autre éditeur chez DC,\n Jamie Rich, dans lequel il me montrait un message qu’il avait reçu de\n Tom lui proposant différentes idées pour un album sur Supergirl.\n Ses idées étaient absolument parfaites ! Supergirl\n est une héroïne qui m’est très chère et qui signifie beaucoup pour moi.\n L’histoire parlait donc de Supergirl accompagnée d’une jeune fille qui\n veut se faire vengeance le tout dans l’espace ! Le pitch m’a paru très intéressant\n et amusant et j’ai donc tout de suite accepté ! J’ai toujours voulu travailler avec\n Tom, c’est quelqu’un de très talentueux. Il m’a ainsi demandé ce que je voulais\n dessiner car il allait se lancer dans la rédaction du script. De mon côté,\n j’avais commencé à réfléchir à des images qui seraient intéressantes à intégrer dans cette histoire. Je lui\n ai donc proposé de partir sur des représentations cosmiques, avec des lignes et\n des traits fluides. J’ai également suggéré un côté poétique, un peu comme Le\n Petit Prince. Il m’a répondu qu’il allait voir ce qu’il pouvait faire de\n tout ça et peu de temps après, il m’a envoyé cet incroyable script. C’est ainsi que tout a\n commencé !

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AK :\n Ce que j’apprécie dans l’album c’est\n que dans les scènes de voyage dans ce « bus de l’espace », vous avez\n dessiné à l’arrière-plan différents extra-terrestres qui vivent leur vie.\n Aviez-vous la liberté de donner vie à ces scènes ou bien suiviez-vous le script\n à la lettre ?

BE :\n Tom est très direct dans ses descriptions. Il va indiquer par\n exemple : « Un bus dans l’espace. Ruthie est assise dans ce\n bus. » Tom est un grand auteur dans la mesure où il vous laisse\n suffisamment de place pour que vous puissiez ajouter votre propre touche. Je me\n souviens qu’il avait mentionné que la scène devait se dérouler dans un genre de\n « classe économique ». C’est pour cela que j’ai voulu représenter un bus\n sale et désordonné, avec différents aliens qui parlent, chantent. Ce sont\n justes des personnages tout à fait lambdas qui s’amusent. J’ai beaucoup aimé dessiner ce\n passage.

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AK :\n Je suppose que vous avez également eu carte blanche pour représenter les\n différentes planètes que Kara et Ruthie traversent ? Ainsi vous n’aviez\n pas à faire des recherches si ces mondes apparaissent pour la première fois.

BE :\n Exactement. J’ai néanmoins dû faire quelques recherches concernant le fameux\n bus par exemple : je suis allée voir des images de bus et de vaisseaux\n spatiaux pour au final mélanger les deux ! Ce fut avant tout un travail d’inventivité.\n Maintenant, si vous demandez comment je m’y suis prise pour imaginer les\n différents extra-terrestres, disons que je me suis servi des premières idées\n qui me venaient à l’esprit. Est-ce que cet alien est plus rond, plus\n anguleux ?

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AK :\n Cela semble si naturel dans votre dessin ! D’autant que vous rajoutez beaucoup de\n détails au second-plan, de sorte que l’on a vraiment l’impression que les\n personnages vivent dans un monde concret et tangible. Combien de temps cela\n vous prend-il pour dessiner ce genre de page ?

BE :\n Pour ce genre d’album, j’ai besoin d’être très rapide…

AK :\n Mais vous ne pouvez pas être rapide avec autant de travail !

BE :\n Il m’arrive de me retrouver coincée sur certaines pages mais je pense que la\n pression que je me mets toute seule me fait aller plus vite. J’ai sept semaines\n pour terminer un numéro de 24 pages et je réalise en moyenne une page par jour,\n parfois un jour et demi en fonction de ce que j’ai à dessiner mais jamais plus\n que ça. En vérité je ne sais pas trop comment j’y parviens. C’est honnêtement\n plutôt fatigant mais j’arrive à travailler plutôt rapidement.

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AK :\n C’est durant votre travail sur Supergirl que vous avez décidé\n de réaliser un autre projet avec Tom King, et c’est ainsi qu’est né Helen de\n Wyndhorn. Pouvez-vous nous en dire un peu plus ?

BE :\n Bien sûr. Avant que je ne termine les dernières pages de Supergirl,\n Tom m’a demandé par mail ce que je souhaitais faire ensuite. Il a adoré\n travailler avec moi et ce fut réciproque évidemment. Il m’a demandé si j’avais\n un personnage chez DC qui m’intéressait ou si j’avais des idées pour\n quelque chose de différent. Je me suis alors dit qu’il serait peut-être bon\n d’aller voir ailleurs, de créer quelque chose d’inédit. En fait, le projet a\n commencé comme Supergirl :\n j’avais certaines images en tête que j’avais\n envie de dessiner. J’ai effectué quelques recherches pour créer un genre de moodboard\n pour Tom. Ce dernier comprenait de vieilles illustrations des années 1900, des illustrations pour de la\n littérature, dans un genre plus classique. J’y ai également inclus des\n références à de la fantasy plus pulp. A l’époque, il était en train de lire Les\n Hauts de Hurlevent et s’intéressait beaucoup à Conan le Barbare de Robert\n Howard. Il a donc combiné mes idées avec ce qui l’intéressait à\n l’époque et m’a très vite envoyé un petit message me présentant ses différentes\n idées : l’histoire d’une jeune femme dont le père était écrivain, qui a\n également un grand-père etc. J’ai trouvé ses idées incroyables, il s’est donc\n lancé dans la rédaction d’un script que j’ai de nouveau trouvé excellent et\n c’est ainsi que je me suis mise au travail.

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AK :\n A-t-il été difficile de designer Helen et les autres personnages ? Comment\n être sûr que vous avez LE personnage définitif pour l’histoire ?

BE :\n Cela m’a pris beaucoup de temps ! Il m’a fallu trois mois pour créer le\n personnage d’Helen. J’ai essayé plusieurs coiffures par exemple. Pour que\n l’album fonctionne, il fallait que son personnage soit suffisamment\n charismatique et intéressant. Le personnage de Lilith aurait pu être très antipathique\n car elle est rigide et assez conservatrice. J’ai donc voulu la rendre également\n attentionnée envers Helen. Cette dernière m’a demandé beaucoup de temps, de\n même que son grand père, mais je suis contente du résultat.

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AK :\n Vous mentionniez Les Hauts de Hurlevent, a-t-il été difficile de mélanger des\n éléments à la fois romantiques, aristocratiques avec ceux de\n high-fantasy ? Dit comme cela, on a du mal à voir comment les deux peuvent\n se marier mais pourtant, vous y êtes parvenu ! Quelle est votre\n recette ?

BE :\n J’adore mélanger des\n choses qui n’ont rien à voir ! Ce fut néanmoins un peu difficile car il a\n fallu que je réalise pas mal de recherches pour les éléments plus réalistes de\n l’histoire (les vêtements, l’architecture…). Je voulais également qu’Helen\n conserve son look vintage y compris durant ses aventures dans le monde plus\n fantastique. Mais c’est le genre de défi que j’aime relever et qui me permet de\n me dépasser. Je ne sais pas vraiment si je pourrais vous donner une recette\n précise, j’essaie simplement de suivre mon instinct, mon intuition.

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AK :\n J’ai rencontré Tom King il y a un mois et je lui ai parlé des différentes\n scènes dans lesquelles on peut apercevoir des monstres gigantesques, d’énormes\n serpents… Il m’a répondu « C’est du Bilquis toute crachée ! ». Il m’a expliqué avoir\n simplement indiqué dans le script qu’il y avait un monstre, et le reste est\n venu de vous. Est-ce vraiment le cas ?

BE : Complètement !

AK :\n Il vous suffit d’une simple indication très vague et vous arrivez à dessiner\n des créatures majestueuses !

BE :\n Tom est quelqu’un d’adorable :\n il sait utiliser les bons mots dans ses scripts pour vous laisser suffisamment\n de place pour être créative. C’est donc bel et bien ainsi que nous avons\n travaillé. Dans Supergirl,\n il ne décrit pas le bus de l’espace, il vous dit juste qu’il y en a un. De même,\n il vous indique qu’Helen et son grand-père escalade une montagne, mais il ne\n vous dit pas à quoi ressemble cette montagne. Il vous laisse suffisamment de\n place pour que vous puissiez faire preuve d’inventivité.

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AK :\n Comment avez-vous réalisé les pages d’ouverture ? Elles semblent\n différentes du reste de l’album. Avez-vous changé les couleurs ?

BE :\n Elles sont effectivement différentes. Je les ai réalisées au crayon. C’est la\n première fois que j‘en utilise exclusivement. J’ai également utilisé un autre\n genre de papier : du 100% coton qui a une texture très différente. Cela\n s’approche un peu d’une toile de tableau. C’est un papier plus doux, je voulais\n vraiment donner l’aspect, le grain d’une peinture ainsi.

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AK :\n Aux Etats-Unis la série a été publiée en single-issues et un élément important\n dans ce format sont les couvertures qui doivent attirer le regard. Avez-vous\n reçu des indications concernant ces dernières ou bien avez cherché à être la\n plus frappante visuellement ?

BE :\n Les couvertures ont été réalisées de A à Z par Matheus Lopes et moi. Nous n’avons pas vraiment eu\n d’indications, j’ai seulement cherché à trouver les compositions les plus\n intéressantes pour les couvertures et qui permettaient également d’illustrer\n l’ambiance de chaque numéro. La couverture de l’édition française chez Glénat\n correspond à celle du deuxième numéro. On y aperçoit\n de nombreuses armes comme des épées ou bien des éléments d’armure. Helen y est également\n ivre ; j’ai essayé de reproduire une posture que l’on pouvait voir dans\n les magazines vintages où les mannequins semblent poser mais danser en même\n temps. Les armes et les fleurs de la couverture font référence à celles que\n l’on retrouve dans le jardin du numéro. J’ai donc essayé à chaque fois de faire\n référence à ce que l’on\n retrouve dans les différents chapitres.

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AK :\n Un film Supergirl est prévu cet été et je crois bien que c’est la première fois\n qu’un film fait explicitement référence à un comics, le vôtre en l’occurrence.\n Avez-vous été contactée\n par Warner ou DC pour certains designs ou bien avez-vous juste reçu un chèque\n de leur part ?

BE :\n Je ne peux pas trop en parler mais je peux vous dire que j’ai réalisé quelques\n éléments promotionnels.

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AK :\n Comme une magnifique couverture pour l’artbook.

BE :\n Oui ! J’ai adoré la dessiner car cela m’a donné\n la chance de dessiner mes personnages à nouveau et de les revisiter ! C’était bien plus amusant que ce à quoi\n je m’attendais. Je ne sais pas pourquoi mais je suis toujours fébrile à l’idée\n de devoir dessiner à nouveau Supergirl, sans doute car elle a gagné en\n importance. Mais quand j’ai réalisé la couverture, ça m’a semblé si\n naturel ! Ce fut vraiment agréable de la dessiner à nouveau ainsi que\n Ruthie, les extra-terrestres tout en les mélangeant aux personnages du film. J’ai vraiment adoré ce travail.

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AK :\n Pouvez-vous nous parler un peu plus de votre collaboration avec Matheus qui\n colorise vos travaux ? Comment fonctionnez-vous ?

BE :\n Je crois que nous avons commencé à travailler ensemble en 2015 mais uniquement\n pour différentes couvertures. Puis, nous avons collaboré en 2018 pour The\n Dreaming car j’avais glissé son nom à mon éditeur. J’ai toujours aimé son\n travail, je le suis depuis ses débuts avant même qu’il ne devienne\n professionnel. Il a retenu mon attention car les couleurs qu’il utilise sont\n tellement différentes. Il y a un côté très doux, son travail sur la\n couleur est très agréable à regarder. C’est vraiment agréable à regarder.\n Il est également très doué pour s’adapter à chaque artiste, il sait trouver le\n bon équilibre à\n chaque fois. Aussi je n’ai pas hésité quand j’ai eu la chance de l’inviter à\n travailler avec moi et depuis, nous n’avons cessé de travailler ensemble.

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AK :\n Vous avez beaucoup travaillé pour DC, allons-nous vous retrouver dans l’écurie\n d’en face, chez Marvel ou bien continuerez-vous à travailler sur des séries\n en creator-owned ?

BE :\n On ne sait jamais ! J’ai\n réalisé quelques couvertures pour Marvel il y a deux ans de ça, ce fut\n plaisant. Pour être honnête, depuis que je suis ado j’ai toujours préféré DC,\n sans doute parce que j’ai découvert les comics grâce à Supergirl. J’ai toujours\n été plus proche de ces personnages. Mais en tant qu’artiste, on ne sait jamais.\n Si l’on me propose une bonne histoire qui aiguise ma curiosité, pourquoi pas.

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AK :\n Qu’est-ce qui vous attend maintenant ? Travaillez-vous sur un nouveau\n projet dont vous pourriez, ou pas, nous parler ?

BE :\n Je suis actuellement en train de réfléchir à ce que je souhaite réaliser par la\n suite. Depuis la publication d’Helen de Wyndhorn, j’ai été occupé par\n d’autres choses sans rapport avec les comics. Mais je me suis rendu compte que\n cela me manquait car c’est vraiment ce que j’aime faire. J’adore imaginer des\n histoires et jouer avec mes personnages, ça me manque. Grâce à Helen j’ai pu\n travailler sur beaucoup de choses qui me plaisaient, le tout dans un seul\n album ! J’essaie\n donc de trouver ce qui pourrait me plaire par la suite.

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AK :\n Et pourquoi pas le marché européen ? Je suis sûr que vous pourriez\n recevoir des demandes de la part d’éditeurs français.

BE :\n Pourquoi pas, je n’ai encore jamais eu l’opportunité de travailler pour le\n marché français ce serait une expérience intéressante. Peut-être !

AK :\n Merci beaucoup pour le temps que vous nous avez consacré Bilquis, ce fut un\n plaisir.

BE : Merci !

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Le programme de Delcourt se déploie tranquillement pour les sorties du dernier trimestre de cette année. Quelques uns des albums prévus sur cette période ont déjà pu être évoqués dans ces colonnes, avec plusieurs nouveautés intéressantes sur le front des comics de Mike Mignola (Hellboy et Contrées Inconnues, pour l'ancien comme pour le moderne) et quelques inédits basés sur des créations originales apparues relativement récemment sur le marché indépendant aux Etats-Unis. Dans cette même catégorie, un autre titre fera ses débuts d'ici cet automne, avec la BD Warm Fusion de Scott Hoffman et Alberto Ponticelli.

Scissor Cyberpunk

Publiée chez DSTLRY en version originale, la mini-série en question passe pour une nouvelle preuve de la reconversion tardive du musicien Hoffman (qui reste plus connu pour avoir fondé le groupe de glam rock Scissor Sister du point de vue du grand public) vers les arts séquentiels. En dehors d'un long parcours vécu depuis les studios d'enregistrement et les salles de concert, celui-ci s'est effectivement lancé dans l'écriture de BDs depuis quelques années en multipliant les projets, avec Nostalgia (en compagnie du vétéran croate Daniel Zezelj) et Wag, deux titres publiés chez Comixology. En l'occurrence, avec Ponticelli, il se sera cette fois donné pour objectif de visiter les poncifs de la fiction cyberpunk. La vraie, la classique, celle avec les néons, les crimes des bas quartiers et la pluie.

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En compagnie de Ponticelli, authentique champion du polar fataliste, Hoffman a effectivement imaginé une nouvelle version du futur encore et toujours gangrené par les corporations. Depuis New York, au sortir d'une vague de radiations provoquées par un incident terroriste, une entreprise s'est proposée de formuler un traitement par la voie d'un solution miraculeuse. La compagnie en question propose d'utiliser le \"Warm Fusion\", une technologie de biotech pensée pour remplacer les prothèses, et soigner toutes celles et ceux qui auront été exposés aux mutations provoquées par les radiations (dans un style David Cronenberg, si vous voulez vous faire une idée).

C'est dans ce contexte qu'une série de crime odieux s'abat sur les quartiers pauvres de la ville, et que, ensemble, un policier et une prostituée vont remonter la piste des cadavres jusqu'aux sommets de la pyramide. Bien sûr, comme d'habitude, les racines des meurtres remontent aux terribles secrets de la mégacorporation locale. En somme, du vrai cyberpunk bien de chez nous.

\"Après une série de meurtres dans les bordels de la ville, Vin Young, une escort-girl - qui fait partie de cette génération de victimes difformes - traque un ou des tueurs. Elle fait équipe avec Jarrod Hannover, le seul policier chargé de l’enquête. Leurs investigations les mènent jusqu’à une mégacorporation de la biotech, qui développe la \"Fusion Chaude’, une technologie destinée à remplacer les prothèses. Ils font face à un scientifique sociopathe et une créature qu’il a développée en secret.\"

Warm Fusion est attendu pour le 8 octobre 2026.

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Lors d'une interview qui passe aujourd'hui pour une référence notoire si l'on veut s'intéresser aux obsessions du scénariste, Ed Brubaker était revenu sur le cas du comics Criminal : Bad Weekend. Interrogé sur le choix d'avoir basé son intrigue dans le monde secret de l'industrie des comics, pour concevoir un polar noir dans les moulures de ses fictions habituelles, celui-ci avait alors déclaré : \"si vous me donnez cinq minutes, je peux transformer n'importe quel sujet en roman policier\". Vous apprécierez la franchise de l'auteur obsessionnel.

Or, de la même façon, Cullen Bunn est pourvu du même super-pouvoir. Entre les mains de ce créateur prolifique, incapable de laisser passer six mois sans une nouvelle création originale (ou deux, ou trois), le moindre sujet, le moindre objet peut servir de base pour l'horreur. Le poker, le théâtre, les chats, le tatouage, le rock, les jeux-de-rôle, les représentants du commence en porte-à-porte... comme un inépuisable distributeur de BDs tournées vers la trouille qui peut s'accomoder de n'importe quel terreau, celui-ci aligne les trouvailles, toujours plus farfelues. La preuve, avec Cult-de-Sac.

Nos Pires Voisins

Après avoir établi une base de travail au sein de la jeune compagnie Ignition Press (ce qui n'étonnera personne : Bunn est connu pour semer des projets un peu partout, compte tenu de sa productivité anormale), le scénariste est de retour avec une nouveauté attendue pour le mois d'août. En compagnie de Fico Ossio, celui-ci s'est donné pour objectif de traiter le sujet réel des organisations de voisinage aux Etats-Unis, une authentique problématique de société dans les banlieues résidentielles locales. A savoir : les tristement célèbres \"HOA\" (\"Home Owners Associations\"). Emblématiques d'une vision normative de l'immobilier en Amérique du Nord, ces regroupements, comparables aux syndicats de copropriétaires français, sont connus pour imposer toute une variété de chartes et de normes absurdes aux résidents de certains espaces privés.

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Nées dans les années soixante, au moment de l'explosion des banlieues pavillonnaires en reflet de la croissance économique et de la naissance d'une classe moyenne dominante, les \"HOA\" sont connues pour leur amour de l'uniformité visuelle. Celles-ci vont donc normer l'apparence des maisons, des pelouses et des décorations, et taxer toutes celles et ceux qui dérogeraient aux codes en vigueur. Et malheur aux propriétaires récalcitrants : dans le formidable pays de la liberté, une \"HOA\" peut exproprier toutes celles et ceux qui refuseraient de suivre les commandements obligatoires (par la voie des mises en hypothèques légale) et foutre dehors les excentriques qui auraient oublié de tondre le gazon devant chez eux sur un espace de six jours. Inutile de vous dire que les potagers ou le linge-tendu en place publique est aussi interdit, et pourra vous valoir d'être banni du quartier pour de bon. Si vous vous demandiez pourquoi toutes les maisons ont la même tronche dans Desperate Housewives ou Maman J'ai Raté l'Avion, vous voilà renseignés.

Avec Cult-de-Sac, Cullen Bunn et Fico Ossio vont donc extrapoler sur cette logigue des BDs basées sur les voisins malfaisants. Un peu comme le film Banlieusards de Joe Dante. Ou Fright Night, quelque part. Pour le pitch officiel :

\"La famille Hanson vient d'emménager dans une nouvelle maison, et compte bien s'approprier les lieux. Mais dans ce quartier, mieux vaut ne pas s'attirer les foudres de la Home Owners Association. Celles et ceux qui ont essayé de défier le syndic' locale ont été frappés par toute une batterie d'actes violents, et la famille Hanson va vite découvrir que dans le quartier de Cult-de-Sac, il vaut mieux obéir aux codes prévus par le règlement !\"

Sortie prévue pour le mois d'août 2026 avec des couvertures d'Ebrahel Lurci, Aneke et Philip Tan.

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Au début de cette année, la piste d'une nouvelle création originale avait été évoquée du côté pour le scénariste Si Spurrier. Toujours en lice pour décrocher la palme de l'auteur le plus talentueux de sa génération (les pronostics vont bon train), celui-ci avait effectivement prévu de poser ses valises chez Ignition Press le temps d'une série futuriste, Minotaur, pensée comme le reflet de nos angoisses modernes autour de cette frénésie d'inventions apparues dans le quotidien de l'espèce humaine récemment. BleedingCool va même plus loin, en présentant le projet comme un héritier moderne du chef d'oeuvre Planetary de Warren Ellis. Laquelle partait d'un point de vue similaire, autour de l'anxiété des années deux mille et de la digestion d'un siècle de fiction sur le point de s'achever.

Quand l'Algo' se rebiffe

Et de la même façon que Planetary, Minotaur devrait encore une fois se concentrer sur un trio de personnages chargé de mener des enquêtes, de résoudre des problématiques gravitant autour d'une extrapolotation volontairement fantasque de la peur des robots de toutes sortes, en croisant culture pop', référents politiques clairs et feuilleton policier par épisodes. Peut-être pas forcément sur le même mode (un numéro, un épisode, un monstre), mais le communiqué de presse cite bien la série X-Files comme matrice de référence. En inversant les aliens et les algorithmes, qui passent pour une menace plus tangible dans le présent. Pour rappel, l'introduction de cette nouveauté (Minotaur : The Cold Open) avait été publié dans les sorties du weekend FCBD/CGD en mai dernier.

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Il était donc temps de solliciter les premiers numéros. De ce point de vue, Ignition Press se récupère une belle exclusivité pour cette année avec le projet de Spurrier illustré par Michael Dowling (Unfollow). Minotaur vient confirmer le bel état de forme de cette maison d'édition lancée l'an dernier, et qui s'est déjà rendue coupable de toute une petite variété de productions ambitieuses. Pour le descriptif officiel, c'est tout simple : la Boîte de Pandore a été ouverte, mais cette fois, seuls quelques maux ont été capables de s'échapper de ce receptacle dangereux. Quelque part sur la toile et dans le monde réel, un dieu algorithmique calculé comme la piste logique d'un futur probable a semé les graines de sa descendance future avant d'être maîtrisé par un protocole de sécurité informatique. Désormais, seul un petit groupe de personnages est désormais capable de contenir la menace que représente ces fragments d'un avenir castré.

\"Cinq ans plus tôt, un super-ordinateur du gouvernement des Etats-Unis a atteint un point de singularité : un calcu permettant de débloquer un énorme bond en avant pour toute forme de technologie. Personne n'aurait pu imaginer pareille situation... ou contrôler ses effets. Subitement, l'IA est devenue une intelligence suprême. Ou presque. Quelques picosecondes plus tard, les mécanismes de sécurité internes de la machine ont été activés. La classe des puissants, en tentant de freiner le progrès de l'espèce humaine, a brutalement mis un coup d'arrêt aux calculs de l'ordinateur. Mais pendant un bref instant, les germes de cette nouvelle révolution, arrêtée en plein élan, ont été transmis à travers les câbles de la machine, par les ondes, par les réseaux.

Les secousses de cette petite Boîte de Pandore se ressentent désormais dans le monde réel : des créatures terrifiantes, des événements inexplicables se sont retrouvés en liberté sur la planète. La série Minotaur suit l'histoire de ce futur qui tente de riposter, l'aventure d'une photojournaliste cynique, Gloria Monday, choisie pour devenir la messie de cette révolution. En compagnie d'un ancien militaire pragmatique qui veille sur elle, et de l'ancien tech-bro repenti qui finance dans le secret leur mission, ce trio va tnter révéler la réalité de toute l'affaire aux yeux du monde et de documenter l'existence de ces créatures venues du futur technologique incontrôlable.\"

Minotaur #1 est attendu pour le 15 juillet 2026 avec des couvertures de Mike Dowling, Anwita Citriya, Martin Simmonds et Jock.

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